Bereits die vorab veröffentlichte Single “Paper Memories” zeigt, wie sich Phews fragile, spannungsvoll modulierte Klangflächen mit de Picciottos Stimme verbinden. Zwischen Geräusch und Sprache entsteht eine besondere Art von Nähe, ein Dialog über Distanz hinweg. Auf dem Album treffen minimalistische Passagen auf eruptive elektronische Ausbrüche, und deutschsprachige Spoken-Word-Sequenzen verweben sich mit Phews Gesang zu einem intensiven Wechselspiel aus Intimität und Fremdheit. “Paper Masks” erscheint als LP, CD und zum Download.

“For over 20 years Alexander Hacke (Einstürzende Neubauten) and artist, musician and filmmaker Danielle de Picciotto (co-founder of Love Parade) have been developing and evolving a symbiotic working practise together, with a deep intuition of the kind that has  distinguished a rare number of creative and romantic partnerships – think of the writers Joan Didion and John Gregory Dunne, the artists Lee Miller and Man Ray or heroes of independent filmmaking, Gena Rowlands and John Cassavetes – each partnership underlined by a creative equality that allowed both artists freedom to explore and expand. Individually, hackedepicciotto have been trailblazers from the beginning. Alexander Hacke started experimenting with cassette loops at 14 in the early 80s, then joined Einstürzende Neubauten to create music that would influence generations of musicians. Danielle de Picciotto, fascinated by early electronic dance music, founded the Berlin Love Parade in 1989, was the singer of one of the first cross-over bands in Berlin, The Space Cowboys and then joined forces with Gudrun Gut to create a feminine version of electronic music far ahead of its time.

In 2001 Hacke and de Picciotto began collaborating, creating elaborate audio/visual multimedia performances in Berlin, before deciding to become nomads. The duo gave up their home and travelled the world, boldly defying convention and becoming a modern, musical version of Bonnie and Clyde, racing from concert to concert, and releasing albums at breakneck speed, until they were forced to lockdown in a studio during the pandemic in 2020″ (Mute Records)

Foto: Mara von Kummer

Tourdaten:

01 Nov – Parma (IT), Borgo Santa Brigida
02 Nov – Pordenone (IT), Astro Club
03 Nov – Milan (IT), Arci Bellezza
05 Nov – Turin (IT), Blah Blah
07 Nov – Pescara (IT), Scumm
08 Nov – Campobasso (IT), Circolo Beatnik
12 Nov – Lyon (FR), Sonic Lyon
29 Nov – Malmö (SW), Inkonst
30 Nov – Odense (DK), Klub Golem
06 Dec – Athens (GR), Temple
07 Dec – Thessaloniki (GR), Eightball
12 Dec – Bratislava (SK), Pink Whale
13 Dec – Augsburg (DE), Provino Club
15 Dec – Bielefeld (DE), Movie Bielefeld
18 Dec – Berlin (DE), Berghain Kantine

Die Idee zu “Keepsakes”, das die beiden als Ode an die Freundschaft und als Album der Dankbarkeit bezeichnen, entstand während der Pandemie, als den beiden wie vielen anderen die Bedeutung geliebter Menschen gerade in der Isoliertheit besonders schmerzlich bewusst wurde. So entstand der Plan, jedem dieser besonderen Menschen ein musikalisches Andenken in Form eines Songs zu geben, der im besten Fall sowohl den Charakter der Person als auch Spuren dessen, was man die Essenz der jeweiligen Freundschaft nennen könnte, enthält. Und da es sich bei den namentlich nicht genannten Freunden zum Großteil auch um Musiker handelt, könnte darin sogar etwas vom musikalischen Charakter der Freundin oder das Freundes enthalten sein, wer weiß.

Bei einem derart personenbezogenen Projekt wundert es kaum, dass die einzelnen Stücke zum Teil sehr unterschiedlich ausgefallen sind. Das Album startet mit “Troubadour”, das mit seinem wehmütigen Duettgesang und seinem Walzertakt in primär akustischer Instrumentierung mit Gitarre, Triangel und Salterio so liebevoll wie ein Lullaby und so sehnsuchtsvoll wie ein melancholisches Sea Chanty klingt. In seinem vielleicht zentralen Wort “long ago” scheint sich all die Liebe zu bündeln, die sich oft erst im Schmerz der Abwesenheit offenbart. Eine folkige Klanggestalt ist einer der roten Fäden, die sich durch das Album ziehen, wenngleich dies von Song zu Song unterschiedlich stark gewichtet wird. Das gilt auch für die schnelleren Stücke wie das technoid angehauchte “Aichach”, in dessen anfängliches Saitenknarren sich bald zackige elektronische Rhythmen und später orchestrale Opulenz mischen, doch auch dies scheint wie ein solides Fundament für die wehmütigen Streicher, die ich hier für die Hauptakteure halte. Ebenso dynamisch ist das urbane Szenario von “Anthem”, wenngleich auf verspieltere Art. In dem theatralischen Setting, das zu einem eigenwilliges Musicalstück passen würde, treffen kantige Gitarren auf liebliche Glöckchen und Danielles Spoken Words. Ein lautes Geklapper scheint all dies mit der Zeit mehr und mehr zu verschütten.

