Über ihren Werdegang, bei dem es auch auch immer um die Verknüpfung von Gegensätzen – Rock und Pop, männlicher und weiblicher Gesang, erdige Bässe und stilisierte Elektronik, forscher Realismus und surreal anmutende Entrücktheit – geht, und die Alben “Mueran Humanos” (Blind Prophet / Old Europa Café 2010), “Miseress” (ATP Records 2015) und “Hospital Lullabies” (ATP Records / Cinema Paradiso Records 2019) schrieb ich kurz und bündig in meiner Besprechung des Letzteren: “Trotz einer recht großen stilistischen Bandbreite verkörperte das selbstbetitelte Debütalbum seinerzeit eher die derbe, räudige Rock- und Punk-Seite der Band, die auf dem 2015 erschienenen Nachfolger „Miseres“ zwar keineswegs verschwunden war, einen Großteil des Feldes aber einer tanzbaren Dynamik und einem sauber produzierten Klangbild überließ. [...] von der stilistischen Haltung her verknüpft „Hospital Lullabies“ viele Eigenschaften, die die beiden Vorgänger so unterschiedlich ausfallen ließen”.

Das vor kurzem erschienene “Reemplazante”, dass schon von der Optik her eine deutliche DIY-Signatur offenbart, knüpft einmal mehr an all das genannte an, muss keine künstlichen Veränderungen inszenieren und lässt doch einige ganz eigene Charakteristika entstehen. Zu denen gehört auch eine kleine aber deutliche Hinwendung wieder zum Rauen und Derben. Der cool-knarrige Opener “Desastre Personal” fällt da geradezu mit der Tür ins Haus. In fast bluesrockiger Räudigkeit werden hier die Saiten geschruppt, was dem hüpfenden Beat der Drummachine einen guten Teil seiner Leichtigkeit nimmt und diese in eine spannungsgeladene Dynamik verwandelt. Der Gesang, der wie hinter einer Rauchwolke für Momente keinem der beiden zuzuordnen ist und sich als Duett entpuppt, schleudert dem fiktiven Adressaten in nonchalanter Punkigkeit eine Warnung entgegen: Hier befindet sich der Eingang zur Psychohölle, aus der es kein Entkommen gibt, betreten auf eigene Gefahr. Sehr interessant, dass man solcherlei auch ohne lähmendes Downtempo ausdrücken kann. Was darauf in “A un Lugar Cerebral” folgt, ist das noch deutlichere Gegenteil jeder Paralyse, nämlich eine veritable Pogonummer im Uptempo, das mit der Zeit immer mehr klappert und bei der man glatt eine Gruppe ellbogenschwingender Psychbillies halluziniert. Carmens Shouts klingen auch hier, als würde kein Blatt vor den Mund genommen, doch man spürt darin eine Sensibilität, die in der Spoken Word-Passage kurz vorm finalen Lospreschen umso deutlicher wird.

Nach dem fast abrupten Ende, das auf die erwartbare Karambolage verzichtet, ist Zeit für ein paar der gelösteren Stücke, die die zugänglichere Seite des Albums repräsentieren. “Cadenas de la Infancia” kommt gleich zu Beginn poppig daher mit seinen griffig klappernden Elektrobeats, aber in den ausladenden Synthiflächen wird auch etwas monumental episches transportiert. Sehr nah am Ohr und auch nah am Sprechgesang gibt sich der ernste, nüchtern genügsame Gesang. Hier wird nichts gewollt, sondern gewusst wie es ist. “El Camino del Dolor”, das vor ein paar Jahren bereits als Single erschienen ist und mit Unterstützung des Drummers Matthia Speck aufgenommen wurde, ist eine filigran wavige, heisere Popballade, in deren Szenario aus hauchfeinem Ambient, leichten Downtempotakten, sanftem Gesang und einem melancholisch gefärbten Idyll, das in den Textzeilen anklingt, irgendwann so etwas wie ein Kameraschwenk nach oben stattfindet, wie wenn man fast unmerklich mit einem Flugzeug abhebt. Zur Veröffentlichung der Single schrieb ich seinerzeit ” ein trotz seiner Länge von nur gut fünf Minuten beinahe episch anmutender Track, der vordergründig die eingängigere Seite der Band repräsentiert, tatsächlich aber auf der Basis sensibler Vocals, Synthie, Percussion und dezenten Bassparts eine enorme Tiefe entfaltet “, woran sich bis heute nicht viel geändert hat.

