Trotz seiner sprunghaft wirkenden Vielseitigkeit, die oft auf engem Raum von Folk und Kammermusik über Psych-, Garage und sonstigen Rock bis zum Noise springen kann, hätte wahrscheinlich kaum jemand mit einem verqueren Bossanova-Album gerechnet. Als ein solches kann man “Tropico del Pianto”, das aus zum Teil bis zu zehn Jahre alten home recordings und einem Livetrack besteht, durchaus bezeichnen. Man merkt es aber nicht gleich von Anfang an.

Eingeleitet wird das Album mit einem in aufwühlende Wehmut getauchten Vorspann, bei dem ein schönes Klaviersolo, das an Gurdjieff erinnert und ebenso gut aus einem Film der Siebziger stammen könnte, mit einer groovig rasselnden Perkussion zusammengeführt wird. Spanische Gitarren gesellen sich dazu, und irgendwie steckt bereits in dieser kleinen Miniatur das ganze Charisma der Musik, und die orientalisierende Klarinette, eines der Markenzeichen Rosacroces, leitet dann auch gleich in den Rest des Albums über, das eine furiose Mischung aus Dolce Vita und Weltuntergang bietet – und eine sympathische Liebe zum Lofi und zu Schrägheiten aller Art.

Das Spiel der Klarinette und der groovige Takt vieler Stücke wecken durchgehend Assoziationen zu abgründig-romantischen Filmen aus besseren Zeiten, bei denen man mit eben solcher Musik im Cabrio eine sonnige Küstenstraße entlang cruist, die sanften Ornamente des zentralen Instruments in “Esperame en tu sueños” lassen längst archetypisch gewordene Stimmungen aus dem kollektiven Gedächtnis des 20. Jahrhunderts lebendig werden. Doch dass bereits die Rhythmen oft wie aufgeklebt wirken und fast immer wie merkwürdig aus dem Takt geraten scheinen, gibt der Musik erst ihren einzigartigen Charme. In “Tropico Oscuro” beispielsweise, das mit dem wehmütigen Gesang von Galilea Mallol (Lame, Space Aliens From Outer Space) einen perfekten Pineapple Pop abgeben könnte, machen klappernde Ohrfeigen-Takte das Idyll kantig und bewahren es vor der Falle des nur noch Schönen.

Kanten subtilerer Art stecken aber schon in dem verliebten Gefühlsmix aus Schwermut und Euphorie, das sich ganz automatisch aus dem Zusammenspiel von Melodien und Rhythmen ergibt. In “La Llamada” macht sich (nicht erst beim Klingeln eines Weckers) eine gewisse Aufgekratztheit im feierlichen Pathos bemerkbar, im Titelsong wird das ganze noch untermauert von Isaias von einem gewissen Phlegmatismus durchdrungenen Gesang und einen Text über das Leben, die Liebe und den Schmerz – der Song ist Pineapple Blues pur und hätte in vielfacher Hinsicht auf Novy Svets “Into your Skies” eine gute Figur gemacht.

Wen all das noch nicht anfixt, der sollte – wenn ihm denn noch zu helfen ist – spätestens beim behäbigen Walzer “Rosa dei Venti” mit seinem Akkordeon und der bauchigen Klarinette das Herz aufgehen. “I am the wind that blows wild” singt der Antiheld in dem Live-Mitschnitt und stolziert trunken auf Stelzen ins Dunkel der Nacht. Jedes Fazit erübrigt sich. (U.S.)

Label: Chiærichetti Æditore Ræcordings

With his main endeavor Futeisha, Turin-based Argentine guitarist Juan Scassa plays an oblique but beautiful blend of soft, Mediterranean folk sounds, psychedelic noise and radio play-like sequences. What distinguishes his music from common “dark folk” standards is the absence of any tame romanticism, and with its snappy nihilistic undertones it is an ideal representative of a direction, for which David Tibet’s term “cartoon apocalypse” would fit quite well. In the following interview, Scassa talks about his involvement with the notorious psych rockers La Piramide di Sangue, about the beginnings of Futeisha, about his second mainstay in the world of comics and the planned new album, which consists of cover versions of notable Current 93 songs in Japanese.

I first came in contact with you in the context of La Piramide di Sangue, but I’m sure you did music before. So what were your first endeavors in music? Any old projects you would still recommend?

I’ve started to work with Stefano Isaia (Movie Star Junkies, Lame, ecc) for the first tape of Gianni Giublena Rosacroce, out on Yerevan Tapes in 2011, and then La Piramide began. Stefano is a great musician and the album is really inspiring. The moniker Dedalo666, that I used to use came from this release.

Some time before, in 2008, I’ve played in a lo-fi band, Dirty Sanchez. Once we played in a squat and we got insulted by some skin. Maybe some of the songs werenot so bad, but we had absolutely no experience. With my band-mate Andrea we recorded some noise-concrete tapes under the moniker Jennifer. No good music, but good memories.

