Als Raúl López vor rund fünfzehn Jahren sein Projekt Comando Suzie aus der Taufe hob, ahnte er wahrscheinlich kaum, dass er einem musikalischen Retrotrend zuvor kam, denn zur Mitte der Nullerjahre feierten die hippen Hochglanzmagazine noch einträchtig Postrock und Studentenfolk als die postmoderne Avantgarde der Stunde – erst Jahre später sollte mit Boy Hasher u.v.a. newwavig angehauchter Electropop durch die Postillen geistern, den das katalanische Projekt längst in eine unkonventionelle Form gegossen hat. Nicht nur seine in Spanisch gesungenen markanten Texte, die ihm den Ruf eines “Mediterranien Crooner” einbrachten, heben ihn ihn aus der Masse ähnlich arbeitender Musiker heraus. López brachte eine langjährige Erfahrung als Musiker und Sänger im Gothic und Postpunk-Underground Barcelonas mit sich und verkörpert bis heute die poppigere Seite jener undefinierbaren lokalen Musikkultur, in der einem Namen wie Ô Paradis, Escama Serrada, Circe und Coagul begegnen und die mit Novy Svet und Niedowierzanie schon einige Auswärtige ins Land gezogen hat. Die experimentelle Aura dieses Dunstkreises ist auch bei Comando Suzie unter der Oberfläche spürbar, und in einigen Songs tritt sie plötzlich ganz offen zu Tage, ebenso wie ein gut dosierter doppelbödiger Humor, den man auch ohne Spanischkenntnisse bemerken kann. Wir sprachen mit Raul über sein neues Album “Corazón o Plomo”, über Hintergründe und Neubesetzungen, die Arbeit mit Partnerin Eva und die Sensibilität, die es braucht, um eine Musik wie die Comando Suzies zu erschaffen. Vorhang auf für einen der vielversprechendsten Geheimtipps dunkler elektronischer Popmusik.

English Version

Dein neues Album wird bald herauskommen. Wie zufrieden bist du mit dem Ergebnis?

Es ist nun schon ein Jahr her, seit das Album fertig wurde, genau genommen…! Aber aufgrund der Pandemie, eines neuen Plattenlabels und anderer Faktoren verzögerte sich die Veröffentlichung. Jetzt wird es hoffentlich bald das Licht der Welt erblicken. Ich glaube, das Album enthält einige der besten Songs, die ich je geschrieben habe, und einige Arrangements und Details, die dem Album ein ganz eigenes Lebensgefühl geben.

Der Titel des Albums ist “Corazón o Plomo”, was “Herz oder Blei” bedeutet. Bei uns steht Blei meist für eine Kugel oder für etwas schweres. Gibt es dahinter eine Geschichte?

Einige Zeit bevor ich mit dem Schreiben der Songs begann, sah ich mir eine spanische Fernsehserie namens “Narcos” an, in der Pablo Escobar immer wieder “Plata o plomo” sagte, was so etwas Bedrohliches bedeutet wie “Gib mir das Geld oder du bekommst eine Kugel”. Aus irgendeinem Grund erinnerte mich das an ein Lied einer spanischen Band namens Astrud, wo es im Refrain heißt: “Ich sage dir, du sollst mich lieben (oder du musst mich lieben)”, in einer bedrohlichen, verzweifelten Art. Es gibt etwas von dieser Verzweiflung in dem Album, wie in einem klassischen Film-Drama, und ich dachte, der Titel “Corazón o plomo” würde irgendwie passen, denn es ist hart und zart zugleich, bitter und süß… so wie das Leben und die Liebe.

Wenn du es mit “Principios Y Salidas” vergleichst, siehst du da eine Weiterführung oder mehr einen Neuanfang?

“Principios Y Salidas” war einfacher in Bezug auf Text, Musik und Produktion. Es sollte bewusst retro klingen, und nur eines der Lieder handelt von Liebe und Beziehungen. “Corazón o Plomo” ist irgendwie eine Fortsetzung des zweiten Albums “El hombre sentimental”, obwohl es eine Entwicklung in Bezug auf die Arrangements und die Produktion gibt. PYS wurde vollständig von mir komponiert und arrangiert, während man bei “Corazón o Plomo” auch deutlich die Handschrift von Eva Grace und Demian Recio erkennen kann.

Es wird der erste Longplayer mit Eva Grace a.k.a. Gracia Auguri sein, aber ihr seid zuvor schon zusammen live aufgetreten und habt in dem Line-up an der “Nuova Guardia”-Compilation teilgenommen. Wie würdest du eure gemeinsame Chemie beschreiben? Schreibt ihr zusammen an den Songs?

Comando Suzie war immer mein persönliches Projekt. Seit den Anfängen, also seit 2006, sind viele Leute gekommen und gegangen, aber sowohl Musik als auch Texte stammen von mir, und ich bin derjenige, der das letzte Wort hat (damit bin ich also ein Tyrann). Natürlich haben die meisten Musiker und Produzenten, die mit mir zusammengearbeitet haben, gute Ideen in das Projekt eingebracht (oder es zumindest versucht). Eva Grace ist eine großartige Sängerin und sie ist brillant auf der Bühne, aber ich kann das Schreiben der Songs von Comando Suzie einfach mit niemandem teilen. Es ist einfach zu persönlich… aber Eva hat oft Ideen wie “du solltest hier ein paar Streicher hinzufügen”, “dieser Klang ist zu tief”, “lass mich eine Mundharmonika aufnehmen”, und sie hat meistens Recht. Wir haben Pläne für ein anderes gemeinsames Projekt, eines, bei dem ich kein Diktator bin, haha.

Eva hat vorher bereits Musik gespielt, u.a. in einer Cabaret-Gruppe. Was denst du, ist ihr wichtigster Beitrag zu Comando Suzie?

Eva hat in der Vergangenheit in einigen Bands gesungen und Bass gespielt und war als Schauspielerin im Theater und Kabarett tätig. Sie spielt auch Gitarre und hat eine so beeindruckende Kultur, wenn es um Musik geht. Sie ist eine brillante Persönlichkeit und hat ein wirklich beeindruckende Präsenz auf der Bühne. Sie fügt die weibliche Seite hinzu, die ich mir immer in Comando Suzie gewünscht habe, vor allem bei den Live-Auftritten.

Es sind noch weitere Leute beteiligt wie z.B. dein Freund Demian von Ô Paradis. Was kannst du uns über die Arbeit an dem Album erzählen?

Demian unterstützte mich bei der Aufnahme des ersten Comando-Albums 2006. Abgesehen von unserer engen Freundschaft ist Ô Paradis zweifellos einer meiner Lieblingskünstler, und ich wusste von Anfang an, dass ich mit ihm in “Corazón o Plomo” zusammenarbeiten wollte. Sobald ich die Demos fertig hatte, schickte ich sie ihm und gab ihm völlige Freiheit, beliebige Arrangements hinzuzufügen oder zu ändern, was immer er wollte. Am Ende wurden einige der Songs praktisch genau die, die ich in meinem Kopf hatte, andere daggen wurden von Demians Magie berührt und wurden etwas ganz anderes als der übliche Comando-Sound, was ich wirklich schätze.

Es gibt außerdem eine besondere Zusammenarbeit mit Aloma Ruiz Boada (Current 93), die in einem der Stücke Violine spielt.

Ja, und es gibt wohl noch Santi Capote, der Gitarre spielt, ein ziemlich unbekannter Name hier bei uns. Er hat auch den Remix eines Songs für Bandcamp gemacht, und ich glaube, du hast für ihn auch einmal einen Mix gemacht. Was kannst du über ihn erzählen? Werdet ihr in Zukunft öfter zusammenarbeiten?

Santi Capote war Teil eines Madrider Duos namens Ellos (Jene), das von den späten 90ern bis zu ihrer Auflösung 2015 ziemlich berühmt wurde. Ich war immer ein großer Fan der Band, und als Santi nach Barcelona zog, lernte ich ihn kennen. Er ist nicht nur ein brillanter Gitarrist und Komponist, sondern besitzt auch ein Mastering-Studio, und so bat ich ihn, “Principios y Salidas” zu mastern. Ein paar Jahre später beschloss ich, Barcelona zu verlassen und nach Terrassa zu ziehen, und merkwürdigerweise fand ich heraus, dass Santi dasselbe getan hatte. Da wir 10 Minuten voneinander entfernt wohnen, dachte ich, es wäre eine fantastische Idee, ihm den Mix und das Mastering von “Corazón o Plomo” anzuvertrauen. Während des Prozesses nahm er einige Synthesizer und Gitarren auf, und da kam mir die Idee zu dem Remix. Natürlich würde ich bei zukünftigen Arbeiten gerne wieder mit ihm zusammenarbeiten.

Lass uns ein bisschen über die Vorgeschichte Comando Suzies reden, du hast ja bereits in den 90ern in verschiedenen Bands gespielt. Wer waren diese Bands und wie klangen sie?

Ich erinnere mich, dass ich in Bands war und Musik gemacht habe, seit mein Vater mir 1989 einen Synthesizer gekauft hat. Einige von ihnen machten elektronische Musik, andere Gothic Rock und Darkwave. Die erste “ernsthafte” Band, in der ich Keyboard spielte, war eine Gothic Rock- und Post-Punk-Band namens Messiah Of Pain. Dort fing ich an, Songs zu schreiben. Sie hatten einen sehr Christian Death, Sisters Of Mercy und Fields of the Nephilim-Stil. Jedenfalls starteten der Gitarrist und ich bald darauf unser eigenes Projekt namens Rememberance, das Elektronik und Gitarren in der Art einiger Bands aus Deutschland kombinierte, wie z.B. Girls Under Glass (wir waren die Vorgruppe bei ihrem Gig in Barcelona), The Eternal Afflict, The Fair Sex, The Invincible Spirit oder auch Bands aus anderen Ländern wie The Cassandra Complex.

Letztlich unterschieben wir einen Verterag mit dem deutschen Label Sounds of Delight und nahmen in einem “echten” Studio auf. Wir waren tatsächlich ziemlich erfolgreich in der Gothic und Darkwave-Szene damals.

Wie bist du damals zu Wave, Post Punk oder Synthiemusik gekommen? Gab es in Barcelona eine größere Musikszene dieser Art?

Ich schätze, es fing alles wie bei vielen anderen Leuten an: Eines Tages hört man Depeche Mode und The Cure im Radio, und das Leben ist nicht mehr was es war. Dann entdeckt man, dass es in den 80er Jahren in Spanien eine ganze Reihe wunderbarer Bands gab, wie La Mode, Aviador Dro, Los Pegamoides oder Parálisis Permanente. Danach überreicht dir ein Klassenkamerad eine Kassette mit The Sisters Of Mercy und Front 242, du nimmst sie mit in irgendeinen dunklen Club der Stadt, und von diesem Moment an bist du ein Teil der Gothic-Szene, entdeckst immer mehr Bands und lernst viele Leute kennen, denn es gab nur wenige Clubs in Barcelona, und jeder kannte jeden. Es war in den späten 80er und frühen 90er Jahren, als ich anfing, mich für Darkwave zu interessieren. Das war eine Übergangszeit, in der die größten Dark und New Romantic-Bands, die Clubs und die Mode im Niedergang begriffen waren. Die Clubs spielten noch Musik von Bands wie Front 242, Virgin Prunes, Sex Gang Children, Borghesia, Pankow, à,GRUMH oder The Invincible Spirit, aber zur gleichen Zeit tauchten in Deutschland neue Bands auf, die mich total faszinierten. Ich spreche von der ganzen Explosion von Elektro-Gothic-Bands wie Project Pitchfork, Deine Lakaien, Das Ich, In Strict Confidence, The Fair Sex, Dance or Die, etc.