Den Titeltrack umgibt eine merkwürdige tragische Aura, vielleicht weil das bisschen, was ich vom Text verstehe, wie ein mehrfach gebrochener Nachruf anmutet. Mit seinen kantigen Synthiequadern, seinen pochenden Takten und seinem fordernden Duettgesang repräsentiert dieser Song wieder die rauere Seite des Albums, die einem sprichwörtlich die Pistole an die Brust drückt und einen gleichsam in den staccatohaft maschinellen Takt einsteigen lässt, bevor dann doch noch Organischeres in die Melodie und die Instrumentierung hineinkommt und mit angenehmen Saitenspiel die harten Synthies durchblutet. Was am Ende bleibt, ist eine fast filmsoundtrackartige Atmosphäre und der Widerhall von etwas Klassischem, dass einen empor hebt.

Die abschließenden Tracks stehen eher im Zeichen des eingängigen und poppigen, dass hier aber durchweg in einer gebrochenen Form auftaucht. Die von Bassgewummer umhüllten, verspielten Takte in “Pertenecer” haben einen leichten sway, originelle Melodieansätze tauchen gerade in den richtigen Momenten auf den Plan, wenn man sie nicht erwartet. Doch überwiegt, vielleicht durch den sanften Gesang, ein Gefühl des Umschmeicheltseins, fast wie bei einer Easy Listening-Ballade, wenn all das nicht derart hypnotisierend wirken würde. In “Dentaduras” gibt sich Tomás’ Stimme, die manchmal sogar ins Flüstern kippt, vielleicht sanfter als je zuvor, was auch der Tatsache geschuldet sein mag, dass sie etwas nach hinten gemischt ist, und sich zwischen den Säulen wuchtiger elektronischer Takte bewegt. Synthietupfer nach SciFi-Manier dagegen hüpfen elektrisiert am vorderen Bühnenrand herum. Auch durch dieses Szenario, das fast bekömmlich sein könnte, weht einen gewisser Anflug von Beklemmung, was durch die wenigen Wortfetzen, die ich verstehen kann, bestätigt wird. Ist das schon ein Vorgeschmack des verführerischen Sees in dessen schwarze Wasser man im abschließenden “El Lago” eintaucht, vielleicht um in zurückgenommenen Tempo vollends darin zu verschwinden?

Obwohl “Reemplazante” eine durchaus kurzweilige Angelegenheit ist, offenbart das Album viel von der Vielgestaltigkeit von Mueran Humanos, die sich über die vergangenen Jahre ihren ganz eigenen Stil etabliert haben, den sie immer wieder subtil variieren. “We are an army of two and we take no prisoners”, sagten die beiden vor einigen Jahren in unserem Interview, und es ist schön zu sehen, dass diese forsche Energie auch in ihrem wie es scheint sehr persönlich gefärbten neuen Longplayer noch lebendig ist. (U.S.)

Samstag, 11.03 2023
Beginn 18 Uhr
West Germany
Skalitzer Str 133
10999 Berlin

@ Facebook 

vordergründig die eingängigere Seite der Band repräsentiert, tatsächlich aber auf der Basis sensibler Vocals, Synthie, Percussion und dezenten Bassparts eine enorme Tiefe entfaltet. Unterstützt wurden Carmen Burguess, von der die Lyrics stammen, und Tomas Nochteff diesmal von Drummer Matthia Speck.

Snippet @ Facebook

Foto © Victoria Baraga, Retusche © Pilar Gost

14.10. Vevey (Rocking Chair)
15.10. Thun (Mokka)
16.10. Basel (Humburg Club)
22.10. Bonn (Bad Bonn)
23.10. Dijon (Un Singe En Hiver)
30.10. Leipzig (Conne Island)
31.10. München (Rote Sonne)

Mueran Humanos @ African Paper

Mueran Humanos @ Home

Interview @ African Paper

Der Titeltrack “Construcción” ist eine ins Spanische übertragene Interpretation des 1971 erschienenen Klassikers “Construção” des Brasilianers Chico Buarque, einem dem Widerstand gegen die Militärdiktatiur in seinem Land nahestehernder Sänger. Obwohl vom Bossa Nova-angehauchten Sounds des Songs wenig in der Coverversion zu hören ist, orientiert diese sich stark an dessen melodischer und harmonischer Struktur, wohinggegen der punkige Sound und die derbere Instrumentierung dem von der Verlorenheit des Exilanten kündenden Text eine andere Stimmung verleiht: die leicht erschöpfte und gleichsam stoisch anmutende Melancholie wird in eine kämpferisch-trotzige Aggressivität überführt, die den Track adäquat für ein veritables Punk-Setting macht.

