Bianchi bedarf nach unserem interview keiner weiteren Vorstellung. Der vielseitige Musiker und Lärmfabrikant Vincenti ist Mitglied der Ritualcombo La Porta Ermetica, seit langem Kopf der düsterschrägen Darkjazz-Formation Macelleria Mobile Di Mezzanotte und zudem mit dem Powernoise-Projekt Cronaca Nera aktiv. Bianchis Beitrag umfasst “Pharmaelectronics, therapeutic noises, negativizing waves, harmful pictures”, Vincenti steuert “Analogue Electronics, Field recording, tape manipulation” bei. In der ersten Wahrnehmung wirkt die Zusammenarbeit überraschend zurückhaltend, stellenweise fast harmonisch. Flöten- und orgelartige Synthesizer, angeraute Hochtöner, kontrollierte Dröhnungen, verzerrte und teilweise verschluckte Vocals, analoges Knistern, surreales Quietschen sowie gesampelte Vogelstimmen prägen das Material. Mit zunehmender Dauer zeigt sich jedoch in jedem der Stücke ein doppelter Boden, der eine eigentümliche, weniger leicht verdauliche Schrägheit offenbart. Das Album ist neben der limitierten Tape-Edition auch als Download erhältlich.

2012 von Final Muzik auf CDr wiederveröffentlicht. Es enthält die beiden halbstündigen Tracks “Industrialisme” und “Bacterial Menstruis”, in denen wechselvolle futuristische Synthieloop-Landschaften und prasselnde Salven den Sound dominieren. Die neue Edition erscheint mit neuem Artwork und Design in einer Auflage von 50 Exemplaren im Rahmen der Steinklang Tape Series.

“After the “concretistic” beginnings and the synthesis between integral concretism and artificial synthetism, in the autumn of 1980 I arrived at the synthetic court of the purest and most uncompromising electronics and thus the “COMPUTERS S.P. A.” project was born, consisting of two improvisations on the Korg MS synthesizer-20, free of ancestral prejudice and freely inspired by computerized music that in the second half of the 70s was gaining ground in the academic schools of experimentation. After more than 40 years, these “technical rehearsals” could seem a playful and carefree exercise, while instead they cover a dramatic denunciation of the sounds generated without the basic help of emotion and spontaneity, essential elements of the most genuine and constructive avantgarde music”. (M.B., September 2022)

Wenn in den letzten Jahren von Maurizio Bianchi die Rede war, dann geschah dies wieder vermehrt im Zusammenhang seiner früheren Aufnahmen, die dem gerade in seine “Post”-Phase übergehenden Industrial der Jahre um 1980 – zunächst unter dem Pseudonym Sacher-Pelz, bald unter seinen Initialen M.B. – eine vielleicht etwas weniger aggressive, dafür aber umso desolatere “Low Key Depression”-Variante zur Seite stellte, die später zu einem zentralen Einfluss für zahlreiche Acts von Atrax Morgue über The Haters bis hin zu Controlled Death werden sollte. In den 90ern wurde seine Musik merklich harmonischer, und der bisweilen kosmisch-ambiente Grundtenor einiger Aufnahmen und Bekenntnisse wie “I love life and I hate death” brachten ihm in vorschnellen Kommentaren bereits den New Age-Stempel ein. Über seine mittlerweile enorme Diskografie, seine mehrjährige Schaffenspause seit seiner Konversion zu den Zeugen Jehovas 1984, seine häufigen Bekenntnisse zu Freiheit und Unabhängigkeit des Denkens und Handelns und seine zahlreichen Kollaborationen in späteren Jahren ist viel geschrieben worden. Anlass zu unserem Interview, in dem Bianchi immer wieder bezug auf die Wirkungsintentionen seiner Musik nimmt, gab die Wiederveröffentlichung der beiden Klassiker “Armaghedon” (1984) und “The Plain Truth” (1983) über das spanische Label Verlag System.

English Version

Letztes Jahr wurden deine frühen Alben “The Plain Truth” und “Armaghedon” von Verlags System neu veröffentlicht. War es deine Idee, sie wieder herauszubringen, und was bedeuten diese Platten heute für dich?

