“Electronic Music Improvisations Volume 2 is a set of eight improvised modular electronic music instrument pieces recorded at the duo’s respective home studios. The recording sessions followed release of their debut, Electronic Music Improvisations Volume 1 (2021) but where Vol. 1 was the result of four decades of friendship and collaboration, this new album came together in a relatively short space of time. Recorded in the same spirit as their previous sessions – with no pre-planning and no rehearsal – they met up with “unpatched” modular systems, and began improvising. Without any of the parameters they followed in the first sessions, the duo allowed the pieces to expand naturally, keeping editing to a minimum. [...] During the sessions they found themselves aiming for more clarity and space within their improvisation, allowing the listener to be drawn into the pieces in a different kind of way.

Textures glide, while random sequences knock against one another – forming then disintegrating before re-forming, and while they do so, uncovering minimal glitching rhythms [...] The eight pieces that make up Electronic Music Improvisations Volume 2 are imbued with the experimental playfulness of early electronic pioneers but retain their modernity thanks to their creator’s constant explorations in electronic music.” (Mute Records)

@ Mute

Im Begleittext heißt es : “Es gab bereits einige Inkarnation von Faust, die mit verschiedenen Mitgliedern versuchten, das Erbe der Band zu verwalten. Nun haben die Originalmitglieder Zappi Diermaier und Gunther Wüsthof einen ganzen anderen Weg eingeschlagen, und ein neues Lineup unter dem Namen faust (mit kleinem f) gegründet welches sich eher der ursprünglichen Idee eines forschenden Kollektivs verpflichtet fühlt, anstatt in der Verwaltung einer Historie. „faust into the future!!!“, sozusagen. [...] Die daraus entstandene Platte „Daumenbruch“ ist bei dem US Label Erototox Decodings erschienen und wird beim Konzert zum ersten mal als Vinyl erhältlich sein”.

Ebenfalls zu sehen ist das Modular Synth-Duo Sunroof, hinter dem sich keine geringen als Mute Records-Gründer Daniel Miller und der mit dem Label eng verbundene Produzent Gareth Jones verbergen. Den Auftakt des Abends macht der Sound Artist Chandra Shukla, der u.a. auch das besagte Erototox-Label betreibt.

Donnerstag, 13.04.2023
Einlass: 19:00 Uhr
Silent Green
Gerichtstraße 35
13347 Berlin

@ Facebook

Duet Emmos einziges Album ist ein beeindruckendes Dokument elektronischer Musik, das neben Elektropopsongs, wie etwa dem Titelstück oder „The First Person“, auch Experimentelles enthält: Da ist das 16-minütige Dronestück „Long Sledge“ und das einminütige auf Loops basierende „Gatemmo“. Damit wird auch das kreative Spannungsfeld abgesteckt, in dem Daniel Millers Label seit inzwischen mehr als vier Jahrzehnten immer operierte.

Die Wiederveröffentlichung wird als CD und Doppelvinyl erscheinen und als Bonus den achtminütigen Remix von “Heart of Hearts (Or So It Seems)” enthalten.

„Duet Emmo’s pioneering hybrid electronics are mirrored in the project name – an anagram of Mute and Dome – and in the album’s striking artwork, a collage by supreme animators and filmmakers, the Brothers Quay redesigned by Bart van Damme. Or So It Seems is released on special edition white vinyl, as a limited edition of 400 on orange vinyl via Bleep (both with high definition download), CD and digitally on 19 August 2022.“ (Mute)

@ Mute Records

Millers musikalisches Debüt, für das er sein Label 1978 ursprünglich gegründet hatte, als The Normal mit dem von JG Ballards Roman Crash inspiriertem „Warm Leatherette“ (mit der B-Seite „TVOD“) ist ebenfalls bzgl. des Einflusses auf verschiedenste Spielarten elektronsicher Musik nicht zu unterschätzen. Miller widmete sich trotz ein paar Veröffentlichungen (u.a. als Duet Emmo mit Bruce Gilbert  und Graham Lewis von Wire) in den dann folgenden Jahrzehnten primär der Labelarbeit.