Is music your basic default setting as an artist, or did you start with visual stuff? Did you have an academic teaching, or is your approach more of an autodidact sort?

I studied classic guitar when I was at high school, but I practice a very punkish DIY approach.

I’m writing comics, you can find me in underground comics expo selling porno-nihilist strips with my mate Daniele “Michelangelo della Sborra” La Placa. I don’t define myself as musician, writer or artist. I’d prefer cultural agitator.

Were you a founding member of La Piramide? How did you guys meet? If you had a (vague) concept of the music and the symbolism, how would you describe it?

As I said, Stefano was recording his first solo album as Gianni Giublena Rosacroce and asked to me to ad some classic guitar. He was already thinking to form a new psychedelic-rock band, so we spoke with some friends of us: Kebab (Craxi Driver, Murdercock), Jena (Six mistake, Licenza di Collina), Krano (Vermillion Sands, Krano), Stefano Lopiccolo (Love Boat) and Walter (King Suffy Generator). We rearranged the songs in a more rock attitude… so La Piramide di Sangue was actually a pyramid with a heavy metal stone base and the Stefano’s clarinet on the top.

How was your role in the group apart from playing the guitar? Did you take part in the composition process, or was it more jam-like improv anyway?

It depends song by song. We used to jam, but usually songs came out from some melody of Stefano and then the other contributions were arranged all together.

After the albums “Tebe” and “Sette” and a couple of concerts it got a bit quiet. Is it, because it’s a seven piece and the members live at different places? Will it in the one or other form go on in the future?

I’s very difficult to manage a seven member band, even more when everyone has a lot of other projects. Since our drummer moved Sardegna, La Piramide is in a kind of non-recovering coma. I don’t think we’ll play anymore, and it’s really a pity, because still we have a new album of great songs to record.

What can you tell us about the birth of Futeisha, which, as I guess, is your main project today? Was there a background story of it, or some previous adventure that lead in that direction?

Futeisha was born in Kyoto 2010, recording concrete sounds, voices and manipulating sounds. I was playing guitar in a punk band called Flat Sucks at the time. There are some old Futeisha albums, like “Simulacra”, between 2010 and 2014, when “Dannato” come out, but they were recorded really bad and are not interesting at all.

Was it conceived as a solo project or as an open one? Seems you soon decided to works with a number of collaborators.

Since I’m a big fan of England’s dark folk scene, I’ve decided to manage a band like David Tibet or Douglas Pierce did it. You see, here in Turin there is a kind of scene with bands like Movie Star Junkies and Oaxaca and it’s really cool to play with friends. In “Dannato”, Krano, Vinz (MST, Vernon Selavy, Heart of Snake), Maria (GGG, Space Aliens from Outers Space, Lame) and other helped me very much. I’ll be forever grateful for that.

As far as I know the name Futeisha refers to a Korean minority in Japan and was originally a derogative term. What can you tell us about this subject?

< Futeisha (不逞社, “The Outlaws”) was an anarchist group founded by Park Yeol and Kaneko Fumiko in Japan in 1919. Futeisha satirized the way Koreans were referred to by the authorities as troublemakers. Futei senjin (不逞鮮人), or the unruly Korean. Park was arrested without charge on September 2, 1923, the day after the Great Kantō earthquake. Two days later Kaneko was also detained by police. Based on thin evidence they were eventually charged with high treason for plotting a bomb attack upon the wedding of Crown Prince Hirohito. Both were convicted and sentenced to death on March 25, 1926, but their sentences were commuted to life imprisonment by the Emperor Shōwa. Kaneko died in prison on July 23, 1926, reportedly by suicide. > from Wiki

Seems you have a general interest in Japan and Far Eastern counter culture. What are your main references in that context and what role does this play in your music?

I studied Japanese at University and I’m a translator of Japanese. I lived in Kyoto for one year as a student. I miss Japan very much. I very like the austerity and the ritualistic aspect of some traditional music and culture. Undoubtedly some grandmasters of literature, like Mishima Yukio, Ishikawa Jun or Abe Kobo, are not just main refences for the music.

As you told me recently, you are about to record a Current 93 tribute album with all lyrics in Japanese sung by a Japanese singer. As I’m sure you won’t just change the language, what can we expect?

We want to translate the songs into Japanese and record one of the weirdest album ever. Hirayama Yu is a mucisian who does harsh-noise cut-up stuff, writer (he wrote several books about the Industrial and Experimental, mangaka and runs a little label Suikazura (in Japanese “Honeysuckle”).

In “Temujin” on the first Futeisha tape you already referred to Current 93, and the live piece “Curento 93″ seems – apart from being a folk dance – also to allude ironically to this band. Indeed, David Tibet and his ever changing group is one of the most influential underground groups of the last decades. What would you say makes them so outstanding?

