Zuletzt gab es aber immer wieder Veröffentlichungen, auf denen inmitten des analogen Rauschens eine Orgel das Klangbild dominierte, so etwa auf den Splitveröffentlichungen mit Black Mountain Transmitter oder Rudolf Eb.er.

Das Artwork lässt eher an B-Movies denken, Dr. Phibes schaut um die Ecke und haut in die Tasten. Auf dem Tape ist dann ein 40-minütiges Stück: Nach kurzem Knarzen setzt die Orgel ein, verrauscht, zwischendurch meint man, das Tape löse sich auf oder es müssten die Tonköpfe gereinigt werden. Hier illustriert die mediale (Re-)Präsentation den Verfall, hier wird das Ausgehen fortwährend mitgedacht. Letztlich mag das auch die einzig angemessene Illustration einer sich fortwährend in Auflösung befindlichen Existenz sein. („nothing contravenes/The coming dark,“, bemerkt der Sprecher in Philip Larkins „The Building“ so treffend.)

Wer jetzt noch nicht genug hat, für den sechsten Juni ist schon ein weiteres Tape namens „Per Tenebras, Ad Mortem“ angekündigt. Ein neues Projekt namens Ja a ku yamiizu lu, das klanglich partiell an Controlled Death anknüpft, hat Yamazaki dieses Jahr gestartet. (MG)

Label: Deathbed Tapes

Die Compilation versammelt einige der wichtigsten Vertreter des Japanoise der frühen 90er-Jahre, als die kleine aber bahnbrechende Subkultur gerade dabei war, ihrem Epizentrum in der Kansai-Region um v.a. Osaka, Kobe und Kyoto ein weiteres in der Kanto-Ebene, also im Großraum Tokio, zur Seite zu stellen: von Ikonen wie Merzbow, Violent Onsen Geisha, Masonna und Incapacitants bis hin zu weniger bekannten, aber ebenso relevanten Projekten wie Solmania und Dislocation. Dabei besticht die Sammlung durch eine stilistische Vielfalt, die konventionell geprägte Musikhörer vermutlich nicht wahrnehmen würden, die den von den Harsh Noise Wall-Diskursen der vergangenen Dekaden geprägten Millennials allerdings die Schamesröte ins hipsterbärtige Gesicht treiben sollte.

Den Auftakt macht der bis heute bekannteste japanische Noiser Akita Masami alias Merzbow mit “Travelling”, einem Stück, das oberflächlich an die Strukturen harshnoisiger Raufasertapeten erinnern mag, sich dann aber als überraschend melodisch und rhythmisch, gleichsam nicht beatlastig, strukturierte Klanglandschaft entpuppt. Mit satten, substanzreichen Geräuschen, die in steten Intervallen herausgestoßen werden und immer wieder durchbrochen von abrupten Wendungen, entfaltet sich eine schrille Kakophonie, die ebenso fordernd wie detailreich ist.

Das Kontrollzentrum für kosmische Zufälle a.k.a. C.C.C.C. schlägt mit “IMR-32″ eine düstere, schwergewichtigere Richtung ein. Die raue, breiige Klangästhetik vermittelt eine niederdrückende Atmosphäre, die sich klar von der aufgekratzten Energie des Merzbow-Tracks abhebt. Überraschende Sirenenklänge und motorisches Brummen durchziehen das Stück und machen es zu einer reizvoll desolaten Erfahrung, die sich noch stark von den psychedelischen Noisetrips untrerschiedet, die es später von Hiroshi Hasegawas Astro, einem der Nachfolgeprojekte, zu hören gab. Solmania, ein Soloprojekt des Vermillion Sands-Musikers Masahiko Ohno, steuert mit “Derrick Master Switchback” eine brutale, destruktive Klangcollage bei, die von krächzenden Verzerrungen, metallener Beschaffenheit und hochfrequenten Tönen durchzogen ist. Dieses Stück bleibt im Rahmen des typischen Noise-Kosmos, wirkt jedoch in seiner rauen Direktheit besonders intensiv.