Zusammen mit Soundmann Gareth Jones, den Miller erstmalig bei der Arbeit an Depeche Modes „Construction Time Again“-Album 1983 traf, hat er in den vergangenen Jahren unter dem Namen Sunroof vereinzelte Remixe (etwa für Goldfrapp oder Can) gemacht, (erst) jetzt erscheint das Debütalbum der beiden. Miller und Jones hatten sich die Jahre über immer wieder zu gemeinsamen Sessions an modularen Synthesizern getroffen, kamen aber erst 2019 auf die Idee, Material für ein Album aufzunehmen. Dabei machten sie sich ein paar konzeptionelle Vorgaben: “We said we’d work in a number of different physical spaces but always together, in the same room. We were keen to do shorter pieces because we were both very inspired by Chris Carter and Martin Gore’s electronic music projects, where the pieces were very concise and compact.“ Die beiden versuchen, eine Unterscheidung zwischen Improvisation und Jamsession zu machen: „With modular systems, you can just go on and on forever and never actually complete anything. Sometimes that’s okay – part of the joy of a modular is that you can just keep going indefinitely. But with this we were keen to actually finish something, so setting that timeframe became a really important rule for us”. Dabei betont Jones, dass für ihn die Attraktivität der Arbeit an und mit modularen Synthesizern gerade darin liege, dass sie “spontan und flüchtig” ist.

Unter dem bezeichnenden Titel „Electronic Music Improvisations Vol. 1“ erscheinen in der offenbar wiederbelebten Parallel Series von Mute die insgesamt acht modularen Stücke, die als Tracktitel lediglich ganz lapidar das Datum  der jeweiligen Aufnahme tragen. Mein Favorit ist vielleicht der getragene, leicht düstere Opener, mit seinen wellenartigen Sounds, der dann im weiteren Verlauf so etwas wie Rhythmus entwickelt, um dann in leichten Dissonanzen untertzugehen. Dagegen ist das zweite Stück (eines von dreien, das den Titel “30.5.19″ trägt) verspielter und leichter. Auf dem dunklen dritten Track meint man, Wind wehe, andere Stücke lassen an einen Computermeltdown (der siebte Track) denken oder an Klaus Schulze (der Abschlusstrack). Es ist durchaus erfreulich, dass sich im Titel des Albums die Fortsetzung schon ankündigt. (MG)

Label: Mute

“Miller lernte Gareth Jones kennen, als er ihn Ende 1982 bat, mit ihm an einem Projekt zu arbeiten, das zu Depeche Modes “Construction Time Again” werden würde. Nachdem die Band für den Tag nach Hause gegangen war, blieben die beiden oft im Studio, um an eigenen Sessions zu arbeiten – eine Praxis, die sich über Jahre fortsetzte. Mitte der Neunziger Jahre entstand draus Sunroof als Remix-Projekt, das Songs von Can, MGMT, To Rococo Rot, Kreidler und Goldfrapp überarbeitete und nicht zuletzt auf einer Compilation zu Ehren von Neu! erschien. Im Jahr 2019 waren Miller und Jones auf dem Weg zu einem György-Ligeti-Konzert im Barbican, und wie so oft, wenn sie zusammen in der gleichen Stadt waren, verbrachten die beiden vorher ein paar Stunden damit, mit modularen Synthesizer-Systemen zu improvisieren. Ungewöhnlicherweise entschieden sie sich dieses Mal, die Session aufzunehmen, und so stellte Gareth über das Abendessen endlich die Frage, die nach all den Jahren logisch erscheint: ‘Are we actually going to make a record together before we die?’” (Mute Records)

@ Mute

Auf den ersten Blick, wenn man nur die „motorischen“ Aspekte der Musik betrachtet, fällt „Silver Eye“ eindeutig in die zweite Kategorie, denn es gestaltet sich zunächst v.a. kühl, elektronisch, clubaffin: Mit Dubstep-Spuren und körnigem Sounddesign versetzt „Anymore“ in eine ungeduldige Spannung, die sich im kraftvoll durchgestylten „Systemagic“, begleitet von Alisons futuristisch verfremdeter Stimme, entlädt. Gekonnt switcht die Musik von durchhämmerten Stakkatos („Become the One“) zu leisem, poppigem Uptempo („Everything is Never Enough“).