“Curento” is kind of a traditional music and dance piece from the Piemonte Valleys. It was a joke to re-name the song in this way. I think a radical approach to art in general makes David Tibet’s c93 one of the most outstanding bands: a perfect and creepy mix of tradition and avantgarde. The way Tibet does music is in some way related to the theatre of Antonin Artaud, like a continuous revelation of the inner and scary self of the human being.

Are there other influential artists or contemporary favourites that you would recommend?

Oh! There are really a lot of good musicians. I just know I like Jonathan Richman very much.

One major element in Futeisha seems to be the combination of some quite far contradictions, for instance you can hear mediaeval pastoral guitar pieces followed by dystopian noise. But in all their confusing darkness, there is always something vital and humorous in these sudden changes. Would you agree, and is this also a bit how you see the world?

Contradiction is a topic that has always inspired me. It is one of the main features of life itself. Folk sounds, like the classic guitar, in a harsh noise environment is a research of humanism in a halber mensch reality. But the landscape in Futeisha is pessimistic: Armageddon has already happened. The reseach of the past is just a nostalgic, an estethic research of a human being that can be no more.

Although there is this folkish element in Futeisha, you hardly play songs in the strict sense of the word, often I notice a strong filmic or radio play like narrative. Is this intended?

I like to construct simple melodies and to create musical “rooms” or “moods” to describe the death of the soul.

Your album “Sulla Via Del Re Nel Ritorno” is a recording of one of a few Futeisha concerts, and from the atmosphere it sounded way more ritualistic than the studio recordings. How can we imagine Futeisha shows?

I try to research Antonin Artaud’s idea of Theater of Cruelty as “a primitive ceremonial experience intended to liberate the human subconscious and reveal man to himself”. Certainly Michele Guglielmi (Oaxaca, I Residenti), Ivan Grosso (Oaxaca) and Ottavio Boglione arranged my songs with both traditional and electronic instruments creating a really magical atmosphere. It was really something to play with them.

Your second field of activity is the website “Becomix”, a kind of blog database for comics. What can you tell us about this project and how big do you like it to grow?

I’m working in a database/marketplace for comics, where everyone can manage his collection and buy/sell comics. Just like other sites, but exclusivelly in comics. I don’t know how big it could become, but my collegues did a really special SEO working. Hope to have a job tomorrow eheheh. In the main time I started to write about comics, and recently, an important site, like Lo Spazio Bianco, asked my collaboration. I’m very proud of it.

In the maintime with Daniele we’re working on a new book inspired by 90s sci-fi manga and Burroughs. It will be published in 2019, I hope.

If you had to name the most combining element in your different music projects and your work for comics and illustrations, what would it be?

Eradication of every day certainty.

FUTEISHA @ Bandcamp

Becomix

Der Strudel, der „Alegria..” unter dem Titel „Enfer Amusical” eröffnet, ist in all seinem geschepper noch von fast gleitender Art, doch das heterogene, zusammengewürfelte, das für die Musik des in Turin lebenden Argentiniers so tyisch ist, macht sich schon nach kurzer Zeit bemerkbar.

Rhythmen von tribaler Gangart, die den noisigeren German Army ebenso ähneln wie einer imaginären Stammestradition, werden zum Fundament und Schrittmacher einer verwunschenen Gitarrenmelodie, die ärgerlichen leeren Räume zwischen den filigranen Pickings und den Taktschlägen werden bald ausgefüllt von einem warmen, mediterranen Akkordeon. Später arrangiert sich punkiges Bassbrummen mit den psychedelischen Kreisbewegungen einer Sitar, während eine gehetzte Stimme auf Spanisch etwas über Blut stammelt.

Der Strudel, in dem alptraumhaftes Geflüster mit lieblichen Folkmelodien verschwimmt und der close-ups auf kollagierten Schrott und entspannte Kamerafahrten durch ein staubiges Idyll in Schwarzweiß überblendet und der experimentelles und traditionelles auf eine Art in Balance hält, wie man es sonst nur bei manchen Novy Svet-Aufnahmen oder bei den Kolaborationen zwischen Wakeford und Stapleton findet – er fasst so etwas wie die Essenz einer magisch aufgeladenen Uminterpretation einer Welt wie sie ist, wiedergegeben in den vielfältigen Schattierungen eines südländischen, romanischen Kolorits. (U.S.)

