Daniel and I first met in 2011. We became friends through a shared interest in photography, music, hiking, and in subverting expectations and templates. Since then, we have collaborated on numerous visual and musical projects. When we decided to work together on Smelter, I gave him five recordings of my piano compositions which he treated and added his own elements to – turning them into long drone formations. These were then combined with the various water based field recordings we’d made individually.

Making records this way creates an aural archive of place/time and environment – in the same way a film photograph holds onto a vision in time: the single moment when light is suspended in microscopic halide crystals which can then be recreated and reinterpreted: a form of time travel, where the past is both fixed and also accessible in the present. Daniel is a great story teller. Every album he’s made holds a narrative, and I have been lucky enough to hear many backstories! With “ Smelter” perhaps we have created a time capsule, an index in which to place our combined story telling for listeners to share. -Faith Coloccia

When I was young kid my favourite book in the world was the Dictionary. Hey, It’s the book of life from A-Z! I worshiped the Dictionary like the holiest of books. One Sunday morning I was being bored out of my mind at church. The pastor gave a sermon and preached that “There is no definition in the dictionary for the word “Faith” and that is why it’s so special”. As soon as I got home I cracked open my holy dictionary and searched for “Faith”. Found the word in there but really not much of a definition offered. That mystery of the word “faith” stuck with me all my life and has been a great influence. I’m always searching for the impossible to define things in life. Or even try to create the undefinable! In which I strive for with my own music. What the HELL does this childhood story have anything to do with this collaboration album with Faith Coloccia???? Maybe nothing or maybe EVERYTHING! But this silly childhood church story came to mind when asked to write about our album. This collaboration recording with Faith Coloccia took many years and the longer it took for Faith Coloccia to finish it the better and stronger and even stranger the music became. Whenever Faith would apologise to me for the delay I would respond: “Faith…… I got faith in ya!” And so here we are with a collaboration album that is so special to Faith and myself that I do believe this music cannot be defined or captured by words. And that’s why it’s so special.“ Daniel Menche

@ Room 40

Bei Zusammenarbeiten von Künstlern, die beide eine sehr konsequente und charakteristische Klangsprache haben, kann es passieren, dass die Zusammenarbeit misslingt, so dass letztlich noch weniger als die Summe seiner Teile dabei herauskommt. „Sacrificed Phloem (zannec line)“ ist allerdings eine mehr als nur gelungene CD. Die Arbeitsteilung war laut Linernotes so, dass Menche die „original raw sound materials“ lieferte, die López dann „evolved, composed, mixed and mastered“.

Das knapp einstündige „Sacrificed Phloem (zannec line)“ – Phloem bezeichnet die Nährstoffleitbahn von Pflanzen – beginnt mit einen dunklen Pochen, verhallenden Schlägen; daraus entwickelt sich ein dunkles, metallisches Dröhnen, das sich temporär fast dem Dark Ambient annähert, dann Knistern, ein lautes Anschwellen, das zwischenzeitlich eine Art von Rhythmus vorgibt. In diesen Momenten ist der Track geprägt von einer gewissen Unruhe,man meint, man höre zahlreichen Zikaden zu, während es dröhnt, Sounds brechen ein, und dann plötzlich (fast) Stilel: nur noch ein entferntes Rauschen ist vernehmbar, dann ein Geräusch, so als würden Schlittschuhe über Eis kratzen. Gegen Ende setzt brutales elektronsiches, zerhacktes Gebrutzel ein, das etwas an „Cruise“ von Whitehouse erinnert, bevor der Track dann ruhiger ausklingt. Es ist sicher eine der abgegriffeneren Metaphern, wenn man davon spricht, Musik nehme einen auf eine Reise mit, aber diese unglaublich variablen wie variantenreichen 56 Minuten machen tatsächlich genau das. (MG)

Label: Drone

“I realized that the human singing voice contains the most dynamic harmonics and stands on top of that list of true music purity. [...] It struck me that a baritone and a falsetto voice of the two would get the job done—to make an hour-long piece of continuous music that melts gravity and gives the sense of soaring”. (Daniel Menche, zitiert nach Brian Cook)

Der eigentlich ganz prosaische Projektname verweist auf den Zeitpunkt des Entstehens der Aufnahmen, den titelgebenden Sommer 2017, als sich alle im Studio von Turner und Coloccia mit Randall Dunn als Produzenten trafen. Dabei ist der Kontext nicht ganz unwichtig, denn kurz nachdem die Aufnahmen beendet worden waren, wüteten im Bundesstaat Washington heftige Waldbrände. Letztlich ist es also vielleicht ganz passend, dass diese Platte im so seltsamen Jahr 2020, einem wahren Annus horribilis, erscheint. Coloccia selbst meint: „Thinking about this record now, [...]it seems like we were all sort of anticipating something like this current pandemic happening, although we were thinking about it as fire in the hands of man (literal fire, and also gunfire) that would overturn the normal running of things and reveal the current false beliefs systems holding up most of America.” Da wird im Nachhinein den Künstlern vielleicht etwas viel antizipatorische und visionäre Kraft zugesprochen, aber das spricht überhaupt nicht gegen dieses grandiose Album.