Eine weitere Konstante in “Keepsakes” betrifft gerade die immer im Wandel bleibende Vielfalt der Instrumentierung, die sich auch dem opulenten Repertoire an Instrumenten verdankt, die die beiden im Studio des Auditorium Novecento in Neapel vorfanden. Dazu zählt auch eine Celesta aus dem persönlichen Fundus von Ennio Morricone. Das mit einem aufweckenden Paukenschlag beginnende “La Femme Sauvage”, bei dem die beiden in zwei Sprachen mit viel Theatralik ein bewegtes, rauschendes Leben in vielen Metropolen besingen und mit einem Versprechen – “I won’t forget” – krönen, scheint mir auch von dem Entdeckergeist zu zeugen, der die beiden an dem wundersamen Ort befallen haben muss.

Nicht alle der Stücke haben diesen eingängigen Songcharakter, auch wenn “Schwarze Milch” mit seinen Paul Celan-Referenzen durch groovigen Takt und Saxophoneinsatz an Smooth Jazz erinnert. “Mastodon” ist, wenn man so will, eines der experimentellsten Stücke des Albums. Startend mit erwartungsvollen Hochtönern lässt das Stück einen Sound, der an grummelige Vokaldrones erinnert, ins Zentrum und somit einen Sound entstehen, der zu laut und aufwühlend ist, um als Ambient durchzugehen. Über wehmütige Streicher macht sich auch hier das melancholische Thema bemerkbar, aber wie an vielen Stellen des Albums ist es auch in diesem Song kombiniert mit einer drängenden, fast reißerisch anmutenden Dynamik. Ein in ein Vogelkonzert und andere Field Recordings gehülltes Duett der beiden besingt in “Love stuff” eine “Nightingale in clear moonlight”, ein “wild girl in agony”, bei der ich an Ophelia denken musste. Beim somnambul hypnotischen “Song of Gratitude”, dessen spannungsvoll dröhnender Auftakt auch ein Metalstück einleiten könnte, dann aber mit Danielles präraffaellitischem Gesang in eine viel lieblichere Richtung geht, ziehen die beiden noch mal alle Register, bevor mit dem folkigen “The Blackest Crow”, das die Sehnsucht nach dem Mitmensch vielleicht am unmittelbarsten ausdrückt, alles zum feierlichen Abschluss kommt.

Gleichwohl man ein derart persönliches Album vielleichtnur bedingt beurteilen sollte, kann man sagen, dass “Keepsakes” aufgrund seiner musikalichen Tiefe wie durch seine liebevollen Gesten nicht nurüberzeugt, sondern auch ein Modell dafür bietet, was ein musikalisches Andenken sein kann. (A.Kaudaht)

Label: Mute

@ Mute

Samstag, 21.09.2019
Beginn: 21 Uhr
Westwerk.
Admiralitätstraße 74
20459 Hamburg

Event @ Facebook

Über eine Neuinterpretation Anne Sextons referiert auch Claudia Bauer mit ihrem Theaterstück „Republik der Wölfe“ auf die Märchen des hessischen Brüderpaares. Anfang des Jahres wurde das Stück erstmals in Dortmund aufgeführt, zeitnah erschien die Musik dazu auf Platte, die Paul Wallfisch, Danielle de Piccio, Alexander Hacke und Mick Harvey unter dem Bandnamen The Ministry of Wolves eingespielt hatten. Derzeit geht das Stück auf Tournee und feiert seine zweite Premiere in der Berliner Volksbühne. Begleitend erscheint eine auf 500 Einheiten limiterte farbige LP mit bislang unveröffentlichten Songs aus dem Stück sowie einigen ins Deutsche übertragenen Albumtracks.