Es war eine schöne Initiative von Verlag System, und sie kam zum richtigen Zeitpunkt. Die beiden Werke waren schon vor Jahren auf Vinyl neu aufgelegt worden, allerdings in einer Aufmachung, die der Bedeutung ihrer unterschwelligen Botschaften nicht gerecht wurde, während nun die prächtige Neuauflage deren Tiefe und stringente Kraft hervorhebt. In der Tat stellen diese beiden Werke auch heute noch den Höhepunkt meiner künstlerischen Laufbahn der ersten Periode dar, da sie eine relavente, zusammenfassende Botschaft enthalten.

In seinem Begleittext zur Wiederveröffentlichung von “The Plain Truth” erwähnt Gary Mundy eine sehr glückliche, lebensverändernde Erfahrung, die sich wahrscheinlich auf deine religiöse Konversion bezieht. Fühlst du dich immer noch mit diesen Erfahrungen verbunden, wenn du dir die Platte noch einmal anhörst?

Das stimmt, vor allem bei “The Plain Truth”, in das ich meine persönliche Entdeckung der existenziellen Wahrheit und der spirituellen Reinheit einbringen wollte.  Während “Armaghedon” eine realistischere Sichtweise auf die “wahre Apokalypse” hervorhebt, d.h. den Vorboten einer neuen Ära des Friedens und der Gelassenheit für die gesamte Menschheit, die von ihrem Todesurteil befreit ist.

Würdest du sagen, dass deine veränderte Einstellung zur Welt zu einer Veränderung deiner musikalischen Richtung und/oder deiner kompositorische Herangehensweise geführt hat?

Es ist nicht an mir, diesen Wandel zu definieren, denn er ist für das Ohr, aber vor allem für das Herz eines jeden aufmerksamen Hörers dieser Botschaft der wahren Hoffnung offensichtlich.

Auf einer Notiz auf der Rückseite des Covers hast du dieses Album “all den erlösten Menschen” gewidmet. Gab es Diskussionen über diese Musik mit Menschen, die deine religiösen Überzeugungen teilen, und wenn ja, was waren die interessantesten Kommentare dazu?

Tatsächlich gab es gar keine Diskussionen mit irgendjemandem, weil der tiefe Respekt, den meine Glaubensgenossen mir gegenüber haben, wirklich auf höchstem Niveau ist.

Gab es jemals eine Situation, in der jemand völlig missverstanden hat, was du mit einer Veröffentlichung zum Ausdruck bringen wolltest?

Es gab einige Leute, vor allem als ich nach meiner Rückkehr 1997 die Trilogie “Colori” / “First Day Last Day” / “Dates” veröffentlichte, die mich als Vertreter der “New Age”-Musik einstuften, obwohl die Klangbotschaft, die ich damit vermitteln wollte, über das Konzept der “New Age”-Strömung hinausging, da sie sich dem Wesen der menschlichen Seele auf der Suche nach einer endgültigen emotionalen Befreiung näherte.

Gibt es Pläne, in Zukunft weitere deiner frühen Veröffentlichungen wieder zugänglich zu machen?

Ich habe sorgfältig geplante Wiederveröffentlichungen von “Das Testament” und “Carcinosi” auf CD bei einem renommierten italienisch-schweizerischen Label.

Du bist unglaublich produktiv, und es gibt mittlerweile ein riesiges Werk. Welche Alben würdest du wählen, wenn du jemandem, der dich und deine Musik noch nicht kennt, einen geeigneten Einstieg geben möchtest?

Für die erste Periode eine “angepasste” Anthologie mit dem Titel “Technology 1980-1984″, die im Januar 2022 bei einem türkischen Label ausschließlich auf Kassette erscheinen wird. Für die zweite Periode, zusätzlich zu der oben erwähnten Trilogie, macht es keinen Unterschied, über welche Veröffentlichung man sich meinem experimentellen Universum nähere, wichtig ist, dass man es mit einer befreiten Haltung macht.

Inwieweit hat sich deine Herangehensweise an das Musikmachen und deine künstlerische Einstellung im Laufe der Jahre verändert? Was sind – neben den unterschiedlichen technischen Möglichkeiten natürlich – die größten Unterschiede zwischen deiner Arbeitsweise damals und heute?