Integriert in diesen Rahmen sind Momente der Entgrenzung und Zerfransung – anstrengendes Quietschen, schrille Momente im Synthiesound, lustvoll erschöpftes Hauchen und Fauchen – die immer mal wieder soweit auf die spitze getrieben werden, dass es das Popszenario nicht mehr nur interessanter macht, sondern subtil transzendiert. In dieser ambivalenten Struktur muten die nächtlichen Exkurse an wie Echo aus einer mystischen Anderswelt: Die seltsame Entrücktheit des verfremdeten Hauchens, das den Takten in „Become the One“ einen rituellen Touch verleiht, die geschmeidigen Folk-Reminiszenzen in „Tigerman“, der spirituelle und v.a. naturmystische Grundtenor in den Texten und generell „Zodiac Black“: Die Hymne an „a beast that never was“ braucht nur etwas Hauch und Goldregen, um zum charismatischsten Moment des Albums zu werden.

Sinnlich, delirierend und emotional ist die immer leicht organifizierte Elektronik von „Silver Eye“ eine mystische Feier des Mondes, auf den auch der Titel anspielt, und wesentlich weirder und doppelbödiger, als es auf den ersten Eindruck scheint. „This is moon music, in the light of the moon“, möchte man Goldfrapps alte Idole Coil zitieren. (J.G.)

Label: Mute

Der Terminus Ritus ist aber auf rein musikalischer Ebene auch keine falsche Beschreibung der von Rice erzeugten Klänge, da er auch immer einen Moment der Wiederholung impliziert und Rices Musik ist seit Beginn, seit er 1975 das unbetitelte sogenannte „Black Album“ einspielte, geprägt gewesen vom Einsatz von loops, von Zirkulärem und Repetetivem und dadurch bedingt auch (unvermeidlich) von Statik, die die dominierenden Kompositionsmittel seiner Musik sind. Am deutlichsten zeigte sich das in der Materialität von „Pagan Muzak“: einer (so betitelten) LP im 7′ -Gewand, auf der lauter Endlosrillen zu finden waren und in die Rice noch ein weiteres Loch abseits der Mitte gebohrt hatte. Als 1987 „Blood and Flame“ erschien, war das die Kumulation seiner Geräuschmusik; das Album wirkte von allen bis dahin erschienenen Werken am ausgereiftesten. Neu war, dass Rice durch Artwork, Symbolik und Zitate seine Musik rechts(extrem) situierte und (re)kontextualisierte (ein Großteil der Tracks war in den Jahren zuvor entstanden) und sich somit – auf den folgenden Veröffentlichungen sollte das noch virulenter werden – an Indoktrinationsriten versuchte. Gründe dafür lassen sich auch ohne allzu große Psychologisierung leicht finden: Vielleicht wurde ihm deutlich, dass mit dem begrenzten Instrumentarium, das ihm zur Verfügung stand, nun nichts mehr gesagt werden konnte, es anderer Reize bedurfte, um weiterhin transgressiv bleiben zu können und wenn auch nur auf letztlich pubertäre Weise. Zudem mag den Jungen aus dem Trailerpark eine recht schlichte Philosophie der Stärke angesprochen haben, konnte er sich doch damit auf die Seite der (vermeintlich) Starken, der Gewinner schlagen. Zu einer Radikalisierung mag auch seine Zeit als „Alarm Agent“ in San Francisco beigetragen haben: Das, was er da auf der Straße sah, führte bezeichnenderweise eben nicht zu einer Solidarisierung mit den Marginalisierten, dem „low life“, sondern erzeugte Abscheu und führte zur Diagnose: Dekadenzerscheinung.

