“Few bands are as focused on potential challenges, on what is yet to come, as The Ex. Which is pretty remarkable for a band celebrating 45 years of existence, a turbulent journey filled with an impressive series of highlights. However, nostalgia has never been this band’s forte, as they like no other succeed in reinventing themselves, finding new alliances and fascinating challenges along the way. Stay out of that comfort zone for long enough and it just might disappear. The pandemic was a standstill for many, including The Ex. Or perhaps it was more a kind of recharging, as the band is back on national and international stages with new music, ready to return to the studio. So, in 45 years they did more than 2000 concerts in 45 countries. It was time for a new 45rpm 7” single. From the brand-new set they are playing full-on this year, they picked two blinking tracks”. (The Ex Records)

@ Home | Bandcamp

Tourdaten:

19.09. – Eindhoven, Effenaar
20.09. – Utrecht, dBs
21.09. – Landgraaf, Oefenbunker
25.09. – Amsterdam, Paradiso
26.09. – Groningen, VERA
27.09. – Tilburg, Murf/Murw festival
23.11. – Amsterdam, Bimhuis/EX-45 Festival
24.11. – Nona, Mechelen/EX-45 Festival

“How could we resist the spasmodic schizoid psychedelic menace of that devilish Dutch juggernaut called Zea. This bastardised twelve inch slab of wax has Zea sonically re-assessed, dissected and twisted in side out. And it had to happen, it had to be made. ‘Standing up I forgot what came to mind when I was lying on the kitchen floor. Standing up I forgot what came to mind, something I tried to remember before.” It’s the punky pop intro of the song ‘Staande ben ik vergeten wat ik dacht toen ik lag’, the Dutch translation of the first sentence of the song that provided the title for this collection of remixes. Zea, a.k.a. Arnold de Boer, a musician who skips sitting down, who either jumps or lies on the floor fumbling with a dictaphone trying to remember the ideas that just came to mind jumping around from the couch straight into the kitchen, trying to write the next song while cooking spicy food that makes his head explode. It’s all inthere, everyone is in there; shrinking people, growing people, dead people. And all “Sub specie ludens” (from the perspective of human play).

Andy Moor and Arnold de Boer are in a band together called The Ex, and hey share a love of dub, grime, dubstep, drum & bass, breakcore and much more. And so does good friend and Dusseldorfs labelowner Michael Heiber from Krachladen Dub, who, on a dreary winter evening in a pandemic lockdown came up with the idea for this project. Zea, with his obstinate breakpop sampler-guitar-voice combination, shared the stage with many off-kilter electronic music artist from 1-Speed Bike to Felix Kubin to Jason Forrest (who all remixed Zea back in 2004) to recently Japanese OLOLOLOP and Arakawa Atsushi. And with his friends Desmond Denker (Cologne), Knarf Rellöm, (Hamburg) and Istari Lasterfahrer (Hamburg). So the logic behind this album isn’t far from a friendship being celebrated and the music is very close to a fundamental experience of wonder and joy. Lay this record down and see what comes to mind. Did we say it’s essential? It’s essential”. (Krachladen Dub/Makkum Records)

Foto Rosa van Ederen

King Ayisoba ist einer der Protagonisten des zeitgenössischen Kologo-Stils, einer semi-traditionellen Musikrichtung, die sich vor einigen Jahren im Norden des westafrikanischen Landes herausgebildet hat. Im Zentrum steht das gleichnamige regional populäre Saiteninstrument, das europäische Ohren entfernt an ein Banjo erinnern kann und in den heutigen Spielweisen oft mit vitaler Elektronik und energischen Gesängen in Frafra, Twi und Englisch kombiniert wird. Neben Stars wie Ayuune Sule, Atamina und Prince Buju gehört King Ayisoba zu den international bekanntesten Exponenten dieser Musik.

Der Opener “Good Things God Knows” ist wie ein alarmierender Weckruf: Zackige Rhythmen, traditionelle Flöten, sanfte weibliche backing vocals und Ayisobas typisch kraftvolle Shouts rufen zum Kampf gegen die korrupten African leaders, denen der Meister bereits ein ganzes Album gewidmet hat, und deklamieren das Grundsätzliche, das so gerne vergessen wird: “We need peace and love”. Einige Rapper und Dancehall-Künstler kommen schon in diesem ersten Minuten zu Wort, doch das letzte Wort haben Kinder.

