Zwischen Ambient, technoiden Momenten und einer fein austarierten post-digitalen Minimalistik entfalten sich, wie es sinngemäß beim label heißt, schwebende Rhythmen, warme Synthieflächen und sanfte Bewegungen, die mehr beobachten als antreiben. Das Album wirkt so wie eine leise Gegenrede zur permanenten Reizüberflutung. Mit Gästen wie Hinako Omori und marucoporoporo erweitert Ebina sein Klangspektrum um fragile Stimmen und intime Momente. Die zweite Albumhälfte löst sich zunehmend von Songformen und verdichtet sich zu stillen, atmosphärischen Zuständen zwischen Klavier, Field Recordings und schwebender Elektronik. “On Solitude” erscheint als limitierte graue Vinyl-Edition, CD und digital mit Artwork von Chizuru Masumura.

Laut Label inspiriert von den symbolistischen Bildwelten Gustave Moreaus und der Kegon-Kosmologie, die das Universum als Netz unendlicher Verflechtungen beschreibt, entwirft er Stücke, die zwischen fragiler Stille und schillernder Intensität oszillieren. Titel wie “Chrysalis”, “Kegon” oder “Sunken Cathedral” lassen Motive entstehen, die zugleich mystisch und detailreich wirken und sich in ständig neuen Mustern entfalten.

Aus Geräuschen wie zischendem Dampf, aufsteigender Feuchtigkeit, steiniger Stille und entferntem Stimmengewirr entwickelt sich eine dichte elektroakustische Struktur, die durch ein einzelnes, durchgängiges Stück verläuft. Die Musik erscheint zeitweise kühl, fast distanziert, doch unter der Oberfläche schimmert oft ein wärmeres Zentrum hervor. “Sen’nyū” ist eine Weiterführung von Meiteis Lost-Japan-Reihe, erweitert nun um das Konzept der “Hundert verlorenen Ansichten”, und markiert gleichzeitig einen neuen Schritt: weg von der rein imaginierten Vergangenheit hin zur direkten klanglichen Auseinandersetzung mit Ort und Atmosphäre. Das Album erscheint als LP, CD und zum Download sowie in mehreren limitierten Editionen mit einem gebundenen Fotoband, der Meiteis Aufenthalt in Beppu visuell dokumentiert. Von Meitei erschien vor kurzem die digitale EP “Totsukawa”.

FMT, bestehend aus TM und TI, versteht sich nicht als Band, sondern als Konzept, als “klangliche Konstruktionseinheit”, die Musik als Untersuchung und Ausdruck zugleich begreift. Ausgangspunkt von “Le Cube Dans Mon Rêve” (dt. “Der Kubus in meinem Traum”) war eine zerrissene und neu zusammengesetzte Zeichnung der Künstlerin Chiaki Tamura, die für TM als visuelle Anregung diente, kubistisches Denken auf musikalischer Ebene weiterzudenken. Jedes Stück ist ein neuer Blickwinkel auf denselben “Würfel”, der sich dreht, bricht, reflektiert und dabei nie gleich, nie ganz erscheint.

“Le Cube Dans Mon Rêve” erscheint digital und als limitierte MC beim Label Kitchen.Label.

“Inspiriert von Natur und Landschaften verknüpft Wilden meisterhaft komplexe Ideen und Emotionen. Seine pastoralen Ambient-Instrumente entfalten sich sanft und nutzen akustische/klassische Elemente, von Gitarre, Cello, Kontrabass bis hin zum traditionellen japanischen Instrument Sanshin, um impressionistische Musikskizzen zu schaffen. Wilden integriert nahtlos Orchester- und elektronische Elemente, um sein melodisches Geschichtenerzählen zu bereichern. Wildens Stil oszilliert mühelos zwischen melodischer Anziehungskraft und dissonanter Intrige und stellt die Kategorisierung in Frage. Seine komplizierte Technik wird durch ein zartes Auftreten ausgeglichen, das den Zuhörer zum Nachdenken und Tiefgang einlädt”. Das Album ist auch zum Download erhältlich.

In seinen Kompositionen bindet Meitei zahlreiche (nicht nur) musikalische Motive der japanischen Populärkultur, zu denen Mitschnitte bekannter Sängerinnen, Sänger und Musiker vergangener Dekaden gehören und die größtenteils im Laufe des zwanzigsten Jahrhunderts ihren Niedergang erleben mussten, quasi zitathaft in einen ambienten Rahmen, der mit der Zeit immer mehr zu einem Trägermedium der transportierten Stoffe wird, ohne als Marker der Jetztzeit völlig hinter seiner traditionellen Fracht zu verschwinden. Dabei erweist sich der Komponist durchgehend als Meister der Verfremdung. “Die vergilbte Nostalgie” hieß es hier über den ersten Teil, “die sich in der angenehm verrauschten Musik durchaus findet, ist [...] eine gebrochene, und die Wehmut, die ohnehin nur in manchen Stücken das Bild dominiert, wird konterkariert durch eine spielerische Schrägkeit, die sich sowohl in einer bewussten Überzeichnung, als auch in dem nie greifbaren Charakter der Musik findet, die ihr Publikum immer wieder durch abrupte Brüche, durch ungewöhnliche Überblendungen, durch ein bewusstes Spiel mit Kaputtem und durch spontanes Drehen am Tempo an den Nasen herumführt”.