Sänger Rodrigo, der in zweiter Funktion das Schlagzeug traktiert, wird hier von Carmen Burguess, der weiblichen Hälfte des Duos Mueran Humanos unterstützt, beim zweiten Song “Los nueve monstruos” hat sich ihr Partner Tomas Nochteff als Bassist angeschlossen. Der weitaus experimenteller geratene Song geht auf ein Gedicht des peruanischen Avantgarde-Autors César Vallejo aus den 30er Jahren zurück, das immer wieder musikalisch interpretiert worden ist. Er basiert mit einer von pyschedelischer exotica untermalter Rezeitation, die sich das ganze Stück hindurch in ihrer Intensität steigert und deren religiös anmutende Bildlichkeit ein Charisma entfaltet, dass auch bei geringen Sprachkenntnissen zu fesseln weiß.

Trotz ihres geerdeten, tendenziell warmen Klangs erzeugen Tensión mit ihrer Musik eine intensive Spannung, die durchaus ein Alleinstellungsmerkmal im gegenwärtigen Post Punk-Zirkus darstellt, und das ist neben dem Händchen für gelungene Neuinterpretationen ein weiterer Zug, der ihnen eine angemessene Aufmerksamkeit bescheren sollte. (U.S.)

Trotz einer recht großen stilistischen Bandbreite verkörperte das selbstbetitelte Debütalbum seinerzeit eher die derbe, räudige Rock- und Punk-Seite der Band, die auf dem 2015 erschienenen Nachfolger „Miseres“ zwar keineswegs verschwunden war, einen Großteil des Feldes aber einer tanzbaren Dynamik und einem sauber produzierten Klangbild überließ. „Hospital Lullabies“ winkt schon im Titel mit Gegensätzlichkeiten: Kindliche Gefühle von Geborgenheit treffen auf die Welt des Kranken, doch da das Attribut „hospital“ im Spanischen auch „gastfreundlich“ bedeutet, schließt sich am Ende der Kreis. Und auch von der stilistischen Haltung her verknüpft „Hospital Lullabies“ viele Eigenschaften, die die beiden Vorgänger so unterschiedlich ausfallen ließen.

Rhythmen aus dem Fundus der Technokünste gibt es diesmal nur im Opener „Vestido“, doch die eindringlichen Beats sind trotz subtiler Steigerung derart monoton, dass ihre Steve Reich- und Terry Riley-artige Hypnotik sich fast einlullend auswirkt. Auf diesem Fundament haucht Carmen ihre Vocals beinahe wie ein sanfter Wind, um den sich auch der Text dreht. Es ist das einzige Stück auf dem Album, das klanglich fast an Postrock erinnert, doch an seine poppige Eingängigkeit knüpfen weitere Momente an: „Detrás de una flor“ hat ebenfalls diese Lullaby-Aura, doch der sanft-beruhigende Gesang kommt hier mit einem tanzbaren Pop-Feeling zwischen New Wave und Italo Disco zusammen, so dass ein veritabler Ohrwurm entsteht. In eine ähnliche Richtung geht das berührende „La gente gris“, das den Reigen mit einer wehmütigen Melodie abschließt. Wer nicht aufpasst, überhört am Ende noch den kindlich-alptraumhaften Unterton, der sich im Text noch deutlicher offenbart.

Mehr auf der Hand liegt das Alptraumhafte in den raueren und treibenderen Stücken wie dem kämpferischen „Los problemas del futuro“: Über einer energiegeladenen Musik zwischen Punk und EBM stößt Tomás kraftvolle (und zugleich erschöpft wirkende) Slogans heraus, bis alles in einem mantraartigen Refrain mündet, den beide Stimmen wie unter Hypnose singen. Bei einer Tanzveranstaltung würde der Song perfekt zwischen einen Klassiker von The Klinik (oder der etwas weniger rituellen Hunting Lodge) und eine solide Punknummer passen. Während das Up-Tempo-Stück „Alien“ trotz synthetischer Rhythmen eher wie eine retrofuturistische Hommage an psychedelischen Hardrock anmutet, ist „Guardia´n de piedra“ mit seinen versteckten Angstschreien vielleicht das unzugänglichste Stück. Einen Höhepunkt in Sachen Schrägheit bietet letztlich „Cuando una persona común se eleva“: Spacige Synthies, jede Menge Rasseln und sonstige Spielereien entführen uns zusammen mit Carmens kindlichem Sprechegesang in eine ganz eigene cartoonhafte Parallelwelt.