Seit der zweiten Hälfte der 80er fiel Rice dann auch in zunehmendem Maße weniger durch seine Musik als durch seine an verschiedenen Orten geäußerte Weltanschauung (u.a. als Sprecher der Church of Satan) auf. Obwohl Rice jüngst in einem Interview sagte, er bereue nichts, so hat man bei den anderen in der letzten Zeit veröffentlichten langen Interviews den Eindruck, er versuche, einige seiner besonders unschönen Entgleisungen ein wenig herunterzuspielen, etwa dann, wenn er behauptet, bei seinem Auftritt in der Fernsehshow des Neonazis Tom Metzger, in dem er versucht hatte, Industrial als weiße Musik zu verkaufen, habe er lediglich Gedanken einer anderen Person wiedergegeben. Jeder, der diesen peinlichen und kaum zu ertragenden Auftritt gesehen hat, weiß, dass das nicht stimmt. Es gibt genügend Auftritte der folgenden Jahre, die völlig indiskutabel sind und die Rice jahrelang zur Persona non grata machten.

Vor einigen Jahren sagte der ehemalige Weggefährte Peter Christopherson auf Rice angesprochen, solch eine Weltanschauung abzulehnen, habe einfach mit gesundem Menschenverstand zu tun. Bezeichnenderweise würde ein Großteil von Rices Interessen, seien es nun „incredibly strange films“, sei es „incredibly strange music“, oder ganz im Allgemeinen die von ihm verehrte Trashkultur, von den Leuten, mit denen er sich oft genug gemein machte, selbst als dekadent diffamiert werden. Diese Paradoxie zeigt sich auch bei dem Auftritt in Osaka aus dem Jahre 1989 ( später auf „In the Shadow of the Sword“ veröffentlicht), auf dem er unter dem Label „gothic march music“ agitatorische Texte – untermalt von dumpfen Orgelklängen und Kesseltrommeln – rezitierte. War für Tony Wakeford, der einer der Trommler war, damals noch Disneyland ein Symptom des Untergang des Abendlandes, war es für Rice „the happiest place in the world“, die Utopie, die zu realisieren es galt („one day the world can be Disneyland“ sollte er ein Jahr später deklamieren). Mit „Might“ folgte ein Album, auf dem Rice die Texte aus Ragnar Redbeards sozialdarwinistischem Traktat (und von Anton La Vey für seine Satanic Bible ausgiebig geplündertem) Might is Right entlieh, bevor mit dem 1997 erschienenen Album „God and Beast“ der Höhepunkt der Kombination von Noise und sloganhaften („Venus is lust/Mars is war“) Texten erreicht war. Als Mutegründer Daniel Miller vor einigen Monaten für das Mojo-Magazin eine CD mit Klassikern der elektronischen Musik zusammenstellte, setzte er „Total War“ von eben diesem Album mit der Begründung ans Ende: „it’s a track that can’t be followed“. Und tatsächlich, die beiden nach „God and Beast“ erschienenen Alben „Receive the Flame“ und „Children of the Black Sun“ verzichteten gänzlich auf Vocals und allzu harsche Klänge. Als als Auskopplung aus ersterem die Single „Solitude“ mit zwei Löchern und mit Endlosrillen auf der B-Seite erschien, wirkte das dann allerdings nur noch als arg blasser Versuch das zu reproduzieren, was Rice zwei Jahrzehnte zuvor gemacht hatte.

Dass in den letzten Jahren Rice eher wieder über seine klanglichen Innovationen als über seine weltanschaulichen Regressionen wahrgenommen werden wollte, zeigte ebenfalls die 2004 erschienene Zusammenstellung „Terra Incognita: Ambient Works“. Wurde die 1991 veröffentlichte „Best of“ von NON noch unter den Titel „easy listening for iron youth“ angepriesen, zierte der inmitten seiner gepfählten Gegner eine Mahlzeit einnehmende Vlad Tepes das Booklet, in dem Rice seinen Mentor Anton La Vey zitierte und bezeichnete Adam Parfrey in den Linernotes die Musik noch als adäquate Untermalung einer „frenzied blood-letting at the foot of the mongol steppes“, so spielten diese Aspekte in dem Essay zu Rices Werk auf „Tera Incognita“ kaum noch eine Rolle, ging es doch darum, Rice als Vorreiter des Samplens, als innovativen Geräuschmusiker zu verorten – das hier betretene unbekannte Land war fast ausschließlich klanglich und musikalisch zu sehen.

