Musikalisch bewegt sich “evidence” zwischen New Wave, Glam Rock, Soul, Doo-Wop und Punk und lässt, wie es beim Label heißt, Einflüsse von Pere Ubu, den New York Dolls oder The Temptations ebenso durchscheinen wie eine eigenwillige, zeitgenössische Handschrift. Eingängige Melodien treffen auf schonungslos persönliche Texte, schwarzer Humor auf existenzielle Verzweiflung. Immer wieder stehen lebensbejahend wirkende Arrangements im Kontrast zu Themen wie Einsamkeit, Sucht, Verlust und dem täglichen Kampf ums Überleben. Das Album erscheint in den gängigen Formaten.

Entstanden unmittelbar nach dem Ende von Strawberry Switchblade, versammelt “Cut With the Cake Knife Songs”, die teilweise für das nie realisierte zweite Album der Band vorgesehen waren. Der zwischen New Wave, Synthpop und einem melancholischen Dreampop, der auch eine Coverversion von “Don’t Fear The Reaper” zuließ, oszillierende Stil und Sound knüpft auch noch stark an den Stil des Duos an und ist, von McDowalls charakteristischer Stimme abgesehen, noch weit entfernt von dem wehmütigen Dark Folk von Sorrow, den Gastbeiträgen auf zahlreichen Underground-Releases der sogenannten World Serpent Family oder dem Retrostil von Spell, die ihre Aufnahmen der 90er prägen sollten. Diese späteren Aktivitäten sollten der Sängerin nicht nur einen zweiten Frühling verschaffen, sondern auch ein festes Standing in der Geschichte populärer bzw. alternativer Musik, das auch das vorliegenden Album rückwirkend über jedes Fußnotendasein hinaushebt.

“URGH” versammelt zehn Stücke, die, wie es vom Label sinngemäß heißt, Unnachgiebigkeit mit formaler Offenheit verbinden. Caulfield setzt ihre Stimme als verzerrtes Instrument ein zwischen spielerischer Geste und schneidender Direktheit. Inhaltlich verhandelt das Album persönliche Erfahrungen von Gewalt, struktureller Gleichgültigkeit und allgegenwärtigem Schmerz auf persönlicher als auch auf gesellschaftlicher und politischer Ebene. Mehr zu den Inhalten und Hintergründen erfährt man in den ausführlichen Liner Notes auf Bandcamp.

Vegas Gesang war schon immer geschult an seiner Liebe zu Rock ‘n’ Roll und Rockabilly und auch sein Crooning ließ an die 50er denken (manchmal neigt man dazu zu vergessen, dass selbst der Erstling Suicides nicht nur aus Songs wie „Ghostrider“ oder „Frankie Teardrop“ bestand), was vor Jahren zu der Beschreibung Vegas als „Elvis from hell“ oder „Elvis-on-quaaludes“ führte.

Die oben genannten Einflüsse spiegelten sich dann auch konsequent in der Instrumentierung und musikalischen Ausrichtung auf seinen ersten Soloalben wider. Das zusammen mit Phil Hawk eingespielte selbstbetitelte Debüt beginnt mit „Jukebox Baby“, das ihm einen Top 10-Hit in Frankreich bescherte und das Suicide auf ihrem unterschätzten dritten Album „A Way Of Life“ 1988 neu interpretieren sollten. Das Album enthält schnelle Stücke wie etwa „Kung Foo Cowboy“ (mit Twang der Gitarre) oder „Fireball“ mit Handclaps, triebendem Bass und Vegas Schreien: „Thunderstorm blues burnin true light/Burnt out maniacs holding dynamite/Angry people wanting to fight/Angry people who say they’re right“. Es gibt eine schnelle Countrynummer („Speedway“) oder das treibende „Bye Bye Bayou“: „They’re sending me to my home/In a one-way-ticket body sack/Just like Jimmy always said/An unknown hero “. Auf dem getragenen, minimalistischen „Love Cry“ erinnert Vegas Stimme an das, was Jahr(zehnt)e später David Lynch auf „Crazy Clown Time“ gemacht hat. Textzeilen wie „Werewolf drives a brand new Chevy“ (von „Ice Drummer“) hätten natürlich auch die Cramps schreiben können. Beendet wird das Album von der Ballade „Lonely“. Eine Version des Albums, die zusätzlich Demoaufnahmen der Songs enthält, ist ebenfalls erhältlich.