Ayisoba weiß seine Stilmixtur immer wieder gut zu variieren, es gibt vom Schwerpunkt her elektronische, aber auch stärker akustisch instrumentierte Stücke, manche sind aggressiver und kämpferischer, andere wiederum sind etwas laidback und von der Stimmung gesetzt. In letzteren ist oft die Kologo deutlicher zu hören wie z.B in “Bossi labomé”, das auch durch seinen angenehmen Rhythmus und der Melodie des englisch gesungenen Refrains den vielleicht größten Pop-Appeal das Albums hat. Wesentlich aggressiver die Standpauke in “People talk too much”: Hier wird der Lärm des alltäglichen Geschwätzes quasi onomatopoetisch eingebaut und durch die Art des Gesangsvortrags und des Instrumentenspiels imitiert. Gegen Ende kommen immer neue multilinguale Facetten hinzu und der Song endet kurz vor dem thematisch angemessenen Burnout.

Jeder der Songs hat seine ganz eigenen Überraschungen in petto – diese können musikalischer Natur sein wie in “Nambe Sonne”, wo ein hypnotischer Takt wie in einer Collage auf das Fundament eines anrührenden geloopten Flötenspiel geklebt ist und mit diesem gemeinsam den Hintergrund für einen Text des Kollegen Atamina bildet. Das gilt aber auch für die weniger offensichtlich experimentellen Stücke wie das eingängige “Kokoko enter”, wo mit Kologo und heiteren Bläsern (oder sind es Synthies?) eines der besten Stücke zum Einstieg in den Kologo-Kosmos geschaffen wurde.

Wieder andere Stücke überzeugen besonderes über ihre Texte, so “Tribe”, das ein Plädoyer für die Bewahrung lokaler Sprachen und die entsprechende Bildung für Kinder darstellt, oder das Plädoyer für Widerstandsgeist in schweren Zeiten in “Abome”, das auf den Fundus lokaler Parabeln zurückgreift. Im abschließenden “Buri Malima” zeigen King Ayisoba und seine Crew noch einmal was sie können und schaffen im Zusammenspiel mit lokalen Folkmusikern an Blasinstrumenten und Drums den mitreisenden theatralischen Abschluss eines an Granteleien und offenen Plädoyers reichen Albums, das in Sound und Text ebenso streitbar wie hoffnungsfroh ist. (U.S.)

Label: Glitterbeat Records

“There are songs from Zea’s Frisian albums (West Frisian is De Boers first language), a cover version of Norma Tanega’s You’re Dead, some new songs (The queen’s feet, What should we do with our bodies), the Ethiopian song Sethed Seketelat with lyrics from ex-The Ex singer G W Sok and there’s a new version of It’s Quiet. That song appears on the 7” too and it’s the first song that De Boer and Charles more or less wrote together. While on tour with Getatchew Mekuria they stayed at a cottage on the French country side (a sleeping place after a festival). Drinking a glass of wine and looking at the stars, Charles muttered “You know, it can be very quiet on the French countryside, but there will always be a dog barking nearby and a motorcycle in the distance.” And he was right, a minute later they heard a dog barking followed by a speeding motorbike in the distance. Zea went inside, grabbed a pen and a piece of paper and wrote it down. They started naming more things from daily life that disturb silence and that’s how the song came together.” (Makkum / Protagoniste)

Sein vor kurzem erschienenes Album “Witst noch dat d’r neat wie” – dt. “Weißt du noch, dass es nichts gibt” – knüpft an sein vor vier Jahren erschienenes Album “Moarn gean ik dea” an. Beide stechen aus seinem bisherigen Werk durch die Verwendung einer Sprache heraus, die außerhalb ihrer Region wenigen bekannt ist, nämlich des Westfriesischen. Es handelt sich bei dieser keineswegs um einen Dialekt, sondern um die zweite Amtssprache der niederländischen Provinz Fiesland, in der de Boer seine Kindheit und Jugend verbrachte. Der weitgereiste De Boer kam vermutlich nicht aus reiner Nostalgie oder Heimatverbundenheit auf die Idee, in seiner eigentlichen Muttersprache zu singen, sondern aus einem stark ausgeprägten Interesse an Sprachen generell. Auf “Witst noch dat d’r neat wie” vertont er eigene Lyrics und Texte regionaler Autorinnen und Autoren wie Bert Schierbeek, Hans Faverey, Anne Wadman und Benjamin Mays.

Wie schon auf dem erwähnten Vorgänger erweist sich Zea auch hier – falls man das als ein des Friesischen unkundiger behaupten darf – als grandioser Liedermacher, der den Songe durch seinen ungeschminkten Gesang trotz einer häufigen Nähe zur Rezitation etwas ungemein Kraftvolles gibt, das keine dicken Verstärker braucht, um nur mit akustischer Gitarre und Percussion von Zeit zu Zeit ein exzessives Punkfeeling aufkommen zu lassen – stets haben die mal melancholischen, mal aufwühlenden Stücke den anrührenden Charme von Homerecordings. Darüber hinaus sind die Songs immer wieder anders aufgestellt: Hypnotisierende Songs, die fast an lichtscheue Akustikprojekte wie Boduf Songs erinnern, wechseln sich ab mit Blues-Nummern, feurig schmetterndem Flammenco, Spoken Words über galloppierendem Fingerspiel, leidenschaftlichen Chansons – der eine Songs, der mir gleich bekannt vorkam, entpuppte sich als eine großartig pastorale Version in Friesisch von Jacques Brels “Ne me quitte pas” – und fetzigen Schuhplattlern mit aggressiven Shouts.