An Song-Standards gemessen wirkt das bislang unveröffentlichte „The 12 Dancing Prinzesses“ nahezu episch, denn anscheinend wurde der komplette Märchentext in coolen Spoken Words rezitiert und musikalisch untermalt. Die Geschichte um die zwölf königlichen Schwestern, die desnachts in der Unterwelt ihre Schuhe zertanzen, um dabei eine mysteriöse Aufgabe zu erfüllen, gewinnt durch das fast Andrew King-artige Drone und das unruhige Beckenrauschen zusätzlich an Spannung. Schon die letzte Veröffentlichung hatte trotz kohärenterem Albumcharakter eine Reihe an Sontypen über die Platte verteilt, die sich alle auch hier wiederfinden – rockige „Murderballads“, die mit Wallfisch am Mikro verwegen daherkommen, Abgefracktes mit Hacke, Besinnliches mit Harvey und nicht zuletzt sphärischen Attic Core mit de Piccio, die zu kindlichen Folkakkorden und geheimnisvollem Glockenspiel ihre Geschichten auf Deutsch ins Mikrophon haucht und ihnen eine zauberhafte Angestaubtheit verleiht.

Der Unterschied liegt wie oft bei Outtake-Sammlungen darin, dass die verschiedenen Songtypen noch unverbundener nebeneinander liegen und ihre charakteristischen Komponenten umso offener aufscheinen lassen. Somit hat diese Sammlung nicht nur ein Bonus zum Album, sondern auch eine Art making-of, das ein paar interessante Einblicke mehr in die Konzeption der Wolfsrepublik bietet.

A.Kaudaht

Label: Mute

Die Musik zur „Republik der Wölfe“ ist ein reines Songalbum, irgendwo zwischen Rock, Cabaret und folkiger Songwritermusik angesiedelt, und wenn man es nicht wüsste, würde man ihr die Funktion als Bühnebegleitung kaum anmerken. Schon früh macht sich v.a. in den Texten bemerkbar, dass die Auswahl und Bearbeitung der Stoffe einem inhaltlich kohärenten Konzept folgt. Jede der Erzählungen wurde auf Bezüge zur Gegenwart, zur Politik und Kultur unserer Zeit und ihren typischen Ängsten und Begierden hin abgeklopft. Der rote Faden, auch wenn er sich erst nach und nach offen zeigt, ist der Bezug zum Wolfsmotiv, das schon durch die Titelwahl eine Brücke zu einem anderen europäischen Klassiker schlägt, nämlich Hobbes’ Essay „Leviathan“, in dem der Autor das Wesen der Menschen in der Allegorie des Wolfs verdichtete und mit dieser räuberischen Gesellschaftsidee eine der fatalen Grundmythen der Moderne schuf.

Der Bezug zur Gegenwart gelingt auch deshalb, weil die einzelnen Musiker, die ansonsten entweder mit Soloarbeiten oder mit Bands (Botanica, Einstürzende Neubauten, Crime and the City Solution etc.) aktiv sind, über weite Strecken in ihrer jeweils gewohnten Weise musizieren, wobei jeder der vier Stimmen ein bestimmter Stil zugeordnet ist. In der Zusammenstellung harmoniert dies prächtig und gibt zugleich ein Exempel ab für das heutige Songwriting, das in vielfältigen Traditionen steht und zahllose Zitate und Bezüge auf den Schultern trägt. Nicht jedem gelingt es, mit diesen Dingen, die auch eine Bürde sein können, so elegant zu jonglieren wie Wallfisch und Band. An vielen Stellen hört man aus diversen Rock- und Popkontexten vertraute Gesten oder meint das Echo bekannter, längst ikonisierter Stimmen zu hören.

Auf ihre je eigene Art sind alle Beiträge hier einer Ästehtik des Schönen verpflichtet, was mit den morbiden und nicht selten provokanten Inhalten nach Art klassischer Murder Ballads Kontraste eingeht. De Picciotto, die mit ihrem mädchenhaften Fantasysopran u.a. den Auftakt und das Schlussstück intoniert, hat für ihre Beiträge einen ambienten Dreampop gewählt, der mit seiner staubigen Dachkammeratmosphäre und dem verhuschten Glockenspiel die düstere Spannung der Texte (u.a. „Cinderella“, „Sleaping Beauty“) noch am direktesten einfängt. Die von Wallfisch gesungenen Stücke haben am meisten Rock’n'Roll im Blut und nähern sich den Geschichten auf eine eher cool-nonchalante Art, was wohl auch von Nöten ist, wenn man die Geschichte von Rapunzel mit der Tänzerin Isidora Duncan in Bezug setzt – statt langer Haare hatte die einen damals modischen Langschal, der ihr bekanntlich zum Verhängnis wurde. Mit gut plazierten Twangs und Honkytonk-Piano durchweht Wallfischs Beiträge stets der Hauch eines hartgesottenen, schwermütigen Blues.