Da mag es auch passen, dass das nun – zehn Jahre nach dem letzten als NON herausgebrachtem neuen Studiomaterial – erschienene Album nicht wie ursprünglich geplant „Man Cannot Flatter Fate“ heißt – darin steckt das Moment des (Vorher-)Bestimmtseins, und man wird an Rices wissenschaftlich wenig valide Gralsstudien und seine Behauptung, es sei möglich, er stamme von Jesus ab, erinnert -, sondern „Back to Mono“, ganz auf den (einfachen) Klang reduziert und gleichzeitig ein Phil Spector -Album zitierend. War eine limitierte Auflage von „Children of the Black Sun“ noch mit einer Bonus-DVD veröffentlicht worden, auf der das Album im in einem Surroundsound zu hören war, geht es hier zurück zu den Anfängen.

„Back to Mono“ wird eröffnet von „Turn Me On, Dead Man“, eingespielt zusammen mit Z’ev, wobei die perkussiven Elemente hier viel stärker dominieren als etwa auf der vor einigen Jahren veröffentlichten 12′ und fast den Eindruck erwecken, es beginne ein Rocksong, bevor Störgeräusche einbrechen. Dennoch weist dieses Stück noch am ehesten konventionelle Songstrukturen auf. Mit „Watusi“ wird ein ursprünglich auf der „Dark Sctrachers“-Compilation zu findendes Stück wesentlich noisiger neu eingespielt und hier findet sich eines der zentralen kompositorischen Merkmale NONs: der Loop, die Wiederholung. Ohne weiteres würde dieses Stück -wie auch die darauf folgenden- problemlos auf „Blood and Flame“ passen. Das mit Wes Eisold von Cold Cave aufgenommene Titelstück beginnt mit hochfrequenten Tönen, bevor man den Eindruck hat, man befinde sich in einer Turbinenhalle – zumindest für fünf Minuten. „Seven Sermons to the Dead“, eine Anspielung an einen von Rice schon mehrfach verwendeten Text C.G. Jungs, klingt wie eine Liveaufnahme, man meint Klatschen zu hören, Stimmen ertönen im Hintergrund, hochfrequente Geräusche setzen ein und Rice scheint einen Text zu murmeln. EVP goes industrial. „Obey Your Signal Only“ und „Man Cannot Flatter Fate“ sind zwei ebenfalls statische Klangwände (ersteres erweckt den Eindruck, ein Blasinstrument könnte die verwendete Klangquelle sein). Der Verweis auf die Vergangenheit wird mit „Scream“ explizit, handelt es sich doch um eine 1979 gemachte Liveaufnahme, die sich – sieht man von der Klangqualität ab – fast nahtlos einfügt und damit verdeutlicht, wie stark sich das Album an den Wurzeln orientiert. Es folgt eine nicht ganz so aggressive Liveaufnahme des Titelstücks, bevor die Reprise von „Turn Me On, Dead Man“ einsetzt, die sich doch erheblich vom Opener unterscheidet, wird doch fast gänzlich auf Rhythmus verzichtet, stattdessen hat man eine dunkle, atmosphärische, industrielle Klanglandschaft. Hätte das Album hier geendet, wäre es recht kohärent gewesen, stattdessen finden sich allerdings noch zwei Tracks, die eine etwas andere Richtung einschlagen. Da ist zum einen das ursprünglich in ähnlicher Form 2004 auf dem (als Boyd Rice and Fiends eingespieltem) „Wolf Pact“-Album veröffentlichte „Fire Shall Come“, das noch einmal den agitatorischen Brüller zeigt, der zu stampfenden Rhythmen „fire will come and judge,/And consume all things“ verkündet, da ist zum anderen die Neuinterpretation von The Normals eigentlich schon  (jüngst noch von den Labelkollegen Laibach) zu Tode gecoverten „Warm Leatherette“, die sich abgesehen von einer leichten Noiseinfusion sehr stark am Original orientiert (wie eine völlige Neuinterpretation klingen kann, kann man hier hören). Das kann man als Hommage und Danksagung an Daniel Miller sehen, der Rice in all den Jahren auch gegen den Wunsch anderer nie aus dem Labelprogramm genommen hat. Als solche ist das ok, musikalisch wird wenig Essentielles hinzugefügt.