„Chorus Of The Innocents beginnt mit einer Trompete (?), die an an- und abschwellendes Sirenengeheul erinnert. „Perceived Slight“ ist minimalistisch: vereinzelte Gitarrentöne, verhallendes Brummen, doch dann setzen plötzlich brutalverzerrte Vocals ein, die auf einer Power Electronics-Veröffentlichung nicht fehl am Platz gewesen wären. „Love Without Things“ besteht aus Knirschen, Türknarzen, melodischen Flächen und verrauschten Beats. „Community Of Aesthetics“ ist eine knapp zweiminütige Klangfläche aus kaum zu lokalisierenden Vocals und Glocken. „Spirits Of Redeemer“ wird durchzogen von verwaschenem Frauengesang, der klingt, als sei er in einer Höhle aufgenommen worden und fast schon einen sakralen Charakter hat. Am Ende geht dann aber alles im Noise unter. Auf „Cultural Orphan“ flüstert eine Frauenstimme, man hört Knarzen und Rauschen, eine Gitarre wird angeschlagen und verklingt, dann setzen Verzerrungen ein und eine unheinliche Stimme ist zu hören. „Porous Aura“ ist ein metallischer Drone mit merkwürdigen Stimmen, bei denen man denken könnte, die Little People feierten gerade mit Comus. „Theatre Needs An Audience“ beendet das Album und man hat den Eindruck, jemand habe Earth ca. “Hex; Or Printing In The Infernal Method” einen Schuss Industrial injiziert.

Das ganze Album ist durchzogen von einer seltsamen Stimmung, die changiert zwischen einem Entrücktsein und einer (mehr als nur) latenten Bedrohung. Das Sprichwort von den (zu) vielen Köchen trifft auf “Summer Of Seventeen” wahrlich nicht zu. (MG)

Label: Karlrecords

Menche war immer extrem produktiv und es ist wahrscheinich auch für den Fan nicht immer möglich, alles zu überblicken. Auch wenn er noch nicht die Schlagzahl von Masami Akita erreicht hat, sind dann die gut 80 Arbeiten, die auf seiner Bandcamp-Seite zu finden sind, doch einschüchternd. Allein im April hat Menche dort drei längere Tracks veröffentlicht, aus denen das knapp 37-minütige „Now We Are A Ghost Ship“, das auf „various string instruments and noise“ als Klangmaterial basiert, vielleicht besonders hervorsticht: Menche beginnt mit einer immer an der Grenze zur Dissonanz schabenden Geige. Das Stück ist schon von Anfang an von einer latenten Unruhe durchzogen, es dröhnt, um sich dann in weiteren Verlauf zu verdichten: Die verschiedenen Streicherspuren entwickeln eine Dynamik und lassen klanglich zwischendurch sowohl an Perkussion, Flöten als auch Didgeridoo denken. Atmosphärisch und musikalisch erinnert das Stück an frühe Organum und wenn man es etwas verkürzt darstellt, dann ließe sich sagen, dass sich der lange Track so anhört, als hätte David Jackman Nurse With Wounds „Salt Marie Celeste“ neu interpretiert, was beileibe nicht die schlechteste Referenz ist. Starke Veröffentlichung! (MG)

Menche begreift nicht als erster die Musik als Mittel im Kampf für die Transzendenz und geht mit gesampleten Saiteninstrumenten, Oszillatoren und FM-Synties ans Werk. Das Resultat sind zwei mantraartig kreisende Downtempo-Drones, unter deren eingängiger Gestalt komplexe klangliche Muster verborgen sind.

Der die erste Seite füllende Abschnitt, der mit gamelanartigen Gong-Klängen beginnt, zeichnet sich durch eine gewisse Dichte und Schwere aus, und scheint vordergründig betrachtet eher noch die “ungeschmolzene” Schwerkraft nachzuzeichnen. Ein merkwürdiges Tremolieren und hochfrequente Obertöne erzeugen eher Spannung, erst das kontinuierliche Kreisen der sandigen Dröhnung bringt das Setting in den erhofften Schwebezustand. Die zweite Seite beginnt wesentlich leichter und luftiger und knüpft mit dem Rotieren eines sitar- oder tanburartigen Instruments an die Dröhnung des ersten Teils an. Doch bei allem blechernen Rumpeln, das sich irgendwann dazugesellt, und allen Verzerrungen ist dieses Stück akustischer, lichtdurchfluteter und ja – auch abgehobener.

