Musikalisch erweitert Czocher ihr Instrumentarium deutlich, perkussive Spielweisen auf dem Cello verbinden sich mit Moog-Synthie, elektronischer Bearbeitung und erstmals auch mit eigenem Gesang. Als Bezugspunkte nennt Czocher Komponisten wie Johann Sebastian Bach und Zoltán Kodály sowie zeitgenössische Figuren wie Max Richter und Steve Reich. Dobrawa Czocher, ausgebildet an der Chopin-Universität in Warschau und der Hochschule für Musik im westphälischen Detmold, arbeitet als Solistin, Kammermusikerin und Orchestermusikerin. Bekannt ist auch ihre Zusammenarbeit mit der Pianistin Hania Rani, mit der sie mehrere gemeinsame Veröffentlichungen vorgelegt hat. Ihr Solodebüt erschien im vorigen Jahr unter dem Titel “Sonata For Solo Cello: Joanna’s Tale”. “State Of Matter” erscheint als LP, CD und zum Download.

Die Britin, die auch als Schauspielerin tätig ist, hatte uns schon mit ihrem 2020 veröffentlichten Debüt „Debris“ beeindruckt: „Man muss für Musik, die sich nicht dem Mainstream andient, nicht direkt Scott Walker als Vergleich ins Feld führen, denn vielleicht verstellt das nur den Blick auf ein beeindruckendes Debütwerk, das auf acht Songs die titelgebenden psychischen ‘Trümmer’ vor dem Hörer ausbreitet.“ Auch der Nachfolger „Limbs“ knüpfte qualitativ daran an: „Sucht man Vergleiche und Referenzen, die dieses Album natürlich nicht nötig hat, könnte man durchaus auf Tara Burke verweisen oder aber auch darauf, wie im Spätwerk David Sylvians (natürlich bei komplett anderer Instrumentierung und Arrangements) Stimme und Musik zusammenkommen.“

Auch auf dem inzwischen dritten Album – zwischendurch erschien noch eine EP – ist ihre Stimme im, ist sie das Zentrum des Albums. Wenn man bedenkt, dass Forsyth vor ein paar Jahren erkrankt war und eine Zeitlang ihre Zunge nicht bewegen konnte, so wirken all ihre Aufnahmen mit ihrer unglaublichen physischen Präsenz wie ein Gegenpol zu der brutalen Fakzitität der organischen Auflösungsprozesse, die uns alle irgendwann erledigen. Das Artwork ihrer bisherigen Veröffentlichungen rückte dann auch konsequenterweise den Körper bzw. Teile von ihm immer wieder ins Zentrum des Bildes.

“The Hollow“ ist beeinflusst von der Landschaft, die sie von ihrem Studio aus sehen konnte: „The moors, visible from her studio window, impact upon a music that feels made of these places: windswept, rain-soaked and blinking through the low-lit landscape. The album’s title derives from discovering a long-abandoned mining shaft whilst out walking – the past lurking within and haunting the present we now occupy.“ Das Album beginnt mit „The Answer“ und ihre Stimme scheint noch dunkler zu klingen, wird nur von einer fast schon sakralen Orgel untermalt. Das mehrstimmig gesungene Titelstück erinnert anfangs an einen gregorianischen Choral, begleitet vom Ticken einer Uhr. „It’s hopeless“, „There’s no help here“, hört man sie singen. Zwischendurch ist ihre Stimme leicht verfremdet, flächige Streicherpassagen setzen ein. Im dazugehörigen Video sieht man Schwarzweiß-Aufnahmen einer ruinösen Landschaft. „Come And See“ wird eingeleitet von bedrohlichen Cellopassagen, auf „Eve“ singt sie zu dunkler Streicherbegleitung: „A cold wind seeps the world within“. Auf „Turning“ scheint sie fast atemlos zu sein, intoniert Silben, dazu dann das dynamische Saxophonspiel von Colin Stetson: „My breath leaks from this hole“. „A Shift“ beschreibt, wie sie ihre Kleidung anzieht: “I take both arms and I construct the best way to enter“, „I perform hands/I create structures“. „Slush“ ist von Harmoniumdrones durchzogen, auf „Do I Breathe“ bestimmt ein Klavier das Klangbild, die Streicher auf “In The Corner“ klingen wie Sirenen und der Körper wird zu “crossroads of flesh”. Der Abschluss des Albums fällt dann mit dem Pianostück “Creature“ verhältnismäßig sanft aus. „The Hollow“ ist wie die beiden Vorgänger eine in beiderlei Wortsinn schwere Musik, die einen aber umso mehr berührt. Francis Bacon sagte einmal, sein Thema sei der “human cry [...], the coagulation of pain and despair” (MG)