Mit “Empty~On The Move” des Quintetts Dislocation schlägt die Compilation eine experimentellere, elektroakustischere Richtung ein. Hier dominieren zunächst Klarinettensounds, die wie das Erforschen des Instruments anmuten, sich jedoch in ein infernalisches Feedback und gluckernde, atmosphärische Geräusche steigern. Dieses Stück erinnert eher an die Avantgarde-Ansätze von Borbetomagus oder früheren Nurse With Wound als an die typischen Exzesse des Japanoise. Monde Bruits’ “Continuum” kehrt zu einer typischen Harsh-Noise-Struktur zurück, unterbrochen von schmerzhaften Schreien und abrupten Pausen. Ironischerweise stellt der Titel eine klare Antithese zum Inhalt dar, der durch Diskontinuität und abrupte Brüche geprägt ist. Wenn man vom Schrei spricht, kann Masonna nicht weit sein, und der liefert mit “Testicles Candy Pt. 1~13″ eine wahre Lärmexplosion ab. Die eskalierenden Feedback-Stürme und hysterischen Schreie sind exemplarisch für Maso Yamazakis kompromisslose Ästhetik (deren eher fatalistische Seite heute ebenso kompromisslos von Controlled Death repräsentiert wird). Zwischenzeitlich eingefügte Stauungen verstärken die Wirkung der eruptiven Klanggewalt, die ungebremst alles mitreißt.

Violent Onsen Geisha sorgt für einen unerwarteten Bruch mit einem Stück, das mit mädchenhaftem Gesang und Schrammelgitarren der Marke Girlie Pop beginnt und durch Nakahara Masayas ironisches Falsett begleitet wird. Die Erwartung einer baldigen Noise-Entladung wird immer wieder unterlaufen, bis schließlich doch kantiger Lärm einsetzt. Dieser ironisch-absurde Zugang ist typisch für Bernhard- und Houellebecq-Fan Nakahara, der als Jess Franco des Japanoise unter seinem heutigen Künstlernamen Hair Stylistics und als in Japan längst renommierter Schriftsteller immer wieder das Abgründige in der Welt quietschbunter Barbiepuppen sucht. Den Abschluss bildet Incapacitants mit “Automatic Loss Cut”, einem hysterischen, prasselnden Stück, das die Sammlung mit einem Höhepunkt an kathartischer Intensität beendet.

Die “Noise Forest”-Compilation bleibt auch nach über dreißig Jahren ein Meilenstein dieses Genres, das noch nie eines sein wollte. Auch wenn man weitere Größen wie Hijokaidan, Govt. Alpha oder Grim, der wie in einem Zufallstreffer die Brücke nach Europa schlug, wo sich lärmaffine Musik ein Terrain mit Ritual und Neofolk teilte, vermissen mag, vereint sie die vielgestaltige Radikalität, die diese Musik seinerzeit ausstrahlte, und angesichts derer man der Apotheose durch das Magazin Louder Than War durchaus anschließen mag: “An unruly powerhouse of Japanoise arbiters. [...] Noise is sacred”. In diesem Sinne ist Cold Spring hier eine würdige Neuauflage gelungen, und sollten jemals die Coin Locker Babies verfilmt werden, wünsche ich mir die komplette Sammlung als Soundtrack. (U.S.)

Label: Cold Spring

Maso Yamazaki scheint inzwischen nach zahlreichen Veröffentlichungen seinen signature sound gefunden zu haben: Das 15-minütige unbetitelte Stück von Controlled Death knüpft mit dieser Synthese aus analogen LoFi-Dissonanten und leiernden Orgelklängen klar an die letzten Aufnahmen an. Dazu hört man fortwährend eine Stimme, ganz so, als leide Pazuzu an Kehlkopfkrebs. Da wird was auch immer in die Welt gekrächzt und geächzt, man hört einen Aufschrei und ein kurzes Verstummen, irres Lachen.  Das ist eine Manifestation  von jemandem am Rande des Zusammenbruchs, so dass man sich danach nur noch erschöpft zurücklehnen kann.