Wann wurde Comando Suzie aus der Taufe gehoben? Es war dann wohl von Anfang an dein Projekt…

Obwohl ich lange Zeit Keyboard gespielt und Sachen komponiert habe, hatte ich noch nie gesungen. Die Sache begann ganz plötzlich, damals 2006, nachdem ich zu einem Konzert einer lokalen Band namens Tarántula gegangen war, das wirklich mein Leben verändert hatte. Die Darkwave-Szene und die Musik im Allgemeinen langweilten mich ein bisschen, und dieses Konzert brachte für mich etwas von der Faszination zurück, die ich Anfang der 90er Jahre für die deutschen Bands empfand, vielleicht war es sogar noch intensiver. Und fast zufällig, sozusagen als Scherz, beschloss ich, über jedes Mitglied von Tarántula einen Song zu schreiben, und ich lud sie alle auf MySpace hoch, damit sich meine Freunde darüber amüsieren konnten. Bald darauf wurde ich vom italienischen Label Punch Records kontaktiert, und Tairy lud mich ein, eine CD aufzunehmen und am ersten Festival teilzunehmen, das das Label in Leipzig organisierte, zusammen mit Bands wie Novy Svet, Ait!, Ô Paradis, Wermut, Thomas Nöla, Mushroom Patience…

Comando Suzie war von Anfang an ein sehr persönliches Projekt, eine Möglichkeit, mich auszudrücken, ohne Angst vor den Meinungen der Leute zu haben.

Ich mag den Namen Comando Suzie mit seiner zwiespältigen Unbestimmtheit. Ich weiß, dass es “cooler” ist, ein Geheimnis um einen Bandnamen zu machen, aber wie kam es dazu?

OK, ich erzähle dir, wie absurd es war, als es zu dem Namen kam. Novy Svet lebten zu dieser Zeit in der Nähe von Barcelona, und an den Wochenenden aßen wir zusammen mit Jürgen, Frl. Tost, Demian von Ô Paradis und Sergio von Escama Serrada in einer Pizzeria in der Nähe meiner Wohnung zu Abend. Novy Svet hatten ein Nebenprojekt namens Unidad Sasao, und so kam ich nach einigen Flaschen Lambrusco auf die Idee, dass ich, wenn ich jemals eine Band hätte, sie ähnlich nennen würde, wie Comando Sasao oder Comando Susi (Susanna war der Name meiner damaligen Partnerin). Dann hatte Frl. Tost vorgeschlagen, dass es auf Deutsch viel besser klingen würde, “Suzie”. Und das ist die Geschichte hinter dem Namen…

Für mich hat deine Musik immer etwas Hypnotisches, das mit einer tiefen Melancholie verbunden ist. Ist das generell eine Haltung, die dir vertraut ist?

Ich bin ein derart melancholischer Mensch, dass ich versuche, all das zu vermeiden, um nicht in einen tiefen Brunnen zu fallen, aus dem ich nicht mehr entkommen kann. Diese Tür öffne ich nur, wenn ich Songs schreibe, und dann schließe ich sie sofort wieder.

Trotz deiner Arbeit mit Repetition und zum Teil einfachen Mustern wirkt deine Musik auf mich niemals minimalistisch. Vielleicht ist es die emotionale Seite, die sie vital und opulent erscheinen lässt. Wie denkst du darüber?

Ich liebe einfache Muster in der Musik. Tatsächlich mag ich Einfachheit im Allgemeinen, und ich habe immer geglaubt, dass weniger oft mehr ist. Ich mag zum Beispiel Hip-Hop-Beats und auch minimalistische Electronica-Rhythmen. Ich denke, der Kontrast zwischen diesen kalten und einfachen Beats und meinem Gesangsstil, der so leidenschaftlich und wortreich ist, und den Texten, die eher denen eines klassischen Songswriters ähneln, sind die Dinge, die Comando Suzie von einer typischen Minimal Electro-Band unterscheiden.

Wie kommt es bei dir zu Ideen für neue Liede, passiert so etwas beim Experimentieren im Studio oder eher zufällig?

Normalerweise komponiere ich, während ich Keyboards mit einem Klaviersound spiele, auf der Suche nach der Struktur eines Liedes. Ich spiele mit Akkorden, aber manchmal entsteht das auch aus einem rhythmischen Muster oder aus einem bestimmten Synthiesound. Meistens mache ich zuerst die Musik und füge später den Text hinzu, aber kommt auch vor, dass mir sowohl ein Text als auch Musik plötzlich beim Motorradfahren in den Sinn kommen, und dann muss ich, sobald ich nach Hause komme, ins Studio eilen.

Im Laufe der Zeit haben bei Comando Suzie immer wieder andere Leute mitgewirkt, trotzdem gibt es ein fortwährendes Element oder eine Art bleibende Signatur. Was ist für dich der rote Faden, der sich durch alle Aktivitäten der Band zieht?

Wie ich schon sagte hat jede Person, die jemals mit Comando im Studio oder live dabei war, Ideen beigesteuert. Es gibt nur eine Sache, die ich niemals akzeptieren würde, und das sind alle Änderungsvorschläge zu meinen Texten.

Gibt es ein Album, das du als dein wichtigstes betrachtest?

Mein Lieblingsalbum ist das zweite, “El Hombre Sentimental”, weil es, abgesehen vom neuen Album, das persönlichste ist, was die Dinge betrifft, die ich in den Texten erkläre, und es ist die perfekte Mischung aus Elektronik und organischeren Klängen.

Einige der neuen Stücke sind bereits auf Bandcamp und Youtube zu hören, z.B. das Lied “Espigón”. Der Text bezieht sich, wie schon im früheren Song “Fotos”, auf so etwas wie die Liebe im Zeitalter der digitalen Medien, und für mich erschien er fast wie ein Ausschnitt aus einem Film im Stil von Eric Rohmer. Betrachtest du dich selbst als Geschichtenerzähler?

Auf jeden Fall. Was ich vom ersten Album an mache, ist, Geschichten über Dinge zu erzählen, die um mich herum passieren, über meine Freunde, Bekannten, die Gesellschaft… Es macht mir wirklich Spass, eine Geschichte, die mehr oder weniger Sinn macht, in 3 oder 4 Minuten zu verdichten. Natürlich bekomme ich auch sehr viele Ideen aus Dingen, die ich in den sozialen Medien sehe oder lese.

Im Video und im Titel scheinen Orte eine Rolle zu spielen, und der Zoom trägt den Betrachter durch die ganze Szenerie. Beziehst du dich auf Orte, die mit deiner eigenen Biografie verbunden sind?

Als ich in Barcelona lebte, liebte ich es, Zeit am Strand zu verbringen und durch die Wellenbrecher zu laufen. Das ist das Einzige, was ich manchmal von der Stadt vermisse. Ein Teil des Videos wurde während der Quarantäne aufgenommen, damals im März, deshalb sieht der Strand menschenleer und irgendwie phantasmagorisch aus, und der Rest sind ältere Bilder, die ich auf meinem Telefon hatte.

Übrigens, was ist das für ein Ort mit den Hochhäusern am Anfang des Clips? Ich fühlte mich fast wie in einem Jess-Franco-Film…

Diese Gebäude befinden sich in einem Gebiet namens Diagonal Mar, in der Nähe des Strandes und des Parc del Fòrum, wo das Festival Primavera Sound stattfindet. Ich mag diese Gebäude, weil sie etwas Beunruhigendes haben, aber gleichzeitig fühlt man sich von ihnen angezogen und kann einfach nicht aufhören, sie anzustarren.

“Nubecita y Tormenta” bedeutet “Wolke und Sturm” und behandelt ein Thema, auf das sich auch Coagul bezogen hat: Die schnellen Verschiebungen und Veränderungen, die eine Stadt wie Barcelona in diesen Tagen durchmacht. Im Text hört man von den Innenstadtbezirken Gracia und Poble Sec. Was hat dich zu diesem Lied inspiriert?

Es ist eine Art Tour durch das nächtliche Barcelona, mit seinen endlosen Stunden voller Clubs, Musik, Gesichter und allerlei Exzessen, und wie andere Songs des Albums ist es irgendwie eine Art Abschied von einer Stadt, die ich in ihrer höchsten Intensität erlebt habe, und einem Ort, an dem ich so viele Abenteuer und Missgeschicke erlebt habe, die mich emotional erschöpft haben.

Du bist vor einiger Zeit in die Nachbarstadt Terrassa nördlich von Barcelona, gezogen, Evas Geburtsort. War das eine spontane Entscheidung, und hat der neue Ort Einfluss auf dein Songwriting?

Sowohl Eva als auch ich waren mit einem ähnlichen Punkt in unserem Leben konfrontiert. Wir hatten das Gefühl, dass unser Leben in der Großstadt zu Ende ging, und so beschlossen wir, nach Terrassa zu ziehen, wo es ruhiger zughet und ein langsamerer Rhythmus vorherrscht. Terrassa ist viel kleiner, es gibt weniger kulturelle Veranstaltungen, keine Touristen, keine Hipster, keine experimentellen Musikclubs… es fühlt sich ein bisschen wie in einem Dorf an, und das hat natürlich seinen Einfluss auf das Songwriting. Vielleicht werden die nächsten Texte ein bisschen anders sein, ein bisschen introspektiver, wer weiß?

Vor zwei Jahren war Comando Suzie neben Coagul, Escama Serrada und O Paradis Teil der schon erwähnten Compilation “La Nuova Guardia”. War es hauptsächlich eine Feier eurer Freundschaften oder auch eine Art Hommage an den “katalanischen Underground”?

Beides! Auch wenn wir musikalisch recht unterschiedlich sind, gibt es etwas Gemeinsames, das alle vier Bands verbindet, und es ist dieser mediterrane Pop-Folk-Industrial-Geist, der von Novy Svet gesäht wurde in der Zeit, als sie in L’Ametlla del Vallès lebten.

Eure Interpretation des Kinderlieds “Como la Luna” ist für CS ganz außergewöhnlich, da sie eher experimentell ist, und für mich passte sie ganz gut zu der damals unruhigen Situation bei euch in der Gegend. Worum geht es in dem Lied?

Nun, es war Evas Idee, eine Coverversion dieses Kinderliedes zu machen, und alle Arrangements in dem Lied sind von ihr selbst, deshalb hat es einen anderen Klang als die üblichen Comando-Lieder, denn sie wollte etwas Experimentelleres ausprobieren. Es ist ein Lied, das wir als Kinder gesungen haben. Es geht darum, so hoch wie der Mond zu sein, aber wir waren total überrascht, als uns auffiel, dass der Text von Soldaten handelt, die aus den Gefechten in Katalonien kommen. Also ja, es hat irgendwie mit der politischen Situation zu tun, und seltsamerweise fügten wir nachträglich einige Worte hinzu, in denen der damalige spanische Präsident über die Katalanen sprach, und nur wenige Tage später trat er zurück. Wir haben also viel gelacht, als wir dachten, dass wir vielleicht unbewusst eine Art Zauberspruch geschaffen hatten.

Heutzutage sollte man mit zukünftigen Plänen und Wünschen vorsichtig sein, aber natürlich haben wir alle welche. Gibt es bereits Pläne für Comando Suzie im Jahr 2021?

Ich habe vor einigen Jahren aufgehört, langfristige Pläne zu schmieden, und jetzt sogar noch mehr. Ich hoffe lediglich, dass ich die neue Schallplatte in die Hände bekomme und einige Auftritte wie früher machen kann, mit Menschen, die ohne Maske lächeln.

