Throbbing Gristle and Mute’s partnership continues with the release of TG Berlin, a lavish box set chronicling their previously unreleased work in Berlin around a very special series of live events at the Volksbühne in 2005/2006.

„Das Album wurde in zwei arbeitsreichen Wochen in Rentals Haus mit von Throbbing Gristle zur Verfügung gestelltem – aber nicht näher erklärtem – Equipment aufgenommen und erreichte Platz 9 der UK Independent Charts. John Foxx (Ultravox), Matt Johnson (The The) und ABC sind nur einige der Künstler*innen, die sich davon bis heute beeinflusst zeigen,“ heißt es bei Mute. Fast zeitgleich mit der Wiederveröffentlichung startet im legendären Londoner Horse Hospital die Ausstellung „From The Port To The Bridge“, die sich mit dem Werk der beiden Künstler beschäftigt: „Die Ausstellung [...] wurde ursprünglich 2018 in Greenock, der Nachbarstadt von Leer und dem Geburtsort von Rental, gezeigt, sie umfasst Fotos, Ausrüstung (einschließlich der EDP WASP, die auf “The Bridge” allgegenwärtig ist), Ephemera, Ausschnitte und Filme, um die Geschichte der Arbeit von Leer und Rental zu erzählen.“

@Mute Records

Wenn in der aktuellen Testcard ein Autor räsoniert, dass das Werk der Band „bis heute im Gegensatz zu vielen anderen Avantgarden seine Halbwertszeit als schockierendes Manifest einer emanzipatorischen Provokation nicht ansatzweise überschritten hat, noch immer Schmerzen bereitet, ins Fleisch zu schneiden scheint“, dann wird deutlich, wie hoch jenseits des rein klanglichen Gehalts die Erwartungen an eine Band sind, die, wie hinlänglich bekannt, einmal als „Zivilisationzerstörer“ tituliert wurden und ein ganzes Genre (mit)erfanden. Dieses Insistieren auf der epochalen Leistung des Quartetts spiegelt sich auch in den Linernotes zum aktuellen, finalen Album der (geschrumpften) Band wieder, wenn Dan Fox schreibt: „[Throbbing Gristle were] „beacons at the extreme co-ordinates of art, performance and sound, witnesses to the darkness of GB 1977-2012“.

Versucht man sich aber auf den musikalischen Gehalt der Auftritte und Veröffentlichungen der letzten Jahre zu konzentrieren, so sieht die Bilanz meines Erachtens nicht schlecht aus. Schon auf „TG Now“, der EP, die die Rückkehr einläuten sollte, gelang es der Band, eine unruhige, durchaus minimale Form irritierender elektronischer Musik zu erzeugen, die verdeutlichte, dass es die Band geschafft hatte, ihre ganz eigene Klangsprache und ihre Ursprungsideen ins 21. Jahrhundert zu übertragen. Und auch wenn auf allzu große textliche und musikalische Schockeffekte verzichtet wurde, so war die Musik noch immer verstörend – nicht nur dann, wenn durch Lautstärke und Frequenzen die Wände der Volksbühne in Berlin zum Vibrieren, zum Pulsieren gebracht wurden. Auch wenn natürlich die auf der Bühne aufgeklappten Macbooks für manche nicht das gleiche Distinktionspotential hatten wie die selbstgebauten Synthesizer und Protosampler, die in der Vergangenheit die Bühnen zierten.

