Inhaltlich zeichnet das Stück die Geschichte eines Wohnprojekts nahe Sidon nach, das nach einem Erdbeben entstand und sich über Jahrzehnte zu einem vielschichtigen sozialen Raum entwickelte, eng verwoben mit den Lebensrealitäten von Fischern, politischen Bewegungen und einem benachbarten Flüchtlingslager. So entsteht ein vielschichtiges Klangbild, das Alltagsleben, Erinnerung und regionale Konfliktgeschichte differenziert und nuanciert miteinander verschränkt, ohne je ins rein Dokumentarische zu kippen. Im Sinne einer musikalischen wie wissenschaftlichen Erkundung eines historischen Ortes knüpft die Künstlerin hier also auch an ihr groß angelegtes Album “Marjaa: The Battle of the Hotels” an, mit dem sie den Spuren historischer Ereignisse im bürgerkriegsgeplagten Beirut mit Mitteln der Musik und der Poesie nachging. Kompositorisch unterstützt von Fadi Tabbal und rhythmisch akzentuiert durch Pascal Semerdjian, entfaltet der Song eine dichte, bewegende Sogwirkung zwischen persönlicher Erzählung und kollektiver Geschichte. Eine ganze Reihe an Fischern wwerden auf Bandcamp namentlich genannt. Die Single erscheint mit Design von Josette Khalil (die zusammen mit Omar Bsat  auch an der historischen Aufarbeitung beteiligt war) über Ruptured.

Mit Yara Asmar, Nour Sokhon, Sanam, Charbel Haber, Julia Sabra, Elyse Tabet, Postcards, Jad Atoui, Anthony Sahyoun, Snakeskin, Fadi Tabbal, Interbellum, Mayssa Jallad, Abed Kobeissy, Sary Moussa, Interbellum, The Incompetents, Yasmine Hamdan, Zeid Hamdan, Youmna Saba und Maud Zeinoun sind eine ganze Reihe an Künstlerinnen und Künstlern vertreten, die auch auf unseren Seiten schon eine Rolle gespielt haben. Internationale Acts wie Julia Holter und Mary Lattimore sind ebenfalls vertreten. Die Doppel-Compilation ist mit Artwork by Carla Aouad und Design von Josette ‘Zooz’ Khalil über Bandcamp erhältlich. Der erste Teil der Reihe erschien vor anderthalb Jahren.

Das libanesische Duo Snakeskin – Julia Sabra und Fadi Tabbal – widmet sich auf “We live in sand”, das größtenteils während einer Residenz in Bern produziert wurde, genau diesem Spannungsfeld. Entstanden im Oktober 2024, als die Eskalation des aktuellen Kriegens in der Region auch Beirut erreichte, markiert das Album den vielleicht radikalsten Punkt in ihrer bisherigen Arbeit. Schon der Auftakt “Ready” konfrontiert mit aufgewühltem, elektrifiziertem Rattern, das metallen vibriert und wie im Kontrapunkt zu der Genügsamkeit von Sabras entspannt-melancholischem Gesang steht. Bald mischen sich weitere Schichten darunter, flächige Sounds, die fast wie ein vorbeifliegendes Flugzeug wirken, ehe sich die Musik noch einmal überraschend melodisch öffnet.

“October sun” knüpft mit elektrifiziertem Hauchen und Summen daran an, getragen von einer monochromen Kulisse, die warm im Hintergrund liegt. Hier entfaltet sich eine Stimmung des Ausharrens, in der Sabras Stimme von verlorenen Orten und einem Himmel voller Drohnen singt. “This time there’s no escape”, heißt es und verweist auf die Unausweichlichkeit der Gegenwart, in der das Private untrennbar mit der politischen Situation verschränkt ist. Rhythmischer und beschwingter setzt “Blindsided” ein, doch unter den luftigen Takten liegt eine ambient geerdete Grundierung. Hier wird auch der zentrale Gedanke des Albums zwischen Verzweiflung und Beharren besonders eindringlich formuliert: “How to love in the face of this death”.