Label: Old Bicycle Records/Artetetra

Abgesehen von der ursprünglichen Bedeutung als Ettikett rangiert die Semantik des Begriffs “Label” zwischen Plattenfirma und Marke, und auch in weniger kommerziellen Nischen kann man viele Labels dahingehend unterscheiden, welche der beiden Bedeutungen ihnen eher entspricht. Zum einen gibt es die Labels, die innerhalb eines nicht allzu eng gefassten Spektrums eine gute Bandbreite an Acts verlegen, ohne dass es eine klar erkennbare Hausphilosophie und eine deutliche ästhetische Linie gäbe. Auf der anderen Seite gibt es solche, die durch einen wiedererkennbaren Sound, oft aber auch durch außermusikalische Kriterien wie die visuelle Gestaltung einen Rahmen schaffen, der das Image der Bands mitprägt und der Veröffentlichungsgeschichte erst ihren roten Faden gibt. So gibt es dann fraglos einen typischen 4AD-Stil, aber das selbe von PIAS zu behaupten wäre Unsinn. Auch Yerevan Tapes aus Bologna zählt klar zur zweiten Kategorie. Das Label, das erwartungsgemäß v.a. Tapes, gelegentlich aber auch Vinyl in angemessener Limitierung verlegt, wurde vor vier Jahren von AVANT!-Chef Andrea Napoli und seiner aus Armenien stammenden Partnerin Silvia Anhayt gegründet. Die Tonträger erscheinen stets in einer ebenso schönen wie irritierenden Gestaltung, die stets die gleiche Handschrift erkennen lassen. Was die Musik und die oft von Silvia selbst gestalteten Designs verbindet, ist eine Überblendung von (oft mystisch-religiöser) Tradition und einem spielerischen Popart-Gestus, dem jeder Hang zur platten Persiflage fehlt. Yerevan Tapes steht auch dafür, dass vieles möglich ist, wenn man nur die richtige DIY-Haltung an den Tag legt und einen sicheren Blick für Passendes hat. Dazu passt irgendwie auch die unkomplizierte Art, mit der die beiden ihre Arbeit im folgenden Interview vorstellen.

English version

Soweit ich weiß habt ihr in Bands wie z.B. His Electro Blue Voice gespielt und eine Hälfte von euch betreibt das Label Avant! Records. Später habt ihr dann Yerevan gegründet. Wie kam es dazu, dass ihr euch neben der eigenen Musik auch für die Labelaktivität entschieden habt?

Genau genommen war nur Andrea in His Electro Blue Voice involviert, und zwar als Drummer vom ersten Tag bis zum 2013er Full Length-Album auf Sub Pop. Avant! Records macht er seit 2007. Wir haben Yerevan Tapes zusammen 2011 ins Leben gerufen mit der Intention, neue, bisher unerhörte Sounds zu erforschen.

Wo lagen eure musikalischen Wurzeln? Gab es eine Art Musikszene, der ihr angehörtet?

Wir mögen unterschiedliche musikalische Hintergründe haben, aber nach mehreren Jahren des gemeinsamen Hörens brauchten wir beide etwas neues, etwas, das tiefer, künstlerischer und spirituell fordernder ist. Genau da liegt das Fundament, auf dem Yereven Tapes seine ersten Schritte unternahm.

Ich habe den Eindrucke, dass die Labels, v.a. Yerevan, mehr ein eigenes Kunstprojekt als ein Unternehmen ist. Sehr ihr das ähnlich?

Meinstens entstehen Indielabels ja aus Leidenschaft, oft noch mit einen gewöhnlichen Job nebenbei, um etwas Geld einzubringen. So etwas lässt genügend Raum, um eine spezielle Identität entstehen zu lassen und die notwendige Freiheit, um die besten Inhalte zu wählen. Im Falle von Yerevan ging es uns darum, etwas mit einer starken Identität aufzubauen, wo Musik, Gestaltung und die symbolische Kommunikation eins sind.

Wenn ihr ie ästhetische Vision von Yerevan Tapes skizzieren sollten, wie würdet ihr die auf den Punkt bringen?

Wie unser Motto sagt, sind wir ein “Kassetten- und Vinyl-Label für heilige Klänge”. Das heißt wir sind auf der Suche nach Musikprojekten, die ihre eigene Vision des Heiligen einbringen, ihre Weltanschauung, ganz egal, auf welche Art. Wenn man sich unseren Katalog anschaut, fallen einem vielleicht mehr die Unterschiede zwischen den Künstlern als die Ähnlichkeiten ins Auge, aber sie alle verbindet ein gemeinsames Ziel.

Eure beiden Labels unterscheiden sich nicht nur im Hinblick auf das Medium (Avant! meist Vinyl, Yerevan meist Tape), sondern auch ein Stückweit im Hinblick auf die Stilauswahl, denn Avant! hat einen starken Fokus auf Post-Punk/Dark-Pop, während auf Yerevan im weitesten Sinne experimentelle und psychedelische Musik erscheint. Hat sich das eher ergeben oder denkt ihr, dass die Musikarten und die Tonträgermedien gerade so zusammenpassen?