Das erneute Zerwürfnis und die Entstehungsgeschichte des neuen Albums, das nun unter dem Namen X-TG veröffentlicht wird sowie der über Twitter ausgetragene Disput zwischen P. Orridge auf der einen und Chris und Cosey auf der anderen Seite sind hinlänglich dokumentiert und sollen hier keine große Rolle spielen. Dass das ursprünglich von Peter “Sleazy” Christopherson initiierte „Desertshore“-Projekt jetzt ohne P.Orridge erscheint, mag nicht jedem zusagen, aber wer sich die ursprünglichen(öffentlich durchgeführten) Sessions aber anhört, der wird feststellen, dass damals Sleazy schon zu Beginn der Aufnahmen dem Publikum mitteilte, Genesis höre die Musik an jenem Tag zum ersten Mal. Das mag einerseits ein nettes Kokettieren mit der oftmals antimusikalischen Herangehensweise der Band gewesen sein -ähnlich wie damals behauptet wurde, Monte Cazazza habe beim Einspielen seiner Aufnahmen für Industrial Records seinen eigenen Vortrag nicht gehört, da er Kopfhörer getragen habe-, war aber auch schon ein Hinweis auf die Arbeitsteilung innerhalb der Band und die letztlich schon damals immer geringere Rolle P-Orridges bei der musikalischen Gestaltung. Auf dem nun erschienenen Album findet sich keine Spur mehr von seinem Gesang, sondern eine Reihe von Gastsängern interpretieren die Songs von Nicos vielleicht bestem Album, auf dem ihr tiefer Gesang, ihr Harmoniumspiel und John Cales Produktion eine perfekte Synthese eingingen.

War das Brian Jones gewidmete „Janitor of Lunacy“ im Original von einer teutonischen Schwere durchzogen, so situiert Antony mit seinen mulitgetrackten Vocals das Stück irgendwo im Äther, transzendiert das Original. Die Elektronik pulsiert dezent, zwischendurch setzt kurzzeitig Coseys Kornet ein, spielt inmitten der elektronischen Landschaft die Melodie, die Nico auf ihrem Harmonium intonierte. Das ist vielleicht einer der stärksten Tracks des Albums, auch wenn (oder gerade weil) die Stimmung doch eine ganz andere ist. Wie Streicher klingende Elektronik leitet das von Blixa Bargeld gesungene „Abschied“ ein. Dumpfes Pochen gibt den Rhythmus vor, im Fokus steht dann aber ganz klar Bargeld, der den Text zurückhaltend vorträgt. An mehreren Stellen ist schon auf Sasha Grays (misslungene) Interpretation von „Afraid“ hingewiesen worden und tatsächlich: Insbesondere verglichen mit dem Original klingt Greys Stimme farblos, es scheint, als wolle sie besonders sinnlich wirken, insgesamt ist das aber ähnlich blutleer wie ihr Auftritt in Soderberghs „Girlfriend Experience“. Marc Almond, der auf seinem Album „The Stars We Are“ mit Nico das Duett „Your Kisses Burn“ gesungen hatte, interpretiert nun „The Falconer“ mit dunkler Stimme, ganz so, als wolle er sich Nicos Timbre anschließen. Almond gelingt hier eine Art von Sinnlichkeit, an der Sasha Grey sich vergeblich versucht. Musikalisch ist dieses Stück vielleicht das melodischste des ganzen Albums. Sperrige Geräusche dagegen leiten Coseys Version von „All That is My Own“ ein und bizarrerweise klingt ihre Stimme auf dem recht treibenden Stück tatsächlich entfernt an Christa Päffgen. „Mütterlein“ wird von einem recht klaren Beat durchzogen, Bargelds Vortrag ist fast aggressiv, atonale Elemente brechen ein, die Trauer des Originals weicht hier einem fast verzweifeltem Zorn. Das vielleicht am industriellsten klingende Stück auf diesem Album ist das von Gaspar Noé interpretierte „Le Petit Chevalier“, das ursprünglich von Nicos kleinem Sohn gesungen wurde. Noés verzerrte Stimme weckt allerdings zu starke Assoziationen an wenig inspirierte Epigonen. „My Only Child“, mit Cosey am Mikro, ist melodisch und man hört vereinzelt Klänge, die an die Spätphase Coils erinnern. Abgeschlossen wir das Album von dem Track „Desertshores“: Inmitten der verhallten Pianoklänge hört man das Flüstern der Freunde Sleazys, die dem Verstorbenen zurufen: „Meet me on the desertshore“.

