“Puritan Themes” zeigt Amos in einem entspannten, von den 70er-Jahren inspirierten Sound, der zwischen leichter Westcoast-Atmosphäre und dunkleren Akzenten pendelt. Das Album reflektiert zugleich gesellschaftliche Fragen, am deutlichsten im Song “Chain Gang”, der existenzielle Motive mit politischen Bildern verbindet. Insgesamt schlägt “Puritan Themes”, wie es beim Label heißt, einen Ton an, der sich bewusst dem schnellen Takt der Gegenwart entzieht und in der Art von Alben konzipiert ist, die als Ganzes gehört und in Ruhe aufgenommen werden wollen. Es erscheint als LP und zum Download.

folgte auf eine Reihe an EPs setzte seinerzeit neue Standards für experimentell ausgerichteten Instrumental-Rock. Das Album, das eine Coverversion des Sun City Girls-Stücks “Space Prophet Dogon” enthält wurde in der Vergangenheit mehrfach neu aufgelegt. Nachdem diese Editionen nun länger vergriffen sind, beingen Neurot das Album in zwei verschiedenfarbigen Vinylausgaben heraus.

Through continually refining and maturing their vision as a band, Grails have stumbled upon a reprogramming of their internal logic – and come out the other side with a new defining statement”. Zum bislang ausgekoppelten “Sad & Illegal” sagt Drummer Amos: “After a band has existed for 20 years, there are things you’ve always wanted to try on the back burner that you’ve never had the room to approach. We all have a bizarre lust to try and not sound like ourselves at times… which is usually the first and last thing you fail at. But with ‘Sad & Illegal’ maybe Grails got a little closer to getting outside ourselves. There are emotions represented in film music that just aren’t things one experiences in a normal day. Like the immense suspicion baked into music from a repelling scene in a diamond heist film… the way the hi-hat simmers, the filthy fretless bass and an out of tune piano that skitters around the beat.

This is the dimension where Sad & Illegal was born in… out of a sense-memory we never got to experience, but that film music told us was real.” Kurz darauf kommen Grails für eine ausgedehnte Tour nach Europa, bei der – siehe Flyer – mit Berlin, Hamburg, Bocum, Linz und Wien auch eine Handvoll Adressen im deutschsprachigen Raum auf dem Programm stehen. Das Album erscheint in zwei Vinyl-Editionen und in den gängigen digitalen Formaten bei Temporary Residence.

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@ Temporary Residence

Speziell zu der dunklen, drückenden Atmosphäre des ausgekoppelten “Jealous Gods” heißt es dann “Straight out of Madlib’s kitchen sink, and with a sense of brooding dread, “Jealous Gods” features throbbing beats, low synth paired with high vocal melody, layered together into something even more impossibly bizarre than the sum of their parts – like say, monks singing from on high, over a battleground littered with remnants of the old guard. Emil warps evocative tones, taking familiar sounds into new dimensions, reaching for the kind of depth and resonance that defines moments with an almost invisible touch”.

@ Drag City

Experimentierfreudig waren die Portlander seit eh und je, und in vieler Hinsicht sind sie sich auch nach einer Pause von über sechs Jahren treu geblieben. Unabhängig von der Länge sind die ausschließlich instrumental gehaltenen Tracks episch, entfalten stets in sich abgeschlossene, umfangreiche Erzählstränge, die hier und da durchaus komplex ausfallen können, auch wenn man das aufgrund der harmonisierenden Stimmigkeit nicht immer sofort bemerkt. Auch dem Stimmungsgemisch von Verspieltheit bis mystischer Ergriffenheit, von gelegentlich doomiger Schwere bis hin zu erdiger Americana und nerdigen Trashfilm-Anleihen bleiben sie treu. Doch es kam etwas Unberechenbareres hinein in das hier und da von Jazz und Funk aufgelockerte Psych Rock-Gerüst, so als ob die gerade von ihren Exkursen heimgekehrten Musiker das Abschweifen und Zusammenführen nun auch auf der Binnenebene zu einer Tugend gemacht hätten.