Über die Frage, inwiefern Musik eine Brücke zur Transzendenz darstellt, oder die in ihr geschaffenen Illusionen eben doch NUR Illusionen sind, ob in der schwebenden, hypnotisierenden Dröhnung die Begrenzungen der conditio humana überwunden oder doch nur ein erbauliches, eskapistisches Märchen erzählt wird, wird wohl immer gestritten werden, und ihre Beatwortung hängt sehr von kulturellen Faktoren ebenso wie von der Psychologie des Einzelnen ab. „Melting Cravity“ ist allerdings eine Musik, die sich auch ohne Heilserwartungen genießen lässt. (A.Kaudaht)

Label: SIGE Records

Gamelan, eine v.a. auf Bali und Java verbreitete Musik, hat im Laufe ihrer langen Geschichte sicher ganz unterschiedliche Spielweisen hervorgebracht, doch der Laie, der vielleicht Aufnahmen aus dem World Music-Regal kennt, könnte sich über den hintergründigen und zunächst fast versteckten Charakter von Menches Gong-Perkussion wundern, die erst mit der Zeit in ihrer vollen Charakteristik erkennbar ist. In „Marriage of Metals I“ ist der verzerrte Sound, der das Spiel der bronzenen Klangkörper umfasst, meist dominanter, eventuell wurde das Instrument durch einen mit Stoff umwickelten Holzstab bearbeitet. Erst mit der Zeit, wenn man sich ganz auf die Musik einlässt, verschärft sich die Wahrnehmung für die detailreiche Klangtextur, und irgendwann erscheint die Resonanz des Metalls wie ein glühender Eisenstab, umhüllt von einer dichten Staubwolke. Verdichtet sich die Musik mit der Zeit, so ist zunächst nicht klar, ob es wirklich die Konsistenz der Klänge ist, die sich intensiviert, oder doch eher die Sensibilität des mit der Zeit immer mehr aklimatisierten Hörers. Doch im Kleinen gibt es durchaus eine Tendenz zur Dynamisierung, und gegen Ende kulminiert das raue und zugleich filigrane Klangbild in immer deutlicher kreisenden Bewegungen. Die zweite Seite ist zunächst weit weniger rau. Auch das Rauschen setzt erst im fortgeschrittenen Stadium von „Marriage of Metals II“ ein, das deutlichere (und für westliche Ohren aufwühlend-melancholische) Melodieansätze aufweist. Doch das Idyll ist von eher kurzer Dauer, denn irgendwann gerät die scheinbar übersichtliche Ordnung des Stücks durcheinander und versinkt in einem Strudel aus Läuten und Rauschen.

Mann kann sich lange darüber streiten, inwiefern der Versuch westlicher Künstler, Musik mit „Ethno“-Image authentisch zu spielen, einem musikalischen Rucksacktourismus gleichkommt. Doch so kritisch man dabei Exotimus und romantische Zivilisationsverdrossenheit auch sehen sollte, lasse ich mich doch ungern zu einer einseitigen Position hinreisen: Traditionell nur mündlich überlieferte Musikarten vor Marginalisierung und Assimilation zu „schützen“ muss nicht zwangsläufig auf museale Erstarrung hinauslaufen, und dies pauschal als paternalistisch zu verteufeln hieße das Kind mit dem Bade auszuschütten.

„Marriage of Metals“ ist eine ernthafte Annäherung an Gamelan. Wie stark Menche dieses Feld auch über die Klangmanipulation hinaus mit neuen Facetten bereichert, müssen Spezialisten beurteilen. (U.S.)