Mit “Olive groves” verändert sich die Stimmung spürbar. Feierliche Orgelklänge begleiten eine andächtige, fast schwebende Stimme, die in wenigen Worten jahrzehntelange Konflikte anruft. Auch “Black water” bleibt im Gestus reduziert, getragen von dumpfen Schlägen, folkig eingefärbten Saitenklängen und Bläsern, was der Komposition wie Musik für einen abgedunkelten Kurzfilm anmuten lässt. “The fear” dagegen klingt im Ansatz poppiger, mit klopfenden, rauschenden Texturen, hochtönendem Gesang und einem melodischen Brummen im Hintergrund – eine Eingängigkeit, die den bitteren Text umso deutlicher akzentuiert, in dem persönliche Erinnerungen an Kindheitsängste mit gegenwärtiger Bedrohung verschränkt. Ein wiederholtes Traume ist bekanntlich umso stärker in seiner Wirkung.

Im Titelstück schiebt sich ein metallisches Rasseln, Brummen und Bläserartiges in den Vordergrund, ehe Feedback und Kratzen die Klangfläche zerreißen. Der Gesang ist stark verfremdet, mal kaum verständlich, mal glasklar, und entwirft Bilder von Flammen, Steinen und einer “bloodied sun”. Der Abschluss “In the pines”, als einziges Stück außerhalb der Residency entstanden, führt schließlich in tiefe Melancholie. Bedächtige Pianolinien und verfremdete Stimmen verweben sich zu einem düsteren Duett. Zwischen Erinnerungsverlust, brennender Stadt und dem Ruf der Grillen entsteht eine Schwere, die keinen Ausweg mehr anbietet.

Von Anfang bis Ende ist “We live in sand”, trotz seiner voerdergründigen Zugänglichkeit, ein Album ohne beschönigende Zwischentöne. Während das selbstbetitelte Debüt noch von den Nachwirkungen der Beiruter Hafenexplosion geprägt war und “They Kept Our Photographs” im Schatten des beginnenden Kriegs entstand, ist die Gewalt hier endgültig im Alltag angekommen. Karl Matar, als Interbellum selbst Musiker, erfasst dies in den Liner Notes als Zeugnis ohne Fluchtpunkt: Wo frühere Werke Hoffnungsräume offenhielten, bleibt diesmal nur der entschlossene Realismus.

Am Ende bleibt ein Werk, das so bedrückend wie notwendig wirkt, eine fragile, aber klare Stimme aus der Mitte der Zerstörung. (U.S.)

Label: Ruptured Records / Beacon Sound

“The Dome Sessions”, die neue Compilation des libanesischen Labels Ruptured Records, reagiert nicht nur auf diesen Raum, sondern setzt sich, wie auch in den Liner Notes von Wassila Abboud erörtert, mit ihm in Beziehung. Die elf Sessions, die im April 2023 vor Ort aufgenommen und später in den Tunefork Studios in Beirut abgemischt wurden, lassen sich als akustisches Protokoll einer künstlerischen Aneignung verstehen. Das kollektive Moment ist dabei zentral: Musikerinnen und Musiker aus unterschiedlichen Kontexten und Generationen begegnen sich in diesen Aufnahmen auf Augenhöhe, reagieren aufeinander, auf die Architektur, auf das Vergangene, das Gegenwärtige, das geisterhaft Verborgene. Auch auf das, was in Worten unbeschrieben bleiben muss.

Die erste Session – ein Stück des Trios Sandy Chamoun, Abed Kobeissy und Pascal Semerdjian – beginnt mit Vogelstimmen, wie sie immer wieder leitmotivisch durch das Album ziehen. Eine Art perkussiver Donner kündigt sich an, rätselhafte akustische Miniaturen – Rasseln, Hupen, Triller –, dann setzt Chamouns unverwechselbarer Gesang auf Arabisch ein. Die Instrumentierung ist minimalistisch, doch der Ausdruck ist enorm. Die Dramaturgie des Stücks lebt von ihrer inneren Bewegung: mit wenigen Mitteln entstehen immer neue Motive, zum Ende hin steigert sich das Stück kraftvoll, beinahe eruptiv, ohne dabei die unaufgeregte, klare Stimme Chamouns auch nur ansatzweise zu tangieren. Makram Aboul Hosn präsentiert zwei solistische Kontrabass-Stücke. Der erste Teil ist geprägt von einer durchlässigen, atmenden Dynamik, das Tempo verändert sich scheinbar mühelos, der warme, holzige Klang des Instruments bleibt stets präsent. Im zweiten Teil dann ein energischeres, beinahe rabiates Spiel mit dem Bogen, ein starker Kontrast zum ersten Teil, der schließlich wieder zurückgeführt wird: ein kreisförmiger Aufbau, ein hörbarer Kraftakt.