Viele der Stücke starten von einem recht entspannten Ausgangspunkt und setzen zunächst auf wenige, aber effektvolle Details – traurig tremolierende Klangteppiche aus miteinander verschwimmenden Gitarren und Synthies, einfache, unprätentiöse Takte aus dem Fundus Emil Amos’, der, wie er gerade auch bei OM beweist, den entgrenzten Freakout ebenso wie den vitalen Kraftakt beherrscht, aber auch in der Kunst der Zurücknahme bewandert ist. Solche Zutaten prägen oft das Ausgangssetting, das wunderbar in einen verregneten Nachmittag in jeder Jahreszeit passt. Ein zufriedener Fatalismus prägt den Longplayer über viele Strecken und lässt die Hörer wie auf sanften Wellen dahintreiben, und je nach dem, wie gut man sich in dem Setting eingerichtet hat, registriert man vielleicht erst mit der Zeit, wie massiv die unterschiedlichsten neuen Komponenten aus allen Richtungen dazu kommen, die Rhythmen aufgewühlter und auch mal deftiger werden, und sich immer markantere Melodien (wenn man es nicht besser wüsste, würde man das eine oder andere Gitarrensolo für ein Temorsaxophon halten) in den Vordergrund spielen. Irgendwann wird unmissverständlich klar, dass „Chalice Hymnal“ auch durch Opulenz heraussticht.

Was ich „zufriedenen Fatalismus“ genannt habe, entpuppt sich als ein meditativer Zug, der viele divergierende, unterschwellig hektische Details, die v.a. Amos gekonnt von der Hand gehen, zusammenhält. In „Pelham“, einem der stärksten Songs, werden diese vom Gitarren- und Elektronik-Sound wie von einer Welle aus Dunkelheit verschluckt und bis zur Verschmelzung versöhnt – was bleibt, ist eine sanft melancholische Westcoast-Stimmung, die den Song wie ein dezentes Progstück enden lässt. Bei all dem ist in jedem Stück und in jeder der wechselhaften Stimmungslagen die Energie zu spüren, mit denen das Trio zu Werke gegangen ist – es bleibt zu hoffen, dass diese Vitalität nicht vollends aufgebraucht wurde, und das nächste Kapitel Grails nun weniger lange auf sich warten lässt. (A. Kaudaht)

Label: Temporary Residence

Auf „My Only Warm Coals“ finden sich Aufnahmen, die seit Mitte der 90er in Amos’ Heimstudio entstanden sind und zunächst keinen Weg an die Öffentlichkeit fanden, bis das niederländische Morc-Label gut die Hälfte davon auf Lathe Cut 10” zugänglich machte. Mit seiner jüngst auf Important erschienenen CD-Neuauflage öffnet Amos die Archive erneut und erweitert die Sammlung um weitere neun Stücke. Aufnahmen, die spontan im Heimstudio mit geringem Aufwand entstehen, minimale Bearbeitung erfahren und nie wirklich zuende geführt werden, haben immer etwas von einem Einblick in die Arbeitsweise des Musikers, zeigen sie die Resultate doch in verschiedenen Stadien der Unvollständigkeit. Auch die hier veröffntlichten Stücke sind weit entfernt von dem Augenblick, an dem an so etwas wie Mastering überhaupt gedacht wird. Keine der neunzehn 4-Spur-Aufnahmen klingt soundmäßig besonders elaboriert, was zusammen mit der gedämpften Stimmung und der zum Teil etwas vernachlässigten Melodik einen trotzigen Loner assoziieren lässt, der verbumelt vor seinen Geräten abhängt und ein paar Regler bedient, wenn ihm danach ist. Wäre Ariel Pink nicht so ein Sonnyboy, dann gäbe es Holy Sons vielleicht zweimal. Die meisten Stücke sind recht kurz, was bei dem hypnotischen „Underdog Cringe“ durchaus schade ist. Dafür entschädigen die bislang unveröffentlichten Songs „Aged Wine“ und „Things on my Mind“ mit ungewohnt schrammeligem Morricone-Folk.

Raue Gitarren sorgen ansonsten momentweise für Doom-, Blues- oder Americana-Feeling, das stets in Andeutungen zum Zug kommt und durch den improvisierten DIY-Charakter eine deutliche Brechung erhält. Gelegentlich füllen zittrige Orgelspuren die Löcher des grobkörnigen Klangbildes, und Amos’ eigentliches Handwerk, die Drums, sind an manchen Stellen auffallend nach vorn gemischt und erscheinen beinahe wie ein ironischer Selbstkommentar. Sehr persönlich ist wohl die Auswahl an Filmsamples, wozu es hier einen ganzen Artikel gibt. Dem Titel entsprechend müssten Amos’ Achive jetzt leer sein. Doch Gerüchten zufolge existieren noch Unmengen an Outtakes, und sollte Amos ein weiteres mal ein so gutes Händchen beim Zusammenstellen beweisen, dann darf man – als passionierter High End-Verächter – weiterhin gespannt sein.