Mindestens ebenso interessant wie diese Neu- und Reinterpretation von Nicos Album ist das völlig eigene Material, das aus den letzten Sessions von Sleazy, Chris und Cosey stammt und hier – an frühe Throbbing Gristle-Alben anspielend und gleichzeitig das endgültige Ende in Worte fassend- „The Final Report“ heißt. Das Eröffnungsstück „Stasis“ gibt den Ton vor: Aus Pochen, Stampfen, Störgeräuschen wird unangenehme, dystopische Musik erzeugt. „Emerge to Space Jazz“ klingt so wenig nach Jazz wie es das dritte Album der Band tat, auch wenn Cosey Kornet etwas anderes zu verkünden versucht. Entfernt erinnern manche der Stücke an “Transverse”,  das Album, das Chris und Cosey mit Nick Void eingespielt haben . „Um Dum Dom“ fällt etwas aus dem Rahmen, erinnert es doch an Sleazys recht harmonisches und positives Spätwerk. Zu tickendem Rhythmus und melodischen Passagen hört man Sleazys durch den Vocoder gejagte Stimme. Dieses Stück ragt von der Stimmung als kleiner Lichtblick aus der Tristesse heraus. Insgesamt aber ist “The Final Report” ein so beeindruckender wie bedrückender Soundtrack für einen Gang durch eine „Concentration City“ (J. G. Ballard), der verdeutlicht, wie vital diese Band noch immer ist/war. Das ist tatsächlich Industrial für das 21. Jahrhundert.

Der der limitieren Auflage beigelegte Remix von „Desertshore“, das Downloadalbum „แฝดนรก (Faet Narok)“, das als „Evil Twin“  bezeichnet wurde, ist ambienter, hier werden die Stimmen der Sänger an den Rand gerückt, werden verfremdet (auf Teil sechs klingt Blixa Bargeld fast wie Micky Maus), verlangsamt, sind nur noch ein Klangbaustein unter anderen.

Die bisherige Rezeption der Alben ist bislang (zu Recht) relativ positiv ausgefallen. Natürlich bringt man mit dieser Musik heutzutage keine Zivilisationen mehr zum Wanken, aber sie gehören zusammen mit den dieses Jahr veröffentlichten Alben der Swans und Scott Walker – alles Künstler also, die seit mehreren Jahrzehnten aktiv sind- zu den aufregendsten Veröffentlichungen der letzten Monate und sind vielleicht eine angemessene Untermalung des von apokalyptischen Erwartungen durchzogenen Jahr 2012.

(M.G.)

Label: Industrial Records

X-TG

Obwohl Monte Cazazza seit etwa 30 Jahren musikalisch aktiv ist, hat er erst dieses Jahr sein eigentlich erstes eigenes Album veröffentlicht, das seit Jahren angekündigt “The Cynic”. Die Geschichten über seine frühen Exploitationfilme und transgressiven Performances – ein kurzer Abriss über Cazazzas Schaffen findet sich in meiner Rezension von “The Cynic” und ist online einsehbar -    haben dazu beigetragen, ihm einen quasimythischen Statuszu verleihen, und das alles trotz oder  gerade wegen des geringen musikalischen Outputs und der Nichtverfügbarkeit seines filmischen Früh(st)werks. Cazazza,  der   zwei    Singles    auf Industrial   Records   veröffentlichte

Soweit ich weiß, sollte “The Cynic” 1997 auf Side Effects veröffentlicht werden, aber Side Effects stellte dann alle Aktivitäten ein. War das der Hauptgrund, dass das Album damals nicht veröffentlicht wurde?

