Die beiden Stücke auf der ersten Seite verdichten sich schrittweise, während die gesamte B-Seite von dem über zwanzigminütigen “Along the River” eingenommen wird, das zwischen Dichte und Reduktion changiert. Nach seiner Rückkehr nach Rom, so erfährt man im Begleittext, arbeitete Mogard mit digitalen Instrumenten und modularem Synthie weiter und integrierte Material aus früheren Sessions. Das Album steht exemplarisch für seine zurückhaltende Arbeitsweise und die Konzentration auf minimale klangliche Verschiebungen. Die Vinylfassung wurde nun von Mogards Freund Rafael Anton Irisarri gemastert, das Artwork stammt von Marja de Sanctis.

Das am 31. Oktober erschienene neue Album “Iconoclasts” markiert, wie es u.a. die Kollegen von Loft.de betonen, eine Weiterentwicklung ihres charakteristischen Stils. Die Kompositionen verbinden die sakrale Tiefe der Kirchenorgel mit leuchtenderen, popnahen Elementen und einer Reihe von Kollaborationen, darunter Iggy Pop, Ethel Cain und Abul Mogard. Produziert wurde das Werk u.a. gemeinsam mit Filip Leyman, einem langjährigen Weggefährten der Künstlerin.

Tourtermine:

21.01.2026: Hamburg, Knust
22.01.2026: Berlin, Huxley’s
04.02.2026: Köln, Gebäude 9
06.02.2026: München, Ampere

Das eröffnende “Following a dream” beginnt nahezu unhörbar, aber von einer warmen, dröhnenden Grundierung getragen. Es bleibt von einer gewissen Unregelmäßigkeit geprägt, entwickelt sich in Wellenbewegungen und changiert zwischen Windrauschen, Summen und einer entrückten Präsenz. Eine leise Klarheit schält sich allmählich aus dem Grundrauschen heraus, ohne die ursprüngliche Struktur aufzugeben. Zum Ende hin verfestigen sich die Klänge und verlaufen schließlich in ruhiger Gleichmäßigkeit.

“Constantly slipping away” wirkt zu Beginn fast körperlos: Ein leises Knistern, kaum wahrnehmbar, nur hörbar mit der gebührenden Aufmerksamkeit. Doch das Stück baut eine stetige Spannung auf, entwickelt eine nervöse, beinahe alarmierende Rhythmik ohne Lautstärke, ohne jede Effekthascherei. Ein untergründiges Brodeln, wie ein sich ausbreitender Brand, durchzogen von technoiden Anklängen, verdichtet sich im weiteren Verlauf. Auch hohe, schrille Töne treten hinzu, die ein Gefühl der Dringlichkeit erzeugen. “In a studded procession” dagegen zeigt sich in einem ganz anderen Licht, denn hier tritt das Melodische stärker in den Vordergrund. Aus der Stille heraus entfalten sich Klangflächen, deren trostvolle Wärme unmittelbar berühren. Die sich überlagernden melodischen Linien sind subtil verwoben und erinnern in ihrer Struktur an einen Soundtrack, der eine greifbare Atmosphäre aufbaut, ohne konkret zu bebildern. Gegen Ende löst sich das Stück in flirrenden Klängen auf. Das folgende “Through whispers” greift diese Stimmung auf, setzt jedoch andere Akzente. Auch hier ist ein gleitender Verlauf spürbar, mit vibrierenden Tönen, die sich in einem weiten, hallenden Raum entfalten. Warme Klangfarben dominieren, zugleich aber bleibt das Klangbild offen genug, um beständig Neues hervorzubringen und eine subtile Bewegung entstehen lässt, die erst am Ende des Stücks zum Stillstand kommt.

Mit dem abschließenden “Like a bird” erreicht das Album einen Höhepunkt, der sowohl durch seine emotionale Aufladung als auch durch seinen formalen Aufbau besticht. Es beginnt erneut in Stille, dann steigen helle Töne in luftige Höhen, begleitet von einer melancholischen Melodie, die das Echo orchestraler Musik transportiert. Im weiteren Verlauf bricht jedoch ein bröckelnder, brodelnder Klangkörper hervor und gibt dem Stück eine Bodenhaftung die das Schwebende unangetastet lässt. Mit dem Einsetzen von Rauschen entsteht in der zweiten Hälfte eine fast infernalische Qualität. Für einen kurzen Moment scheint sogar etwas wie eine menschliche Stimme aufzuflackern. Doch auch dieses aufwühlende Moment wird schließlich wieder in Ruhe überführt.

Die Stücke auf “Quiet Pieces” bewegen sich oft an Orten der Schwelle – zwischen alt und neu, zwischen Erinnerung und Gegenwart, zwischen Struktur und Auflösung. Die Verbindung aus elektronischer Bearbeitung und analoger Quellenarbeit erzeugt eine Textur, die mit jeder weiteren Schicht an Tiefe gewinnt. Mogards Musik bleibt dabei stets zurückhaltend, aber in ihrer Zurückhaltung auch eindringlich. Er nähert sich dem Klang, wie es scheint, mit einer Haltung vorsichtiger Neugier, die sich auf die Hörerschaft eigentlich nur übertragen kann. (U.S.)