(Interview: U.S., Übersetzung U.S. und N. Seckel)

Fotos: Mònica de Miguel und Eva Grace

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When Raúl López launched his project Comando Suzie some fifteen years ago, he probably had no idea that he was anticipating a musical retro trend, because in the mid-90s the hip glossy magazines were still pushing post-rock and student folk as the post-modern avant-garde of the hour. Years later, when Boy Hasher and an array of other new wave influenced pop groups haunted the realm of music, the Catalan project has long since cast a style like this in an unconventional form with Spanish vocals and touchingly beautiful melodies. Not only his distinctive lyrics, which earned him the reputation of a “Mediterranean Crooner”, make him stand out from the mass of similarly working musicians. López brought with him many years of experience as a musician and singer in Barcelona’s gothic and post-punk underground and still embodies the more poppy side of that indefinable local music culture in which names like O Paradis, Escama Serrada, Circe and Coagul pop up and which has already attracted a number of foreigners like Novy Svet and Niedowierzanie. The experimental aura of this neighbourhood is also subliminally tangible in Comando Suzie, and in some songs it suddenly comes to the surface, as well as a well-dosed ambiguous humour that can be noticed even without knowledge of Spanish. We talked with Rául about his new album “Corazón o Plomo”, about backgrounds and new line-ups, his work with partner Eva and the sensitivity it takes to create music like Comando Suzie. Curtain up for one of the most promising insider tips of dark electronic pop music.

As I heard, your forthcoming album will be released soon. Are you still working on it or is it already finished? How happy are you with the result?

It’s been a year now since the album was finished, actually…! But due to the pandemic, a change of record label and other matters the release was delayed. Now it’s about to see the light, hopefully. I believe the album contains some of the best songs I’ve ever written, and some arrangements and details that give a different feel to it.

The title will be “Corazón o Plomo”, which means “Heart or Lead”. It’s an interesting phrase, and in our language, lead often stands for a bullet, or for something heavy. Is there a story behind it?

Some time before beginning to write the songs I watched a Spanish TV series called “Narcos”, in which Pablo Escobar said over and over “Plata o plomo”, meaning something menacing like “Give me the money or you’ll get a bullet”. For some reason, that reminded me of a song by a Spanish band called Astrud where the chorus are: “I’m telling you to love me (or you have to love)!”, in a kind of menacing, desperate way. There’s some of that despair in the album, like in a classic drama film, and I thought the title “Corazón o plomo” somehow fitted, because it’s hard and tender at the same time, bitter and sweet…just like life is, and love.

When you compare it to “Principios Y Salidas”, do you see a continuation or more the beginning of something new?

“Principios Y Salidas” was more simple about lyrics, music and production. It was meant to sound deliberately retro and only one of the songs is about love and relationships. “Corazón o Plomo” is somehow a continuation of the second album, “El hombre sentimental”, although there’s an evolution as for arrangements and production. PYS was entirely composed and arranged by me, while in “Corazón o Plomo” one can clearly notice the hand of Eva Grace and Demian Recio.

It will be the first full-length release with Eva Grace a.k.a. Gracia Auguri as a band member, but you already played together live and participated on the “Nuova Guardia”-Compilation. How would you describe the chemistry of your duo cooperation? Du you write the songs together?

Comando Suzie has always been my own personal projet. Since the beginning, back in 2006, lots of people have come and gone in the band, but both music and lyrics are made by me, and I’m the one who has the last word (I’m such a tyrant with that). Of course, most of the musicians and producers that have collaborated with me have brought good ideas to the project (or at least have tried to).

Eva Grace is a great singer and she is brilliant on stage, but I just cannot share the writing of the songs of Comando Suzie with anyone. It’s just too personal…but Eva usually gives ideas like: “you should add some strings here”, “that sound is too low”, “let me record a harmonica”, and she is mostly right.

We have plans to make a different project together, one in which I’m not a dictator, haha.

Eva played music before, so for instance in a cabaret group. What would you say is her biggest contribution to Comando Suzie?

Eva sang and played bass in some bands in the past, and has been an actress in theater and cabaret. She also plays guitar and has such an impressive music culture. She’s such a brilliant personality and has a really mighty image on stage. She adds the female side I’ve always wanted to be present in Comando Suzie, especially in the live acts.

There are some further participants like your friend Demian of O Paradis. What can you tell us about the work on the album?

Demian helped me with the recording of the first album of the Comando, back in 2006. Aside from our great friendship, Ô Paradis is no doubt one of my favorite artists, and I knew from the beginning I wanted to work with him in “Corazón o Plomo”, thus, as soon as I finished the demos, I sent them to him and gave him total freedom to add any arrangements or changing whatever he wanted to. In the end, some of the songs stayed virtually the same I had planned in my mind, but others were touched by Demian’s magic, becoming something totally different from the usual sound of the Comando, which I really appreciate.

There is also a special collaboration of Aloma Ruiz Boada (Current 93) playing violin in one of the songs.

You have Santi Capote playing guitar, quite a new name over here. He also made a fizzy remix of the song for Bandcamp, and I think you remixed his music too. What can you tell us about him? Will you cooperate more in the future?

Santi Capote was part of a duo from Madrid called Ellos (Them) that became pretty famous from the late 90’s until they split off in 2015. I was always a huge fan of the band, and when Santi moved in to Barcelona, I got to meet him. Apart from being a brilliant guitar player and composer, he owns a mastering studio, and so I asked him to master Principios y Salidas. A couple of years later, I decided to leave Barcelona and moved in to Terrassa, and curiously enough, I found out that Santi has done the same. Since we’re living 10 minutes from each other, I thought it’d be a fantastic idea to have him as collaborator in the mix and master of Corazón o Plomo. He recorded some synths and guitars during the process, and there’s were the idea of the remix came up. Of course, I’d love to collaborate with him again in future works.

Let’s talk a bit about the prehistory of Comando, as you have played in other bands already in the 90s. Who were these groups, and how did they sound?

Well, what I recall is having been in bands and play music ever since my father bought me a synth, back in 1989, so I’ve been in quite a lot of bands since then. Some of them were electronic music bands, and others were Gothic Rock and Darkwave. The first “serious” band I was involved with playing keyboards was a Gothic Rock and Post Punk band called Messiah Of Pain. There’s were I began writing songs. They had a very Christian Death, Sisters Of Mercy and Fields of the Nephilim style. Anyway, soon after that, the guy who played guitar and I started our own project called Rememberance combining electronics and guitars in the way of some bands in Germany such as Girls Under Glass (whom we were the support band in their gig in Barcelona), The Eternal Afflict, The Fair Sex, The Invincible Spirit, and also non German like The Cassandra Complex.

In fact, we ended up signing a contract with a German label called Sound of Delight and got to record in a “real” studio. We actually had a lot of success among the Gothic scene and Darkwave at the time.

How did you got interested in Wave, Post Punk or Synthie music in that days? Was there a bigger music community of that sort in Barcelona?

I guess it all started like with many other people: one day you listen to Depeche Mode and The Cure on the radio, and your life changes. Then you discover that in the 80’s there was a bunch of marvelous bands in Spain, such as La Mode, Aviador Dro, Los Pegamoides or Parálisis Permanente. After that, a class mate hands you a tape with The Sisters Of Mercy and Front 242, takes you to some dark club in the city, and from that moment you get involved in the goth scene, discover more and more bands and get to know a lot of people, since there were only a few clubs in Barcelona and everyone knew each other. It was actually in the late 80’s and early 90’s when I started to get interested in the Darkwave. That was a time of transition where the biggest dark and New Romantic bands, the clubs and the fashion were in decadence. The clubs were still playing music by bands like Front 242, Virgin Prunes, Sex Gang Children, Borghesia, Pankow, à,GRUMH or The invincible Spirit, but at same time, in Germany new bands were appearing that totally fascinated me. I’m talking about all that explosion of electo-gothic bands like Project Pitchfork, Deine Lakaien, Das Ich, In Strict Confidence, The Fair Sex, Dance or Die, etc.

When was Comando Suzie actually born? Was it mainly your brainchild, or more a band thing in the beginning?

In spite of having played keyboards and composed for a long time, I had never sung before. The thing started all of a sudden, back in 2006, after going to a life-changing concert of a local band called Tarántula. I was a bit bored with the dark scene, and with music in general, and that concert meant to me something like the fascination I felt with the German bands in the early 90’s, or even more intense than that. And almost by accident, kind of as a joke, I decided to write a song about every member of Tarántula, and I uploaded them all in MySpace so that my friends could have a laugh. Soon after that I was contacted by the Italian label Punch Records, with Tairy inviting me to record a CD and join the first festival organized by the label in Leipzig, along with bands like Novy Svet, Ait!, Ô Paradis, Wermut, Thomas Nöla, Mushroom Patience…

Comando Suzie has been, from the beginning, a very personal project, a way for me to express myself, never afraid of people’s opinions.

I love the name Comando Suzie with its ambiguous connection between the harsh and the sweet, and the fact that all this stays rather unclear. I know that it’s considered cool to be secretive about a band name, but is there an idea behind it?

OK, I’m going to tell you about how absurd it was the choosing of that name. Novy Svet were living near Barcelona at that time, and on the weekends we used to have dinner together with Jurgen, Frl. Tost, Demian of Ô Paradis and Sergio of Escama Serrada in a pizza restaurant close to my place. Novy Svet had a side project called Unidad Sasao, so after some bottles of Lambrusco I came up with the idea that if I ever had a band, I’d call it something similar, like Comando Sasao, or Comando Susi (Susanna was the name of my partner at that time). Then Frl. Tost suggested that it would sound much better in German, “Suzie”. And that’s the story behind the name…

For me, there is always something hypnotic in your music, which is combined with a serene melancholy. Would you say that this is an attitude to life which is familiar to you?

I’m such a melancholic person that I try to avoid it in order not to fall into a deep well that I couldn’t escape from. I only open that door when I write songs, and then I close it at once.

Despite your use of repetition and sometimes simple patterns, I never regard your music minimalistic. Maybe it’s the emotional side that makes it appear vital and opulent. How do you think about it?

I love simple patterns in music. As a matter of fact, I like simplicity in general, and have always believed that less in more. For instance, I really like hip hop drums, and also minimalist electronica rhythms. I guess the contrast between those cold and simple beats and my style of singing, so passionate and wordly, and the lyrics, which are closer to those of a classic songwriter are the things that make Comando Suzie different from a typical minimal electro band.

When it comes to the initial ideas for new songs, do they usually come when you’re playing with your equipment, or do they rather appear suddenly?

I usually compose while playing keyboards with a piano sound, searching for the structure of the song playing with chords, but sometimes I get a song from a rhythm pattern, or a synthesizer sound. Mostly, I first make the music, and later add lyrics, but also there’re times when both lyrics and music come up to my mind suddenly while riding my motorbike, and then I have to rush to the studio as soon I as get home.

The participants in CS have always changed over the years, still there is a continuing element or kind of a signature that stays. What is for you the red thread that leads through all the activities of your band?

As I said, every person that’s ever been in the studio or live with the Comando has contributed with some ideas. There’s only one thing I’d never accept, and is any suggestions or asking for any changes in my lyrics.

When you look at your backcatalogue, is there one album which you see as your most quintessential one?

My favorite one is the second album, “El Hombre Sentimental”, because it’s the most personal of all (aside the new album) rearding the things I explain in the lyrics, and it’s the perfect mixture of electronics and more kind of organic sounds.

Some of the new pieces are already out on Bandcamp and Youtube, so the song “Espigón”. The lyrics, like in the earlier song “Fotos”, refer to something like love in the age of digital media, and to me it almost appeared like a slice from an Eric Rohmer style movie. Do you see yourself as a storyteller?

Absolutely. What I’ve been doing from the first album is telling stories about things that happen around me, about my friends, acquaintances, society… I really enjoy condensing a story which makes more or less sense in 3 or 4 minutes. Of course I also get a great deal of ideas from things I see or read in the social media.

In the video and the title, places seem to play a role, and the zoom carries the viewer through the whole scenery. Do you refer to places connected to your own biography?

When I was living in Barcelona I used to love spending time on the beach and walk trough the breakwaters. That’s the only thing I sometimes miss from the city. Part of the video was recorded during the confinement, back in March, that’s why the beach looks deserted and kind of phantasmagoric, and the rest are older images I had on my phone.