Man könnte die von Mick Harvey gesungenen Stücke als den geerdetsten, bodeständigsten Part bezeichnen, was ihn nicht davon abhält, mit „The Frog Prince“ einen fulminanten Folkohrwurm beizusteuern. Alexander Hacke, der einzige der Neubauten ohne Pseudonym und habituell recht gut im Kreis um Simon Bonney aufgehoben, zeigt sich am expressivsten und zudem stimmlich wandlungsfähig. Bei „Snow White“ – unter anderem eine Hommage an die Zahl der Himmel, Sünden, Siegel, Weltwunder und Schöpfungstage – fällt es schwer, nicht an den Kanadier zu denken, den die Pogues einmal als „dear old Times Square’s favourite bard“ besangen.

Am Ende, nach einer knappen Stunde mit Bluesakkorden und Walzertakt, Rockklischees und berührenden Melodien, mag mitunter ein zwiespältiger Eindruck haften bleiben – zwiespältig deswegen, weil die Republik der Wölfe, trotz der inhaltlichen Drastik im Schnitt doch ein schöner Ort ist, an dem man gerne verweilt. Ein Ort, an dem Spannung und heimelig-unheimliches Zwielicht herrscht und die hässlichsten Dinge, Ramsch und Langeweile, konsequent fehlen. Man muss schon die lebenswichtigen Betriebsblindheiten unserer Zeit perfekt verinnerlicht haben, um diesen Bruch nicht zu bemerken, der sicher noch deutlicher aufscheinen würde, hätten die vier Wölfe hier ein glattes, kitschiges und durchweg schönfärberisches Szenario geschaffen. Dieser Zwiespalt trägt zum Großteil zum Reiz des Albums bei, und wenn auch auf der Bühne davon noch etwas zu spüren sein sollte, dann wäre dem Fantasydrama ein großes Stück Realismus gelungen. (U.S.)

Label: Mute

Einigen unserer Leser ist Olga Volchkova vielleicht als Covermodell des letzten Albums von Crime and the City Solution bekannt, ihre eigentliche Berufung liegt allerdings in der Malerei und anderen Bereichen der Bildenden Kunst. Bei der Gruppenausstellung “My Icon”, die vor kurzem in Berlin stattfand, waren ihre Werke die einzigen, die dem Begriff der Ikone auf recht traditionelle Weiße wörtlich entsprachen. Die Darstellung der allegorischen Figuren, der Umgang mit Raum und Perspektive und nicht zuletzt die Techniken, auf die ihre Gemälde schließen lassen, erscheinen jedem vertraut, der sich schon einmal mit der Ikonenmalerei der christlich orthodoxen Kirchen, vor allem in ihrer russischen Ausprägung, befasst hat. Dennoch wird bereits auf den ersten Blick klar, warum ihr Name in der Kunstszene eher mit Tradtionsbrüchen als mit Traditionen in Verbindung steht, denn auf motivischer Ebene sind ihre Sujets ausgesprochen eigenwillig und im wahrsten Sinne unorthodox. Dass ihre zentralen Motive eher in der Welt der Flora als in religiösen Erzählungen zu finden sind, ist eines der Themen im folgenden Interview.

English Version

Du bist in einigen sehr unterschiedlichen Bereichen der Kunst tätig, im Vordergrund stehen deine Glasarbeiten, deine Arbeit als Restauratorin und v.a. deine Ikonenmalerei. Nebenbei bist du Gärtnerin, was sich in vielen deiner Arbeiten niederschlägt. Wie würde ein passendes Motto für deine Kunst klingen?

Ich habe Leidenschaften, aber nicht wirklich ein Motto. Am meisten liebe ich es, meine Augen, meinen Kopf, meine Hände und die Schönheit, die mich umgibt, zusammen zu bringen.

Die Welt der Pflanzen ist sicher das am häufigsten wiederkehrende Thema deiner Bilder. Auf der Ausstellung sagtest du, dass Pflanzen deine Religion seien. Kannst du etwas mehr dazu sagen?