Label: Important Records

Im Unterschied zu „Addis“ klingen beide „Gethsemane“-Versionen durchgängig nach OM und nach Dub. Was die Briten v.a. reduziert haben, ist die metallene Schwere des Klangbildes, die sich beim Original zunächst in erdigen Celloklängen offenbart und im Verlauf des Stücks im satten, basslastigen Rocksound weiterlebt. Cisneros rezitativer Stimmeinsatz, der durch die minimale, aber stark akzentuierte Melodik immer etwas Beschwörendes bekommt, generiert im Zusammenspiel mit dem physichen Klang vom Bass und Trommelwirbel eine eigentümliche Wirkung, in der Bodenhaftung und Abgehobenheit zu einer irrealen Einheit verschmilzen – hier schwirrt die Stimme eher entrückt im Raum, da sämtliche instrumentale Spuren ausgedünnt wurden. Wie beim letzten Mal ähneln sich beide Versionen über weite Strecken, während das melodisch freiere „Garden of Gethsemane“ mit Raumklangeffekten spielt, werden in „Garden of Dub“ Stimmpassagen Cisneros’ ordentlich durcheinander gewirbelt.

Beide Versionen schrecken nicht vor üppigem Genrekolorit zurück, rhythmisch stellen sich stärkere Reggae-Assoziationen ein als bei der letzten Überarbeitung. Lässt die Melodika wie eine Fanfare ihre Melodie ertönen, die die Melodie ungezählter Rootsstücke ist, meint man glatt den Löwen von Juda, wie man ihn von etlichen Covers und Wandmalereien her kennt, durch ein mythisches Afrika stolzieren zu sehen – heroisch verklärt durch süß duftende Rauchschwaden. Peace! (U.S.)

Label: Drag City

Das Original ist ein erdiges und zugleich hynotisches Stück, und fungiert auf dem letztjährigen Album als Intro, auch wenn dieses Wort die fesselnde Anziehungskraft der mantraartig gesungenen Sanskrit-Worte und die Erdverbundenheit der Streicherklänge beinahe trivialisiert. Erst gegen Ende, von Kate Ramseys Gesang längst in die angemessene Konzentration versetzt, bekommt man Al Cisneros’ Bass zu hören, der auf OM-typischere Strukturen vorausweist. Das mit einfachen Mitteln erzeugte Charisma und die Verknüpfung spiritueller Aspekte aus ganz unterschiedlichen Religionen lassen aber auch hier einen vollständigen OM-Song entstehen. Die vielleicht offensichtlichste Veränderung, die Alpha & Omega auf beiden Seiten der 12”-Dubplate einbringen, ist ein Moment der Zerstreuung, eine Gelöstheit, die dem schwebenden und doch in sich ruhenden Charakter des Originals fern liegt, mag dieses auch noch so weit vom oft unterstellten Doom Metal und seiner fatalistischen Schwere entfernt sein. Dies ist garantiert beabsichtigt, bedenkt man das auffällige Foregrounding der elektronischen Rhythmen, welche die zeitweise verfremdete Stimme vorübergehend aus dem Zentrum holen und zu einem Element unter mehreren machen.

Mit „Ababa Dub“ findet ich auf der ersten Seite der etwas experimentierfreudigere Mix, wobei die Briten ein gutes Gespür demonstrieren für die mysthische Ausstrahlung der Rezitation und sich in puncto Verspieltheit respektvoll zurückhalten. Die Raumklangeffekte bleiben somit ebenso dezent wie das bewusst etwas aus dem Takt geratene Zusammenspiel von Stimme und Perkussion. Neben dem Mantra sind es v.a. die Celloparts und ihre orientalischen Melodien, die an die ursprüngliche Version anknüpfen. „Addis Ababa“ auf der zweiten Seite unterscheidet sich von dieser Version nicht gravierend, ist aber etwas opulenter und melodischer ausgestaltet. Punktuell meint man neben diversen Dub-Spielereien fast Augustus Pablos Melodika zu hören, und gegen Ende werden auch noch einmal Cisneros’ Bassläufe aufgegriffen.

Ich bin etwas zwiegespalten: Auf der einen Seite haben Alpha & Omega aus dem Stück all das Tanzbare, aber auch Verspielte und Relaxte herausgeholt, das als Potential unter der Oberfläche des Songs verborgen ist, und für sich betrachtet funktionieren die Versionen einwandfrei. Auf der anderen Seite bewirkt Kate Ramseys Rezitation und die schon im Original nur minimale Präsenz von Drums und Bassgitarre, dass man aus den Remixes nur noch wenig OM direkt heraushört. Wem es ähnlich geht, wer durchaus noch mehr OM und insgesamt auch etwas klassischeren Dub gemocht hätte, der darf sich aber schon auf das nächsten Dubplate zu „Gethsemane“ freuen. Mehr dazu und zu Cisneros’ kommender Solo-EP in Kürze.