Vielleicht wird es Rice gelingen, nun wieder für das beurteilt zu werden, was er Mitte der 70er mit aus der Taufe hob – vor einiger Zeit hat er es sogar anlässlich seines Auftritts beim Mutejubiläum auf die Seiten des Intro geschafft –, dieses Album ist sicher -trotz Abstrichen – nicht der schlechteste Versuch, die Rezeption wieder in andere Bahnen zu lenken.

(J.M.)

Label: Mute

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Der Opener ist mehr eine Hommage an eines ihrer Stammlabels, bzw. an dessen Gründer und längst wieder Inhaber Daniel Miller, der, wie wir alle wissen, selbst als Musiker mit wenigen The Normal-Stücken New Wave-Geschichte geschrieben hat: Aus „Warm Leatherette“ wird hier die brachial-orchestrale „Warme Lederhaut“, die Version hat etwas von dem postmodernen Score eines imaginären Breitbandstummfilms. Mit dem Gesang hätte ich sicher einmal mehr anfangen können, bevor harte Deutsche daraus ein unerträgliches Klischee gemacht haben, aber die weiblichen Backing Vocals sind in Ordnung. Natürlich ist das nicht die einzige Neuinterpretation. Dass Laibach, vergleichbar den gesanglich manchmal ähnlichen Leningrad Cowboys nahezu jede Vorstellung von Originalität und Urheberschaft ablehnen, ist bekannt – schon der Titel spielt ironisch darauf an und ist im übrigen selbst eine Hommage, nämlich an René Magrittes Gemälde “La reproduction interdite”, auf dem auch das Coverartwork basiert. Für ihre etwas eingängigeren Konzeptalben war ihnen kein Ausgangsmaterial zu flach, um es nach versteckten Bedeutungen abzuklopfen, und durch ihre ganz selbstverständliche Zusammenführung von Hochkultur und vermeintlichem Schunt nahmen sie etwas vorweg, das die Kulturwissenschaften später unter großspurigen Begriffen wie Crossmapping als neu verkaufen sollten.