By the way, which is the place with the high rise buildings at the beginning of the clip? I almost felt like in a Jess Franco film…

Those buildings are located in an area called Diagonal Mar, next to the beach and the Parc del Fòrum, where the Primavera Sound festival takes place. I like those buildings because there’s something unsettling about them, but at the same time one feels attracted by them and just can’t stop staring at them.

“Nubecita y Tormenta” means “Cloud and Storm” and deals with a topic that Coagul also has referred to: The fast shifts and changes that a city like Barcelona is undergoing these days. In the lyrics you hear about the inner city disctricts Gracia and Poble Sec. What inspired you to this song?

It’s a kind of night tour through Barcelona, with its endless nights full of clubs, music, faces and all kind of excess, and like other songs in the album, it’s somehow a way to say goodbye to a city I have lived in its highest intensity, and a place where I’ve experienced so many adventures and misadventures that left me emotionally worn out.

You moved to the neighbouring town of Terrassa north of Barcelona, Eva’s birthplace. Was this a spontaneous decision, and does the new place influences your songwriting?

Both Eva and I found ourselves facing a similar moment in our lives. We felt our lives in the big city had come to an end, and so we decided to move in to Terrassa, where we have a more quiet life, a slower rhythm. Terrassa is much smaller, with less cultural events, no tourists, no hipsters, no experimental music clubs…it feels a bit as if living in a village and this is something that has an influence when it comes to writing songs. Maybe the next lyrics will be a bit different, a bit more introspective, who knows?

Two years ago you participated on the mentioned Compilation “La Nuova Guardia” alongside Coagul, Escama Serrada and O Paradis. Was it mainly a celebration of your friendships, or also some sort of a hommage to Catalan underground?

Both, even if we’re musically different, there’s something common that unite all four bands, and it’s that Mediterranean Pop-Folk-Industrial spirit which seed was planted by Novy Svet in the times they were living in L’Ametlla del Vallès.

Your interpretation of the children song “Como la Luna” is quite exceptional for CS, as it’s rather experimental, and for me it fit quite well to the troubled situation in your place at that time. What’s the song about?

Well, it was Eva’s idea to make a cover of that children’s song, and all the arrangements in the song are made by her, so that’s the reason it has a different sound from the usual Comando songs, since she wanted to try something more experimental. It’s a song we used to sing when we were kids, and we remembered it talked about being as tall as the moon, but were totally surprised when we discovered that the lyrics talk about about soldiers coming from fighting in Catalonia. So yes, it somehow has to do with the political situation, and curiously enough, we added some words backwards of the Spanish president at the time speaking about Catalan people, and only a few days later he resigned. So, we laughed a lot thinking that maybe we had created some kind of magic spell unconsciously.

These days one should be careful with future plans and wishes, but of cause we all have some. Are there already plans for Comando Suzie in 2021?

I stopped making plans in the long term some years ago, and now, even more. I’m merely hoping to get my hands on the new vinyl and get to make some gigs the way they used to be, with people smiling with no masks.

(Interview: U.S., Translation U.S. und N. Seckel)

Fotos: Mònica de Miguel and Eva Grace

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Es ist nicht leicht, sich die doch recht unterschiedlichen Stile und Arbeitsweisen der beiden als Synthese vorzustellen, zumindest wenn man ihre typischeren Arbeiten im Ohr hat. Mendez ist ein experimentierfreudiger Kollagenbastler und steht bewusst oder unbewusst in der Tradition von Künstlern wie Organum, Nurse With Wound oder The Hafler Trio, ist allerdings das Gegenteil der feinen Art School-Pinkel, die diese Tradition heute fortzuführen trachten, und scheut keineswegs das Derbe und Bodenständige, und sei es in Form von The Klinik-Shouts. O’Callaghan hat einen viel größeren Fokus auf Rhythmus-Sequenzen und verbindet rituelle Elektronik mit kräftigen Slogans in seiner katalanischen Muttersprache. Früher oder später denkt man bei seiner Musik an Vagina Dentata Organ, das altgediente Projekt seines Landsmannes Jordi Valls, mit dessen Tochter Zoe er bereits zusammengearbeitet hat.

Trotz ihrer individuellen Ausrichtungen steht sicher eines fest: Wer die beiden kennt, wird sich ihre gemeinsame Hommage an den Mond ganz sicher nicht als schöngeistige Nachtromantik vorstellen, sondern eher als in Wahnsinn getauchten “lunatic’s tune”, wie ihn Marc Almond einst in seiner – Gerüchten zufolge ebenfalls vom katalanischen Mond inspirierten – Hymne “Madame de la Luna” besang.

Zwei Komponenten, die gleich mit dem hellen Läuten des Auftaktes losgehen, sind das feste, treibende und nicht selten noisig-ratternde Soundfundament und die forschen katalanischen Vocals, die sich wie proklamatorische Ansagen über die mit oder ohne Beats immer dynamischen Muster aus Synthies, Samples und verfremdeten Instrumentalsounds verbreiten. Meist hat die Stimmarbeit einen kämpferischen Ton und klingt wie der Auftakt zu einem heroischen Hymnus, was im Zusammenspiel mit der hypnotischen Monotonie der tiefknarrenden Synthies eine monumentale Stimmung evoziert. Brechungen gibt es dennoch einige: In „El Sabor de la Vida“, das wie ein Interludium anmutet, wirken die Spoken Words – diesmal von Sergio – erschöpft, angesichts der nervenzerrenden Monotonie von „Avis de Vista“ wirkt Marcs leicht verfremdeter Gesang zunächst gedrückt, bevor er sich in einer rituellen Schreiorgie freikämpft. In „De Buena Mañana“ flüstert Sergio zu spacig nostalgischen Hochtönereien. Noch mehr Variation gibt es auf der zweiten Seite: „Els Regnes Sublunares“ wirkt wie aus den 80ern gefallen und hat sogar eine etwas rundere, fast songartige Struktur, „La Luz Que Te Lleva de la Mano“ und „El Nostre Món“ sind mit analogen Soundspielereien, gesampleten Kinderstimmen und perkussivem Blechklappern am freizügigsten gestaltet und tragen deutlich die Handschrift Escama Serradas.

„Sub Luna Regis“, das jüngst auf hundert CDs über das von Comando Suzie betriebene Label Grabaciones Sentimentales herausgekommen ist, ist eine knappe Dreiviertelstunde zusammengeballter Energie, und ich wette dass die Lyrics, wenn man sie ausreichend versteht, all dies unterstreichen. Dass man es dabei nicht mit einer festen Band zu tun hat, könnte man glatt vergessen, und so bleibt nur zu hoffen, dass Coàgul und Escama Serrada ein weiteres Mal ihre Ideen gemeinsam in die Waagschale werfen. (U.S.)

Label: Grabaciones Sentimentales

Die “neue Garde”, die sich auf der vorliegenden Veröffentlichung präsentiert, besteht aus vier mittlerweile schon recht renommierten Acts, die alle in Katalonien beheimatet sind und meist in der einen oder anderen Form schon zusammen gearbeitet haben. Die musikalische Bandbreite der je drei Songs pro Band reicht von lärmigen Soundscapes bis hin zu eingängigem, melancholisch eingefärbtem Pop. Und dennoch gibt es eine tiefere, schwer greifbare Ebene, auf der die beteiligten Musiker mehr als nur freundschaftlich verbunden sind.

Coàgul, das rituelle Electro-Projekt des umtriebigen Marc O’Callaghan, eröffnet die Sammlung mit drei in unterschiedlichem Tempo nach vorn preschenden Tracks, die schon von den Titeln her – “Bandera Negra”, “Bandera Blanca”, “Bandera Vermella” – eine Art Triptychon bilden. Alle basieren auf Gesängen, die vermutlich von alten Platten gesamplet sind und in unterschiedlichen Graden verfremdet wurden. Einmal scheint es ein gemischter Chor zu sein, einmal ein launiges Volkslied und einmal ein trunkenes Mann-Frau-Duett. Ein kompromissloser, harscher Takt zwischen Downtempo und Noise-Stakkato setzt irgendwann ein und verbreitet zusammen mit weiteren Sprachsamples und sirenenhaften Synthies eine alarmistische Stimmung. O’Callaghans Gesang lugt dabei immer wieder zwischen den Soundbrocken hervor und betritt doch nie den vorderen Bühnenbereich. Man würde an den Stil von Bands wie Pankow denken, wären die Stücke songartiger, doch die zirkuläre Struktur verbreitet eine ganz eigene Hypnotik.

Mit Comando Suzie geht die Reise von Fuße des Tibidabo ins nördlich gelegene Terrassa, und musikalisch könnte der Bruch vom verzerrten, rhythmischen Ritualsound zu dem eingängigen Synthie-Wohlklang von Eva Grace und Raúl López nicht sein. Die harmonischen Klänge von “100 Copias” tendieren fast ein bisschen zum Lounge, López’ waviger Bariton singt eine berührende Melodie, in akzentuierten Momenten hört man weibliche Backing Vocals, und nur zwischen den Zeilen ist eine Abgeklärtheit zu spüren, in der sich vielleicht die Essenz des Stücks verbirgt. “Viernes Romántico”, der tanzbarste der drei CS-Songs, entfaltet ein noch breiteres Spektrum an schwermütiger Euphorie. Aus der Reihe tanzt der martialische Kracher “Como la Luna” mit seinen Snaredrum-Wirbeln und seinen kühlen Shouts über Könige und Soldaten, den man beinahe für einen Kommentar zur jüngeren politischen Situation des Landes halten könnte. Trotz seines dramatischen Textes ist der Song ein Kinderlied aus dem 18. Jahrhundert, das hier auf eine surreale Art – man meint im Hintergrund die Mad Woman in the Attic Charlotte Brontës zu hören – zu sich selbst gekommen scheint.

Die zweite Seite von “La Nueva Guardia” ist zwei Musikern vorbehalten, die ohnehin stark verbrüdert sind. Sergio Mendez alias Escama Serrada und Ô Paradis-Sänger Demian leben beide im beschaulichen L’Amettla del Vallès und unterstützen sich seit Jahren bei Aufnahmen, und die bei Tourette erschienene Doppel-EP ließ die beiden bereits wie zwei Kehrseiten einer Medaille erscheinen. Rein stilistisch ist ihre Musik aber recht unterschiedlich.

Im introhaften “Ansiedad” Escama Serradas huschen diverse Klangfragmente durch den Raum, aufwühlende Detonationen lösen sich auf in vibrierenden Raumklangspielereien, und im sich stetig steigernden Pulsieren macht sich ein leichter Anflug von etwas Organischem vor der kühl maschinellen Kulisse bemerkbar. Mendez Projekt ist im Schnitt das “experimentellste” der hier vertretenen, fast überrascht es deshalb, dass im folgenden “Antisocial” Takte nach Cold Wave-Art und gewollt leiernder, schwermütiger Gesang anklingen. Das rauere und eisige “El Frio Suelo”, das bereits wie ein Finale wirkt, steigert all dies noch, konterkariert die verrauschten Vocals und die Downtempo-Rhythmen aber gegen Ende mit dem “folkigen” Mandolinen-Gastspiel von Léo a.k.a. Niedowierzanie.

Bei dem fast aggressiven, elektronischen Dröhnen zu Beginn von “Pasado” fragt sich der eine oder andere vielleicht, ob das wirklich Ô Paradis ist, der natürlich schon früher (“La Boca del Infierno” ist nur ein Beispiel) nicht nur sanft und eingängig klang. Wenn sich erst der entspannte Triphop-Takt und Demians warme Stimme bemerkbar machen, ist der magische Realismus des international vielleicht bekanntesten der vier Projekte kaum mehr zu verkennen. Die drei Stücke bilden eine kleine Zeitreise, und das zentrale “Presente” scheint mir der Höhepunkt zu sein – aufgewühltes Synthiewabern wie aus einer anderen Welt, grobkörnige Flächen und ein altmodischer Harmoniumklang kreieren ein hypnotisch entrücktes Hier und Jetzt, in dem ich gern verweilen würde. “Futuro” gibt mit fatalistischem Gesang, einer verwehten Pianospur und hintergründigem Rumoren einen offenen und ehrlich anmutenden Ausblick und Ausklang.