Black Mountauin Transmitter hatten vor etlichen Jahren mit dem auf Aurora Borealis erschienenen Album „Black Goat Of The Woods“ begeistert, vergangenes Jahr waren sie wieder mit einem Tape auf Deathbed Tapes in Erscheinung getreten: Auf „Cemetery Miasma“  hörte man “leiernde, was oder wen auch immer beschwörende Stimmen, wehenden Wind, Oszillatoren dröhnen und surren, irgendwo lassen sich ein paar Melodiefragmente erahnen.“ Das ebenfalls knapp 15-minütige Stück bewegt sich in einem ähnlichen Rahmen: In der Ferne hallen Töne, die wie Sirenen klingen, die Aufnahme knistert, vielleicht lässt sich so etwas wie wehender Wind erahnen. Das ist ein unruhiger und unangenehmer Dark Ambient, die Erzeugung einer Klanglandschaft, durch die schemenhafte Entitäten streifen.

Vergleicht man beide Stücke, so klingt Controlled Death (wenig überraschend) manischer, Black Mountain Transmitter depressiver. Beides zusammen ist ein 30-minütiger Trip in absolute Schwärze.  (MG)

Label: Deathbed Tapes

In dem umfangreichen Werk des Japaners gab es immer wieder (kurze) Stücke, die den Eindruck erweckten, sie brächen mittendrin ab, ganz so, als würden sie aus dem Leben gerissen. Inmitten der Lo-Fi-Analogsynthkakophonie und dem kreatürlichen Gesang, dem Gurgeln und Röcheln, konnte man vereinzelt auch verrauschte Orgelklänge hören (wie etwa auf  “Dirge For The Departed”).

„Demonic Trip Through Hell“, passenderweise im “Death Control”-Studio aufgenommen, besteht allerdings aus zwei je 15-minütigen Tracks, die bis auf die Sekunde genau identisch lang sind und die den Eindruck erwecken, die Lautsprecher gäben den Geist auf. Der Analogsynth erinnert an das Brausen/Rauschen von Wind, man hört Geräusche, bei denen man sich fragt, ob einer der titelgebenden Dämonen gerade eine verlorene Seele in Stücke reißt. Im letzten Teil des ersten unbetitelten Tracks scheint dann eine in der Ferne verhallende Stimme dazuzukommen. Der zweite Track knüpft nahtlos daran an. Zwischendurch bekommt man den Eindruck, als heulten Sirenen inmitten der Verzerrungen. Beide Stücke wirken weniger fragmentarisch als einige andere Stücke von Controlled Death.

„Lasst, die ihr eintretet, alle Hoffnungen fahren.“, heißt es bei Dante bei seinem Gang durch die Unterwelt. So in etwa fühlt man sich nach diesen 30 Minuten. (MG)

Label: Phage Tapes

[...] The relentless assault on the senses is unrelenting, leaving the listener in a state of sonic disarray”. Dabei kann das Album auch als Wegmarke in der Entwicklung des Musikers in eine im weitesten Sinne “spacige” , “kosmische” Richtung verstanden werden: “Vestal Spacy Ritual can be considered the transition album to Yamazaki’s cosmic phase, where the first analog ‘space’ machines are tried out, combining elements of noise, distortion, and harsh vocals into an overwhelming ‘space’ sonic experience. All the tracks showcases Masonna’s ability to manipulate sound, creating an immersive and chaotic soundscape that is simultaneously captivating and unnerving. The cacophony builds to a crescendo, immersing the listener in a tumultuous cosmic sonic ritual”. Die LP erscheint mit dem ursprünglichen Artwork von Masahiko Ohno, das schon die CD zierte, und ist auch zum Download erhältlich.

“From around 1998, Yamazaki Maso started to incorporate trippy, spacey electronic elements into Masonna performances. In order to better pursue these elements alone, in 2000 he started Space Machine, his self-labeled ‘analog electronic cosmic sound project’. For as long as he had been performing under the Masonna moniker, Yamazaki had been ardent fan of early electronic music from the ’50s and ’60s, and in order to research the impact that electronic sounds had upon the spiritual lineage audible in sixties US and British psychedelic music and seventies krautrock, Yamazaki began collecting analog synthesizers and vintage electronic equipment. He continuously experimented with these instruments in his home studio, and while groping towards an understanding he discovered a new direction for his own music, a direction different from his work as Masonna. The violent extremity of Masonna live performances made no allowances for avoiding inevitable and direct physical damage to the body. In 2000 Yamazaki was forced to temporarily cease Masonna activities due to ill health, and this allowed him to concentrate more fully on Space Machine. Space Machine — the end result of Yamazaki’s daily inner trip explorations of music at his Space Machine Systems Studio — and Masonna are like two sides of the same coin. Space Machine’s concept exists at the opposite pole to Masonna’s screaming noise action and extreme one-man rock band style.