Label: Soft Echoes

Martina Bertoni eröffnet den ersten Abend mit einer Performance, die sich auf ihr neues Album “Electroacoustic Works for Halldorophone” stützt. Die in Berlin lebende Cellistin und Komponistin arbeitet hier mit dem Halldorophone, einem elektroakustischen Instrument, das durch kontrollierte Rückkopplung dynamische, sich selbst verstärkende Klangprozesse erzeugt. Ihre Stücke oszillieren zwischen struktureller Präzision und klanglicher Offenheit, wobei Schichtungen und Resonanzen eine zentrale Rolle spielen. Am zweiten Abend wird Lihla als Opener auftreten. Die Musikerin und Komponistin, die sich durch ihre genreübergreifenden Arbeiten zwischen klassischem Instrumentarium, Elektronik und Textrezitation auszeichnet, stellt ihr Debütalbum “Socha” vor. Ihre Stücke verweben Instrumentalspiel, Field Recordings und vokale Elemente zu dichten cinematischen Klanggebilden. Neben den Konzerten gibt es am 20. März von 15 bis 17 Uhr einen Workshop mit Mogard und Irisarri. Da die Kapazität des Raums begrenzt ist, wird empfohlen, Tickets im Voraus zu sichern.

19.-20-03.2025
Beginn jeweils 20 Uhr
Morphine Raum
Köpenicker Str. 147, Hinterhof, 1. Etage
10997 Berlin

@ Morphine mit Ticketlink

Der in Rom lebende Mogard alias Guido Zen, der bereits mit Künstlern wie Fovea Hex (und in dem Kontext Brian Eno) und dem London Contemporary Orchestra zusammenarbeitete, und der in New York ansässige Komponist und Studiomann Irisarri kannten und bewunderten wohl das Werk des jeweils anderen schon länger, als sie im vorigen Jahr bei einem Soundset-Event im Madrider Kulturzentrum Conde Duque zusammen auftraten. “Waking up Dizzy on a Bastion” basiert auf dem Mitschnitt ihrer gemeinsamen Zugabe, die wohl beim Publikum großen Anklang fand.

Aufgrund der rundum großartigen Erfahrung entschieden die beiden sich schnell, das Stück auf einem gemeinsamen Album herauszubringen, wofür in Mailartmanier noch ein weiterer seitenfüllender Track produziert wurde, der hier als “Place of Forever” vertreten ist. Auch dieses Stück lässt sich gerne Zeit mit den Entwicklungen und beginnt mit ganz leisem Rauschen, unter das sich irgendwann eine dezente basslastiges Dröhnung schiebt. Auf diesem Fundament ereignen sich kleine z.B knackende Details, die Fülle und Breite der Musik steigern sich graduell und immer mehr spürt man in all der Sanftheit eine kraftvolle Ernsthaftigkeit, die sich in der mit Farfisaorgel, Synthies und Gitarrenloops perfekt ausgewogenen Mischung organisch annutender und syntetischer Klangqualitäten als außerordentlich hypnotisch entpuppt. Dies bedeutet aber durchweg etwas elektrifizierendes, und läuft niemals, erst recht nicht in den lauteren Passagen gegen Ende, in denen ein zittriges Tremolieren Einzug hält, auf Einlullendes hinaus.

Label: Black Knoll Editions

Den limitierten Versionen der „Neither Speak Nor Remain Silent“ und „The Salt Garden“-Trilogien (jeweils drei EPs) und des Albums „Home Is Where We Used To Sing“ wurden CDs beigelegt, auf der Gäste die Ursprungs-Veröffentlichungen neu mischten, zusammenstellten, einer Metamorphose unterzogen, in andere Klanglandschaften, um den Titel dieser LP aufzugreifen, verwandelten. Auf „The Salt Garden (Landscaped)“ finden sich zwei (respektive drei) dieser Bearbeitungen: Die erste Seite des Albums füllt unter dem Titel „Is Lanza Light Given“ Steve Wilsons Remix der dritten EP. Die Stücke der Urspungs-EP verschmelzen miteinander, man hört Klaviertupfer, Streicher, anschwellende dunkle Drones, entrücke Stimmen und dann Simmonds’ Stimme, die einsetzt: „the gaze goes to that window again/as if it were true/though the view is bleaching away/ for the given heat/ that lies in wait at any moment poured in/flowed in, filled in, coloured in/ carrying it all away“. Wilsons Interpretation der ersten EP unter dem Titel „Solace“ füllt die zweite Seite des Albums: beginnend mit warmen Streicherdrones, die an- und abschwellen, verhallen. Auf der beiliegenden CD finden sich neben diesen beiden Stücken noch zwei weitere: Abul Mogards „We Dream All The Dark Away“ ist seine 20-minütige Interpretation von „All Those Sings“ vom Mittelteil der Trilogie, es beginnt mit warmen modularen Synthesizerpassagen, nach zehn Minuten setzt ein Cello ein und es entsteht eine fast schon sakrale Kammermusik, die am Ende in melodielosem Rauschen endet. Abgeschlossen wird die CD mit „By The Glacial Lake“, urspünglich eine Single, Peter Chilvers’ Mix rückt im Gegensatz zum Original das Klavier ins Zentrum.

Wenn am Anfang dieser Besprechung darauf hingewiesen wurde, dass eine einfache Kategorisierung der Musik nicht möglich ist, so hat auch Simonds’ Stimme etwas, das kaum fassbar ist: Steven Wilson spricht in den Linernotes zutreffenderweise davon, dass sie „too steely to be deigned ethereal“ sei und gleichzeitig „too otherworldly“, um zu konventionellen Singer-Songwriterinnen zu passen. Im Inlay gibt es eine Biographie Fovea Hex’, Statements von Brian Eno und Steven Wilson sowie ein ausführliches Interview mit Simonds.

In seinen Überlegungen „Über das Poetische“ attestiert Hartmut Lange der Musik, Schopenhauer folgend, „die metaphysischste aller Künste“ zu sein: „Hier majorisiert das Gefühl die Begrifflichkeit.“ Viel treffendere Worte zur Beschreibung dessen, was man auf diesem Album hört, dürften sich kaum finden lassen. (MG)

Label: Les Disques Du Crepuscule