Ein gewisser Fatalismus, eine Schwermut, die doch immer vital daherkommt und in eine verhaltene Lebensfreude getaucht ist – vielleicht ist dies, mehr noch als der eine oder andere raue Flächensound, der sich in allen Beiträgen findet, das am meisten verbindende Element. Mit etwas Fantasie könnte man es “die perfekte Mischung aus Apokalypse und Dolce Vita nennen”, ein Slogan, mit dem Alexander Götzke einmal im Equinoxe Magazin die Musik von Nový Svět beschrieb.

Ich erwähne die Wiener Band, die selbst ein paar Jahre in L’Amettla residierte, nicht grundlos, denn in den Treppenhäusern des Untergrunds hat sich ohnehin schon das Gerücht verbreitet, dass die Liebe aller Beteiligten zu Nový Svět die Veröffentlichung wie mit einem unsichtbaren Band zusammenhält. Nový Svět, die musikalisch immer schwer greifbar waren und so vielgestaltig wie die hier vertretenen Stücke, standen und stehen mit allen dieser neuen Garde im Kontakt. Zusammen mit Ô Paradis entstanden seinerzeit zwei gemeinsame Alben, wiederholt gab es Gastspiele auf den jeweiligen Platten, selbst in den letzten Jahren, in dem die Wiener eine zwar immer noch rege, aber dennoch merkwürdig geisterhafte Existenz führen. Von Coàgul erschien ein Tape auf Nekofutschata, dem Hauslabel der Band. Alle hier betrachten die Wiener als wichtigen Einfluss für ihr eigenes Schaffen, und u.a. waren es auch Nový Svět, welche die katalonische Musikszene auch überregional etwas bekannter gemacht haben.

Für Neueinsteiger mag dies eine Fußnote sein, aber es ist in jedem Fall eine, der es nachzugehen lohnt, und auch von der vier Bands auf “La Nueva Guardia” gibt es einiges zu entdecken. Einen besseren Einstieg als das vorliegende Album dürfte es wohl nicht geben. (U.S.)

Label: Nøvak Records

Wahrscheinlich ist es die enorme Energiegeladenheit, die einem als erstes ins Auge springt, wenn man zum ersten mal Marc O’Callaghan bei einer Show seines Projektes Coàgul auf der Bühne sieht. Gleichzeitig entsteht der Eindruck, dass die druckvolle elektronische Musik des Katalanen, die immer wieder – etwas vorschnell? – mit klassischer ritueller Elektronik wie TG oder frühen Coil verglichen wird, ganz spontan entstanden ist – improvisiert, aus der Stimmung heraus oder einer inneren Notwendigkeit folgend entstanden. Das gleiche gilt für die Performances und die Zeichnungen des vielfältig aktiven Künstlers. Bei O’Callaghan steht all dies in keinem Widerspruch zu teilweise minutiös durchdachten Konzepten, bei denen Aufnahmen meist im Zeichen starker Symbolik stehen. Vielleicht ist diese Mischung aus Improvisationsgeist und Konzeptualität auch gerade richtig bei einem Projekt, das sich ganz dem Koagulieren, dem Zusammenbringen und Bündeln von zerstreuten Energiefetzen verschrieben hat. Hört man Marc reden, bekommt man schnell den Eindruck einer unaufhaltbaren Kreativität, und sicher ist, das man in Zukunft noch einiges mehr von ihm und Coàgul hören wird. Hier nun sein erstes Interview in deutscher Sprache.

English Version

Du bist Musiker und bildender Künstler, letzteres hast du auch studiert, aber wahrscheinlich hast du schon viel früher mit Kunst irgendwelcher Art begonnen. Was kannst du uns über deinen Hintergrund und Anfänge erzählen?

Nun, ich schätze, ich könnte sagen, dass ich die sogenannten kreativen Sachen schon mache, seit ich mich erinnern kann. Ich könnte die archetypische “Künstlergeschichte” erzählen, dass ich ein sehr kreatives Kind war seit ich denken kann, dass ich ein auserwähler Junge mit Superkräften war, von Gott gesandt mit einer heiligen Mission auf Erden; und es wäre wahr, aber ich möchte euch lieber nicht langweilen damit. Sagen wir lieber, dass ich keinen bezeichnenden Hintergrund ausmachen kann, ich denke es ist ein mehr oder weniger vage fortschreitender Prozess, vorangetrieben vom unerwarteten Lernen hier und da.

In welchem Ausmaß gehören Musik und Artwork für dich zusammen? Ist Coàgul mittlerweile ein Rahmen, der das alles umfasst?

Musik und Artwork sind zwei verschiedene Arten, Ideen zu manifestieren. Die eine Sache vervollständigt die andere und umgekehrt. Bei Coàgul war es anfangs so, dass das Visuelle im Großen und Ganzen auf Kollagen basierte, die ich aus Fotokopien von Reinassence-Gemälden angefertigt hatte. Daneben machte ich schon diese automatischen Zeichnungen, was später meine übliche Art des Zeichnens wurde. An einem Bestimmten Punkt merkte ich, dass die Musik von Coàgul und diese Zeichnungen ganz gut miteinander verschmolzen sind.

Warum hast du dich für Coàgul als Name entschieden?

Ich suchte einen Namen in Katalanisch, der trashig und altertümlich zugleich klang, so wie die Namen einiger Hardcore Punk-Bands, die ich damals viel hörte, oder wie die legendäre katalanische Heavy Metal-Band Sangtraït. So notierte ich mir erst einmal eine sehr lange Liste mit potenziellen Namen. Aber dann wollte ich doch eher einen Namen nehmen, der auf mehr oder weniger verschlüsselte Art den Grund benennt, warum ich machte, was ich machte. Als ich die Liste noch einmal las, war mir ganz plötzlich klar, dass Coàgul der richtige Name sein musste, denn mir wurde klar, dass meine Intention genau definiert werden konnte bei dem, was die Hermetik “Koagulation” nennt: etwas wiederverbinden, was zuvor zerstreut worden ist. Meine ursprüngliche Idee mit diesem Projekt war es, Songs zu produzieren, die alle als eine Art Akkumulation oder Kondensation spezifischer Archetypen oder universeller Ideen oder kosmischer Prinzipien oder wie du es nennen willst, fungieren. Wenn ein Song gespielt wird, tritt der Hörer in Kontakt mit diesem speziellen kosmischen Prinzip in all seinem Glanz. Die Welt, in der wir heute leben, dreht sich völlig um Auflösung und Zerstreuung, so war es dann meine Absicht, eine Art “notwendiger Konzentration” zu bewerkstelligen. Ich mag die Idee eines Namens mit verschiedenen Schichten von Bedeutung, die von den Profanen und von den Eingeweihten unterschiedliche gelesen werden können.

Es gibt Musikgenres, in denen okkulte Referenzen recht häufig vorkommen und in vielen Fällen scheinen sie nur dafür da zu sein, die Musik etwas interessanter zu machen oder bestimmte mit einem Genre verbundene Erwartungen zu erfüllen. Ich fand immer dass Coil zu den wenigen Künstlern zählten, die Referenzen an “Magic(k)” in einer geschmackvollen und originellen Art einbrachten, und auch deine Anspielungen lassen ein tieferes Interesse vermuten. Würdest du sagen, dass das Okkulte die Hauptmotivation deiner Arbeiten ist?

Ich würde sagen, das Okkulte (oder genauer: Symbolismus) ist nur die Sprache, mit der ich die Ziele meiner Arbeit zu erreichen versuche. In den Elementen des Ausdrucks, die ich verwende, versuche ich dies neben der allgemeinen Sprache oder den einfachen poetischen Bedeutungen. All dies bezieht sich gleichzeitig auf bestimmte universelle Archetypen, mit denen ich gerne spiele, um ihnen allen einen Platz in der langen, unsichtbaren Kette primordialer Tradition zu geben; und diese Traditionen auf die eine oder andere Art zu “hacken”, in dem ich versuche, einen aktiven Part in der fortlaufenden Kosmogenese der Wirklichkeit einzunehmen. Aber mit der Zeit wird mir auch immer mehr klar, dass es nicht nötig ist, meine Arbeiten so esoterisch amnuten zu lassen, damit sie esoterisch sind. Tatsächlich ist es eher noch andersherum. Und genau da denke ich, dass ich in der Vergangenheit oft gescheitert bin, und andere selbsterklärte okkulte Künstler scheitern dort nach wie vor. Ich kann über tiefe, kosmische Fragen auf sehr oberflächliche und profane Art reden und umgekehrt. Wenn “okkult” lediglich “versteckt” bedeutet, was für einen Sinn hat es dann überhaupt, dieses Wort zu gebrauchen, wenn du alles zeigst? Andererseits denke ich manchmal, dass man manchmal gar nicht anders kann, als eine Kette von Symbolen herauszukotzen. Die hauptsächliche Motivation meiner Arbeit ist das, was ich am Ende der letzten Antwort erklärt habe, und das Okkulte mag nur ein Medium sein, das sich in vielen Variationen manifestiert, die viele Werke hervorbringen.

Folgst du v.a. deiner eigenen Suche, oder geht es dir ebenso sehr darum, dass sich Energie auf das Publikum überträgt?

Meine eigene Suche überträgt Energie auf das Publikum.

Was die Verbindung zwischen der Musik und den zugrundeliegenden Konzepten abgeht – was kommt zuerst, wenn du an einem neuen Stück arbeitest?

Es gibt zwei Linien oder Arten von Arbeiten. Eine Art (die man als “die trockene” bezeichnen könnte) besteht darin, zuerst ein bestimmtes Ziel zu lokalisieren (wagering) und dann die Worte zu finden, die ihnen Ausruck verleihen (consecution). Dann kommt die Synthesizer-Grundlage, die den “physischen Körper” des Sounds bereitstellt, um den Bau des Songs zu vollenden. Die andere Art (sie könnte man dann “die feuchte” nennen) besteht darin, ein oder mehrere sinnliche Elemente zu nehmen, die ohnehin schon in meinem Hinterkopf herumwandern (vielleicht ein paar Akkorde von einem schon existierenden Song, den ich mag, oder die numerologische Struktur eines bestimmten Rhythmus, oder die Faszination für eine bestimmte Art Sound, oder die Neugier, bestimmte linguistische Formen auszuloten) und durch die experimentelle Verknüpfung einiger dieser Elemente versuche ich, ein Gefühl oder eine Idee zu “entziffern”, die die Elemente triggern, die den Song vervollständigen. Ohne Intention gehe ich je nach meiner momentanen Verfassung auf die eine oder andere Weise vor, oder manchmal verschmilzen sie auch in einem ausgewogenen Verhältnis. „La Forja Centrípeta“ und „Semanario Químico“ zum Beispiel sind komplett auf die erste Art entstanden, das „Ascensor Genital / La Mort És Dolça“-Tape oder einige Songs auf „La Roda de la Justícia“ dagegen auf die zweite Art.

Auf “Semanario Químico“ spielen die vier Elemente eine wichtige Rolle und kommen immer wieder in den Lyrics vor. Was kannst du zum Konzept des Albums sagen? In welchem Maß spielen Ideen über Alchemie eine Rolle in deinen Arbeiten?