Im Allgemeinen ist meine experimentelle Herangehensweise fast unverändert geblieben, da ich immer von dem modulierenden Wunsch und dem Willen beseelt bin, immer etwas Konkretes und Neues zu schaffen. Was die verwendeten Technologien angeht, so lege ich mehr Wert auf die Substanz, da die Technik nur ein Mittel ist, um das Ziel der Erbauung des Zuhörers zu erreichen.

Arbeitest du zur Zeit an neuer Musik?

Im Moment konzentriere ich mich auf die visuelle Kunst. Tatsächlich wird ein experimenteller Film von mir mit dem Titel MILFB (unbearbeiteter Soundtrack) später in diesem Jahr auf DVD erscheinen.

Vor einigen Jahren hast du den Begriff “Anarchophonic” für die Art von Musik, die du machst, geprägt. Würdest du diesen Begriff immer noch verwenden, und was worin würdest du das anarchischste Element deiner kreativen Herangehensweise sehen?

Ich würde diesen Begriff nicht mehr verwenden, weil meine musikalische Entwicklung immer nach vorne gerichtet ist, aber ich muss zugeben, dass ich mir immer noch einen unkonventionellen Geist bewahrt habe, der über jede akademische Bedeutung des Begriffs “Musik” hinausgeht. Das erlaubt mir, immer neue Wege zu gehen, um die Unendlichkeit zu erreichen.

Du hast mit einer Reihe von Künstlern zusammengearbeitet. Gehst du an jede Zusammenarbeit anders heran oder gibt es immer eine ähnliche Methode?

Es gibt fast immer eine konventionelle Methode, die jedes Projekt begleitet. Zuerst schicke ich dem Künstler mein pathologisches Material, das als “Basisleitfaden” dient, auf dem der Kollaborateur dann seinen kontaminierenden Eingriff neu gestaltet, um ein homogenes und kompaktes Amalgam zu erschaffen.

Eine ziemlich aktuelle Zusammenarbeit ist die mit Justin Wiggan. Darin heißt es, dass die Veröffentlichung stark von dem hebräischen Begriff sheminith beeinflusst ist. Könntest du ein paar Worte zu dieser Veröffentlichung sagen und wie die Idee für dieses Konzept entstanden ist?

Es ist besser ihn (Justin Wiggan) zu fragen, da die Idee von ihm stammt.

Irgendwelche “famous last words”?

Es kommt nicht auf meine Erklärung an, ich beziehe mich stattdessen auf das, was in einem alten Text geschrieben steht: “Ich habe alles gesehen, was unter der Sonne geschieht, und siehe, es ist alles eitel und ein Haschen nach Wind” (Prediger 1,14).  Dies ist also eine Warnung an alle, sich auf die wirklich wichtigen Dinge im Leben zu konzentrieren und nicht auf die von den Massenmedien auferlegte Sinnlosigkeit.

Interview: MG & US, Übersetzung: A. Kaudaht

When Maurizio Bianchi has been mentioned in recent years, it has increasingly been in the context of his earlier recordings, which juxtaposed the industrial music of the years around 1980, which was just entering its “post” phase – initially under the pseudonym Sacher-Pelz, soon under his initials M.B. – with a perhaps less aggressive, but all the more desolate “Low Key Depression” variant, which was later to become a central influence for numerous acts from Atrax Morgue to The Haters to Controlled Death. In the 90s, his music became noticeably more harmonic, and the sometimes cosmic-ambient tenor of some recordings and confessions such as “I love life and I hate death” already earned him the New Age stamp in hasty comments. Much has been written about his enormous discography, his creative break of several years since his conversion to Jehovah’s Witnesses in 1984, his frequent avowals of freedom and independence of thought and action and his numerous collaborations in later years. The occasion for our interview, in which Bianchi repeatedly refers to the intentions of his music, was the re-release of the two milestone albums “Armaghedon” (1984) and “The Plain Truth” (1983) via Spanish label Verlag System.

Last year, your early albums “The Plain Truth” and “Armaghedon” were newly released by Verlag-System. Was it your idea to put them out again, and what do these records mean to you today?