Brian Lustmord hatte damals ein paar Demoaufnahmen, von den Sachen, an denen ich gerade arbeitete, gehört und ermutigte mich, damit weiterzumachen. Aber als Side Effects dann aufhörte, habe ich zwar an allerlei Sachen gearbeitet, aber es gab wenig Interesse von Leuten, mit denen ich hätte arbeiten wollen, das zu veröffentlichen -    aber es hat sich schließlich doch noch zum Guten gewendet. Besonders deswegen, weil es jetzt – wenn schon nicht auf Side Effects – auf Paul Smiths Label Blast First Petite rausgekommen
ist.

Wieviele der Songs, die jetzt auf dem Album sind, existierten schon 1997? Gab es Stücke, die du nicht mehr für die endgültige Version verwendet hast und gab es radikale Überarbeitungen.

Zwei, aber nur als frühe Demoaufnahmen, der Rest wurde fallengelassen. Alles wurde radikal überarbeitet, als ich runter nach LA fuhr, um mit Brian zu arbeiten und auch die Vocals wurden alle später dort hinzugefügt. Auch Fred Giannelli arbeitete an der Musik für “Terminal” allein und dann arrangierten wir es neu und sahen zu, dass die Vocals dazu passten.

Ich habe den Eindruck, dass du auf (dem großartigen) “Terminal” mehr als nur ein distanzierter Beobachter bist. Die Art und Weise, wie du den Text vorträgst, scheint nahezulegen, dass es dir (auf gewisse Weise) gefällt, wenn “das Blut gelb wird”. Denkst du, dass das schon immer ein Teil deiner Arbeit (sei es bei Filmen oder auf deinen Platten) gewesen ist?

Na ja, ich habe einen ziemlich schrägen Sinn für Humor, den ich einfließen lassen will, aber ein Großteil des Publikums schätzt das nicht.

Welche Gründe gab es dafür, auf “Terminal” an Psychic TVs “Terminus…” anzuspielen? War es eine Art Ironisierung wegen der ähnlichen Titel oder lag es an deiner und Freds Verbindung zu der Band?

Na ja, wir haben unsere Gründe.

Ich denke, es gibt thematische Parallelen zwischen “A gringo like me”, “Terminal” und “Birds of prey”. Hat sich das erst nach und nach entwickelt oder war es von Anfang an klar, dass es miteinander verbundene Songs geben würde?

Eine Sache, die sich der Hörer klar machen sollte, ist, dass die CD eigentlich ein kompletter Soundtrack zu einem Film über den Südwesten ist, den ich gerne drehen würde, wenn ich die Dollars dafür bekäme.

Wie sind die rhythmischen Tracks wie “Break number one” oder “Venom” entstanden?

Ich wollte ein paar Tracks mit Vocals und einige nur mit Musik, da es – wie gesagt – ein Soundtrack ist.

Wie kam es zu der Zusammenarbeit mit Lydia Lunch auf “What’s so kind about mankind”. Habt ihr den Text zusammen geschrieben oder geschah es per Post/E-Mail?

Ich hatte ein paar der Zeilen in einer von Lydias absolut großartigen Schimpfkanonaden gehört und nahm sie mit ihrer Erlaubnis aus dem Kontext heraus und fügte sie in “Mankind”, an dem ich gerade arbeitete, ein und sie passten wie angegossen. Eine Sache, die ich betonen möchte, ist, dass jeder, der an dem Album mitgewirkt hat, es zu der Veröffentlichung gemacht hat, die es jetzt ist und es ist toll, dass es diese Zeit benötigt hat – dadurch ist es noch besser geworden.

Du hast den Terminus “Industrial Music for Industrial People” geprägt. Hast du einen Slogan für die (Post-)lndustrial Szene von heute?

Eine ganze Reihe, aber ich kann sie natürlich nicht nennen, bis ich mir das Copyright besorgt habe, da sie sonst jeder klaut und für seine eigenen schändlichen Zwecke gegen mich einsetzt. Ha ha ha.