 Der schon ein Jahr später erschienene Nachfolger „Collision Drive“ wurde mit ganzer Band eingespielt. Schnelle Stücke wie „Magdalena 82“, “Raver”, ” Magdalena 83“, das Cover von „Be Bop A Lula“ von Gene Vincent oder „Outlaw“ („We can see the red, white, and blue rising/Ooh, the wretched of the earth coming and a-marchin’/Tearing down the jail, letting out the poor“) mit wilder E-Gitarre machen Vegas Einflüsse erneut mehr als deutlich. Es gibt eine Neuinterpretation von Suicides „Ghost Rider“ (mit leicht verändertem Text) oder das durchaus als Selbstbeschreibung zu lesende „Rebel“, „I Believe“ zeigt aber, dass das Tempo auch zuückgenommen werden kann. Dann kommt schließlich als Abschluss der absolute Höhepunkt des Albums: das 12-minütige „Viet Vet“, das mit schleppendem Schlagzeug und dem wuchtigen Bass an Joy Divisions „I Remember Nothing“ denken lässt. Hier wird nach dem (nur ironisch lesbaren) Ausruf „glory, glory hallelujah“ ein Tableau des Schreckens entfaltet: Der titelgebende Veteran („He’s home/He’s a twisted flyer/He’s a slimy bleeding rat/He loves his country/It’s the greatest, it’s the greatest“) ist versehrt ( „You got a bleedin’ stump/For an arm/Four Purple Hearts“), seine Frau stirbt und seine Konfrontation mit der Staatsmacht führt zur Katastrophe: „He’s a-runnin’, oh, runnin’/The cops are comin’, a-comin’/Yeah, they got him down an alleyway/He’s a-wasted, he’s a-worn, he’s destroyed/Don’t shoot“. Vega schreit, stammelt, schnaubt, um am Ende zu brüllen: „They owe me a debt“.

Es ist ganz sicher kein Zufall, dass Lydia Lunch und Marc Hurtado (mit dem Vega 2010 das Album „Sniper“ einspielte) für ihre aktuelle Tour, auf der sie die Musik von Vega und Suicide „reinkarnieren“, von Vegas reinen Soloalben gerade dieses Stück ausgewählt haben. Sein gesamtes Schaffen, neben den Texten und der Musik auch seine Bilder und Skulpturen, zeigt immer wieder die ganze Ambivalenz der Nation, die Jahrzehnte seine Heimat war.  (MG)

Label: Sacred Bones Records

Im Vergleich zum Vorgänger wirkt das Songwriting konzentrierter und variabler, mit klarer thematischer Linie und stärkerer Bewegung innerhalb der Stücke. Die Songs reichen von reduzierten, akustisch geprägten Momenten bis zu verzerrteren, unruhigen Passagen, ohne den inneren Zusammenhang zu verlieren. Trotz der Auseinandersetzung mit Verlust, Zerstörung und Verstrickung, so heißt es weiter, bleibt Raum für Nähe, Verbindung und vorsichtige Hoffnung. “Marathon” erscheint Ende Februar in den gängigen Formaten als LP, CD und zum Download.

Die Kompositionen auf “Codes” entstanden aus der intensiven Zusammenarbeit mit Mona Mur, mit elektronischem Grundgerüst und dem charakteristischen Gitarrenstil von Manuela Rickers. Thematisch bewegt sich das Album, wie es u.a. im Programmtext heißt, zwischen inneren Extremen: Einsamkeit, Gewalt, Verlust, aber auch Hoffnung und ein starker Überlebenswille. Inspiration dafür lieferten u. a. historische Tagebuchaufzeichnungen eines belarussischen Partisanen. Der musikalische Ausdruck ist entsprechend vielschichtig. Nach dem international beachteten Live-Debüt beim Grauzone Festival in Den Haag folgt nun ein exklusives Doppelkonzert in der Volksbühne. Neben Material von “Codes” wird Anja Huwe dort auch ausgewählte Xmal Deutschland-Klassiker in neuer Form präsentieren, begleitet von einer eigens formierten Band und Huwes präzise gesetzten Visuals. Vor und nach dem Konzert legt Henryk Gericke im Foyer auf.