It was a nice initiative of the Verlag System label, which came at the right time because these two works had already been reissued on vinyl years ago, but in a guise that is not in keeping with the importance of the subliminale message contained in them, while now the splendid reissue of Verlag exalted its sander depth and stringent vigor.  In fact, even today these two works represent the culminating phase of my artistic career of the first period as they contain a message of summary relevance.

In his accompanying text to the re-release of “The Plain Truth”, Gary Mundy mentions that you went through a very happy life-changing experience, which most probably refers to your religious conversion. Do you still feel connected to these feelings when you listen to the record again?

It is true, especially with THE PLAIN TRUTH, in which I wanted to insert my personal discovery of existential truth and spiritual purity.  While ARMAGHEDON highlighted a more realistic view of what the “true apocalypse” means, that is, the herald of a new era of peace and serenity for all humanity freed from its death sentence.

Would you say that your change in your attitude to the world led to a change in musical direction and/or the way in which you approached the composition of your music?​

It is not up to me to define this change as it is evident to the ear, but above all to the heart of every attentive user of this message of true hope.

On a note of the back cover, you dedicated this album “to all the redeemed people”. Were there any discussions about this music with people who share your religious beliefs, and if so, what were the most notable comments you received?

In fact, there have been no discussions with anyone because the deep respect that my co-religionists have for me is truly at the highest level.

Has there ever been a situation in which somebody totally misunderstood what you were trying to express with a release?​

There have been a few people, especially when, after my return in 1997, I published the trilogy of COLORI / FIRST DAY LAST DAY / DATES, as they classified me as an advocate of “new age” music, while the sound message that I wanted to transpose it transcended the concept coming from the “new age” current, because it approached the essence of the human soul, in the search of a definitive emotional liberation.

Do you plan to make more of your early releases available again in the future?

I have carefully planned reissues of DAS TESTAMENT and CARCINOSI on CD, by a prestigious Italian-Swiss label.

You have been incredibly prolific and there is a huge body of work. If you were to give somebody new to you and your music suitable entry points, which album(s) would you choose?

For the first period, an “adapted” anthology, entitled TECHNOLOGY 1980-1984, which will be strictly released on cassette in January 2022 for a Turkish label.  While for the second period, in addition to the trilogy I mentioned above, it makes no difference with which release to make the first approach to my experimental universe, the important thing is to do it with a liberating attitude.

How much has your approach to creating music and your artistic attitude changed over the years? What are – besides different technical options, of cause – the biggest differences between your way of working then and now?

In general, my experimental approach has remained almost unchanged, as I am always animated by the modulatory desire and the will to always create something concrete and fresh. As for the techniques used, I give more importance to the substance as the technique is only a means to achieve the goal of edifying the listener.

Are you producing new music at the moment?

At the moment I am concentrating on visual art, in fact an experimental film of mine, with unedited soundtrack, entitled MILFB, will be released on DVD later this year.

Some years back, you coined the term anarchophonic for the sort of music you create. Would you still use the term, and what would you say is the most anarchic element of your creativity?

I would no longer use this term because my musical evolution is always projected forward, but I must admit that I still retain an unconventional spirit, which transcends any academic meaning of the term ‘music’, and this allows me to always try new ways to reach infinity.

You have worked with a number of artists. Do you approach each collaboration differently or is there always a similar method?​

There is almost always a conventional method that accompanies every project.  First I send the artist my pathologic material which acts as a ‘basic guide’, on which the collaborator then redesigns his contaminator intervention in order to obtain a homogeneous and compact amalgam.

A rather current collaboration is the one with Justin Wiggan. It says that the release is strongly influcneced by the Hebrew term sheminith. Could you say a few words about that release and how the idea for that concept emerged?​

IT’S BETTER TO ASK TO HIM (JUSTIN WIGGAN) BECAUSE THE IDEA CAME FROM HIM.

Any famous last words?​

What matters is not my declaration, but I refer to what an ancient essay wrote: “I have seen all the things that are done under the sun, and behold, all is vanity and a running after the wind” (Ecclesiastes 1:14).  So this is a warning to everyone to focus on the really important things in life and not on the futility imposed by the mass media.