Die vergilbten Sepiatöne seiner hauntologischen Pastichen bergen noch andere Arten von Ambiguität, denn die Frage, ob Meitei die im Verblassen und Verschwinden begriffene Kultur und Lebensrealität primär betrauert, oder ihrem Verschwinden durch einen neuen musikalischen Kontext zumindest tendenziell Einhalt gebietet, kann, je nach persönlichem Purismus des Betrachters, ganz unterschiedlich beantwortet werden. Ganz leblos jedenfalls kommt “Kofū III” nicht daher, denn die nostalgisch eiernden und stellenweise wie Sängerinnen klingenden Streicher, die im eröffnenden “Reimei” mit schrägeren, elektronischen Sounds in den Dialog treten, ohne dabei an eine Verschmelzung zu denken, ziehen einen unweigerlich in diesen von subtilen Disharmonien geprägten Kosmos, in dem schwache Lichter flackern, denen man kein allzu langes Leuchten mehr zutraut.

Auf gewisse Weise funktionieren die Stücke auf dem Album wie ein radikaler Zoom auf die dargestellten Szenarien und Stimmungen und lassen diese sehr deutliche Konturen annehmen. “Mange-kyo”, sein prasselnder Regen, seine zunächst hektischen, dann wehklagenden Stimmen, die geloopten Instrumentalparts und das wehmütige und unterschwellig unruhige Klavier erzählen eine aufwühlende Geschichte. “Fujin” und “Wa-rosuko” mit ihren kristallklaren Pianoparts verbreiten eine unter Patina verborgene Wehmut, die sich mit Slapstick verträgt und an Revues der 20er erinnert. Das von dem Autor Soseki Natsume inspirierte “Yume-juya” dagegen verbreitet eine schwer greifbare Stummfilmatmosphäre mit traditioneller Instrumentierung.

Ein Höhepunkt des Albums ist das nach Edogawa Rampo, einem Autor fantastischer Literatur, der seinen Künstlernamen auch als Verballhornung des Namens von Edgar Allan Poe betrachtete, benannte Stück, dessen bizarres Brummen und Hupen einen Gegenpart zu den klassischer instrumentierten Kollagen bildet und sich von einem stockenden Auftakt zu etwas Furiosem steigert. “Shisei”, das laut Liner Notes auf eine Liebesgeschichte referiert, in denen in Japan traditionell sehr kontrovers wahrgenommene Tattoos die Symbolik prägen, lenkt zurück in besinnlich wirkende Gefilde – eine Stimmungstendenz, die für den Rest des Albums beibehalten wird. Der Schlussteil gehört ganz dem Andenken der Stadt Hiroshima und seiner bewegten Geschichte. V.a. der schon vor ein paar Monaten, pünklich zum Jahrestag des verheerenden Atombombenabwurfs veröffentlichte Song “Heiwa” (dt. Friede) setzt “feinsinnig komponierten, leicht verrauschten und vom Tempo bewusst offen gestalteten Klangszenarios [der] Widerstandsfähigkeit der betroffenen Menschen und [den) unausgesprochenen Emotionen, die die Ereignisse begleiteten und bis heute ihre Nachwirkungen entfalten” ein berührendes Denkmal.

Die oben genannte Frage, ob die verblassende japanische Kultur hier eher betrauert oder auch ein wenig bewahrt wird, ist tatsächlich nicht eindeutig zu beantworten. Vielleicht lassen die Kompositionen, die definitiv keine Dekompositionen sind, sich am ehesten als Momentaufnahmen verstehen, die neben der Kultur im Zustand ihres Verblassens wiederbelebt und damit ein interessantes Paradox entstehen lässt – und vielleicht auch die Frage beantworten, welchen Einfluss Bewahrungsversuche auf traditionelle Objekte haben können. In Meiteis Versuchen, in diesem Feld aktiv zu sein, steckt eine berührende Dramatik, die eines in jedem Fall ist: lebendig. (U.S.)

Label: Kitchen.Label

von Hiroshimas nonverbalem Bereich verkörpert. [...] Mit „Heiwa“ dient Meitei als kraftvolles Medium für seine persönliche Sehnsucht nach Frieden und stellt gleichzeitig die Narben, die Hiroshima zugefügt wurden, anschaulich dar. Den Zuhörern begegnet ein melancholischer Ton, der an die asche Atmosphäre erinnert, die einst die Stadt durchdrang. Meitei verleiht den Melodielinien gekonnt eine greifbare Materialität und symbolisiert den anhaltenden Duft einer verbrannten und verbrannten Stadt. Diese Elemente erzeugen ein Hörerlebnis, das ein unverkennbares Gefühl der Präsenz vermittelt”. Das Stück ist auch auf dem neuen Album “Kofū III” enthalten, das im Herbst erscheint.