In diesem Album geht es um die vertikalen Bezogenheiten aller sieben horizontalen Ausrichtungen: sieben Wochentage, sieben Planeten, sieben olympische Götter, sieben Metalle, sieben Körpergewebe, sieben Düfte, sieben elektromagnetische Kräfte. Sieben Arten oder Voraussetzungen des Daseins, um es zusammenzufassen. Jede dieser sieben Dispositionen ist geformt durch die Kombination von mehreren der vier Elemente. Deshalb gibt es in der dritten Zeile jeder Strophe eines Songs immer eine Referenz zu verschiedenen Elementen. Das zeigt dann, wie das Prinzip der vier (die erschaffene materielle Welt, die unbewegte Natur) in Addition mit der drei (Bewegung, Transzendenz der Dualität) das Prinzip der sieben (Handlung in der Welt) hervorbringt. Auf diese Weise spielt Alchemie in meinen Arbeiten die gleiche Rolle wie jedes andere System von Korrespondenzen, das uns befähigt, die immerwährende Tradition mit den profanen Dingen des täglichen Lebens zu verbinden, und das letztlich das universelle Bedüfnis des Menschen erfüllt, im Einklang mit der kosmischen Ordnung zu leben und eines Tages selbst Gott zu werden.

Der Begriff ‘Ritualmusik’ wird oft als eine Stilbezeichnung benutzt. Würdest du Coàgul als ein rituelles Projekt bezeichnen in dem Sinne, dass die Performanches als Rituale gedacht sind?

Ja, absolut. Mehr noch als eine bestimmte theatralische Ästhetik ist ein Ritual ein programmierter sozialer Rahmen, in welchem die gewöhnliche Zeit unterbrochen ist, um eine Verbindung zur Heiligen Zeit zu schaffen, eine Zeit, die eine Art ewige Gegenwart ist. Ja, das ist genau das, was ich in meinem Performances versuche.

Deine Musik erscheint oft in (sehr) kleinen Auflagen. Denkst du, dass deine Musik nur für eine kleine Anzahl an Menschen bestimmt ist?

Nein, überhaupt nicht. Das ist bis heute so, weil die Labels, die die Veröffentlichungen herausbringen, entweder ihre wirtschaftlichen Grenzen haben oder von sich aus ein exklusives und schwer zu findendes Werk machen wollen, das mit der Zeit im Wert steigt. Ich denke aber auch, dass meine anfänglichen Ziele erreicht werden, wenn erst einmal mehr Menschen meine Musik kennen. Die Tore des Himmels müssen zerschmettert werden!

Inwiefern ist das verwendete Medieum (Tape, CD, etc.) wichtig für eine Arbeit? Gibt es Stücke, die nur zu einem bestimmten Medium passen?

Das Medium ist wichtig im Hinblick auf den Grad seiner Zeitlichkeit. Der Mechanismus des Tapes zum Beispiel impliziert, dass es zyklisch reproduziert werden muss, insofern dass du am Beginn einer neuen Seite bist, sobald du die erste zuende gehört hast. Ich sehe dies als ein Symbol der graduellen Beziehung von Gegensätzen, eine Art Ouroboros. Wenn ich also ein Angebot zur Veröffentlichung eines Tapes bekomme, dann halte ich Ausschau nach einem Gegensatzpaar, dass dann die beiden Songs bzw. Seiten hervorbringt. Um das mit einem Beispiel zu illustrieren, erzähle ich euch, dass ich gerade an zwei Stücken für ein Tape arbeite, deren Lyrics forlgendermaßen verfasst sein werden: Jede Seite wird zehn Verse beinhalten, und jeder Vers wird mit einem Syntagma beginnen und mit einer Frage enden. Wenn du die Frage hörst und dir genau an der Stelle die andere Seite der Kassette anhörst, dann hörste du die Antwort dazu. Wenn ich etwas auf Vinyl herausbringe, konzipiere ich das in einer ähnlich dualistischen Weise, aber mit dem Gedanken, dass es für die Hörer viel einfacher ist, zwischen den Tracks zu skippen. Wenn es sich um eine CD oder direkt um mp3 handelt, versuche ich Songs zu machen, die in der Hinsicht freier sind, Arbeiten, deren Teile gleich funktionieren, auch wenn sie Permutationen, Fragmentierung und willkürlicher Anordnung ausgesetzt sind. Um es in Deleuze’ Begriffen zu sagen: Tape und Vinyl arbeiten in einer geordneten Art und Weise und angetrieben nach einem initiatorischen Programm, wie ein Baum; das digitale Format arbeitet viel chaotischer und angetrieben von einer kontingenten Notwendigkeit, wie ein Rhizom. Manchmal folgen auch CDs einem Programm, aber anstelle eines Zyklus ist es mehr eine Art one way trip. Wie dem sei, in jedem Fall spielt das Format eine wichtige Rolle als Element, das eine Arbeit konzeptuell bestimmt.

Abgesehen davon impliziert jedes Format einen bestimmten Zugang im Hinblick auf die Konzentration. Ein Hörer, der eine Aufnahme am Rechner hört, macht eventuell etwas nebenbei, ein Album auf Plattenspieler zu hören ermutigt vielleicht zu einer etwas ritualisierteren Hörerfahrung. Aber ich denke, das ist ziemlich subjektiv, und die genau entgegengesezte Situation kann vorkommen, je nach den besonderen Tugenden und Lastern des jeweiligen Hörers. Mit der letzten LP „Tot Encaixa!“ beispielsweise wollte ich das Hochladen zum online hören vermeiden, hauptsächlich weil ich dachte, dass die Songs ein etwas aufmerksameres Hören erfordern, um sie so zu erfahren, wie sie erfahren werden sollten. Auch weil der erste Song auf jeder Seite sehr ernste Fragen enthält, die die Hörer in einer reflexiveren Situation wahrnehmen sollten als in der Zerstreuung und Hyper-Simultaneität dieses chaotischen psychischen Meeres, welches das Internet darstellt.

Sind Performances und Veröffentlichungen ähnlich wichtig für Coàgul? Wie würdest du den Unterschied zwischen deinen Konzepten im Live-Kontext und auf Tonträger erklären?

Quantitativ haben sie genau die gleiche Wichtigkeit, aber sie sind von der Qualität her völlig entgegengesetzt: Auf Platte werden Konzepte als Doktrin transportiert, als ein Heiliger Text, als Theorie; in einem Live-Kontext sind die Konzepte durch eine Erfahrung in Echtzeit vermittelt (für mich und das Publikum), und die Realisierung der Doktrin vollkommen abhängig von den Gegebenheiten von Raum und Zeit. Andererseits muss ich sagen, dass beide Richtungen sich in ihr Gegenteil verkehren können, wenn man sie an ihre Grenzen bringt. Ist ein Konzert derart archetypisch und zeitlos, dann kann es alle Attribute einer Doktrin bekommen. Wenn eine Platte in der effektivsten Weise gehört wird, die möglich ist, dann kann das vielleicht die gleiche Konsequenz haben wie eine rituelle Live-Action.

Wie essenziell ist Humor in deiner Arbeit? Denkst du, Underground-Musik braucht mehr davon?

Abgesehen davon, dass Humor die Distanz zwischen Sprecher und Hörer überbrückt, zeigt er, dass du nichts zu verstecken hast und dich so menschlich-allzumenschlich zeigen kannst, wie du bist. Wenn sich Bands zu ernst geben, denke ich, dass sie eine Menge an Unsicherheit zum Ausruck bringen, vielleicht ohne es zu wollen. Wenn Leute so ernst sein wollen bei den Dingen, die sie tun, sind sie mir suspekt. Über sich selbst zu lachen ist eine fast schon masochistische Art sich zu verteidigen, ein Akt der Liebe, ein Weg, dich in eine niedrigere Position als den Zuschauer zu stellen, um zu zeigen, dass man letztlich aus dem gleichen Fleisch und Blut gemacht ist.

Welche Musik hörst du im Moment selbst, wenn du nicht gerade an deiner eigenen arbeitest? Irgendwelche Geheimtipps?

Ich höre alle Arten von Musik. Ich passe immer auf, was es gerade für Hypes gibt, denn auch wenn ich noch so sehr versuche, aktuelle Trends zu vermeiden, beeinflusst mein Umfeld ja doch alles, was ich mache. Es ist eine Frage der Verbindung mit dem “Zeitgeist”… Wenn du die Wirklichkeit beeinflussen willst, muss alles, was du machst mit den Parametern deines unmittelbaren Raum-Zeit-Kontextes auf einer Welle sein. Etwas anderes, das ich so oft es geht mache (und ein “Geheimtipp”, den ich wirklich jedem ans Herz legen würde) ist, dass ich mich dazu zwinge, Sachen zu hören, die ich auf den ersten Eindruck nicht mag. Mehr und mehr wird dein Geschmack reifen und deine Kreativität wird ein weiteres Feld an Möglichkeiten haben, um sie zu erforschen. Deshalb sehe ich mir so gerne diese Mainstream-Musikvideos im Fernsehen an mit den fürchterlichen Songs, wenn immer ich dazu komme. Wir können von beschissener Musik eine Menge lernen, weil sie in ihrem Kern echte funktionale Muzak ist, was sie ja durch ihren Effekt auf die Bevölkerung beweist und ihre selbst-erhaltende kapitalistische Endloskette an Wiedergeburten.

Du benutzt die katalanische Sprache sehr häufig in Titeln, Lyrics und begleitenden Texten. Hat das hauptsächlich damit zu tun, dass Katalanisch deine Muttersprache ist, oder spielt da auch ein gewisses regionales Element eine Rolle in deiner Musik?

Katalanisch ist meine Muttersprache und die Sprache, in der ich meine inneren Gedanken artikuliere, aber ich bin überhaupt kein katalanischer Nationalist (ebensowenig ein spanischer). Wenn du den Wert dieser Sprache würdigst, dann ist es wegen ihrer lokalen Implikationen: Ich finde den Gedanken reizvoll, dass die Verwendung des Katalanischen für meine Lyrics meine Arbeiten in einen lokalen Kontext bettet, und dadurch wird das Werk so etwas wie ein archivierendes Dokument eines partikularen Teils der Geschichte oder einer bestimmten Zeit an einem bestimmten Ort. Anfangs gebrauchte ich es nur weil ich von dem Klang nach Blut und Eisen so fasziniert war, den ich als Kind durch die Band Sangtraït entdeckte. Bisweilen hatte ich die universelle Idee im Kopf, jede mögliche Sprache zu verwenden, je nach dem, an welches Publikum ich mich gerade richtete; und deshalb veröffentlichte ich eine Reihe an Aufnahmen in Spanisch, weil sie von Labels in Madrid veröffentlicht wurden, oder das Split-Tape mit Dvnkel Reich, da er in der Regel auf Spanisch singt, was ich dann auch tat, damit ein etwas einheitlicheres Werk dabei herauskam. Der erste Release von Coàgul hieß „Wargasm!“, denn es sollte an die ganze Menschheit gerichtet sein. Aber ich sah immer mehr, dass der katalanische Gesang dem Projekt einen archaischen Folkcharakter gab, der auch für ein nicht-spanisches Publikum attraktiv sein könnte aufgrund seiner Exotik; und von dem Moment an wurde das Katalanische zu einem sprachlichen Vehikel für Coàgul, bis zu dem Punkt, dass ich es schon als eine Art Heilige Sprache wie Latein betrachte, das auch Jahrhunderte nach seinem Tod immer noch benutzt wird in der Katholischen Kirche oder in lokalem Slang, und das entziffert werden muss in jedem anderen Land, das Zugang zu den metaphysischen Enthüllungen finden will, die in Texten enkodiert sind. Ich mag es außerdem sehr, dass Katalanisch für die Leute um mich herum so vertraut klingt. Und dass es in einer solchen Musik funktioniert, beobachten sie mit einem heiteren Unglauben. Ein Freund erzählte mir einmal, dass, als er zum ersten mal Coàgul gehört hatte, sein Glaube an den Gebrauch des Katalanischen wiederhergestellt war.

Als ich in Barcelona war, hat mein Kollege, der fließend Spanisch spricht, mehrmals die Erfahrung gemacht, dass Leute lieber auf Englisch als auf Spanisch antworteten. Welche Rolle spielt das Katalanische für dich und andere im Alltag?