Abdo Sawma und Anthony Tawil schaffen in ihrer Session eine verdichtete Atmosphäre, die sich von leiser Perkussion zu einer hallgeladenen, beinahe monumentalen Klangfülle steigert. Es ist ein Stück, das sich Zeit nimmt und zugleich große Intensität entwickelt. Ghassan Sahhab nutzt die Qanun – eine arabische Zither – für ein Stück, das archaische Melodik mit flirrender Leichtigkeit verbindet. Die Komposition wirkt nicht wie ein statisches Gebilde, sondern wie ein Gespräch: suchend, fragend, dabei aber stets getragen von innerer Kraft. Der Wechsel zwischen tastender Offenheit und kraftvoller Harmonie verleiht dem Stück eine besondere Tiefe.

Wassim Tanios – möglicherweise identisch mit dem gleichnamigen Regisseur – kombiniert eine dröhnende Grundstimmung mit subtilen Holzbläser- und Elektronikklängen. Die hier wohl verwendete Nej, ein traditionelles Doppelblattinstrument, verleiht dem Stück eine melancholisch-transparente Qualität. Es ist eines der emotional eindringlichsten Stücke der Compilation. Julia Sabras Beitrag ist eines der wenigen textbasierten Stücke. Ihre klare, folkige Stimme steht zunächst allein im Raum, bevor sie vom Strumming einer schlichten, aber feierlichen Akustikgitarre begleitet wird. Die Lyrics sprechen von der Unsicherheit der Zeitlichkeit und von einer drohenden Verlorenheit – und tun dies mit einer Sanftheit, die umso eindrucksvoller ist. “Girls and boys dancing around a corpse”, heißt es an einer Stelle – eine Zeile, die hängen bleibt.

Farah Kaddour greift mit ihrer Buzuq auf Mittel zurück, die schon ihr vor kurzem erschienenes Album “Ghazel” mit Marwan Tohme prägten. Doch hier wirken die Sounds noch entschiedener auf den Raum bezogen: Windgeräusche, das gelegentliche Aufbrausen des Instruments, das irrlichternde Spiel mit Tonhöhen und Rhythmen erzeugen ein Stück, das nie berechenbar ist, dabei aber stets kohärent bleibt. Der klangliche Zugriff erinnert an Roland Barthes’ Idee einer Schrift ohne festes Alphabet – ein auditives Reich der Zeichen. Marc Ernest beginnt mit vertrauten Vogelstimmen, bevor eine tubaartige Klangfigur einsetzt. Die Musik changiert zwischen Struktur und Offenheit, die Melodik ist ornamentiert, ohne überladen zu wirken. Das Stück bleibt schwer zu fassen, was Teil seiner Qualität ist. Der Fayha Choir, dessen Beitrag über zwölf Minuten geht, bringt mit “Zahrat al-Mada’en” ein ursprünglich für Fairuz geschriebenes Stück in den Kuppelraum. Die liturgisch anmutende Wucht dieses Chors, verbunden mit den akustischen Eigenheiten des Ortes, macht dieses Stück zu einem der ergreifendsten des Albums.

Den Abschluss bilden Charbel Haber, Anthony Sahyoun, Fadi Tabbal und Marwan Tohme. Ihr Stück wirkt wie ein epilogartiges Resümee: Geräusche, Stimmen, Saitenklänge, Dröhnen und Rasseln überlagern sich, ohne je in bloße Klangfläche zu kippen. Der Sound bleibt greifbar, vielschichtig, melancholisch – bis am Ende eine versteckte Sirene erklingt, fast unmerklich, wie ein Echo auf die vielen unvollendeten Kapitel dieses Ortes.

“The Dome Sessions” ist ein gemeinschaftliches Projekt, das klanglich z.T. weit auseinanderliegende Positionen miteinander in Beziehung setzt, ohne sie zu glätten. Jedes der Stücke würde auch isoliert bestehen, doch im Kontext des Niemeyer-Domes, dessen sinnlicher Erfahrung sie hier einige neue Perspektiven gegeben haben, gewinnen sie zusätzliche Dimensionen. Die Compilation ist kein museales Dokument, sondern ein lebendiger Kommentar zu einem Ort, dessen Bedeutung sich weniger aus dem ergibt, was er ist, als aus dem, was aus ihm gemacht wird.