Die Texte sind in mehreren Sprachen abgedruckt, was für viele dann eine ansonsten unbeleuchtete Komponente erhellt, und wer das Temperament dieser Musik in vollem Umfang genießen will, der sollte nach den Terminen seiner gerade stattfindenen Tournee umschauen. (U.S.)

Label: Makkum Records / Subroutine Records

Daneben war er Dozent für Soziologie und hatte eines Tages den jüngeren Hoogland in seinem Seminar sitzen. So kamen die beiden ins Gespräch und griffen nun in regelmäßigen Abständen immer wieder gemeinsam zu ihren Instrumenten und jammten sich durch alle Musikrichtungen von Jazz bis Punk, von Folk bis Noiserock und allen irgendwo dazwischen liegenden Lofi-Regionen.

“Summed” ist das bisher größte Dokument ihrer gemeinsamen Abenteuer und dem Namen und den vielfältigen Interessen der beiden entsprechend eine Wundertüte an schrägen Ideen: Deftig-doomige Riffs über stilvollem Lofi-Knistern und jaulenden Sirenen; freudliche Vocals, die eine englisch anmutende Depristimmung versprühen; noisige Kratzgitarren über ratternden Presslufthämmern; ein krähender Hahn – der vom Cover – sagt ein klimperndes Honkytonk-Piano an; ein Taschensaxophon spielt eine wehmütige Melodie, in die Hoogland mit nachlässiger Coolness einstimmt; flatternde Propeller als Kulisse für eine anmutige, orientalische Flötenweise – bis tiefgrummelnde Saiten aus der Postpunk-Mottenkiste zu einer Reflexion über die eigene Überflüssigkeit überleitet. Dann wieder jungenhafte Nonchalance in aller Abgründigkeit, und all dies eingespielt und aufgenommen in einem Take.

“The Little Man Upon The Stair” scheint mir das Herzstück des irgendwie doch kohärenten Sammelsuriums zu sein, denn mit seinen fast versteckten und doch treibenden Beats und seinen eiernden Bläsersounds, die an eine Schalmei erinnern, mehr noch im leicht gehetzten Gesang, durch den der Punk herauszuhören ist, steckt so etwas wie das Album im kleinen. Dann gibt es einen Bruch, und alles klingt in mysteriös wabernden Sounds (Theremin? Singende Säge?) aus. Ich wäre in jedem Fall für eine Fortsetzung, am besten in ein paar Jahren, nachdem die beiden sich wieder in allen möglichen und unmöglichen Verbindungen ausgetobt haben.

Label: Makkum Records / Paltenbakkerij / Klanggalerie

Wenn es um die Vermüllung der Meere, die Zerstörung der Artenvielfalt und den Raubbau an den Ressourcen unseres Planeten geht, ist der Mensch unter den Lebensformen bekanntlich Spitzenreiter. Man hat es oft gehört, und während die simple Feststellung aus dem Mund von Politikern oder der Feder von Journalisten redundant wirkt, macht sie sich in polemischen Biss verpackt immer wieder gut. Mit dezent rumpelnden Pappschachteltakten im Hintergrund, frohsinnig-folkigem Gitarrenspiel a la John Renbourn und ebenso fidelem Gesang spielt de Boer in “Agency”, dessen Titel wohl im Sinne von Agenda gemeint ist, Szenarien wie die weltrettende Vernichtung der Menschheit, ein Parlament der Tiere und Pflanzen und vieles mehr durch, und alles wirkt wie eine spontane humorige Schimpftirade, die man nicht anders als mit “so ist’s” quittieren kann.

“My First Friends Were Animals” auf der zweiten Seite ist etwas weniger simpel gestrickt und ungleich voller und krachiger vom Sound. darüber hinaus auch recht zackig in seinem hypnotischen Keilhackenbeat, in dessen unerbittlichen Vorwärtsdrang sich einiges hinzumischt: Tierstimmen? Ein oud-artiges, orientalisch klingendes Instrument? Definitiv de Boers mit Echoeffekten verfremdete Stimme, mit der er nur mäßig verständliche Verse aus John Lennons “Give Peace a Chance” zitiert und erneut der selbstgefälligen Krone der Schöpfung – dem einzigen Tier, das nicht Tier genannt werden will – ein paar Zacken herausbricht.