Label: 130701 / FatCat

Dmitry Evgrafov @ FatCat / 130701

Der Entstehungskontext wird auf Craigs Bandcampseite extensiv erläutert: Craig schreibt, dass er aufgrund der Waldbrände, von denen British Columbia heimgesucht wurde, sein Aufnahmeequipment zu einer kleinen Hütte, die seinem Großvater gehörte, der inzwischen in einem Pflegeheim lebte, transportierte. Während der Aufnahmen verstarb dieser – u.a. weil sich der Zustand seiner Lungen durch die Auswirkungen der Brände noch weiter verschlechterte. Hier fielen also eine persönliche und eine ökologische Katastrophe zusammen. Dazu führte Craig eine Fernbziehung zwischen zwei Kontinenten. Ob es notwendig ist, all das über die Genese des Albums zu wissen, um es angemessen zu rezipieren, sei dahingestellt, aber ich denke, „Red Sun Through Smoke“ ist eine enorm starke Veröffentlichung, die auch ohne jedwedes Kontextwissen bestehen kann/könnte.

„Red Sun Through Smoke“ beginnt mit dem kurzen choralartigen „Random“. „The Smokefallen“ setzt ein mit verrauschten, immer wieder abbrechenden und neueinsetzenden Pianofiguren, die dann in Noise untergehen. Craigs Gesang klingt wie eine Mischung aus Roland Orzabal und David Åhlén, so auch auf „Weight“, das einen fast schon sakralen Charakter hat. Auch hier bricht zwischendurch Rauschen ein. Das leiernde „Comma“ wird von fragilem Gesang durchzogen. „Condx QRN“ ist das vielleicht experimentellste Stück des Albums: Das durchaus bedrohliche Brummen und Dröhnen, in dem man eine Stimme erahnen kann, lässt fast schon an Industrial denken. „Mountains Astray“ ist dagegen eine verhältnismäßig straighte Klaviernummer. Das tief melancholische „Last of the Lantern Oil“ mit seinen verrauschten Pianopassagen klingt, als habe Tor Lundvall Coils „The Dreamer is Still Asleep“ auf einem defekten Tapedeck gecovered. Das Leiern und die Auflösungsprozesse gehen dann in „Supper“ über: „We had grief for supper“ intoniert Craig mit zerbrechlicher Stimme. „Open Like a Loss“ ist vielleicht Craigs Version eines gregorianischen Chorals. Die wunderschöne Ballade „Stories“ schließt das Album ab.

Das Verrauschte der Aufnahmen gibt den insgesamt 12 Stücken etwas Zerbrechliches, Temporäres, wobei Craig vor dem Hintergrund der persönlichen Tragödie zutreffenderweise auf die Begrenztheit von Kunst(werken) hinweist: “Every poem pales in comparison to life”. (MG)

Label: 130701 

In ihrem gleichnamigen Debüt, das vor kurzem beim FatCat-Ableger 130701 erschienen ist, verarbeitet die heute in Warschau lebende Musikerin die Erinnerung an ihre Herkunft und ihr früheres Leben als eine imaginäre Landschaft – lieblich, oft mit verstörten Augen des Nachts wahrgenommen, durchaus turbulent und geheimnisvoll, doch niemals schroff und zugleich frei von Pathos aller Art.

Wenn sich aus den zittrigen Strichen des Openers recht bald eine hypnotisierende Melodie herauswindet, könnte man fast meinen, den Auftakt eines eher minimalen, leicht dronigen Cellowerks in der Art Hildur Gudnadottirs zu hören, doch Resinas Musik ist abstrakter und hinterlässt zugleich einen spielerischen Eindruck. Oft scheint sich die Musik auf der Stelle zu bewegen, fast schüchtern und zugleich mit einer gewissen Abenteuerlust tastet sich der Bogen voran, bis ganz überraschend etwas Konkretes Form annimmt: markant exponierte Motive, Rhythmen oder melodische Passagen, in denen das Instrument wie eine Violine gespielt wird.

Manche Stücke wären wie geschaffen für einen dramatischen Filmscore und gestalten sich ausgesprochen düster, wie Titel wie „Nightjar“ oder „Dark Sky White Water“ schon andeuten. Bedrohliche Tiefe rollt an, und wenn es bisweilen fast folkig zugeht, ist es doch eher die formlose Dekonstruktion dessen, übertönt vom perkussiven, aber taktlosen Spiel mit den Saiten. Das Unwetter, das sich im letztgenannten Track zusammenbraut, entlädt sich dann auch in einem furiosen Rhythmus, der das Stück in dramatischer Opulenz ausklingen lässt.

Ihr wehmütiger Sopran in „Not Here“, dessen Vocals ohne Text auskommen, bildet den Kontrapunkt dazu und verleiht der Platte einen getragenen, melancholischen Ausklang, bei dem aber auch Hoffnungschlimmer anklingen. Das klingt widersprüchlich und soll es vielleicht auch ein bisschen sein, denn Resinas Musik lebt zu einem großen Teil vom Zauber der Dichotomie, lässt Form und Spiel, feste und vage Struktur immer wieder gegeneinander antreten, um sie dann doch miteinander zu versöhnen. (U.S.)

Label: 130701