Ich weiß nicht, wie es deinem Freund ging, aber ich denke, das ist ein eher untypischer Fall. Vielleicht dachten die Leute, dass es auf Englisch einfacher für ihn sei, oder sie nutzten einfach die Gelegenheit, ihr Englisch ein bisschen zu praktizieren. Genau so geht es auch mir, wenn ich im Souvenier-Laden der Kathedrale (gemeint ist die im Barri Gòtic gelegene La Catedral de la Santa Creu i Santa Eulàlia, Anm. d. Red.) arbeite, wo die meisten Kunden Touristen sind, da stellt sich mein mentaler Autopilot sofort auf das Englsiche ein, was meist schneller und ergiebiger ist. Abgesehen davon gebe ich ehrlich gesagt keinen feuchten Dreck auf die Spanisch vs. Katalanisch-Kontroverse. Die meisten, die die eine oder die andere Seite verteidigen, haben als vermeindlich antagonistische Gruppen mehr miteinander gemeinsam (letztlich leben sie auf die gleiche Art und sind gefangen in den gleichen engstirnigen mentalen Schemata), als mit mir oder mit Menschen, die ich liebe. Ob es um die eine oder andere Farbe, um Sprache, um Symbole oder was auch immer geht, die wirtschaftlichen Lobbies sind immer der gleiche Mist: Immer wieder kleiden sie sich in die Deckmäntel des Idealismus und der guten Absichten, aber am Ende interessieren sie sich nur für die Befriedigung ihrer grenzenlosen Gier. Macht sieht nichts anderes als sich selbst. Obwohl Katalanisch wie gesagt die Sprache ist, in der ich seit jeher denke und spreche, gebrauche ich im Alltag immer die Sprache, mit der es am einfachsten ist, mit anderen zu kommunizieren. Ich wünschte, ich könnte alle existierenden Sprachen sprechen.

Es gibt eine ziemlich rührige Underground-Musikszene in um um Barcelona mit Bands, Konzerträumen, Labels und Plattenläden, aber all das ist außerhalb der Region längst nicht so bekannt wie es sein sollte. Denkst du so etwas wie ein “Catalan Occult Psychedelia”-Hype (angelehnt an die sogenannte “Italian Occult Psychedelia”) könnte dazu beitragen, dass der Name der Stadt in Zukunft etwas dicker gedruckt wird?

Ich denke nicht, dass so eine “Catalan Occult Psychedelia” je existieren könnte, schon deshalb, weil ein Okkultist zu sein ja bedeutet, dass du an immanente oder transzendente Wesenheiten glaubst, die unabhängig von der Menschheit existieren können, und ich glaube niemand in der katalanischen Musikszene glaubt an irgend etwas, das jenseits des Menschlichen oder Materiellen ist. Nur wenige von uns glauben an irgendeinen Gott. Auch denke ich nicht, dass das Label “Psychedelic” passt, den einerseits sind die Leute, die psychedelische Musik spielen, nicht sehr psychedelisch im metaphysischen Wortsinne, auf der anderen Seite sind Menschen, die man in ihrer Essenz als wirklich psychedelisch bezeichnen könnte, selten an psychedelischer Musik interessiert (was ich sehr gut verstehen kann). In jedem Fall denke ich nicht, dass es in der katalanischen Musik irgend einen gemeinsamen stilistischen Nenner gibt, der sich als Bezeichnung anbieten würde, zuminest bis heute. Sollte Barcelonas Name jemals etwas größer gedruckt werden, dann wahrscheinlich für ganz andere Dinge als einen hypothetischen Musikstil. Es gibt hier eine Menge an kleinen Kreisen von Leuten, die viel zustande bringen, das ist wahr, aber jeder auf seine eigenen Art. Es gibt keine Einheit. Aber ich denke, das ist auch kein lokales Phänomen, es passiert wohl überall so auf der Welt als Folge der Geschwindigkeitszunahme im Zuge der Globalisierung und der Hypersimultaneität des Internet-Lifestyles. Meine Position ist, dass wir weiterhin machen sollten, woran wir wirklich glauben, und die Zeit wird es zeigen.

Soweit ich weiß, planst du ein Split-Tape mit Escama Serrada und ein neues Album auf Nekofutschata. Was kannst du uns darüber erzählen?

In dem Moment, wenn ich dies schreibe, ist die neue LP auf Nekofutschata schon draußen und über den TUT/RUR-Vertrieb zu bekommen. Sie heißt „Tot Encaixa!“ und enthält drei Stücke auf jeder Seite. Die sechs Stücke wurden in der gleichen Session wie „La Forja Centrípeta“ aufgenommen, im April 2014 in Barcelonas La Cova De La Bèstia mit Unterstützung von Daniel Muerte (Bassist der katalanischen Punkband Una Bèstia Incontrolable). „La Forja Centrípeta“ war ein sehr programmatisches und konzeptuelles Album, und die anderen sechs Songs waren mehr frei ausgerichtete kleine Stücke mit keiner zuvor angestrebten Richtung. Als „La Forja Centrípeta“ schon unterwegs zum Presswerk war, entschied ich, dass ich die sechs Stücke ebenfalls rausbringen wollte. Zur gleichen Zeit und total zufällig fing ich an mit Jürgen von Nový Svět über das Internet zu kommunizieren. Wie ich mit ihm in Kontakt kam, ist nach wie vor verschwommen in meiner Erinnerung. Zum einen erinnere ich mich, dass Christian Schoppik, ein sehr cooler Mann, den ich kenne, weil er mir anbot, im Januar 2015 in Würzburg zu spielen, mir von einer geheimen Soundcloud Jürgens erzählte. Zum anderen erzählte mir Sergio von Escama Serrada, dass es Ulla von Nový Svět war, die anonym einige Gravuren und Drucke über meinen Webstore kaufte, als Weihnachtsgeschenk für Jürgen. Ich fragte Jürgen später, ob er mir ein paar Labels empfehlen könnte, aber bevor ich ihm überhaupt antworten konnte, um mich zu bedanken, schrieb er erneut, um mir zu sagen, dass er die sechs Songs selbst herausbringen würde und extra dafür auch das Nekofutschata Music Cabaret wiederbeleben würde. Da ich seit Jahren (sogar länger, als es Coàgul gibt) ein großer Nový Svět-Fan bin, war meine Freude darüber, dass sie meine Musik nicht nur kennen und mögen, sondern auch noch veröffentlichen wollten, so groß, dass ich kaum Raum in meinem Herzen hatte für ein so enormes Gefühl.

Was kannst du uns über die sechs Stücke erzählen?

Der Titeltrack wurde im Frühjahr 2014 entworfen als Soundtrack für einen Kurzfilm namens „Hathor“, produziert vom Ex Abrupto-Kollektiv und von CopdeCap (das Projekt von Zoë Valls, der Tochter von Jordi Valls von Vagina Dentata Organ), in welchem ich auch nackt auftrat als “Hund-Mann”, der von einem Mädchen durch ein Mohnfeld nahe dem katalanischen Dorf Moià getragen wird. In dem Kontext wurde auch das Inlay-Foto vom Ex Abrupto-Fotografen Efrén Razquín gemacht. Später im Sommer dieses Jahres organisierten Ex Abrupto ein Festival in Moià, in welchem ich als Resident Artist teilnahm und für eine ganze Woche in einem leeren Raum damit zubrachte, dessen Wände mit Motiven aus den Volkssagen der Gegend anzumalen. Am Ende performte ich eine Live action und spielte das „Tot Encaixa!“ Stück zum ersten mal. Aus den audiovisuellen Aufzeichnungen dieser Arbeit, eingefangen von der großartigen Künstlerin und Freundin Adriana Petit, ging das Foto des Wandgemäldes hervor, das im Artwork der LP vorkommt, ebenso das Video, das im Netz zu finden ist. Auch wenn es mehr ein Corpus an unverbundenen Stücken darstellt, haben alle gemeinsam, dass sie in der einen oder anderen Art ein Dokument dieser Zeit an diesem Ort sind, und dass alle gleichermaßen konzeptuell bezogen sind auf eine situative, gemeinschaftliche Idee. Das Titelstück ist auch als eine Art Formel oder Axiom gedacht, welches auf die synchrone Natur des Universums verweist. Wie wenn du an eine bestimmte Person denkst und ihr dann zufällig auf der Straße begegnest, oder wenn du auf die Uhr schaust und jedesmal identische Ziffern siehst: 11:11, 23:23, 03:33, etc. Das kosmische Gesetz der unsichtbaren Fäden, die die verschiedenen koexistierenden Universen durch symbolische Korrespondenzen verbinden. Das “Micro-Macro”-Gesetz, nach dem Magick und Religion funktionieren. Auch das paranoische Gefühl, verstanden als ein sechster Sinn, durch den wir diese Verbundenheiten sehen können, wenn sie am meisten versteckt sind. Ich verstehe nun, dass die gleiche Idee einer Ode an die Koinzidentien des Lebens auch ein Weg “karmischer Gerechtigkeit” ist, über den ich die koinzidentiellen Dynamiken würdige, die sich in der LP materialisiert haben. Es gibt noch ein anderes Video des zweiten Tracks „Efedrina“ im Netz. Das Album wird präsentiert werden mit einer speziellen Live-Action im Kontext der nächsten Ex Abrupto-Intervention, das in dem Palast in der katalanischen Stadt Vic stattfinden wird, in dem der gesegnete Sant Antoni Maria Claret eine Vision der Jungfrau Maria hatte. Das wird am 28. Mai stattfinden im Rahmen des „Paradazero“-Festivals.

Wie sieht es aus mit dem Release mit Escma Serrada? Wird es ein Spit-Tape werden?

Das Album mit Escama Serrada wird weder ein Tape noch ein Split werden. Es ist eine Kollaboration, an der Sergio und ich schon vor langer Zeit zu arbeiten begannen als wir uns kennenlernten, ungefähr 2013. Der Prozess verlief nach Art der bekannten surrealistischen Technik des cadavre equis, bei der jeder Teilnehmer etwas produziert und es dem anderen schickt, der dann mehr hinzufügt, so dass sich Schicht um Schicht ergänzt, bis es ein Werk zweier Leute ist. Das Album wird „Sub Luna Regis“ heißen und dreht sich komplett um Freud und Leid des Unterbewussten. Sergio leidet an Schlaflosigkeit und ich schlafwandelte als Kind, weshalb wir starke Meinungen zu diesem Thema haben. Ich bin überzeugt, dass die Welt der Träume ebenso real ist wie die “reale Welt”, die wir wach erleben, aber sie funktioniert nach einer von der Tageslogik derart unterschiedenen Logik, dass wir sie nicht verstehen können. Wenn du träumst, dass du eine (tote oder lebende) Person triffst, glaube ich, dass du diese Person wirklich in dieser Parallelwelt triffst. Alte Religionen versicherten, dass Träume Botschaften der Götter seien, v.a. die Träume, an die man sich ein Leben lang erinnert. Es gab Zeiten, da versuchte ich jeden Traum zu dokumentieren, ebenso jede erlebte Erfahrung im Alltag, mit der Intention, beide Welten in einer einzigen absoluten Wirklichkeit verschmilzen zu lassen: so etwas wie ein Gesamkunstwerk der Erfahrung. Der Titeltrack „Els Regnes Subllunars“ dreht sich um diese unterdeterminierte Sphäre, wo beide Seiten (Bewusstes und Unbewusstes, Tag und Nacht, gut und böse, Vernunft und Wahnsinn) in einer Art faustischen Konfusion kollidieren. Der Track wird in einem Film des Regisseurs Xavi Martínez Soler (der uns unsere gemeinsame Freundin Eva vorstellte) vorkommen, in welchem wir in einer Szene als Escama Serrada & Coàgul in einer Fabrikruine auftreten, inmitten verlorener Seelen, getrieben vom Pulsieren der Musik. Es enthält auch ein Roy Orbison-Cover, von dem wir immer noch nicht wissen, ob wir es auf dem Album behalten wollen oder nicht. In jedem Fall sind die neun Tracks bereits vollendet und zur Zeit suchen wir nach Labels, die Interesse haben, es herauszubringen. Wenn ihr erlaubt nutze ich hier die Gelegenheit zu sagen, dass jeder, der Interesse hat, nicht zögern braucht, uns zu kontaktieren.