Label: Ruptured

Auf sechs Stücken bringt Moussa all diese westlichen und vorderasiatischen Instrumente in Kontakt mit elektronischer Bearbeitung und struktureller Verdichtung. Doch anstatt daraus ein harmonisierendes Patchwork zu machen, entwickelt er eine Musik, die sich durch Reibung definiert. Die eingesetzten Instrumente bleiben hörbar sie selbst, behalten ihre eigene kulturelle Schwere und begegnen sich dennoch auf Augenhöhe. Der Fokus liegt weniger auf einer Versöhnung der klanglichen Welten, sondern auf deren möglichem Nebeneinander.

Ein Schlüsselstück ist das eröffnende “I Will Never Write A Song About You”, das Julia Sabras melancholisches Pianospiel, Paed Concas spröde Klarinette und die Buzuq von Abed Kobeissi in ein dichtes Szenario aus Schichtungen, Rückkoppelungen und subtilen Steigerungen überführt. Moussa schreibt dazu: “Es ist, als ob wir alle unterschiedliche Geschichten erzählen und ich habe an dem Faden gezogen, der sie zusammenhält”. Dass sich dabei Elemente durchkreuzen, die auf den ersten Blick wenig gemeinsam haben – das schleifende Dröhnen, das feierlich anmutende Orgelspiel, das quietschende, fast menschlich klagende Klarinettenmotiv – ist kein Widerspruch, sondern gestalterisches Prinzip.

Im Zentrum steht dabei eine Form von musikalischer Überlagerung, die sich in “Everywhere at Once” besonders eindrucksvoll entfaltet. Zunächst dominiert ein tiefes Orgelbrummen, dann mischen sich Beckenrauschen, fragile Elektronik und eine Art von pseudo-organischer Klangvielfalt ein, die an ein sehr entferntes Vogelkonzert erinnern mag. Spannung und Ernsthaftigkeit greifen ineinander, besonders wenn Drummer Pascal Semerdjian für Momente mehr Druck aufbaut – fast, als stünde ein Ausbruch bevor. Doch der bleibt aus; stattdessen verschiebt sich der Fokus zurück auf die Orgel, ohne dass der dramatische Impuls verlorengeht.

Stücke wie “White Dust” oder “Violence” zeigen, wie viel sich in Wiederholung und Oberflächenstruktur verbergen kann: Ruppiges Saitengeratter, kaum zur Ruhe kommende rhythmische Impulse und sich langsam verwischende Linien schaffen einen Eindruck von Bewegung ohne offensichtliche Richtung. Gerade in “Violence”, das auf den ersten Blick fast statisch wirkt, entpuppt sich mit der Zeit eine komplexe, hypnotische Dynamik, eine leise, aber stetige Unruhe. Der vielleicht persönlichste Moment findet sich in “Everything Inside a Circle”. Moussa kombiniert darin Piano, verfremdete Stimmen und generative Elektronik zu einer Mischung, die, wie es berichtet, eine Kindheitserinnerung an das Musikhören mit der Mutter reflektiert. Die Nähe zum Vertrauten bleibt angedeutet, das Emotionale ist eingebettet in Strukturen, die sich jeder eindeutigen Zuschreibung entziehen.

Zum Abschluss bündelt “A Storm, A Gift” noch einmal viele der klanglichen Strategien des Albums: vibrierende Dröhnung, aufgescheuchte, fast stimmhafte Klänge, perkussive Splitter und eine Orgel, die diesmal nicht abfedert, sondern das Geschehen mit Nachdruck trägt. Auch hier: kein eruptiver Schluss, sondern ein Nachbeben, ein umso intensiveres letztes Aufflackern. “Wind, Again” ist ein aufwühlendes Album, das sich jeder Form von eindeutiger Lesbarkeit entzieht. Es arbeitet mit Brüchen und Ambivalenzen, mit Erinnerungen, die nicht benannt, sondern klanglich angedeutet werden. (U.S.)