Label: Edition Mego

Von Beginn an spielte die Tonträgergestaltung eine wichtige Rolle in Liles’ Arbeiten, und wenngleich er in den frühen Jahren ganz unterschiedliche visuelle Ausdrucksweisen ausprobierte, lassen sich in seinen meist digitalen Coverdesigns doch Schwerpunkte erkennen: Einerseit nahmen fotografierte Puppen und Figuren mit puppenhaftem Aussehen einen großen Raum ein, was sicher auch im Kontext seiner Vorliebe für Künstler wie Hans Bellmer und Jan Svankmajer zu sehen ist. Einen anderen Schwerpunkt bilden Referenzen zur Bildsprache des viktorianischen Zeitalters, die seinem Artwork einen nostalgischen, stets aber in der Überzeichnung auch ironischen Beigeschmack verliehen. Erst in den letzten Jahren wurden die visuellen Aspekte seiner Releases in der Presse stärker hervorgehoben, was sicher dem konzeptuell stringenten Artwork seiner aktuellen Reihe zu verdanken ist – einer schier endlosten Serie an Platten, Printmedien, Downloads und zahllosen Merchandise-Artikeln zum Thema „Monster“, die hoffentlich noch lange weitergeführt wird. Das digitale Design der Monster-Serie hat den Stil grostesker Comics mit schematisch gezeichneten Chimären, die trotz ihres aufgeräumt anmutenden Minimalismus und den einfachen Spielzeugfarben vor sleaziger Erotik übersprudeln und von einem Sinn für schwarzen Humor zeugen. Weniger bekannt ist, dass der passionierte Autodidakt seit einiger Zeit auch unabhängig von seinen Tonträgern als visueller Künstler aktiv ist. Auf eine Auswahl dieser Arbeiten stößt man eher beiläufig beim Stöbern auf seiner umfangreichen Webseite, wo sie unter der unscheinbaren Überschrift „Original Artwork“ aufgeführt sind. Interessant ist, dass diese Werke eine stilistisch ganz andere Seite seines Schaffens darstellen, und ohne entsprechendes Wissen kämen wohl die wenigsten darauf, dass die Arbeiten – allesamt Feder- und Buntstiftzeichnungen auf schwarzem Tonpapier – vom gleichen Künstler stammen. Verbindendes Element der seriell anmutenden Kompositionen ist ihre unheimliche, bedrohliche Austrahlung, etwas Dämonisches, das schon in manchen der Titel angedeutet ist: „Cycloped“, „The Fur Faced Boy“ und „Old Father Grime“ sind einige der Werke betitelt. Auf einer derart allgemeinen Ebene ist die Gemeinsamkeit mit dem comichaften Monster-Artwork durchaus evident, und natürlich steckt in den skurrilen Körpern und Physiognomien oder in einem Titel wie „Sprite on Coke“ manch humoresker Zug. Dennoch haben die Zeichnungen eine ganz eigene Handschrift. Wollte man dem jeweiligen Stil eine Musik zuordnen, dann lassen viele seiner Coverdesigns an eine coole, futuristiche Surfrockvariante denken, die Zeichnungen dagegen erinnern an klassische Psychedelia, an Urtümlich-Archaisches, und stilistisch stehen sie ohnehin der Folk- und Outsiderart recht nahe. Alle Bilder der Reihe gehen von einem schwarzen Hintergrund aus – in der fertigen Komposition ist dieser bei manchen Arbeiten nur noch undeutlich erkennbar, meist jedoch bildet er die Basis für ein kontrastives, leuchtendes Farbenspiel, das viel zu der gespenstischen Grundstimmung der Arbeiten beiträgt. Der flächige Eindruck der Bilder wird durch geschwungene, stark bewegte Einzellinien erzeugt, die in ihrer unüberschaubaren Vielfalt figürliche Formmuster bilden. Diese fließenden Muster lassen vielfältige Assoziationen zu, allem voran entsteht ein für Folkart typischer Eindruck des Floralen, Organischen. Aufgrund der Farben sind ebenso Assoziationen zu Feuer, zu züngelnden Flammen möglich. Die Figuren, die sich aus diesem unübersichtlichen Wulst aus im einzelnen klar konturierten Linien manifestieren, sind allerdings im Gesamtbild niemals fixierbar, sondern stets unbestimmt bewegt. Interessant ist dabei, dass die Farbgebung der Einzellinien sehr vielfältig ist; insofern wirken die Werke weniger monochrom, als dass sie vielmehr farblich vibrieren. Gleichwohl werden aber in der sich so ergebenden amorphen Figur ganz bestimmte Akzente gesetzt: Meist sind es die Augen oder andere Gesichtspartien der Figuren, die eine besondere Betonung erfahren und die mythischen Gestalten dieser urtümlichen Parallelwelt direkt mit dem Betrachter in Kontakt treten lassen. Eine größere Auswahl an Zeichnungen findet sich hier, einige neue Werke sind am 15. Juni auf dem Epicurean Escapism Festival in Berlin zu sehen.

(T.M. & U.S.)

Abbildungen: 1. Pripanic, 2. Elongongated, 3. Hypnophantasmo, 4. Cycloped.

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