Das Album versammelt über eine Stunde vier Stücke unter dem gemeinsamen Titel „Electrical Impulse 1 – 4“. Der Klang ist diesmal dunkler grundiert, bleibt jedoch psychedelisch und auf markante Mmelodien fokussiert. Sequencerbasierte Strukturen, dichte analoge Sounds und perkussive Schichten prägen die Kompositionen, deren Texturen sich langsam verändern und ineinander übergehen. “Nerve Cell Threads Electronics”, gemastert von einem der beiden bekannten Peter Andersons, erscheint bei Zoharum mit Artwork von Karolina Urbaniak als CD im sechsseitigen Digipack, als MC und zum Download.

“Receptor Radiation” ist eine vielschichtige Arbeit, die Kompositionen sind von analogen Synthies geprägt, deren hypnotische, psychedelische und repetitiv-melodische Strukturen sich zwischen Minimalismus und komplexeren Sequencer-Sounds bewegen. Kleine Veränderungen in den Klangmustern erzeugen dabei eine dichte, fesselnde Atmosphäre. Obwohl gelegentlich beruhigende Elemente auftauchen, sind sie immer Teil eines komplexeren, dynamischen Gesamtgefüges. Die Tracks wirken wie gebündelte Strahlen, präzise aufeinander abgestimmt und voller Energie. Das Album vermittelt, wie es auch im Begleittext impliziert wird, den Eindruck eines Soundtracks für das  menschliche Nervensystem: akustische Signale, die elektrische Impulse auslösen und Reaktionen anstoßen. Es erscheint auf CD und zum Download.

Studioaufnahmen verzerrten, donnernden Lärms mit aggressivem Feedback und noch aggressiveren Shouts nach PE-Manier aus den späten 90ern und einen längeren Livetrack aus dem Veröffentlichungszeitraum. Mit seinem Fokus auf das Transgressive und seiner manifestartigen konzeptuellen Stringenz kann das Album als exemplarisch für eine Phase in der Geschichte des Industrial und Power Electronics betrachtet werden, als derartige Musik bereits als subkulturelle Genres etwabliert waren. “An Act Of Self Mutilation Is An Act Of Freedom” erscheint in verschiedenen Vinyl-Editionen und digital.

withdrawn with different colour cords. Isolation, sadness, anger, fear, gloom, misery, separation but also innocence, inspiration and calmness are topics the colours can represent, but it’s also up to the listener to decide. Six colours scales separated from eachother. Somehow a connection from previous albums like Turbulence, Amygdala, Hypnosis and Misophonia colours, although Isolation Colours sounds different and have a different theme”. Das Album erscheint auf 30 Tapes sowie auf CD und zum Download mit Artwork von Radosław Kamiński.

“Mind Rotation has 5 parts dealing with the human psyche. A rotation of the mind. The first two parts mind variation and mind dimension are among the brightest Jarl has ever recorded with arrpegio sequencer synthesizer style. But the three later parts mind symptoms, mind isolation and mind disorder has a darker and colder tone. From inspiration, energy, creativity, calm to anxiety, despair, destructive ness and isolation and after part five the psyche has been driven to far, turning inward with no return. In the end everything becomes clear. It was meant to happen.” (Zoharum)

Titel wie auch die Beiträge der einzelnen Bands machen deutlich, dass es hier vor allem um den Teil des Werks des Kanadiers geht, in denen der Körper in all seiner Verletzlichkeit, in all seinem Modifikationspotenzial im Zentrum steht – wobei letztlich sicher gesagt werden muss, dass der Körper in keinem Film Cronenbergs keine Rolle spielt – anlässlich von “Crimes of the Future”, seinen demnächst erscheinenden ersten Langfilm seit acht Jahren, der thematisch wie im Titel auf das Frühwerk verweist, meinte der inzwischen 79-Jährige: “I think the human body is what we are,[...] [w]hen it dies, we’re dead. There’s no afterlife, no God. We have to come to terms with that. The subject matter of all art is the human condition, and for me that’s a physical thing. So it’s inevitable that my filmmaking is going to involve the body in a very intimate and impactful way.”

