Dieser Charakterzug findet sich auch in seinem jüngsten Release “Zenith”, das bereits vor elf Jahren, kurz nach Wilsons Umzug von der Bay Area nach Berlin, aufgenommen wurde und anscheinend seit dem in einer Schublade der Dinge harrte. “Zenith” wird vom Label als EP bezeichnet, aber man sollte dazu sagen, dass das bislang digital erschienene Release über eine Stunde lang ist – in einer Zeit, in der Hinz und Kunz jeden streambaren Einzeltrack als Single bezeichnen, würde wahrscheinlich der mit achteinhalb Minuten Spieldauer kürzeste Track dieser Veröffentlichung bereits als EP durchgehen. Man kommt hier also intensiv auf seine Kosten.

Das knapp halbstündige “The Zenith Greeted” eröffnet das Album mit anfangs leisem Rascheln, in das sich bald verhalltes motorisches Brummen mischt, das sich schnell jedoch als rasant und kompromisslos entpuppt. Eine rhythmische Struktur entfaltet sich, deren schnelle Abfolge von leicht verzerrtem Rauschen und alarmierenden Hochtönern in wellenförmigen Intervallen abtaucht und wieder deutlicher an die Oberfläche drängt. Trotz der nicht wirklich regelmäßigen Repetition der einzelnen Motive vermag sich eine hypnotisierende Wirkung einzustellen, die erst mit der deutlichen Steigerung des Stücks aufgehoben wird: Das Rauschen wird noisiger, kratzender, die Hochtöner schriller, und all dies geschieht in gut bemssenen Relationen, die keine allzu deutlichen Brüche, aber auch keine reine Gradualität zulassen. Hat der Track seinen Zenith erreicht, kann man noch über zehn Minuten im dynamischen Lärm baden.

Die drei folgenden Tracks von unterschiedlicher Länge entfalten eine ähnlich starke Intensität. “Exclamations Bewilderment” versprüht mit unpoliertem Brummen einen warmen Sound, der auch als Hintergrund für hohe Sinustöne herhält, die sich – nicht untypisch für Conure, der sich weit entfernt vom angesagten Lush Noise immer ein dezentes Moment bewahrt – durchaus noch diesseits der Schmerzgrenze bewegen. Aus diesen kristallisieren sich zwitschernde Töne und später schrilles Schleifen, die nicht die einzigen Komponenten bleiben, die auch diesem vordergründig statischeren Stück Bewegung verleihen. Das zu Beginn subtil-verhaltene “Stoppages” mischt die Illusionen aquatischen Plätscherns und hechelnd fauchender Stimmen in ein verrauschtes Szenario. Hier sind es in schwer greifbares Schaben und Hantieren gehüllte unregelmäßige Detonationen, die das Stück auf seinen Höhepunkt zutreiben.

Im schwindelerregenden zweiten Teil, der, abgesehen von seinem steilen Zenith, in seiner trockenen Klangbeschaffenheit kaum Ähnlichkeit mit seinem Vorgänger aufweist, findet die rasante Reise ihren Abschluss, und man stellt ganz erstaunt fest, wieder eine Stunde älter geworden zu sein – dies weil Conure auch hier ein Meister im Umgang mit Spannungskurven ist und darüber ein Händchen für die Transformation von Sounddetails hat, bei der vieles in verwandelter Form wiederkehrt und wenig verloren geht. (U.S.)

Label: Brutal Forms

15 Degrees Below Zero ist das Projekt der drei Kalifornier Mark Wilson (besser bekannt als Conure), Daniel Blomquist und Michael Addison Mersereau, die in den 90ern bereits unter dem Namen Imperial Floral Assault Unit zusammenarbeiteten, und machte vor allem in den Nullerjahren von sich reden. Nach Wilsons Umzug nach Berlin und der Konzentration der Musiker auf andere Projekte wurden die Aktivitäten irgendwann seltener, und so brauchte es beinahe ein Jahrzehnt, bis „Open Doors“ fertig gestellt wurde.

Wenn es einen roten Faden auf „Open Doors“ gibt, dann dass die in den einzelnen Stücken entworfenen, meist düsteren Settings nie klar definiert bleiben, sondern immer wieder ihre Gestalt durch subtile Überblendungen und Verästelungen modifizieren. „Horizon, Skyline“ – der Opener und gleich längste Track des Albums – startet mit verunsichernden Rumpel- und Kratzgeräuschen, eingehüllt in eine mysteriöse Wolke aus dichtem Rauschen. Doch von titelgebenden Horizont dringt bald ein tief erdendes Ambientdröhnen ins Zentrum des Geschehens, intensiviert sich und verdrängt alle Kantigkeit, um am Ende Platz für weitere, perkussive Details zu schaffen, und so entpuppt sich jeder Moment, in dem man verweilen möchte, als vergänglicher Übergang zu weiteren, unbestimmten Orten.

Die abgeklärte Desolatheit, die sich bereits hier erahnen lässt, scheint in den folgenden Tracks deutlicher hervor: Im „The 5:15“ betitelten Stück breiten sich rauschende Wellen wie schwerer Atem über monotones Saitenspiel aus und mutieren zu etwas, das an gequälte Stimmen erinnert – alles scheint sich hier auf eine Eskalation zuzubewegen, während das Gitarrenmotiv stoisch unverändert bleibt, bis perkussives Klopfen für etwas Erleichterung sorgt. In manchen Stücken scheint es in emotionaler, atmosphärischer Hinsicht am Ende doch so etwas wie ein kleines Fazit zu geben.