Wenn ich mir Pflanzen ansehe, dann erwarte ich nicht, dass sie mir unmittelbar helfen. Es ist wie bei Leuten, die beten: Auch da sollten sie nicht um Wunder bitten, sondern sich anständig und nach Prinzipien verhalten, vielleicht werden ihre Gebete ja dann erhört. ) Mit Pflanzen ist es das gleiche: Höre ihnen zu, schaue sie an, rieche ihren Duft und respektiere sie, dann werden sie dir ihre Geheimnisse schon irgendwie offenbaren. Beobachtung ist der Schlüssel zu jedem Erfolg. Schneeglöckchen zum Frühlingsanfang, späte Rosen im Herbst, verstreute Blüten im Gras – es gibt so viele Kostbarkeiten. Ich könnte mir kein Leben ohne sie vorstellen. Und alle haben sie ihre Geschichten, die mit der Geschichte des Menschen verwoben sind – Jahrtausende lang haben sie unser Leben gerettet, uns ernährt, uns Kleindung und Unterkunft gegeben in all ihrer schönen, geduldigen und friedvollen Art. Es ist eine magische Wirklichkeit, an die ich glaube und in der ich lebe.

Hast du eine Lieblingspflanze, ein Kraut oder ähnliches, und wenn ja, warum gerade dieses?

Meine Vorlieben ändern sich von Zeit zu Zeit Aber Heckenrosen liebe ich grundsätzlich. Der Duft, das kräftige Magenta im Kontrast zu den grün gemusterten Blättern und den orangenen Früchten im Herbst. Ich hab sie mit meiner Großmutter für den Windertee gesammelt, vor langer Zeit, irgendwo im Herzen Russlands. Ich freue mich immer, wenn ich Heckenrosen sehe.

Du hast vor kurzem an der Berliner Gruppenausstellung „My Icon“ teilgenommen. Obwohl deine fünfzehn Exponate ziemlich unkonventionelle Motive zeigten, war mein erster Gedanke, dass du einen guten Einblick in die Welt der Ikonen haben musst. Wie früh in deinem Leben hast du deine Liebe zu dieser Kunst entdeckt?

Du hast recht, was den Einblick betrifft. Als ich meinen Abschluss in Chemie machte, malte ich Matryoshkas, um über die Runden zu kommen. Ich ging auf die Kunsthochschule, als ich schon 21 war, und auch nur weil in diesem Jahr ein Studiengang mit dem Schwerpunkt Restauration eingeführt wurde — für nur 8 Teilnehmer. Ich hatte solche Zweifel, ob sie mich überhaupt nehmen, weshalb ich mich zeitgleich für die Ikonenschule in Twer beworben hatte. Ich bekam von beiden eine Zusage und arbeitete zugleich im städtischen Museum, wo ich alte Gemälde und Ikonen restaurierte. Ich erinnere mich, dass mein Gehalt Mitte der 90er bei zirka $50 im Monat lag. Während dieser Zeit malte ich außerdem hunderte Ikonen im Stil des 18. Jahrhunderts für den Moskauer Ikonenmarkt, ebenfalls um zu überleben.

Letztlich war das sehr ermüdend, weshalb ich froh war, andere Kunstsparten zu entdecken: Bildhauerei, Glassarbeit, Design etc. Erst nach Jahren fing ich an, die Ikonenmalerei zu vermissen. Obwohl ich gelegentlich Ikonen für Aufträge malte, gingen meine Ideen und Erfahrungen nicht in die Richtung, die mit dem normalen Inhalt von Ikonen vereinbar ist. Bei allem Respekt für alle Religionen, fühle ich mich mit den organisierten Religionen keineswegs verbunden… Aber ich liebe Kunst und Handwerk. Nicht nur russische Ikonen, auch tibetische Thankas, indische, mexikanische und die meiste indigene Kunst, die ich beseelt und ungemein tief und schön finde. Ihre Bildsprache erzählt Geschichten über die Jagd, über die Ernte oder über Engelserscheinungen… Und auch die sprechen mich an. Die Art, wie ich heute male – ich kombiniere vielen Arten von Liebe. )

Du warst also keine besonders religiöse Person damals, und dein Zugang erfolgte mehr über die Kunst?

Meine Ikonenschule war eine kleine Gruppe von russisch orthodoxen Ikonenwandmalern, Holzschnitzern und Restauratoren. Ich studierte und arbeitete damals gleichzeitig, und ich war die einzige Person in der Gruppe, die nicht religiös war. Aber das hat niemanden gestört, ich war voll akzeptiert. Anfangs dachte ich daran, es mit dem Religiösen einmal zu versuchen – aber je mehr ich es versuchte, umso mehr Fragen kamen auf. Davon abgesehen kamen wir aber gut miteinander klar. Sie waren sehr gute Maler und sehr großzügige, nette Menschen. Und Religion an sich war ein derart neues, mysteriöses Ding, nachdem wir zunächst die kommunistische Zukunft aufbauen mussten. Ich liebe, aber ich glaube nicht an Märchen – Pflanzen sind realer! ))

Welche Rolle spielen Ikonen in der Region, aus der du stammst?