“I am not defending nature, I am nature defending itself”, schleudert er dem Status Quo des Anthropozän entgegen, und wem das noch nicht kämpferisch genug ist, der sollte sich auf jeden Fall auf eines der Konzerte seiner gerade beginnenden Europatour begeben.

Label: Makkum Records / Subroutine Records

Eine der populärsten Figuren dieser Szene ist King Ayisoba, der in den letzten Jahren mit seiner Kologo, einem lautenartigen Instrument mit zwei Saiten, mehrsprachigem Gesang und unterschiedlicher Begleitung einige Alben auf den Markt gebracht hatte, die zunächst in seiner Heimat populär wurden, seit einiger Zeit aber auch in Europa immer bekannter werden. In seinen zwischen traditioneller Musik und kraftvollem Pop angesiedelten Songs deckt er stets ein breites Spektrum an Themen und Einflüssen ab, feiert die schönen Seiten seiner Gesellschaft, spart aber auch nicht mit Kritik. Sein letztes Album “Wicked Leaders” war – schon dem Titel nach – ein wütender, aber keinesfalls trübsinniger Abgesang auf Korruption, Intransparenz und Verantwortungslosigkeit einheimischer Eliten.

Auf seinem neuen Longplayer “1000 Can Die” knüpft er gleich zu Beginn an diese Kritik an, und behält ebenso die Themenvielfalt des Vorgängers bei. Zugleich spannt er aber auch in einer anderen Hinsicht einen weiten Bogen, indem er die Kontinuität von Tradition und modernen Einflüssen noch stärker als zuvor betont. Im Grunde ist dies ein Motiv, das seine Arbeit von Beginn an durchzieht, ist er mit dem Kologo-Spiel primär ein traditioneller Musiker, der den Konnex zu modernen Instrumenten und Spielweisen (wie der in Ghana populäre Hiplife, ein hybrider ghanaischer Hiphop-Stil) allerdings immer gesucht hat.

In den Liner-notes bezeichnet er die traditionellen Instrumente als die stärksten Ausdrucksmittel überhaupt, die durch die Kombination mit Neuem allerdings an Kraft gewinnen können. Dem entsprechend wirkt “1000 Can Die”, bei dem fast alle Songs in Kollaboration mit je anderen Musikern entstanden ist, auch sehr heterogen und experimentierfreudig. Das eröffnende “Africa Needs Africa” enthält einiges von dieser Vielgestaltigkeit im Kleinen: verspielter Computerkitsch und vertrackte Elektrobeats, erst nach einiger zeit Ayisobas Kologo, die wie ein mystisches Echo aus der Vergangenheit anmutet, über all dem ein wechselhafter, oft mehrstimmiger Gesang, der mal als Chor, mal als Rap, mal als aggressives Shouten den politischen Status quo attakiert und einen noch zu entdeckenden afrikanischen Weg einfodert.

Im Verlauf geben sich Protestattitüde und Zuversicht stets die Hand, textlich und auch stimmungsmäßig, wobei das Verhältnis natürlich von Song zu Song unterschiedlich ausfällt – auf der einen Seite eher mystich klingende, hoffnungsfrohe Lieder wie das in Zusammenarbeit mit Zea alias Arnold de Boer entstandene “Wekana”, das die Kunst des Zusammenführens feiert, auf der anderen Seite kämpferisch anmutende Stücke wie das auf Lee ‘Scratch’ Perry-Samples aufbauende Titelstück, das im Klang und Polyrhythmus volle “Anka Yen Tu Kwai” und das hypnotisch perkussive “Yalma Dage Wanga”, bei dem Ayisobas Stimme forsch und zugleich humorvoll und jungenhaft klingt.

Die frohsinnigsten Momente sind interessanterweise den rein traditionellen Klängen (und Themen) vorbehalten: Im evokativen “Grandfather Song” begleitet sich der Sänger lediglich auf der Kologo, beim in einer der Landessprachen gesungenen “Ndeema” kommt eine Duettpartnerin hinzu – zusammen besingen sie, so Ayisobas Erklärung, das Haus der Schwiegereltern, in das sich eine Frau in Ghana immer bei Eheproblemen zurückziehen kann, bis dass diese ausgesessen sind. Und so klingt “1000 Can Die”, das als moderner Hybrid beginnt und die aktuellen gesellschaftlichen Übel anprangert, mit einem rein folkigen Stück aus, das einen überlieferten Brauch zur Problemlösung feiert. Sieht man diese Entwicklung programmatisch, dann ist King Ayisoba ein doch recht optimistisches Werk gelungen, bei dem die Tradition den integrierenden Rahmen bereitstellt. (U.S.)

Label: Glitterbeat