Zu den bekanntesten Einverlaibachungen zählen u.a. „Geburt Einer Nation“ (nach Queens “One Vision”) und „Opus Dei“ (nach Opus’ Bierzelt-Evergreen “Life is Life”) vom gleichnamigen Album, gerade ersteres ist eines der gelungensten Beispiele für ästhetische Dekontextualisierung: Durch einen radikal veränderte Sound und eine mitreißende stimmliche Autorität wird aus einem hippiesken Glamrock-Song eine faschistoide Hymne und im Handumdrehen die totalitäre Kehrseite der Popkultur ohne jede didaktische Humorferne entlarvt. Über die rezeptionsästhetische Ambivalenz solcher (Lehr-)Stücke, bei denen man als Hörer Elektrisiertheit und ironische Distanz quasi simultan in Echtzeit erleben darf, ist viel diskutiert worden, und oft stellte sich dabei die Frage, was dominiert: Das Aufklärerische oder die Ästhetisierung von Macht und Konformität. Im Laibach-Kosmos blieb das weitgehend offen, Vorwürfe indeß, das erstgenannte Ziel sei primär Vorwand für letzteres kam interessanterweise von beiden Seiten des politischen Spektrums. Während die einen unterstellen, auf Laibach-Shows triebe sich genug reaktionäres Pack herum, dem die ironische Brechung egal ist und das den aktionskünstlerischen Rahmen schlicht nicht versteht, behaupten die anderen, Laibach sei für den guten Kulturbürger von heute ein willkommener Freibrief, ein bisschen Reichsparteitag zu spielen – selbstredend guten Gewissens, denn schließlich weiß man ja, dass alles Dekonstruktion ist. Sicher steckt in beidem ein Funke Wahrheit, und vereinzelte Wirrköpfe bilden da vielleicht sogar eine merkwürdig paradoxe Schnittmenge. Aber selbst das Herauskitzeln und Entlarven solcher Verhaltensweisen könnte man der Gruppe wieder als aufklärerische Leistung gutschreiben. Als regelmäßiges Feuilleton-Thema ist Laibach ihr Status als Enfants Terribles natürlich längst etwas abhanden gekommen – im Unterschied etwa zu zahllosen Martial Industrial- und Powernoise-Projekten, die allerdings für eine Sekte von längst Eingeweihten spielen, die das ganze folglich nicht als provokant empfinden und stattdessen lieber irgendwelche künstlich knapp gehaltenen Raritäten sammeln, während der Rest der Welt ohnehin nichts davon mitbekommt. In der Tat ein verzwicktes Dilemma. Auch das 1994 erschienene Erfolgsalbum „Nato“ war ähnlich gestrickt und streng konzeptuell auf den gerade aktuellen Balkankrieg und die Rolle der westlichen Mächte bezogen. Man entschied sich hier für „Alle Gegen Alle“ (D.A.F.) und für die bombastische Interpretation von Europes „The Final Countdown“, das seinerzeit in jeder Dark Disco lief, und dessen Dancefloor-Sound heute seltsam angestaubt wirkt. Ergreifend ist es allerdings nach wie vor.

Sixties und Hippie-Kultur im weitesten Sinne hatten immer ihren Reiz für die Slowenen, vielleicht weil man deren libertäres und egalitäres Selbstverständnis auf ganz unterschiedliche Weise in Bezug zum Totalitären setzen kann – ganz vordergründig natürlich als Gegenentwurf, dann aber auch auf die unterschiedlichsten versteckten Gemeinsamkeiten und sonstigen Querverbindungen hin (man erinnere nur an Rüdiger Safranskis Monografie zur Romantik, in der moderne Diktaturen und die Gegenkulturen der 60er jeweils als Spätausläufer romantischer Ideen verstanden wurden). Während die barocke Beatles-Interpretation „Across The Universe“ (vom Album „Let it Be“) im Laibach-Rahmen für Besinnlichkeit sorgt und Bob Dylan mit „Ballad of a Thin Man“ Referenz erwiesen wird, fand „Sympathy for the Devil“ (Stones) keinen Platz auf der Sammlung. Eher rockig ist „God is God“ (Juno Reactor, seinerzeit Laibach-Fans) vom „Jesus Christ Superstar“-Album. Zu den nicht ganz so bekannten Stücken zählt der 70er Italohit „Mama Leone“ (Bino), „B Machina“ (Siddharta) und vergleichsweise poppige Interpretationen zweier Nationalhymnen vom 2006er Album „Volk“. Von Nicos niederschmetterndem Lied der Deutschen könnte Laibachs „Germania“ im trunkenen Revuesound nicht weiter entfernt sein. „Bruderschaft“ referiert auf Kraftwerk, wobei nur deren Stil imitiert wird, der Song ist diesmal von Laibach selbst und basiert auf dem Titel “Brat moj”.

Dass diese Werkeinführung ausdrücklich nicht als „Best of“ angekündigt wurde, trägt sicher der eher am Repräsentativen orientierten Auswahl Rechnung. Nachdem Laibach neben innovativen Werken wie „Volk“ seit Jahren ihr eigenes kleines Museum betreiben („Tanz mit Laibach“ und eben der ganze „Iron Sky“-Kram), würde ich mir als nächstes wieder ein stimmiges und provokatives Konzeptalbum wünschen. (U.S.)

Label: Mute