Ikonen sind Bilder von Heiligen, oder Bilder zu wichtigen Feiertagen. Sie verbinden betende Seelen mit dem Geist der Heiligen. Je mehr Gebete durch eine Ikone gegangen ist, umso kostbarer ist sie. Alle anderen Werte sind bloß Geld. Tarkovskys Film “Andrei Rublev” stellt die Rolle der Ikonen in meiner Region ziemlich gut dar.

Was waren die wichtigsten Ideen und Werte, die du aus der Ikonenschule mitgenommen hast?

Ich lernte das gesamte Handwerk, nicht nur das Künstlerische, sondern auch viel über das Material: wie man zum Beispiel eine Holzfläche herstellt, eine spezielle Grundierung mit Honig und Knoblauch, Goldfarbe oder Eitempera mit Mineralien. Und ich lernte die Reihenfolge, wie man die Elemente der Ikonen malt, Holzschnitzereien vergoldet, Ikonen restauriert, etc. Ich reiste viel und installierte Ikonenwände in russischen Kirchen, lebte zeitweise in Klöstern und erkundete unterschiedliche Lebensweisen. Kirchen schossen in den 90ern wie Pilze aus dem Boden: Wir konnten der Nachfrage nach dem Einbau von Ikonenwänden kaum nachkommen.

Welches war der Hauptimpuls, der dich dazu gebracht hat, diese traditionellen Sujets mit ungewöhnlichen Elementen zu verbinden?

Der Wert der Natur ist etwas, woran ich wirklich glaube, und ich wollte das in der am meisten vertrauten Art ausdrücken, in einem Medium, dass ich wirklich verstehe.

„Saint Hops“ gefiel mit in der Ausstellung am besten, vielleicht weil es mich an Aspekte der deutschen Kultur erinnerte. Was kannst du uns über dieses Bild erzählen und über die Geschichte dahinter?

Wenn du dir Hopfengewächse ansiehst und dir überlegst, wie der Heilige dazu aussieht, fällt dir auf, dass die Pflanzen diese flauschigen Samen haben, und mehrere sehen aus wie ein grün-brauner Bart. In Russland lieben wir gekochten Flusskrebs mit Bier (die Bildelemente des “Saint Hops”-Gemäldes), aber mein neuer amerikanischer Lifestyle verlangt Salzprezel. ) Es geht nur um den Genuss von Hopfen. Wir danken dem Hopfen für gutes Bier! In Eugene, Oregon, wo ich lebe, haben wir zur Zeit 20 unabhänbgige, lokale Brauereien, und eine hat ein spezielles Autumn Pumpkin Chocolate Beer!

Wie lange arbeitest du üblicherweise an einem Bild, und was kannst du uns über deine Techniken sagen?

Es hängt von der Größe des Bildes ab. Fünf Tage bis hin zu einem Monat meistens. Es wäre klasse, ein richtig großes zu machen mit viel Charakter, dass dann 2-3 Monate in Anspruch nehmen könnte… Ich benutze ein paar traditionelle Techniken. Ich koche mein eigenes Gips mit Honig und Knoblauch. Ich benutze leicht zu entfernenden Naturleim, der der Feuchtigkeit standhält. Manchmal verwende ich Blattgold. Allerdings benutze ich eher Akryl statt Eitempera. Auch ritze ich meine Zeichnungen in Gips: Auf diese Weise wird in ein paar hundert Jahren die Farbe verschwinden, aber die Zeichnung wird noch da sein, zur Freude der Restauratoren. )

Du verwendest recht unorthodoxe, eher „heidnische“ Motive und erfindest Heilige. Würdest du sagen, dass es diese Aspekte unter der Oberfläche der christlichen Mythologie ohnehin gibt? Wie hat man in Russland darauf reagiert?

Alles was ich weiß, ist dass meine russischen Freunde meine Bilder lieben. Wenn jemand eine Frage hat, antworte ich. Ich hatte bisher aber nie den geringsten Ärger wegen meiner Gemälde. Ich würde sie nicht “heidnisch” nennen oder mit sonst irgend einem großen Wort beschreiben – es ist nur eine kleine Hommage an unterschiedliche Aspekte des Lebens.