Eine solche zeigt auch Carmens gleichnamiger Film, der zusammen mit „Hospital Lullabies“ herauskam und wie ein eigenes Werk, aber auch wie ein kompletter Clip zum Album verstanden werden kann. Zwischen figurativer Körperbetontheit (Gesichter im Close-up, die manchmal an Carmens Modecover-Persiflagen aus ihrem Buch „Seventeen“ denken lassen, blutende Statuen, die an den surrealen Gothic Horror eines Jean Rollin erinnern und vieles mehr) kontrastieren mit einem ausgesprochen abstrakten Plot, der immer wieder mit Leerstellen arbeitet: Vieles wird nur unklar präsentiert, Andeutungen, in die sich ab und an Schockartiges mischt, flimmern nur kurz auf und sorgen gerade deshalb für eine schmerzhafte Eindringlichkeit. Vielleicht ist es gerade diese Eigenschaft, die den Film trotz seiner relativen Abstraktheit so passend macht zu dem neuen Album, auf das man wie gewohnt eine ganze Weile warten musste. (U.S.)

Label: Cinema Paradiso Records

Freitag, 28.06.2019
Einlass: 20 Uhr
Urban Spree
Revaler Str. 99
10245 Berlin

Event @ Facebook

Stellt man zunächst die Frage nach den Gemeinsamkeiten und Unterschieden zum Debüt, so kann man festhalten, dass viele wesentliche Dinge – glücklicherweise – beim alten geblieben sind. Mueran Humanos glänzen nach wie vor durch eine gelungene Arbeitsteilung zwischen Elektronik und kernigen Bassklängen, durch den abwechselnden spanischen Gesang von Carmen und Tomás, der in gelegentlichen Duetten gipfelt, durch eine Stimmung, die kämpferisch, anklagend, vital und sexy zugleich ist und nicht zuletzt durch das Artwork, das auf Carmens verstörenden Fotokollagen basiert und auch jenseits der Musik Erfolge verzeichnet. Einer der Unterschiede ist, dass die beiden vorher keine Sounddesigner waren.

Auf dem Debüt und den darauffolgenden EPs fanden sich Songs, die man guten Gewissens als Bretter bezeichnen konnte – Post Punk-Stücke, die in erster Linie straight nach vorn gingen und deren Atmosphäre auch von einem gewissen Primitivismus lebte. Genau der ist aus den meisten der neuen Stücke verschwunden, stattdessen zeigen die beiden, die neuerdings von Jochen Arbeit (Die Haut, Einstürzende Neubauten, Automat) an der Gitarre unterstützt werden, von einer feinsinnigen und detailverliebten Seite, bei der kein Sound einfach dem Zufall überlassen bleibt. In dem gleich eröffnenden Titeltrack zeigt sich nicht nur die softere und geschliffene Seite des Klangbildes, sondern auch ein gewisses Interesse an wabernder, hallunterlegter Elektronik, die an bestimmte Retrosounds der 80er erinnert. „Miseress“ ist so poppig wie das bei Konzerten beliebte „Culpable“, doch statt wie eine spanisch-sprachige Version des NDW-Hypes zu klingen, hat der relaxt daherkommende Song einen weitaus mehr arty Touch. Wie viele andere Stücke offenbart der Song seine kraftvolle Seite erst mit der Zeit.

Ihr ganzes Können auf dem Gebiet zeigen die beiden und der im Studio unterstützend agierende Boris Wilsdorf bei Stücken wie „Mi Auto“, das wie eine Ballade zu beginnen droht. Im Verlauf wird Carmens heißer gehauchte Stimme von einem stets in Bewegung gehaltene Soundteppich untermalt. Wie groß der Unterschied zu früher ist, zeigt der einzig ältere Song „El Circolo“, der bereits auf einer EP zu hören war und hier mit seinem gröberen Klangbild wie eine Enklave früherer Errungenschaften wirkt. Doch auch die neuen Songs haben Energie, „Un Lugar Ideal“ zum Beispiel ist eine der kraftvollsten Nummern überhaupt, bei der Carmens punkige Shouts vom unermüdlichen Takt aus merkwürdigem Geklöppel und flankiert von allerhand Neoisedetails nach vorn preschen. Bei „Guerrero de la Gloria Negativa“ zeigt sich Tomás Stimme von ganz unbekannten Seiten, wirkt beinahe erschöpft, wie die eines Erlkönigs, der sich mit Mühe und Not durch die infernalische Musik kämpft.

Der Wandel wird sicher – ähnlich wie bei der Entwicklung von Noblesse Oblige – nicht von jedem begrüßt werden, doch einige Aspekte beweisen deutlich, dass die beiden mehr als nur ein Klassenziel erreicht haben: Aus dem Postpunk der Argentinier ist sozusagen ein veritabler Elektroclash geworden, der immer noch genug kernige Bassläufe aufweist und v.a. harte Nummern zustande bringt, was ich zudem begrüße ist, dass die Drummachine viel besser ins Soundbild integriert ist. Wie dem sei, „Miseress“ belegt, dass Mueran Humanos kein Strohfeuer waren, und dass ihr Name auf der Karte innovativer Musik fett gedruckt gehört. (U.S.)

Label: ATP Recordings