Label: Drag City

Als Cisneros 2003 zusammen mit dem Schlagzeuger Chris Hakius das Erbe der legendären (und ja, hier darf man das Wort schamlos verwenden) Sleep antraten, machten die beiden aus der Not der Minimalbesetzung „Mikro, Bass, Drums“ eine spezielle Tugend: Sie demonstrierten wie kaum eine andere Band, dass ein basslastiger Sound reduziert und breit zugleich sein kann. Ihr hypnotischer Stoner Rock an der Grenze zum Metal lebt von gut durchkomponierten Rhythmen, deren Statik auch in entgrenzten Momenten nie suspendiert wird, vielmehr zeigen regelmäßige Trommelwirbel, wieviel Vitalität in einfachen Formen stecken kann. Der starke Bass, mal groovig, mal wie eine Gitarre gespielt, und der rezitative Gesang ließen schnell einen eigenen Stil entstehen. Schnell kam das Klischee „kennst du ein Lied, kennst du alle“ auf, das natürlich nur dann negativ zu Buche schlägt, wenn man für die Magie der Repetition unempfänglich ist. Dass eine stilistische Erweiterung in etwa zeitgleich mit dem Ausstieg Hakius und dem Einstieg Emil Amos’ (Holy Sons, Grails) erfolgte, sollte man nicht überbetonen, denn Amos demonstriert ein gutes Verständnis für Hakius Errungenschaften und führte den Drumpart mit ähnlicher Markanz fort. Ausdifferenzierte und für Om-Verhältnisse weniger ideosynkratische Themen verlangten einfach ein erweitertes Klangspektrum, Robert E. Lowe (Lichens) zählt mit seiner Handperkussion, seinen Vocals und seinem Bühencharisma mittlerweile fast zur Stammbesetzung.

Auf dem nun fünften Longplayer „Advaitic Songs“, dessen Titel auf eine indische Philosophie der Einheit von Schöpfer und Welt (und somit der Durchdringung von Göttlichem und Natürlichem) anspielt, wird die seit „Pilgrimage“ vorgenommene Durchmischung des Om-Sounds mit orientalischen Elementen weiter vorangetrieben, gleich im einleitenden „Addis“ trifft Liturgisches auf Amos’ energetisches Drumming. „State of Non-Return“ ist der erste Höhepunkt des Albums, hier entfalten Om ein ganzes Panorama ihres derzeitgen Könnens – das wummernde, unterirdische Bassspiel, das erst verhalten beginnende und sich dann steigernde Drumming und das Hinzufügen „Om-fremder“ Aspekte: Das fast folkige Klavierspiel Lowes beispielsweise oder die stimmungsvollen Celli, u.a. von Jacky Perez Gratz (Grayceon, Amber Asylum, Giant Squid), die viel zu der typischen Atmosphäre des Songs beitragen. Der Punkt ohne Wiederkehr ist fatalistisch, und hat doch nichts von paralysierender Unausweichlichkeit.

Dronig mit Anflügen indischer Klassik beginnt „Gethsemane“, über leichten Gitarrensound bewegt sich heller Gesang und kündet vom christlichen Erlöser in Ketten. Die erneut orientalisch anmutenden Celloklänge unterstreichen auch hier die Ernsthaftigkeit, mit der Einflüsse aus drei Weltgegenden zusammenkommen. Keyboardsounds und Lowes Stimmexperimente leiten in das zunächst von einem islamischen Pilgergebet geprägte „Sinai“ über, das im weiteren Verlauf die typischsten Om-Momente hat – so als wollte die Band noch einmal zeigen, wo sie herkommt, bevor sie im großartigen Finale „Haqq-Al-Yaqin“ alle Qualitäten der „Advaitic Songs“ zusammen führt.

Mir scheint, dass man viele der wesentlichen Elemente der „Atvaitic Songs“ eher umschreiben oder, falls der Funke übergesprungen ist, in seiner Begeisterung mit anklingen lassen kann. Vieles durchmischt sich hier, Orient und Okzident in Text und Musik, aber auch alte und neue Om. Dies sollte auch viele versöhnen, denen „Pilgrimage“ und vor allem “God is Good” zu unmarkant erschienen ist. (U.S.)

Label: Drag City