Label: Other People

Wie Sängerin Sandy Chamoun sagt: “Das Album ist nicht buchstäblich davon inspiriert, dass alle gehen – aber von der Vorstellung, dass etwas dich verlässt”. Nach ihrem vielbeachteten Debüt “Aykathani Malakon” (2023) zeigt sich Sanam auf “Sametou Sawtan” noch konsequenter in ihrer stilistischen Hybridität. Elemente aus Psychedelic, Krautrock, freier Improvisation, Jazz, arabischer Dichtung und elektronischer Musik werden mit traditionellen Liedformen aus Ägypten und dem weiteren Nahen Osten verflochten zu einer Musik, die gleichsam geschichtsbewusst und gegenwärtig wirkt. Die Aufnahmen entstanden zwischen Paris und dem libanenischen Byblos, produziert von Radwan Ghazi Moumneh.

Mit der Vorabsingle “Harik” gibt die Band nun einen ersten Einblick. Das Stück basiert auf einem Text Chamouns und bildet den Ausgangspunkt für das Album. Der Song beginnt mit eruptiven Drums, verzerrter Elektronik und einer Stimme, die atemlos durch das Klangbild schneidet und abwechselnd dazu einen geerdeten, kraftvollen Gesang fast liturgisch anmutender Prägung beisteurt. Chamoun, die solo bereits ein Noisealbum veröffentlicht und im vergangenen Jahr eine opulente Trio-Veröffentlichung mit dem weiteren Sanam-Mitglied Anthony Sahyoun sowie Jad Atoui produziert hat, beschreibt den Text als ein Feuer, das ohne Treibstoff brennt – eine Empfindung, die sich durch viele Stücke des Albums zieht, auch wenn sie nie eindeutig negativ konnotiert ist. “Es ist eine Falle, aber sie kann auch magisch sein”, sagt Chamoun. Diese doppelbödige Intensität steht laut Constellation exemplarisch für den Gesamtcharakter von “Sametou Sawtan” Thematisch greift das Album auf Texte aus verschiedenen historischen und kulturellen Kontexten zurück: So findet sich auf dem Album ein Gedicht des libanesischen Autors Paul Shaoul, während andere Texte auf den persischen Mathematiker und Dichter Omar Khayyam zurückgehen. Chamoun betont den gegenwärtigen Bezug solcher Quellen: “Wenn man Omar liest, fühlt man eine Verbindung zum Jetzt. Das Gefühl, dass es keinen klaren Weg gibt”. Eigene Texte bilden eine weitere Säule des Albums. Vorgestellt werden soll das Album bei einer ausgedehnten Konzerttour im Juni und Juli durch Kanada und insgesamt sieben europäische Länder mit Stationen u.a. beim Roskilde Festival, Musica Mondo, Rudolstadt, Everyseeker oder Suoni Per Il Popolo. Zwei besondere Konzerte finden zudem im Hotel2Tango-Studio in Montréal statt, dem Sitz ihres neuen Labels.

Konzertdaten:

14.06 Halifax (CA) Everyseeker
18.06 Calgary (CA) Sled Island
21.06 Montréal (CA) Suoni Per Il Popolo
23.06 Montréal (CA) Hotel2Tango
24.06 Montréal (CA) Hotel2Tango
27.06 Amersfoort (NL) Musica Mundo Festival
28.06 Roveredo (CH) Grin Festival
30.06 Ljubliana (SL) Channel Zero
01.07 Zagreb (HR) Mochvara
02.07 Hamburg (DE) MS Stubnitz
03.07 Roskilde (DK) Roskilde Festival
04.07 Rudolstadt (DE) Rudolstadt Festival
05.07 Rudolstadt (DE) Rudolstadt Festival
07.07 Prag (CZ) Vila Štvanice (via Heartnoize)
09.07 Biel (CH) Pod’Ring Festival

Bandportrait: Mohamad Abdouni

Alle Links zur Single hier

Die Aufnahmen fanden live in einem Haus in den libanesischen Bergen statt, was der Musik eine besondere Energie verleiht. Unter der Produktion des langjährigen Freundes und Kollegen Fadi Tabbal entstand ein Album, das die Balance zwischen rauer Intensität und üppigen Klanglandschaften hält. Der schon vorab veröffentlichte Song “Dust Bunnies”, der bereits mit PJ Harveys dunkleren Momenten verglichen wurde, bietet einen Vorgeschmack auf die düstere und treibende Atmosphäre des Albums, seine Lyrics zeichnen ein eindringliches Bild von Zerstörung und Verfall, durchzogen von einem Gefühl der Unausweichlichkeit. Generell spiegeln die Texte vielfach die Herausforderungen des Lebens im Libanon wider und thematisieren Wut, Trauer und Resilienz.