Das Tape ist ein fast schon natürliches Medium für experimentelle Musik seit den 70ern, wenn nicht schon länger. So ist es keine Überraschung, dass es bei YT unsere erte Wahl war. Es ist preiswerter, es ist leichter weltweit zu vertreiben und es gibt dir die Möglichkeit, Material von obskuren Künstlern herauszubringen, ohne dich mit den Schwierigkeiten einer Vinl-Produktion herumschlagen zu müssen. Gleichzeitig, ebenso wie in der Post-Punk/Dark-Pop-Welt, ist das Tape seit einiger Zeit als Medium zurückgekehrt. Bislang haben wir drei Vinylveröffentlichungen gemacht und planen noch mehr in der nächsten Zeit.

Bands wie Father Murphy, Bird People, G.G. Rosacroce oder German Army machen etwas sehr verschiedenes, aber ihr sagtet ja bereits, dass es auch eine Art Verbindung gibt. Worin, denkt ihr, liegt die?

Wie gesagt haben sie sicher sehr unterschiedliche Stile, und doch ist es gar nicht so schwer zu sehen,w as sie zusammenhält. Ihre Suche nach unterirdischen Klängen mag in unterschiedlichen künstlerischen Resultaten enden, aber was sie antreibt, scheint das gleiche zu sein: der Drang nach einer spirituellen Suche.

Gibt es irgendwelche Begrenzugen in eurem Spektrum an Stilrichtungen, gibt es eine musikalische No Go-Area, oder würdet ihr prinzipiell Musik aus allen Genres herausbringen?

Natürlich gibt es Grenzen, wir würden zum Beispiel nicht Punkrock oder Heavy Metal veröffentlichen, zugleich geht es aber nicht streng nach Musikstilen, da es mehr darum geht, ob etwas zu dem passt, was wir mit YT ausdrücken möchten. So lange wir das gefühl haben, dass es an das anknüpft, was wir machen, ziehen wir es in Betracht.

Gibt es für euch eine Lieblingsveröffentlichung auf Yerevan, die eine besondere Bedeutung für euch hat?

So rhetorisch sich das anhört, wir haben keine Lieblingsveröffentlichung, da jede ihre eigene Identität und ihre spezielle Geschichte hat. Hinter jeder Aufnahme, die wir herausbringen, gibt es eine Verbindung, die so persönlich wie möglich ist, eine Verbindung zur Musik, aber auch zu den Künstlern, die sie geschaffen haben. Aus verschiedenen Gründen sind wir bislang von allen begeistert.

Artwork spielt eine große Rolle nicht nur in der Gestaltung der Tapes, sondern auch auf euren Webseiten, und es gibt dort immer eine Menge religiöser und ritueller Symbole aus verschiedenen Kulturen zu sehen. Woher kommt dieses Interesse?

Obwohl wir Einflüsse aus religiösen und künstlerischen Ausdrucksweisen verschiedener Orte und Zeiten sammeln, haben wir ein besonderes Auge für die cinematischen Resultate, die armenische Filmemacher aus der Sowietzeit erreicht hatten. Die Tatsache, dass Silvia einen Abschluss in Kulturanthropologie hat, spielt sicher eine starke Rolle in Yerevan Tapes’ ästhetischer Suche.

Könntet ihr ein paar armenische Filme nennen, die euch besonders beeindruckt haben?

Sicher. Die Kassettencover auf Yerevan kommen direkt aus einem bestimmte räumlich-zeitlichen Kontext. Und es sind nicht nur armenische Filme, auch manchmal georgische oder ukrainische; der Punkt ist, dass sie alle aus einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Zusammenhang kommen: Die sowietischen länder der späten Siebziger und deren spezifische Kosmogonien. In der Art, wie sie die Welt präsentieren, ist etwas, das eine starke Verbindung zu unserem Label hat. Um eine Vorstellung davon zu vermitteln, nenne ich nur einige wenige, neben dem ziemlich bekannten Sergej Paradžanov und seiner großartigen Filmografie (all seine Filme sind perfekte Juwelen in einer ganz eigenen Art, v.a. “Shadows of Forgotten Ancestors” (1964) den ich sehr liebe), ich kann außerdem “Wishing Tree” (1976) von Tengiz Abuladze empfehlen sowie zwei Kurzfilme von Artavazd Pelešjan: “Inhabitants” (1970) und “Seasons” (1975).

So beantwortet sich auch schon die Frage, die ich euch als nächstes gestellt hätte. Der Name der armenischen Hauptstadt wurde nicht nur aus “exotischen” Gründen gewählt…

Wie gesagt resutierte eine erste Schwärmerei aus Silvias akademischen Studien armenischer Kultur, Sprache und vor allem Geschichte. Wir denken, der gewählte Name steht für etwas, das eine Brücke zwischen hier und dort bauen kann. Es hätte nicht zwangsläufig Yerevan sein müssen, aber in jedem Fall ein Toponym, denn wir finden, dass Ortsnamen starke und weitreichende Begriffe sind.