Es gibt da ein leichtfüßiges, manchmal wirklich lustiges Element in deinen Bildern, aber für mich ist das weit entfernt von Spott. Es hat mehr mit einem wiederbelebenden statt mit einem destruktiven Zugang zur Tradition zu tun. Würdest du zustimmen?

Das klingt sehr nett! Und ich hoffe, genau das entspricht meiner Persönlichkeit. Die kleinen Wunder, die ich jeden Tag sehe, sorgen für die witzigen Elemente meiner Geschichten.:))

In Westeuropa genießt das Russische Orthodoxe Christentum ein etwas verdrehtes Image. Da ist – v.a. seit der Pussy Riot-Affäre) die Reputation als reicher und intoleranter Apparat, auf der anderen Seite jedoch wird die “kulturelle” Seite (Ikonen, liturgische Musik etc.) sehr geschätzt. Eher unbekannt sind internationale Bewegungen wie „Orthodox and Gay“. Was würdest du sagen, sollten Westeuropäer im Hinterkopf behalten, bevor sie sich eine Meinung über dieses komplexe Thema bilden?

In Russland fühlt es sich gerade so an, als sei der lauteste Slogan “Wir sind ein christliches Land”. Es ist sehr intolerant. Bärtige Männer in seltsamer Gewandung beten in einer unbekannten altslawischen Sprache, definieren die “Moral” des Landes, indem sie Frauen, Schwule und alles, was sie sonst noch darunter einordnen, als “böse” bezeichnen. Ich verstehe den Unterschied nicht zwischen Tanzen in einer Kirche (“Pussy Riot”) oder in einem Park. Warum ist das eine legal und das andere ein Verbrechen? Die Orthodoxe Kirche tut sich sehr schwer damit, mit der Zeit zu gehen. Sie bestrafen Leute, die sie nicht mögen, physisch.

Du lebst nun seit ein paar Jahren in den USA. Denkst du, dass der unterschiedliche kulturelle Input die Art und Weise mitprägt, wie du dich den alten künstlerischen Traditionen stellst?

Es ist wahrscheinlich nicht bloß, dass ich in den USA lebe – es hat auch damit zu tun, dass ich ohnehin eine Menge Leute aus der ganzen Welt treffe. Manche bleiben für Jahre und manche gehen. Es sind immer Menschen. Ich reise sehr gerne herum – einige meiner besten Freunde kenne ich von meinen Abenteuern.

Wie groß ist der Unterschied zwischen den beiden Ländern im Hinblick auf die Rolle des Künstlers oder die Unterscheidung zwischen Bildender und Angewandter Kunst?

Es gibt durchaus Unterschiede. Was die Künstler selbst angeht, so gibt es in Russland mehr Leute mit fachlichem Können, weil das akademische System dort sehr aktiv ist. In den USA ist das weniger stark ausgeprägt, dafür gibt esdort aber mehr Experimentierfreude. In den amerikanischen Schulen wird Kunstfertigkeit zwar geschätzt, aber die Techniken werden nicht wirklich unterrichtet, es gibt dort eine merkwürdig emphatische Vorstellung eines künstlerischen “Statements”. Es gibt jedoch eine wichtige Gemeinsamkeit: Es gibt keine wirkliche Unterstützung für Kunst oder Künstler, weder in bildender noch in angewandter Kunst, weder in den USA noch in Russland.

Ich mag das „American Twilight“-Album von Crime and the City Solution sehr, für dessen Cover du als Model fotografiert wurdest. Wie kam es dazu?

Ich liebe das Album auch sehr. Ich war überrascht, dass ich auf das Cover kam. Ich traf Danielle De Picciotto, Alexander Hacke und einige andere nette Leute während eines Trips nach Mexiko, woraus sich ein paar interessante Kollaborationen ergaben. Danielle fragte, ob ich Lust hätte, zu modeln und an Musikvideos und bei Konzerten von Crime & the City Solution mitzuwirken, im Zusammenarbeit mit ihrem Artwork und ihren Geschichten. Ich liebe ihre Videos und bin froh, anb ihrer großartigen Kunst beteiligt zu sein.

Was steht für die nähere Zukunft an?

Mit einer neuen Ikone habe ich gerade St. Coffee und St. Chocolate kanonisiert. Wahrscheinlich wurden diese zwei wichtigen Pflanzen in Wirklichkeit erfunden, von zwei Frauen: eine in Afrika und eine in Mittelamerika, durch botanische Veredelung. Ich zeige, wie diese Genies sich gerade in einem Schokoladenkaffeehaus treffen, eine zeitlos kultivierte Szene, umgeben von Gärten und Kanälen. Es ist wichtig, dass wir unsere Vorstellung vom Heiligen erweitern. Ich werde eine Ausstellung vorschlagen, vielleicht gemischt mit traditionellen Ikonen, mit dem Arbeitstitiel “Saints without Borders”. Und natürlich werde ich etwas gärtnern.