Mit “Ripe” präsentieren sich Postcards von ihrer bisher kraftvollsten und entschlossensten Seite und bieten ein intensives Hörerlebnis. Das Album “und unsere Welt mögen am Rand des Zerfalls stehen”, wie es in den Liner Notes von Karl Mattar heißt, “doch die Band ist gefestigt, tief verwurzelt – ihre Musik streckt sich weiter nach oben”. Das Album erscheint als LP, CD und zum Download.

Foto: Nessim Stevenson

Bereits das Eröffnungsstück “(keep beating)” fällt durch seine klangliche Fülle und Dichte auf. Trotz des Titels fehlt jegliches offensichtliche Pulsieren, stattdessen entfalten sich Tremolos und ein unterschwelliges Rauschen, begleitet von einer melancholischen Grundstimmung. Das surreale, fast orchestrale Ambiente wird durch subtile unterschwellige Bewegungen im Untergrund kontrastiert. Auch “Absence or death” operiert mit minimalen, aber wirkungsvollen Mitteln: Eine wiederkehrende akustische Gitarrenfigur entwickelt sich langsam zu einer vielschichtigen Interaktion mit zurückhaltenden Klangelementen.

Hier scheint sich viel im Halbverborgenen zu ereignen, das mit den offensichtlicheren, vordergründigeren Ereignissen nicht kongruent ist und zugleich mit diesem eine interessante Interaktion eingeht. An Stellen wie dieser muss man Tabbals befreundete Musikerinnen und Musiker – Julia Sabra, Charbel Haber, Sharif Sehnaoui, Pascal Semerdjian, Anthony Sahyoun, Marwan Tohme und Ghassan Sahhab – erwähnen: Personen, die im Leben und Werk des Künstlers immer wieder eine wichtige Rolle gespielt haben und deren Samples und Zitate unter der Oberfläche auch den Sound des vorliegenden Albums prägen, was sehr zu der persönlichen Thematik passt, denn jede Biografie, jede persönliche Erinnerung wäre nicht was sie ist ohne das Wirken anderer. Die Halbdurchsichtigkeit der Sounds jedenfalls erzeugt so eine Spannung, die sich nie vollständig auflöst und auch die Frage offenlässt, ob wirklich nur die Abwesenheit das Leben schützt.

Eine besondere spannungsgeladene Wegmarke des Albums ist “Oh heart, are you burning”, das durch metallische Percussion und knarrende, verzerrte Dröhnungen eine bedrohliche Atmosphäre schafft. Die Dynamik steigert sich kontinuierlich, und die Klangwelt wird gegen Ende von obertonreichen Elementen dominiert, die eine beeindruckende Intensität erreichen. “You were right” hingegen wirkt unmittelbarer, direkter, kontrastierender: Hier treffen metallene Geräusche und der eine oder andere Goldregen auf einem Saiteninstrument auf dröhnendes, qualmwolkenartiges Rauschen, das sich zu einem intensiven Spannungsbogen verdichtet. Die Unvorhersehbarkeit des Stücks macht es besonders packend.

Im vergleichsweise sanften “(keep pumping)” überrascht Tabbal mit einer darkjazzartigen Gitarrenlinie, die in eine gelassen melancholische Stimmung eingebettet ist. Der Titel wirkt dabei wie ein Imperativ, der eine innere Konstantheit trotz aller Herausforderungen betont, und wieder kommt in diesem Stück kein wirkliches rhythmisches Pulsieren vor. Mit “(keep thumping)” schließt sich weiter hinten – nach “When We Swam Together”, das wie eine starke Komposition für ein Bläserorchester anmutet – dann ein Stück an, das rhythmisch geprägt ist – jedoch nicht durch klassische Beats, sondern durch perkussive Anschläge auf Saiten, die mit hohen, dröhnenden Klängen kombiniert werden.