Experimentelle oder als psychedelisch bezeichnete Musikarten gibt es schon lange. Was denkt ihr zeichnet gerade heutige Vertreter solcher Genres aus, und was könnte der Grund sein, dass solche Musik wieder populärer geworden ist?

Vielleicht ist der starke mystische Reiz psychedelischer Musik einer der Gründe, warum sie sich nach so vielen Jahren immer noch hält. Trommeln auf tribale Art und tiefe Drones üben eine unmittelbare Macht auf unsere Seelen aus. Musikmoden kommen und gehen, aber es wird immer Raum geben, mit Klängen zu experimentieren.

Viele jüngere Psychbands beschäftigen sich heute mit esoterischen und okkulten Dingen, aber oft in Kombination mit einer spielerischen oder auch ironischen Note. Bei vielen schlägt dann gleich der Hipsteralarm, aber denkt ihr, dass solche Themen vielleicht sogar vitaler daherkommen, wenn sie nicht zu ernst angegangen werden?

Wir möchten nicht gerne als zu ernst wahrgenommen werden, aber gleichzeitig denken wir nicht, dass wir sehr ironisch mit unserer Ikonografie umgehen. Wir verbinden religiöse Symbole gerne mit zeitgenössischem Artwork, aber das ist nicht witzig gemeint. Wir suchen nur nach einem neuen Kontext für diese zeitlosen Bilder.

Wie denkt ihr über eine tag wie Italian Occult Psychedelia, der in der Presse teilweise auch für Bands von eurem Label verwendet wird?

Wir denken, dass es sich als sehr gutes Schlagwort erwiesen hat, um unterschiedliche Bands aus unterschiedlichen Stilrichtungen unter einen Hut zu bringen. Wie bei allem ist der Begriff kein perfektes Mittel, aber war sicher hilfreich dabei, den italienischen Sound von heute zu exportieren.

Hierzulande wurde immer nur punktuell über italienische Musik berichtet, auch wenn es schon immer zahlreiche Veröffentlichungen gegben hat. In den letzten Jahren hat sich das ein wenig gewandelt und die Leute bekommen Wind von der Vielzahl italienischer Musik. Habt ihr eine Idee, wie es zu diesem Wandel gekommen sein könnte?

Wir denken nur, dass das, was du sagst, unseren Standpunkt trifft. Manchmal braucht es kleine Strategien, damit Sachen besser funktionieren.

Ihr habt zuletzt ein Tape der Electronica-Producer Zone Demersale veröffentlicht. Was steht sonst noch bei Yerevan Tapes auf dem Plan? Irgendwelche neuen Entdeckungen?

Gerade vor diesem Interview haben wir eine brandneue Vinyl-12” EP namens “Porta” von dem aus der Toskana stammenden Trio Umanzuki herausgebracht. Dies ist unser letztes Release vor dem Sommer, aber wir kommen zurück mit mehr Tapes und Vinyl, nicht nur vonitalienischen Künstlern und auch mehr elektronisch orientiert.

Vielen Dank für das Interview.

(U.S.)

Yerevan Tapes

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Actually only Andrea used to be involved in His Electro Blue Voice, having been drummer in the band from day one until 2013‘s full-length album on Sub Pop. He also runs Avant! Records since 2007. Together we started Yerevan Tapes in 2011 with the intent to explore new sounds previously unexperienced.

Where have your music roots been? Was there some sort of a subcultural scene you were part of?

We may come from different musical background but after several years of listenings we both felt we needed something new, something deeper more artistically and spiritually engaging. That’s exactly the kind of ground Yereven Tapes took its first steps from.

I have the impression that the labels, Yerevan even more, is rather some art concept of its own than a business. Would you agree?

Most of indie labels come out of passion, often with an ordinary job on the side to bring some money in. This leaves enough room to grow a specific identity and the necessary freedom to choose the best contents.Speaking of Yerevan, we felt the need to build something with a strong aesthetical identity where music, medias and symbolic communication were one.

If you had to scetch the artistic vision you follow with Yerevan, how would you express it?

As our motto states, we are a “cassette and vinyl record label for sacred sounds”. It means we’re chasing those music projects who can deliver their own vision of the sacred, their Weltanschauung, no matter how. When one takes a look at our catalogue he might feel the differences rather than the similarities between the artists, but they all share a common aim.

Your two labels differ not only in terms of the medium (Avant! mostly vinyl, Yerevan mostly tape), but also bit in terms of styles, as Avant! has some focus on post punk/dark pop and Yerevan is more into the experimental and psychedelic in the broadest sense of the words. Did this just happen or do you think, style and medium fit for some reason?