Interview: MG & US, Translation: A. Kaudaht

“When I started my record label Broken Flag in 1982, one of the people I really wanted to work with was Maurizio Bianchi. His album Symphony for a Genocide was such a haunting, evocative record that I needed to get in contact with the man who made it. We made contact and remained regularly writing letters to each other, mine in my unintelligible scrawl, his in his red ink on photocopy paper. He was massively prolific and I soon became a distributor for his fantastic early albums like Regel, Mectpyo Bacterium, Mörder Unter Uns/Neuro Habitat, Menses, Endometrio, Carcinosi, Das Testament and Armaghedon, albums I still love to this day. He kindly contributed tracks to Broken Flag compilations as well. Releasing an album by him was always going to be high on my list of priorities and when he agreed I was overjoyed. He said he wanted a colour cover and I was running the label on a shoestring budget but I wanted him to be happy so I agreed. He sent me two polaroid photographs which we had blown up to cover size and are the pictures on the front and back cover that you see today.

He wanted to release records as Maurizio Bianchi in the future rather than just as M.B and asked for the name on the cover to read “M.B. = Maurizio Bianchi”. Although the record has the catalogue number BFV3, it was actually the second vinyl record I put out because once I heard it, I didn’t want to wait for the first Ramleh album (BFV2) to be ready. I had been slightly apprehensive about what the record would sound like because just before he sent it, he told me that he had become a Jehovah’s Witness and seemed to be going through a very happy life-changing experience. He was in a relationship with the “T.D.” of the second side track “T.D. 56”, so I thought maybe the music would be too light sounding or upbeat and when I heard it, it certainly wasn’t what I was expecting but it was stunningly beautiful but still with some of the sadder, ominous melodies I loved so much. My fears were unfounded. It was a classic. Still one of my favourites to this day. I’m very proud of it. I get a co-production and co-direction credit on the sleeve but in reality all I did was provide the money and arrange for the record to go into production.

I had no influence on the music itself or the cover pictures. Maurizio has made so many records that it’s easy to get lost knowing where to start but I think this album is a good entry point and is one of his very best along with Mörder Unter Uns, Regel, Menses or Symphony for a Genocide, although you can’t go too far wrong with any of his wonderful music. As I sit here listening to it again it takes me back to 38 years ago when I first heard it and knew that I was going to be lucky enough to release a classic for the ages. Just 500 vinyl records exist from that original Broken Flag release. They are out there somewhere except for the one I have right here which will be with me until I die. It’s great that it’s coming out on vinyl again and I hope if you’re hearing it for the first time you adore it like I do.” (Gary Mundy)

@ Verlag System

Bianchis Discography ist umfangreich und teilweise unüberschaubar, sein (zeitweiliges) Zurückziehen aus der Musik resultierte auch aus seiner spirituellen Entwicklung. In den Linernotes heißt es in einem Statement von Bianchi aus dem Jahre 1984: „I stopped doing music, and now my life is going towards its own awareness.“ Das klingt alles sehr nach Transformtion, nach Sebst- und Neufindung und tatsächlich wurde Bianchi Anhänger einer der vielen im Jahrmarkt der leidlich sytematisierten Formen von Aberglauben angebotenen Metaphysiken und landete bei den Zeugen Jehovahs.

Das Album „Armaghedon“ entstand 1984. Bianchi selbst sagt, dass er Anfang der 80er erstmalig dem Begriff Armaghedon begegnete, zu einer Zeit, als er selbst „haunted by the specter of an imminent apocalypse“ war, später lernte er dann etwas über die Genese des Begriffs und sah den Terminus dann als „message of hope for the future“. Das passt natürlich zu seiner religiösen Weltanschauung und der Eschatologie der Zeugen Jehovahs, deren Fokus(sierung) auf die Endzeit und die (Er-)Rettung der 144 000.