Das Album beginnt mit dem industriell-fiependen und von Störgeräuschen durchzogenen „A Cognitive Island Of Fake Tumor Implants” von Sigillum S. Desiderii Marginis’ Dark Ambient-Track “The Interzone” verweist mit Burroughs-Samples und Titel auf Cronenbergs Adaption von „Naked Lunch“, ein Film, auf den auch Sonologyst mit „Dr Benway’s Narcotic Operation“ Bezug nehmen, einem anfangs minimalistischen, dunkel-verhallenden Stück, das sich im Verlauf der 11 Minuten immer stärker verdichtet und dissonanter wird. Mario Lino Stancatis „House Of Skin“ blubbert düster und Schloss Tegal, die sich in ihrer Karriere auch immer wieder mit Deformationen des Fleisches beschäftigt haben, erzeugen auf „Metaflesh“ ein dunkles Gebräu. Auch die anderen hier vertretenden Künstler bewegen sich zwischen Dark Ambient und Industrial (z.B. UNCODIFIED mit ihrer “Scanners”-Hommage „ConSec“). Jarl widmet sich Cronenbergs Stephen King-Adaption „Dead Zone“, Mortar Devotions erweisen Cronenbergs vielleicht etwas unterschätzem Film „eXistenZ“ die Ehre: Ihr Stück “Cortical Systematics”  beginnt melancholisch-melodisch und endet als John Carpenter-Wiedergänger.

@Eighth Tower Records

Es ist durchaus sympathisch, dass ein Label wie Drone, das seit Jahren – sei es mit der großartigen 7”-Reihe, mit den 10″ der „Substantia Innominata“-Serie oder den 12” von “Drone​-​Mind // Mind​-​Drone”- dem Vinyl die Treue gehalten hat (auch schon zu Zeiten, als sich noch kein Majorlabel dafür interessierte), jetzt die CD, die von vielen als obsoleter Tonträger gesehen wird, als Medium einer neuen Reihe wählt.

Während Martin Bladh, Erik Jarls ehemaliger Partner bei dem inzwischen zur Ruhe gelegten Power Electronics-Duo IRM, sich stärker auf das Wort konzentriert (z.B. als Verleger von Infinity Land Press; jüngst noch musikalisch mit dem Beitrag zur J.G. Ballard-Hommage „Time Ends“), hat er selbst unter dem schlichten Projektnamen Jarl seit den nuller Jahren zahlreiche Alben im Bereich Drone und (Dark) Ambient veröffentlicht. Seine Musik bezeichnet er selbst auf seiner Soundcloudseite als „Unbalanced, Turbulent, Withdrawn electronics that focus on isolation.“

Sein neues Album, benannt nach einem Zustand, in dem man gewissen Geräuschen gegenüber eine verminderte Toleranz hat, enthält einen langen Track, der mit  Hochtönen beginnt, als solle man einem Hörtest unterzogen werden. Das Stück verdichtet sich dann fast schon zu einer metallisch klingenden Symhonie, von der man meint, sie sei in einem Tunnel, in Katakomben aufgenommen worden. Wellenartige, an- und abschwellende Sounds tauchen auf und immer wieder melancholische melodische Passagen. Zwischendurch meint man, es klängen Streicher inmitten der surrenden Momente. Jarl arbeitet wie auch schon auf anderen Alnben mit Loops, die dem Track etwas Zirkuläres geben, aber dann setzt plötzlich wieder ein neues Element ein und es offenbaren sich fortwährend neue Schichten, so etwa im letzten Teil, wenn man den Eindruck hat, man höre Stimmen und Glocken. (MG)

Label: Drone Records

“While “Hyperacusis” was an attempt to explore this phenomenon and has shown it through the sound and final composition of songs directly influencing the peculiar nature of the album, “Phonophobia” refers directly to the issue of psychology and clinical psychiatry, where, thanks to methodically developed sound structures, arranged and marked appropriately on the scale of impact i ntensity with numbers 1-3, it recreates the world of sounds, closed in the mind of a person suffering from this ailment. Here, the space is suddenly filled with high-ntensity sound waves, stimulating the listener to active reception and strongly influencing his psyche (at the same time). The feeling of rising does not disappear here even for a moment and accompanies the last sound on the album. After it, there is absolute silence, becoming a counterpoint to the music that resounds in the head for some time.” (Zoharum)

“On his fourth release for Zoharum titled “Hyperacusis” he explores and sonicaly interprets this rare hearing disorder. Album consists of 2 long (around 20 minutes each), trance inducing tracks that put you into a sedative state. Drones, high frequency pulsations and oscillations work here as an intronautic vessel in which you descend into the depths of subconsciousness. As much as at first this appears to be a demanding piece of work it’s utterly rewarding and eventually makes you wanna listen to it on and on and on…” (Zoharum)

Einer Musik, die sich auf ein bestimmtes Werk der Malerei bezieht, geht es meist weniger darum, die Aussage des Bildes im eigenen Medium neu zu inszenieren, viel eher ist sie ein durch ein atmosphärisches Moment inspirierter “Kommentar”, der sich zu einem eigenen Werk verselbständigt. Bei den drei Musikern, die in den einzelnen Tracks immer wieder in anderen Konstellationen auftreten, liegt diese Deutung nah, denn mit ihren kontemplativen Soundscapes zwischen Ambient und dunklem Industrial arbeiten sie weitgehend abstrakt und intuitiv.