Das finale Stück “I am all that is left” bietet einen ergreifenden Abschluss, indem es einmal mehr orchestrale Elemente aufgreift und in einem beeindruckenden Klangbild zusammenführt. Insgesamt überzeugt “I recognize you from my sketches” durch seinen minimalistischen Ansatz, der dennoch tief in emotionale und klangliche Schichten vordringt. Der Künstler selbst betont den stark persönlich eingefärbten Schwerpunkt des Albums: “I’ve struggled with mental health issues for most of my life, always affected by loneliness, missed opportunities, the violence of the city, and the cruelty of some of its inhabitants. I found solace only through composing music. I recognize you from my sketches is an album of ten instrumental pieces, a breakup album between who we want to be and who we turned out to be”.

In jedem Fall schafft es Fadi Tabbal, all diese persönliche Themen subtil und gleichsam markant in seinen Kompositionen zu verarbeiten, und beweist damit ganz nebenbei einmal mehr, warum er zu den innovativsten Künstlern der Region zählt. (U.S.)

Label: Ruptured

Verrauscht und mit einem Sound, der an abgeklärt-melancholische Dark Jazz-Bläser erinnert, startet der Opener “4 AM” und wirft die Hörerinnen und Hörer in ein frühmorgendliches Szenario, das an eine Fahrt durch desolate Industrielandschaften vor Sonnenaufgang erinnert – und dabei eher an eine durchwachten Nacht als an eine von Aufbruchstimmung und Tatendrang durchdrungene Morgenstunde. Eine gewisse Offenheit und die trotz bohrender Dröhnung ausbleibende Beklemmung wirken dem entgenen, und diverse Instrumentenzitate und Sounds, die an gespenstische Stimmen erinnern, wecken eine Menge Neugier.

Der Titel des folgenden “Riding in your car at night down by the seaside no street lights” lässt eine Vorstellung der ablaufenden Geschichte entstehen: Tremolierendes Zischen wie von artifiziellen Beckenanschlägen und propellernde Sounds lassen die Vorstellung einer einsamen Fahrt entstehen, die, vielleicht bewirkt durch die umgebende Dunkelheit, durch monotone Landschaften führt. Die Monotonie verflüchtigt sich bald, doch die gefühlte Schwermut steigert sich noch durch nostalische, an Jahrmarktsinstrumente erinnernde Orgelsounds.

Spannender, aufwallender, konfrontativer gestaltet sich “Other cars in sight”, eine kurze aber intensive Empfindung von Lichtfülle und Intensität entsteht, deren fließender Charakter sich völlig in der vermeintlichen Statik der tastenden Synthies von “Come Down” auflöst, bevor auch hier eine beinahe monumentale Dröhung, flankirt von den gelösten Drums von Maya Abignadis (Flugen) die ganze Szene emporhebt. Auf einer solchen Plattform fühlt man sich noch auf dem viel zu kurzen Ambientstück “Prequel”, aus dem so mancher Epigone der elektronischen Avantgarde heute ein halbes Album gemacht hätte.

Ob die finalen zweieinhalb Minuten des hypnotisch-entrückten “Sequel – live to tell” dem Ankommen oder dem sich entgültigen Verlieren gelten, sollte offenbleiben – auch angesichts der goldenen Flocken, die in Nadine Makarems Gedicht, das hier von der Autorin selbst eingesprochen wird, über dem Staub tanzen, während Organisches und Meschinelles immer mehr zu einer rostigen Einheit geraten. (U.S.)

Die neuen Aufnahmen lenken einen besonderen Fokus aus die klanglichen Eigenschaften gesungener arabischer Phoneme, auch und v.a. im Zusammenhang der Gestaltung synthetisierter elektronischer Sounds. Basierend auf ihrem Forschungsprojekt Taïma’ erweiterte sie zudem den Klangbereich der Oud und kombinierte deren Sound nahtlos mit synthetisierter Elektronik. Im Begleittext heißt es: “It [...] amplifies subtle, often overlooked sounds generated during playing, such as resonances and fingerboard friction”. Zum Aufbau des Werks heißt es: “The composition is organised into five distinct stages, each contributing to a process of gradual revelation. As the tracks unfold, they strip away layers of constructed emotions and perceptions that have been intricately woven over time, to expose a space that no longer exists. Wishah is a farewell to home”. Das Album erscheint als CD und zum Download.