Die zwei über 20-minütigen Tracks, konzipiert als Soundtrack für Bianchis Film gleichen Namens, erinnern etwas an die oben angespropchen „low key“ Stücke, allerdings sind sie  (etwas) weniger depressiv und ihnen fehlt das Dissonante, was nicht heißen soll, dass „Armaghedon“ ein unbeschwertes Album ist. Auch diese weitgehend rhythmuslosen, aber leicht pulsierenden analogen Stücke arbeiten mit Echo und Hall, mit unterschwelligen melodischen Passagen, das ist ein ozeanographisches An- und  Abschwellen und Dröhnen. Auf der zweiten Seite des Albums tauchen Stimmen auf, die murmeln, schreien, fragmentiert sind. Den Stücken haftet durchgängig etwas Mysteriöses, etwas leicht Unheimliches, Anders- und Außerweltliches an und letztlich könnten beide Teile auch hervorragend als alternativer Soundtrack zu „Solaris“ funktionieren. (MG)

Label: Verlag System

Für die LP „Isometrie Sonore“, die dem Titel nach der Auslotung räumlicher und körperlicher Sounderfahrung gewidmet ist, hat der Mailänder sich mit drei Klangbastlern aus Rom zusammengetan, die zugleich für die große Produktivität der jüngeren Generation italienischer Experimentalmusiker stehen. Auf der ersten Seite gibt es drei Duette mit MB als Konstante, die zweite enthält ein ausgedehntes Jam, an dem alle Beteiligten mitwirken. Als Bonus liegt den ersten dreißig Exemplaren ein Tape bei, das von allen Teilnehmern ein Solostück enthält. Den Auftakt bildet ein entspanntes Ambient-Duett mit der Musikerin und Künstlerin Arianna Degni alias xXeeNa. Mit Wellenrauschen und dem manipulierten Klang eines Tasteninstruments ist das leicht mediterran angehauchte Stück einer Ästhetik des Schönen verpflichtet, ein geheimnisvoller Flötenklang verleiht ihm ein exotisches Flair. Nur kleine Geräuschdetails, die entfernt an Küsse erinnern, sorgen für Minimalverfremdung.

Das Zusammenspiel mit Flavio Rivabella (DBPIT) liefert dazu einen markanten Kontrast. Eine virtuelle Splitlawine, die im steten Takt immer lauter gegen eine Wand kracht, lässt Vivenza- und De Fabriek-Zeiten aufleben, bevor das übersichtliche Klangbild vom breiigen Soundchaos verschlungen wird. Gleitenden, fast feierlich gestimmten Ambient bietet das Duett mit Massimo Croce, das mit der Zeit etwas grobkörniger wird und die Illusion verzerrter Stimmen anklingen lässt. An dieses Stück knüpft auch das rund fünfzehnminütige Quartett an, das die zweite Seite füllt, ein infernalischer Höhenflug voll mit babylonischem Stimmengewirr und anderen Überraschungen.

Fast ist es etwas schade, dass die auf Tape gebannte Compilation en miniature nur dreißig Abnehmer finden wird, denn auch die Solostücke wissen zu gefallen. MBs „Biiettiva“ basiert auf einem wie aus der Ferne wahrgenommenen Fabrikhallensound, stetes Donnern, Schleifen und Rauschen verdecken nur notdürftig den geheimnisvollen Klang undefinierbarer Instrumente. Rivabellas „People“ gebärdet sich – inklusive der obligatorischen Trompete – ebenso subtil. Trotz Titel und Vocals handelt es sich um keine Coverversion, auch soll hier kein amerikanischer Kapitalismus vor den Nutzlosen gerettet werden. XxeNa überzeugt mit forschen Spoken Words über einem frickeligen Klanggerüst, Croce huldigt zuguterletzt einem großen literarischen Helden, dem Anti-Sisyphos Oblomov, durch feingemusterten, gleichtenden Ambient, dessen gläserne Flächen dem Thema entsprechend auch mal etwas verspielt und „regressiv“ daher kommen dürfen.

„Isometrie Sonore“ ist sicher nicht das einzige, aber ein durchaus gutes Beispiel dafür, dass Musik in der Industrial-Tradition sich weiterentwickeln kann, ohne die Ursprünge komplett hinter sich lassen. Geht die Entwicklung in Richtig Ambient, ist weit mehr möglich als pure Entspannungsmusik oder pseudocineastischer Düsterkitsch. Ob bei Tesco und Final Muzik noch Exemplare des Tapes zu finden sind, kann ich nicht garantieren, aber zumindest gingen die letzten Gerüchte in diese Richtung. (U.S.)

Label: Dischi Gatto Alieno/Arte Nel Rumore/Ozky E-Sound