Sonntag, 28.09.2025
Dienstag, 30.09.2025
Beginn jeweils 19 Uhr
Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz
Linienstr. 1
10178 Berlin

Foto: Katja Ruge

@ Facebook | Volksbühne

“From the first note, Nadler’s lush voice and intricate fingerpicking are front and center. She layers Everly Brothers–style harmonies over dreamlike, lonesome soundscapes—fuzzed‑out distortion, Hammond organ, and ominous synthesizers—that elevate her warm vulnerability with texture and atmosphere. Each track unfolds like a vignette of a life lived, delivering emotional weight that resonates with quiet intensity. Lyrically, she shape-shifts through time and space—inhabiting characters in an airborne Cessna, a spaceship, a getaway car, and alternate dimensions. Her storytelling is cinematic in scope and deeply personal in impact and the contrast between sweet, catchy melodies and dark, visceral lyrics runs deep. Whether singing from the first-person narrative or channeling these other people, the album taps into the universality of love and loss with gravitas and empathy. Produced by Nadler herself and mixed by Randall Dunn (Earth, Sunn O)))), New Radiations features subtle arrangements from longtime collaborator Milky Burgess—woozy slide guitar, hypnagogic synthesizers, and gritty riffs. Genre‑bending yet quintessentially her own, this album freezes the world’s noise in a moment of beauty and solemnity. New Radiations is not just another album—it’s a career highlight, a testament to Marissa Nadler’s singular vision and artistry”. (Sacred Bones)

Textlich nimmt das Album, wie auch im Begleittext betont, eine entschlossene Haltung ein, bei der auch gesellschaftliche und politische Themen wie Fake News und der Aufstieg rechter Ideologien zur Sprache kommen. Persönliche Kämpfe und Selbstzweifel finden ebenfalls ihren Ausdruck. Anika selbst beschreibt die Songs als einen Raum, in dem sich Menschen frei fühlen und, wie sie es ausdrückt, “wieder in den eigenen Körper zurückzufinden” können. Musikalisch verweist “Abyss” u.a. auf den Geist der 90er: Sound und Rhythmik erinnern an Alternative Rock dieser Zeit, aber auch Acts wie Patti Smith oder Genesis P-Orridge werden als Inspiration genannt. Das Album erscheint in den gängigen Formaten inklusive verschiedenfarbiger Vinyl-Editionen bei Sacred Bones Records. Begleitend wird es im Verlauf des Jahres mehrere Touren geben, bei denen zum Teil Größen wie Kuunatic und Nochteff (ex-Mueran Humanos) den Auftakt übernehmen, die Daten finden sich auf ihrer Bandcampseite.

What peace can we make with privilege when the true cost of our comfort is not measured in dollars but in death? How can we reconcile with death when we impose the same hierarchical structures on it that we do in life? Is life worth living in the isolation of this self-imposed species loneliness?
Humans often measure worth by accumulation-money, assets, objects-mistaking this for power and influence. Western heritage dictates a hierarchy, placing humans at the top, separate from the natural world. This delusion turns bodies into objects, land into property, and people into expendable tools.
If our value were instead determined by our contribution to the ecosystem, who could claim that a human is more valuable than a maggot? Maggots recycle death into life, breaking down matter and nourishing new growth. They transform into flies, pollinating plants and sustaining the Earth’s flora. In contrast, humans pollute rather than pollinate, with a select few profiting from exploitation at the expense of biodiversity and the well-being of many.
In grappling with grief and loss on both personal and global scales, Margaret sought solace in the idea of rebirth through death, celebrating the beauty of regeneration through decay. However, she had to confront the stark reality of the disconnection from the earth under oppressive systems. Pharmakon is here imagining a path where the final act is to give back what was received from creation, offering our lives and deaths to sustain existence.

once I slough
off this human skin
I will find my home
and ancestral kin…
in the coffin-birth
of my cadaver’s ecosystem “

Das Album erscheint als CD, Kassette, in verschiedenen Vinylversionen und als Download.

@ Sacred Bones

“Belarusian post-punk / synth pop group Molchat Doma have always exuded the kind of brutalist aesthetic of the architecture that adorns their album art. It’s cold, gray, imposing, industrial—and yet there are human hearts beating within those foundations. In the wake of their breakthrough success in 2020, the trio endured a polarity of experiences, from the nadir of an uprooted life and forced relocation away from their native Minsk to the apex of head-lining massive shows across the world. It was in this headspace that the band settled into their new home of Los Angeles to finish writing their fourth album Belaya Polosa, a testament to change in difficult times, a love letter to the digital pulse of the ‘90s, and a technicolor reinvention of the band’s somber dance floor anthems (Sacred Bones).