In Space Machine, all vocals, physical action and rock elements have been comprehensively excluded in favor of a non-rhythmic, pure electronic sound that cannot even be considered as part of the noise genre. The sounds are created using only analog echo machines and analog synthesizers (including the EMS VSC3, Roland System 100 & 100M, PAIA 4700 Modular, Doepfer Modular, etc.) There is no use whatsoever of the fuzz and distortion effects so characteristic of noise and rock’s musical palette and which were heavily featured in Masonna. While the sound does have points in common with what is generally known as electronica or onkyo, what sets it firmly apart is the music’s tenaciously psychedelic viewpoint. The absence of a beat signals its difference to the hedonistic physicality of trance dance music. And of course, there is no connection to old synthesizer music with its whiff of religion and its leanings towards new age naturalism. However, in the fervent and endless cosmic spaces of Space Machine, in the infinite floating weave of its future retro electronic tapestry, in its mixture of the organic and inorganic we can perceive an uncanny vibration.” (Satoru Higashiseto / Alan Cummings)

@ Urashima

Die insgesamt 13 Tracks sind “arranged in alternating sequence with one track from each artist until burning annihilation”.

“Annihilationism” erscheint als Download, CD und in vier verschiedenen Vinylversionen (u.a. als Picturedisc).

@Hospital Productions

Die dräuende analoge Düsternis und die oft unmenschlich klingenden Vocals sowie das Artwork konfrontieren den Hörer immer und immer wieder mit der Fratze des Todes. Seine teils fragmentarisch wirkenden Stücke sind in ihrer beeindruckenden Konsistenz und Konsequenz im wahrsten Wortsinne “Death Entries” und  letztlich  eine “Hymn to Eternal Death”.

„Dirge For The Departed“ geht dann allerdings überraschenderweise nach zahlreichen Veröffentlichungen einen anderen Weg, ändert die musikalische Ausrichtung, die sich im Titel schon andeutet: Diese „Klage“ setzt nicht mit dissonanten analogen Synths und gequälten Vocals ein, sondern mit verrauschten, teils leiernden Orgelklängen. Wenn man es nicht digtital hören würde, sondern als Tape würde man denken, es sei beschädigt. “30 minutes of harrowing tape drenched funeral organ“, nennt es das Label nicht ganz unzutreffend.

Während ein Genre wie Dungeon Synth, das seltsamerweise im Wire seine Fans hat, oft eher nach B-Movie/Jahrmarkstmusik klingt, die den frühen Mortiis wie John Williams klingen lassen, sind die zwei unbetitelten je 15 Minuten langen Stücke auf “Dirge For The Departed” eine tatsächlich (er-)greifende Musik, die für ein “uneasy listening” sorgt und vielleicht einfach nur deutlich macht, dass man aufrichtige Beerdigungsmusik nur als sich in Auflösung befindliche Klänge spielen kann. (MG)

Label: Deathbed Tapes

“Mademoiselle Anne Sanglante Ou Notre Nymphomanie Auréolé, the double-barreled name for Masonna , of course, is one of most prolific, adventurous, and respected noise artists, making dozens of releases on his own legendary and astonishing label Coquette, presenting them in very limited editions, sometime totally confidential (one sole copy), and reflecting his predilection for 60’s psychedelic music revisited in its own very peculiar way. He transforms his voice into noise, feeding the microphone back through a process of extreme distortion. His shouts become clipped bursts of overloaded sound, doubled and extended by a delay that displace the sounds into stuttered blasts of static. From noise lines, to minimal, warbling expanses, to the ambiences and schizoid thinking effects, it’s a journey into a versatile mind who we clearly never heard enough from.” (Urashima)