“The Gloomy Day”, an dem Hauptinitiator Anemone Tube und IRM-Gründungsmitglied Erik Jarl beteiligt sind, zeichnet den noch kühlen Vorfrühling aus Bruegels Landschaft im Sonnenuntergang in vielfarbig dröhnenden Klängen, in deren melierte Färbung jedoch immer mehr eine sublime Düsternis einzieht, flankiert von dumpfen, schicksalsschweren Paukenschlägen. Finden sich hier Jarl-Akzente im Rahmen der Handschrift des Berliner Musikers, so scheint beim frühlingshaften, aber kaum wonnigen “The Hay Harvest” Jarl die Richtung mit schneidenden Samples und obskuren Stimmen vorzugeben, die im Albumkontext die wohl konkreteste Bezugnahme auf die Geschäftigkeit der Bildfiguren darstellen. Ein jäher Bruch allerdings bringt die emsigen Geräusche zum verstummen und katapultiert die Hörer in einem enormen Gegenzoom in ein eine fast gottgleiche Position, von der aus er die Landschaft einmal mehr in erhabener Dunkelheit verschwinden sieht. Im hochsommerlichen “The Harvesters”, das das Erntethema fortführt, hat der ukrainische Ambientmusiker Monocube seinen ersten Auftritt, der zusammen mit Anemone Tube zunächst das Wetter und die Gezeiten sprechen lässt. Wie im Bruegelschen Bild nur marginal zu sehen, findet die Kornernte in Küstennähe statt. Doch bald schon rückt auch hier die Atmosphäre des menschlichen Tagewerks ins Zentrum mit disharmonischem Bohren und Brummen, das die Erntetätigkeit zu einer Art Allegorie menschlicher Alltagspflichten werden lässt, während Kleinteiliges durch den Raum fällt und tropft. Es ist das wohl lauteste und heftigste Stück des Zyklus mit der Räudigkeit eines schmerzhaften Sonnebrandes.

Der Herbst ist die Zeit der Besinnung und Einkehr und vielleicht auch der heimeligen Melancholie, und so beginnt das von Anemone Tube allein bestrittene “The Return of the Herd” fast schon traditionell mit streicherartigen Sounds, die sich in beinahe sanften Wellen fortbewegen, entschleunigte Pianotupfer, aber auch (Unheilvolles ankündigende?) Feedbacksounds kommen hinzu. Das als Titeltrack ausgewählte Winterstück “The Hunters in the Snow”, an dem nun alle drei Musiker beteiligt sind, ist mit seiner Länge von über achtzehn Minuten Höhepunkt und Finale der Sammlung. Mit seinem abrupt-brachialen Auftakt und dem rauen Vibrato der pulsierenden Synthies, mit den wirklichkeitsdurchbrechenden Breaks und den immer wieder neu angestoßenen dynamischen Schüben scheint die Komposition eher eine Treibjagd als eine subtile Pirsch einzufangen, und während das Gemälde die Jäger bei der Heimkehr zeigt, hat der Track scheinbar alle Anzeichen der strapaziösen Jagd und auch aller anderen Strapazen des zurückliegenden Jahres mit im Gepäck.Die allumfassende, fast kosmologische Weltdarstellung, die Bruegel in seinem Zyklus anstrebte, scheint ein zentrales Interesse der drei Musiker zu sein. In dem ausführlichen Essay von Sven Schlijper-Karssenberg und Kim Dohlich, der im Booklet abgedruckt ist, werden diese als “worldscapes, endless cycles of growth and decay, of beauty and melancholy, fear and joy” bezeichnet, die eine Welt voller Ambiguität zwischen Frieden, Aufruhr und Abhänigkeit von einer indifferenten Natur, zwischen Existenznot und dem Zwang zu Töten, zwischen Bewegung und Stillstand präsentieren. Die Musik fungiert den AutorInnen zufolge als ein noch unmittelbareres Vehikel, die im Bilderzyklus thematisierte Zeit erfahrbar zu machen, während der Umweg über den interpretierenden Verstand umschifft werden kann. Mit dem im Booklet zitierten Autor Jean Gerbser zu sprechen, wird man von ihr “ganz zum Hiersein verführt”. Ganz abgesehen von dieser Funktion besticht die Musik durch eine außerordentliche Dichte, die man als einziges Kollaborationsmerkmal anführen mag, wohingegen ihr jeglicher Kompromisscharakter, der so vielen Zusammenarbeiten anhaftet, fehlt. Durch den Kontext der Bilder kann sie an weiterer Tiefe nur gewinnen. (U.S.)

Label: The Epicurean / AufAbwegen