“Originally, this piece was titled “1945.” Peace education was prominent in my hometown. There were plenty of opportunities to focus on it from a young age. I was learning about past tragedies while dreaming of a peaceful future. Children who don’t know the events come to know the facts and become adults. I always felt a bit unnerved when I thought about this stuff. I’d see the Atomic Bomb Dome and feel a kind of resistance toward picturing tragedies. It felt like we were purposefully recreating a future we didn’t want to think about. The obligation inherent in the rationality of adult intelligence that follows the flow and the harsh reality imparted by the education from human history instilled fear in me.

Within the Hiroshima Peace Memorial Museum database, footage of Hiroshima, circa 1935, filmed by Mr. Genjiro Kawasaki, can be viewed, it shows what Hiroshima was like before the atomic bomb hit. Upon viewing this, I felt as if there was no specific message to pass on. I bear no intention of denying the act of voicing out and conveying something. However, we have grasped the understanding sufficiently. I decided to change the title from “1945″ to “Peace’” (Meitei)

Meitei @ Tumblr

“himorogi is the tenth album by ironomi. Divining Japanese mythology and its relationship with nature, the new album is an aural pastorale that fosters deeper territory in the realm of spiritual searching through dreamy, drifting piano, 17-string koto (jūshichi-gensō) and new form electronic processing. ironomi’s desire to commune with mother Earth and its season’s colors has always served as a continual inspiration for their music. In himorogi, the duo delves into a more spiritual focus in their journey towards musical impressionism. Japanese culture has long held the idea that heavenly spirits live in many elements of the natural world, such as mountains, rocks, trees, and the sea. The album title comes from the Japanese word Himorogi (神籬), which in Shinto terminology is translated as “divine fence,” which refers to sacred areas that a celestial spirit enters”. (Kitchen.Label)

Diesmal steht die Musik im Zeichen der traditionellen japanischen Auffassung vom Zyklus der Jahreszeiten, und jedes Stück ist einer Saison und einem typischen Lebensgefühl (Stille, Coolness, Nostalgie, Kälte) gewidmet – in diesem Sinne knüpft die EP auch wieder an die aus “Kwaidan”, “Komachi” und “Kofū” bestehende Alben-Trilogie an, in der ebenfalls emotionale Befindlichkeiten im Spiegel japanicher Traditionen im Medium Musik erkundet wurden. “Meitei, whose real name is Daisuke Fujita, and WARA’s artistic director Eri searched for a new dialog with sounds reflecting the Japanese aesthetics of 24 sekki that mark nature’s perpetual cycle of ever-changing seasons” heißt es dazu vom Label. “Meitei’s entrancing ode to the 24 sekki expresses Japanese lyricism through minimal piano, environmental and electronic sounds. In Japan, each of the four seasons of the year is experienced in six phases and all have their own distinct characters. Unveiling a reverence for the Japanese passage of time, the 4-track EP explores the ebb and flow through the twenty-four seasons of Japan as nature awakens, blossoms, matures and settles into a slum from

the beginning of spring (Risshun), the first day of summer (Rikka), the first day of autumn (Risshū) to the beginning of winter (Rittō)”. Das Resultat sind vier dezente Klangkollagen von beinahe loungeiger Entspanntheit, bei denen feinsinnig arrangierte Pianoparts und und ebenso delikate Umgebungsgeräusche die Hauptrolle spielen. Mehr zu den Hintergründen auf Bandcamp, wo man das Album digital erwerben kann.

@ Kitchen.Label

“With this release, Ebina opened up about overcoming depression during his early adulthood and created this work as a personal therapeutic process to cope with the experience. Meditative, gentle and minimal, In science and the human heart is a calming recording. The artist produced the music via a system of open-reel tape processing in conjunction with modular synthesizers and acoustic instruments such as music boxes, glockenspiel and guitars. The album starts with the sound of the tape machine (a half-a-century-old NAGRA IV) turning on, and a music box recorded onto 1/4 inch tape slowly reverberates along with a subtle drone. Ebina changes the play-back speed, and mics the output from the recorder’s built-in speaker. The method resulted in capturing some sounds of the tape machine itself, and these were purposefully left in the final mix. Jewel-toned plucked sounds, tape noise and the sounds of found objects alternate with cascades of light and fragile beauty, creating an aura of stillness and an indescribable sense of balance. Light harmonics and decay that hovers throughout the album add its imminently lingering quality. In science and the human heart has an unhurried and lulling quality that lends itself well as a background for meditation or creating a peaceful atmosphere for sleep.

The instrumental exploration seems to speak directly to the heart, which enfolds the listener in a comforting curve of sound. Ebina states, “Each song is a small message card to listeners. I hope they might be signposts for your life when you need them as they did for me.” Mastered in New York by Joseph Branciforte, Hiroshi Ebina’s In science and the human heart will be released on November 18, 2022 on limited edition cassette tape and digital formats.” (Kitchen.Label)

Foto © Yoichi Onoda

@ Kitchen.Label