Noch weitaus unbestimmter und wechselhafter offenbart sich der Titeltrack, der sich zunächst als knarriger Ambietdowner in die Gehörgänge bohrt. Hat man sich erst einmal eingelebt in seiner resignativen Statik, so sorgen allerhand kleine feine Bewegungen für Erleichterung: Helle Sounds bimmeln wie abstrahierte Glöckchen durch den Raum, doch das wiederum ist nur die Ankündigung für einen durch donnernde Detonationen eingeleiteten Sturm, der viel ungehörtes aufwirbelt. Interessant ist dass all diese gegensätzlich wirkenden Bestandteile der Kompositionen sich nie gegenseitig in Frage stellen, sondern in all ihrer Ambiguität zu koexistieren verstehen – vielleicht ist dies am deutlichsten spürbar in “White Sands”, dessen treibende Dynamik aus dem Hintergrund wirkt und die anrührende Melodie im Vordergrund nie antastet. es ist eines der kraftvollsten Stücke des Albums.

So haben letztlich alle Stücke ihre eigene kleine innere Dramatik, ihre eigenen Brüche und Richtungswechsel, und natürlich auch ihre Schwerpunkte. Lässt der nach dem Roten Meer benannte Track eine wuchtige Ambientwelle eine fast meditative Unbewegtheit in dem mit Klappern erfüllten Raum entstehen, so offenbart sein am Ende des Albums verortetes Pendant “The Dead Sea ” die größte Ambiguität zwischen Ruhe und Unruhe, zwischen getriebener Bewegung, schönen Synthie-Soundscapes und einem rabiaten Noise, der von etwas, das an Schreie erinnert, durchzuckt ist.

“Open Doors” ist ein ungemein reichhaltiges Album und jedes enthaltene Stück würde den Stoff für einen kongenialen Filmscore abgeben. Wenn die so untermalten Stoffe – mehrere Kollegen schrieben zurecht über postapokalyptische Dystopien – durch zahlreiche Ereignisse und zugleich durch eine nie zu eindeutige Stimmung auffallen würden, wären sie der Musik am ehesten angemessen. (U.S.)

Label: Oxidation

“Wooden Train and Sand”, das die erste Seite ausfüllt, ist der Auszug eines Sets, das vor einem Jahr auf dem polnischen “Come With Us”-Festival aufgeführt wurde, und repräsentiert die subtile, soghafte Seite Conures, dessen Musik immer auch für eine Überschreitung von Genregrenzen innerhalb lärmiger Klänge (Soundart, Noise, Post-Industrial) steht. Trotz des verauschten Brummens, das sich in gebotener Unregelmäßigkeit steigert, schafft der Track eine fast entspannt psychedelische Atmosphäre, die sich durch alle vagen Episoden und Wegmarken – vorübergehendes Stocken, minimale Taktung, hochtönende Tupfer und ein infernalisch prasselnder Abschluss – zieht.

Das 2014 in der Hamburger Roten Flora gespielte “It’s Ready Now” ist in voller Länge dokumentiert und kommt auf ebenfalls rund siebzehn Minuten. Hier wird von Beginn an auf eine breitere Palette an Kunstgriffen gesetzt, der Sound ist kerniger, strukturell geht es stockender, zerfledderter, heterogener zu. Überraschende Eruptionen und allerlei plötzlich hereinbrechende Details monumentaler, rhythmischer und manchmal fast orchestral hochtönender Natur schaffen ein unberechenbares Narrativ, bei dem man stets auf einen Höhepunkt wartet, von dem man beim dröhenden Ausklang nicht einmal wirklich sagen kann, ob er jetzt stattgefunden hat oder nicht.

“Abschied” ist nicht nur als Rückblick auf die Live-Aktivitäten der letzten Jahre ein sehr persönliches Release geworden und steht im Zusammenhang mit persönlichen Verlusterfahrungen der letzten Zeit. Somit darf man auch den Titel des klanglich mehr als soliden Werks nicht als Absage an weitere Konzerte missverstehen.

Label: Low Perspective

Wer mit dem ambienten Noise früherer Conure-Releases vertraut ist, wundert sich vielleicht, dass der Opener „What we need“ jegliche Einleitung ausspart und gleich laut und verstörend zur Sache geht. Vielschichtiges Schleifen und Rauschen, durchdrungen von prasselnder Perkussion und einem an den Nerven zerrenden Pfeifton erinnern mehr als nur latent an aggressiven Powernoise, nur die gleitende Monotonie lässt noch entfernt so etwas wie Ambient anklingen. Erst im Laufe des Tapes zeigt Wilson, dass seine Stärken eher im subtilen Spiel mit Andeutungen und im spannungserzeugenden Herauszögern dramatischer Höhepunkte liegen. Die meisten Stücke bauen sich eher langsam auf, spielen mit Erwartunghaltungen und gehen erst mit der Zeit über in derben Lärm, der selten mit soviel Selbstbeherrschung Hand in Hand geht. Laute, atonale Höhepunkte gibt es nur an ausgewählten Stellen, denn Wilson weiß sein Material gut zu dosieren und vor Abnutzung zu bewahren. Dies gilt auch für die latent rhythmischen Momente, die man als Hörer mit nachvollziehen muss, da sie meist nur angedeutet bleiben, so dass der Titeltrack beispielsweise nicht wie ein SPK-Fanboy-Angstpop-Stück endet, sondern als eine von MG-Salven zerfetzte Kakophonie.

Zerfetzt und derangiert muten auch die weniger dramatischen Momente an, so das leicht rituelle „Full Renewal“. Das unterschwellige Knarren, das dem Stück zugrundeliegt, ist mein Lieblingssound dieses reichhaltigen Tapes, auf dem jeder Moment zählt und keine überflüssige Zeit geschunden wird. (U.S.)

Label: Silken Tofu