The tape is some sort of natural media for experimental music since the 70s, if not earlier. So it comes as no surprise that we felt it as our primal support as YT. It’s cheaper, it’s easier to distribute worldwide, it gives you the opportunity to release material from obscure artists without having to face the difficulties of a vinyl record production. At the same time, just as in the post punk/dark pop realm the tape has recently came back as music medium, we on our end have done 3 vinyl releases already and we are planning to have more for the near future.

Bands like Father Murphy, Bird People, La Piramide or German Army play quite different styles, but do you think there’s a read thread, some artistic or spiritual element that combines them?

As we said above, they surely have different styles but at the same time, we think it is kind of easy to see what connects them together. Their search for subterranean sounds may end in different artistic solutions but what moves them seems to be the same: a quest for spiritual inquiry.

Are there any limits in the range of styles, is there kind of a stylistic no go area, or would you potentially release music from any genre?

Of course there are boundaries, as we will not release punk rock or heavy metal music for instance, at the same time is not strictly a matter of pure musical style performed while it is about how much it does fit within what we are looking to express with YT. As long as we think it bonds with what we are doing we may consider it.

Is there something like a favourite release that has a special meaning to you?

As rhetorical as this may sound, we have no favourite release as each one has its own identity and particular history. Behind every records we put out there is a connection as much personal as possible, with the music and the artist who created it. For different reason we are exited about every one of them so far.

Artwork plays a stong role not only in the tape design but also on your web spaces, and there is a lot of religious and ritualist symbols from all over the world. How is your interest in this, and where is the relation to your concept and the music?

While we may collect influence from religious and artistic expressions from different places and times, we have a special eye for the kind of cinematic results that Soviet Armenia directors achieved. The fact that Silvia graduated in Cultural Anthropology surely played a strong role within the YT quest for aesthetics.

Could you give us an example or two for Armenian movies that have influenced you?

Surely. The Yerevan cassette-tape covers come straight from a particular time and space. And not only Armenian movies, sometimes Georgian or Ukrainian ones too; the point is that they all belong to a specific period and context: the soviet lands between sixties and late seventies and its cosmogony. There’s something in the way they represent the world that somehow has a strong link to us as label. In a very concise list just to get the idea, besides the well-known Sergej Paradžanov and his marvellous filmography (all his movies are perfect gems in their own way, especially Shadows of Forgotten Ancestors (1964) which I’m particularly fond of), I can recommend Wishing Tree (1976) by Tengiz Abuladze, and two short movies by Artavazd Pelešjan: Inhabitants (1970) and Seasons (1975).

So this already answers my next question – you didn’t chose the name of the Armenian capital for mere exotic reasons…

Like we just said, a first infatuation came from Silvia’s University studies, one on Armenian culture, language and history in particular. We think the name we chose stands for something able to build bridges between Here and There. It might not have been Yerevan, but it would have been a toponym in any case as we think toponyms are thick and widespread words.

Several psychedelic and experimental music styles exist now for a long time. What do you think are the main qualities of such music today, and what could be the reason that it became a bit more popular again?

Probably it’s the strong mystical appeal that psychedelic music hosts that managed to make it last through all these years. Tribal approach to the drumming and deep drones always have a direct power on our souls. Music fashions come and go, but there’s always room for experimenting in sounds.

A lot of younger psych bands today deal with esoteric and occult motifs, but often combined with some playful or ironic note. Some people would say that this is a sign of hipster stuff, but do you think that such topics are more vital when they are not too serious?

We don’t wish to be looked as too serious but at the same time we don’t think we are much ironic about our iconography. We like to blend religious symbols with contemporary artwork, but we do not mean it in a funny way. We just look to create a new context for those everlasting icons.

What is your opinion on a tag like Italian Occult Psychedelia, which is somehow also applied to bands of your label by the music press?

We think it has proved itself to be a great tag to gather different bands with different styles under one common vessel. As with everything it‘s no perfect tool, but it surely has been helpful to export the current Italian sound abroad.

In our country, the media dealt only punctually with Italian music, yet there was a huge output of releases for a long time. In the last years, this changed a bit and people become aware of the variety of Italian stuff. Do you have an idea about this change?

We only can think that what you say proves our point. Some times it takes a little stratagem to make things work properly.

Your newest release is a tape by electronica producers Zone Demersale. What are your plans for Yerevan in the nearer future? Any new explorations?

Right as we speak we have put out a brand new vinyl record, the 12” EP Porta by Tuscany-based trio Umanzuki. This is our last release before the summer, after which we will be back with more tape and vinyls, not only by Italian artists and also more electronics-oriented.

(U.S. & A.K.)