Olga Volchkova @ Olgalaxy

Bonneys neue Heimat ist Detroit, und insgesamt ist es auch primär die Stimmung der einst blühenden Industrieregion um die Großen Seen, die in dieser seltsamen Götterdämmerung anklingt. Die Gegend, die einst – als man noch ungestraft an das kapitalistische Wirtschaftswunder der Nachkriegszeit glauben konnte – uramerikanische Produkte wie den Ford Mustang und zahllose Motown-Platten hervorgebracht hat, ist in den letzten Jahren häufig Stoff von Fotobänden, die die morbide Schönheit zerfallenden Glanzes dokumentieren. Die heruntergekommenen Villen und Fabrikruinen, stumm-expressive Zeugen einstiger Prosperität, wirken desolat, und doch ist der würdevolle Heroismus, mit dem sie dem endgültigen Verfall trotzen, kaum zu übersehen. Desolat und zugleich heroisch ist auch die Stimmung vieler Songs auf dem Album, z.B. wenn fatalistische Trommeln und eine hallunterlegte Grabesstimme den Opener „Goddess“ intonieren, bei dem ich zuerst, vielleicht etwas vorschnell, an den martialischen Düsterpunk von Theatre of Hate denken musste. Das Morricone-Pathos zu Beginn würde sich auch als Auftakt zu einem dunklen Filmscore eignen, doch schon nach wenigen Takten wird klar, dass die Zeichen derzeit auf „Art“-Rock stehen und dass Crime weit amerikanischer klingen als noch zu Berliner Zeiten, aus denen Bonney seinen alten Weggefährten Alexander Hacke plus Gattin ins Boot geholt hat.

„Riverman“ ist der vielleicht dreckigste Bluesrocksong der Band überhaupt, die fetzige Trompete zeugt vom Spaß am Apokalyptischen, das man allerdings in dicke Anführungszeichen setzen sollte, denn Stimmung und Texte zeugen kaum von einer eindimensional weltschmerzigen Untergangslust – auf „American Twilight“ wird das Vergehende betrauert und gewürdigt, und zugleich dem Unausweichlichen mit Haltung begegnet. Auch das symbolistische Artwork der Malerin Danielle De Picciotto, die auf einem Song auch Zither spielt, spricht diese Sprache. Der prominenteste Neuzugang, David Eugene Edwards von Wovenhand, macht sich besonders in dem rauen Rocksong „My Love Takes Me There“ bemerkbar, das partiell an das deftige Uptempo seines eigenen letzten Albums erinnert, während man die typischen Crime erst bei Bonneys Stimmeinsatz erkennt. Man kann die einzelnen Stücke theoretisch in Rocksongs, Balladen und Stücke mit leichtem Soundscape-Einschlag unterteilen. Bei letzteren sticht „The Colonel (Doesn’t Call Anymore)“ heraus, dessen liebliche Geige inmitten von Gerümpel die Stimmung des Albums am Besten komprimiert. Während „Beyond Good And Evil“ fast zu einer etwas betulichen Countryballade gerät, ist „Domina“ der definitive Glanzpunkt des Albums: Die leidenschaftliche Melancholie der Vocals, der im Chor gesungene Refrain und die verlangsamten Surfgitarren verweisen in eine mythische Zeit, als Amerika – auch das Amerika jenseits banaler Kulturindustrie – sich noch schön und hoffnungsfroh in Szene setzte. “Liberate me, create me”, eine markante Textstelle des Songs, könnte als tragisch-ironisches Motto von “American Twilight” gelten – tragisch-ironisch deshalb, weil dieser Wunsch in jedem der düsteren Songs lächerlich erscheinen würde, und doch als unausgesprochene Beschwörungsformel allgegenwärtig ist.

Hoffnungsfroh stimmt hier nun eher die Tatsache, dass Crime and the City Solution wieder da sind, dass sie keineswegs wie ein Relikt der Vergangenheit klingen und wohl auch vor haben zu bleiben. Dem Wunsch vieler Kollegen, dass „American Twilight“ nicht in dem ganzen Rummel um Nick Caves ebenfalls gelungenes, aber merklich leichter zu konsumierendes Album, überhört werden sollte, kann ich nur zustimmen.

Label: Mute