Heutzutage gibt es so genannte (Post-)lndustrialbands,dieversuchen durch dumpfe Provokationen mehr Alben zu verkaufen. Wie stehst du dazu?

Strengt euch mehr an.

Du bist durch deine transgressiven Auftritte  berühmt-berüchtigt geworden. Hast du noch Interesse daran, so etwas Ähnliches heutzutage zu machen?

Darauf kannst du wetten. Aber heutzutage sind die Anwaltskosten viel teurer als damals und jeder versucht einen sofort wegen mentaler Grausamkeit zu verklagen.

Glaubst du, dass aufgrund des Internets und des so genannten Reality-TVs von Performances wie du sie in der Vergangenheit gemacht hast, Leute nicht länger berührt werden? Denkst du, dass es noch Dinge/ Themen gibt, die die Menschen berühren können?

Ich habe eine Reihe von Ideen, aber nicht das Geld oder die rechtlichen Ressourcen, um mich vor den Konsequenzen meiner eigenen Handlungen zu schützen und ich will nicht eingekerkert werden und mit Waterboarding Bekanntschaftschließen oder in ein Flugzeug gesteckt werden und dann wird niemand mich je wieder sehen oder von mir hören…

Auf der Compilation “The worst of…” finden sich drei Tracks von The Love Force. Was kannst du uns über die Ursprünge dieses Projekts sagen? Gab es Pläne, weitere Songs aufzunehmen?

Nun, das war ein interessantes Projekt mit einigen sehr talentierten Musikern, aber es hat nicht lang genug gehalten…

Du hast an einigen Soundtracks mitgewirkt und hast gerade gesagt, dass “The Cynic” ein Soundtrack zu einem Film ist, den du gerne drehen würdest, wenn du die Mittel hättest. Wird es in nächster Zeit weitere Soundtracks geben? Welcher der Filme, an denen du beteiligt warst, hat dich am meisten zufriedengestellt?

“True Gore” und Jon Moritsugus Filme, es hat Spaß gemacht, mit ihm zu arbeiten.

Kannst du noch kurz etwas über das Projekt The Atom Smashers sagen und ob ihr je vorhattet, ein zweites Album aufzunehmen?

Elektronisches Rapalbum, da ich nur mache, was ich will. Keine Pläne für ein zweites, Album war eine einmalige Sache.

Die “Kill yur self”-12″ war für DJs konzipiert. Kannst du etwas zur Idee dahinter sagen?

Eine Art Klangeffektalbum für DJs, um es in anderen Kram reinzumischen.

Die zwei Teile von “Extinction” von der Side Effects-Compilation “Deep Net” wurden während der gleichen Sessions wie obige 12″ aufgenommen. Stammen aus dieser Zeit auch die ursprünglichen “The Cynic “-Demos ?

Nein, all diese Aufnahmen wurden zu unterschiedlichen Zeiten gemacht. Das macht sowieso keinen großen Unterschied. Du bist ziemlich an Zeitleisten interessiert – als ob sich irgendein Leser darum scheren würde.

In der Vergangenheit warst du für deine Vorträge zu verschiedenen Themen (wie z.B. Siamesische Zwillinge) bekannt. Machst du so etwas noch gelegentlich? Was sind deine aktuellen Interessen und Obsessionen?

Ich halte meiner Freundin die ganze Zeit über Vorträge…Ha ha…Über multiple Persönlichkeiten…

Vielleicht ist es noch etwas früh für diese Frage, aber gibt es Pläne für ein weiteres Album?

Klar, ich habe ein Projekt mit Meri St Mary. Ich kann mehr nicht sagen, es sei denn, du willst mir einen wirklich großen, fetten Scheck schicken.

Glaubst du ein Track wie “Birth Control” ist heutzutage noch relevanter als früher, wenn man an Leute wie Christine O’Donnell denkt?

Sicher. Sieben Milliarden Menschen und stetig wachsend.

- M.G. & D.L. -