Yerevan Tapes

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Die Homer-Assoziationen sollen hier keinen Bildungsbombast einbringen, der dem an Witch House erinnernden, im Ganzen aber durchaus facettenreichen Stil inadäquat wäre. Sie drängen sich aber dennoch anhand von Titeln, Samples und Soundzitaten auf, die nach dem Debüt nun auch den Nachfolger in ein mediterranes Setting zwischen Rom, Athen und Byzanz versetzen. Die Route dieses zweiten Reiseabschnittes ist nur vage bekannt, da einer der vier Songs den Titel “Βυζάντιον (Byzàntion)” trägt. Sie beginnt im Trubel einer gewittrigen Nacht, während Eispickelhandclaps versuchen, so etwas wie Struktur einzubringen. Ob die akuraten Rhythmen dem Unwetter und v.a. dem nur noch latent anthropomorphen Grummeln im Hintergrund Einhalt gebieten können? Eher nicht, denn Donato Epiros Kannibalenorgel verleiht der Szene schnell eine derart schicksalsschwere Färbung, das jeder Kontrollversuch illusorisch bleiben muss.

In jedem der rund zehnminütigen Stücke bilden die nichtelektronischen Beigaben ein strukturelles oder atmosphärisches Gegengewicht zum technoiden Rahmen. Mal vermittelt (orthodoxer?) Chorgesang ein Gefühl von Spiritualität und bildet zugleich einen roten (Ariadne-)Faden durch eine ansonsten noisig zerfetzte Klanggestalt. Ethnolastige Handdrums und die Klarinette Gianni Giublena Rosacroces (La Piramide di Sangue) dringen durch den Reibeisenambient von “τετρακτύς (tetraktys)” und sorgen für fast schon folkige Entspannung. Im letzten, subtilsten Stück mischen Computerkitschfragmente das Düstere, aber auch jeden Eindruck von Ursprünglichkeit auf.

Am Ende der knappen Dreiviertelstunde ist man um einige Erlebnisse reicher und doch so klug als wie zuvor, auch was den Veröffentlichungstermin angeht. In den Liner notes wird betont, dass die LP am 24. Mai, dem Tag des griechischen Thargelia-Festes, erscheint. (U.S.)

Label: Yerevan Tapes

Dass das Konzept aufgeht, hat zweierlei Gründe: Der wichtigste ist struktureller Natur und zugleich ein Resultat der Klangwahl des italienischen Trios. Father Murphys Musik ist kollagenhaft, und im Zentrum steht meist das musikalische Einzelmotiv, das klangliche Objekt. Ob es sich um markante Bassläufe, diverse Tapeloops, wilde Trommelwirbel oder andere Perkussion handelt – ebenso wie der wilde Klangegesang Freddie Murphies stehen sie primär für sich, und fungieren erst in zweiter Linie als Teil eines kompositorischen Zusammenhangs. Wo ein bestimmtes Motiv hingehört, ist relativ offen, und dies ohne viele Cut-ups und in einer enorm energiegeladenen Livestimmung zustande zu bringen, zählt zu den Stärken der Band. Der andere Grund liegt in der streckenweise skellettierten Gestalt der jeweiligen Stücke.

Father Murphy haben einen Hang zum Monumentalen, eine treibende Energie, die in ihrer Eindringklichkeit überschäumendes Pathos zulässt und es zugleich durch eine krude Unverblümtheit eindämmt. Diese Eigenschaft lässt mich, trotz unterschiedlicher musikalischer Mittel, oft an Swans und Angels of Light denken, und es ist bemerkenswert, dass dies auch in den weniger fülligen Momenten der separaten Stücke gewahrt bleibt. Wie gewohnt bilden scheppernde und dröhneden Sounds die Kulisse für eine ganze Reihe an Motiven, die wie kurzerhand aufgeschnappte Zitate auf die Bühne geworfen werden: Mal ist es eine Klarinette, mal sind es feierliche Bläser, mal etwas weniger feierliche, aber nicht minder blecherne Klänge, die entfernt an ein Saxophon erinnern, und immer wieder werden sie von einem zackigen Schlagwerk durch die Szenerie getrieben wie eine Parade zombifizierter Cheerleader.

Stimmen erklingen allerorts, vermitteln einen kurzen Eindruck von Orientierung, der sich allerdings als Illusion entpuppt. Sie erklingen in Form von amerikanischen Radiosamples, von unterschwelligem Grummeln, von sakralen Chören und nicht zuletzt in der Gestalt von Freddies entgrenzten Schreien und dem Gastbeitrag von Sänger Ezra Buchla (Gowns). Als „downward spiral“ verstehen sie laut Booklet ihre Herangehensweise, im krassen Unterschied zum Loop, der in ihrem Verständnis eine religiöse Struktur hat. Father Murphy dagegen sei das Gegenteil eines Glaubensbekenntnisses, vielmehr die Inszenierung des eigenen Kollaps. Der allerdings kann mit sowiel Wut im Bauch nicht anders als triumphal ausfallen.

Label: Boring Machines/Aagoo Records