Gibt es derzeit noch andere Projekte?

Andere Sachen, an denen ich gerade arbeite und die bald herauskommen sollen, sind: 1) ein 90-Minuten-Tape, das auf Demonodrome Records (das Label von Víctor von Dvnkel Reich, +++, Assassani) herauskommen soll und eine sehr ausladene rituelle 45-Minuten-Version des coagularen Songs „Baixa Baixa Pel Camí“ und „Puja Puja Entre Les Branques“ enthalten wird, intendiert als funktionelle Aufnahme für einen rein liturgischen Gebrauch. 2) Ein 20-Minuten-Tape auf Conjunto Vacío (dem Label von Sergi und Andrea von Dead Moon Records, Wind Atlas, Boston Pizza Records) in ihrer Batch-Reihe. Das ist das Tape mit den Frage und Antworten, von dem ich eben erzählt habe. Es wird eine Art Reflexion sein über die Transformation urbaner Zonen durch den Prozess der Gentrifizierung, erklärt über die Korrespondenz mit einer sozialen Implikation der zwei gegensätzlichen alchemistischen Wege Feucht und Trocken in zwanzig Stadien, bestimmt durch die Arkanen des Tarot. 3) Eine Kollaboration Coàguls mit der Noise Punk-Band Cadena, die wir nach unserem gemeinsamen Konzert auf dem Conjunto Vacío-Festival letzten Herbst aufgenommen hatten, und die wir gerde als Co-Edition diverser spanischer Labels wie Boston Pizza Records, Discos Enfermos und Broca Records veröffentlichen würden. Auf dieser Platte wird sich alles um Themen der Metaphysik der Urbanität drehen und den Nihilismus der modernen Welt 4) Ein weiterer cadavre equis zwischen Coàgul und der aus Valencia stammenden kosmischen Synthwave-Band Polígono Hindu Astral, die bei Cintas Cromo erscheinen wird (Das Tape-Sidelabel von Burka For Everybody) und beinahe die Form eines neuen Projektes namens Polígono Coagular Astral annehmen wird und ebenfalls der Metaphysik der Urbanität gewidmet ist und der Anwendung der Sigillenarbeit von flanneuristic derivés durch die geometrische Assoziation planetarischer magischer Orte mit den Formen von Stadtkarten.

Eine andere Coàgul-bezogene Sache, an der ich momentan arbeite, ist eine Art illustriertes Inventarium, in welchem ich all die Performance-Aktionen zusammenfasse, die ich in meinen Live-Coagulationen durchführe. Es wird eine Art Handbuch, aber auch so etwas wie ein “performance curriculum vitae” sein, die ich durch irgendeinen unabhängigen Verlag, den das interessieren könnte, herausbringen will, oder wenn nicht, dann werde ich das alles allein in die Hand nehmen und selbst in dem ärmlichen Fanzine-Stil herausbringen wie immer.

(M.G. & U.S.)

Fotos: Abel Castells, Adriana Petit, Efrén Razquín, Zoë Valls

Webseite von Còagul & Marc O’Callaghan

Còagul @ Bandcamp

It is probably the enormous energy that first springs to mind when one sees Marc O’Callaghan for the first time at a stage performance of his project Coàgul. At the same time one has the impression that the powerful electronic music of the Barcelona based atist, who repeatedly and maybe a little prematurely has been compared to classic ritual electronica such as TG or early Coil, has arisen spontaneously – arisen out of a certain mood of simply following an inner necessity. The same goes for the performances and the drawings of this enormously active man. In O’Callaghan’s case, all this is not in contradiction to precisely conceived concepts, which show in the strong symbolism shaping the records. Perhaps this mixture of a spirit of improvisation and strong conceptualism is just right for a project that has long been dedicated to coagulation, to the matching and bundling of previously scattered energy shreds. When you’re listening to Marc, you can easily get the impression of an unstoppable creativity, and surely we will hear more of him and Coàgul in the future. Here now the English version of his first German interview.

You’re both a visual artist and a musician. You studied also at an art school, but I guess you did creative things before. How did it all start? What can you tell us about your origins and beginnings?

Well I suppose I could say that I have been doing so-called creative things since I have memory. I could tell you the archetypal ‘artist tale’ about being a very creative child since I have use of reason, that I was a chosen kid with superpowers sent by God with a holy mission on earth; and it would be true, but I prefer not to bore you with that. Let’s simply say that I cannot point a significant origin, I think it is a more or less vague ongoing process of what you unexpectedly go learning from here and there.

To what extent do music and artwork belong together for you? Is Coàgul nowadays a frame that covers them all up?

Music and artwork are both different ways to manifest ideas. One thing completes the other and vice

versa. In the case of Coàgul, when it started the artwork was more based on collages made with photocopies of Reinassence paintings. On the other hand I was doing these automatic drawings that later became my usual way of drawing. At some point I realized that Coàgul’s music and these drawings merged quite well together.

What lead you to chose Coàgul as name?

I was in search of a Catalan name that sounded trashy and ancient at the same time, like the names of some hardcore punk bands that I listened at the moment or as the legendary Catalan heavy metal band Sangtraït. So I wrote a very long list of potential names. But then I wanted that the name for this project also contained, in a more or less encoded fashion, the reason of why I was going to do what I was going to do. When I re-read the list, I suddently saw very clearly that Coàgul had to be the name, because I realized that my intention could be exactly defined by what in Hermetism is called coagulation: to re-unite what has previously been dispersed. My initial idea with this project was to produce songs that each one worked as a sort of accumulation or condensation of specific archetypes or universal ideas or cosmic principles or whatever you want to call it. So when one song is played, the listener gets in contact with that specific cosmic principle in all its splendour. The world where we live today seems to be all about dissolution and dispersion, so my intent was to summon back some sort of ‘necessary concentration’. I loved the idea of a name with several layers of meaning, that can be alternatively read by the profane and by the initiated at the same time.

There are certain genres in which references to the occult are quite frequent and in many cases it seems that it is only used as a prop (to make the music more interesting, to adhere to certain expectations that are connected with a genre). I always felt that Coil were one of the few artists who used references to magic(k) in a tasteful and original way and the way references can be found in your work also hint at a deeper understanding. Would you say that the Occult content is the major motivation for your work?

I would say that the Occult (or more accurately, Symbolism) is just the language I use to reach the aims of my work. In the expressive elements that I use, I try that besides the apparent common language or simply poetical meaning, they simultaneously refer to certain universal archetypes with which I like to play, to make them all have a place in the invisible long strain of primordial tradition, and to ‘hack’ this tradition in some way or another, trying to take an active part in the continual cosmogenesis of reality. But from time to time I realize more and more that it is not necessary to try to make my work look so esoteric to be really esoteric. In fact it is otherwise. And that’s where I think I failed sometimes in the past and where a lot of self-proclaimed occult artists keep on failing. I can be talking about very deep and cosmic problems with very superficial and mundane images, and viceversa. If ‘occult’ means ‘hidden’, what sense does it have to use that word if you just show it all? On the other hand I guess sometimes one cannot contain himself to vomit strings of symbols. The major motivation of my work is what I was explaining at the end of the previous answer, and the Occult might be just the medium, manifesting in a multiplicity of variations that generate the multiplicity of works.

Do you first of all follow your own quest or is the transmission of energy to the audience of the same importance?

My own quest is a transmission of energy to the audience.

I am interested in the relationship between the music and the underlying concept(s). What comes first when you start a new work?

There exist two lines or ways of work. One way (that could be called the dry way) consists in first localizing and wagering for a specific aim or idea, and then finding the words that give it consecution, and then making the synthesizer base that gives it the ‘physical body’ of sound to fullfill the construction of the song. The other way (that could be called the wet way) consist in taking some or several sensitive elements that are already wandering through the back of my mind (like some chords from an already existing song that I like, or a numerological concern for some rythmical proportion, or the fascination for some specific kind of sound, or the curiosity to explore the use of some determinate linguistical forms) and through the experimental conjunction of some of them I try to ‘decipher’ some feeling or idea that will trigger the final elements to fullfill the song. I indiscriminately use one way or another in function of my momentary state of being, or sometimes both converge in an equilibrate proportion. For example „La Forja Centrípeta“ and „Semanario Químico“ are totally made with the first way, and the „Ascensor Genital / La Mort És Dolça“ tape or some songs from „La Roda de la Justícia“ are made by the second way.

On “Semanario Químico“ the elements (fire etc.) play an important role and occur again and again in the lyrics. What can you tell us about the concept of that release? To what extent play ideas about alchemy a role in your work(ing)?

This record is about the vertical correspondence of all seven-numbered horizontalities: seven days of the week, seven planets, seven olympic gods, seven metals, seven body tissues, seven perfumes, seven electromagnetical behaviours. To summarize, seven ways or dispositions of being. Each one of these seven dispositions is composed by the combination of a couple of the four elements. That’s why in the third line of the verse of each song it appears a reference to a couple of elements. This points out to how the principle of four (the created material world, the static nature) with the addition of the three (movement, trascendence of duality) gives birth to the principle of the seven (action upon the world). So, ideas about alchemy play the same role in my work as does any other system of correspondences that enables us to connect the perennial tradition with the mundane things of everyday life, and to ultimately satisfy the universal need of the human being to live in consonance with the cosmic order and one day become God himself.

The term ‘ritual music’ is often used like a genre description. Would you call Coàgul a ritual project in the sense that the Performances are conceived as rituals?

Yes, completely. Much more that a specific theatrical aestethic, a ritual is a programmed social context in which ordinary time is interrupted in order to open a connection with the sacred time, a time that is some sort of eternal present. And yes, that’s exactly what I try to do in my performances.

Your music has been released in (very) small quantities. Is that because you feel that your music is only for a tiny number of people?

No, at all. If it has been like this for the moment it’s because of the labels who released the records, either because of their economic limitations or because of a conscious will on their side on making an exclusive hard-to-find product that might be more and more valued as time will pass by. I think otherwise, that the more people discover my music the more accomplished will be the aims that spawned it in the first place. The Gates of Heaven have to be crushed!

To what extent is the medium (i.e. tape, CD etc.) important for each work? Are there particular pieces that are only suitable for a specific medium?

The medium is important in the measure its temporality is. For example, the tape mechanism implies that it must be reproduced cyclically, in the sense that when you finish one side you are at the begining of the other. I see this as as symbol of the gradual relationship between contraries, a sort of Ouroboros. So when I recieve the proposal of releasing a tape, I search for a pair of opposites that give birth to each of the two songs/sides. To illustrate this with an example, I will tell you that right now I am working on two songs for a tape, whose lyrics will be written in the following way: each side will contain ten verses, and each verse will start with a syntagm and end with a question. When you listen to the question, if you change the side of the tape exactly at that moment, what you will listen in the other side will be the answer to that question. When I am going to release a vinyl, I concieve its concepts in a similarly dualistic way, but having in mind that in this case is more easy for the listener to skip between tracks. When it comes to the CD or directly mp3, I try to make songs that are more free in some sense, trying to come with a corpus of work whose parts function equally well when subjected to permutability, randomness and fragmentation. To put it in Deleuzian terms: the tape and vinyl would work in an orderly fashion and driven accordingly to an initiatic program, as a tree; the digital format would more likely work chaotically and driven by contingent necessity, as a rizome. Sometimes CDs also follow a program, but instead of cyclical is more a sort of a one way trip. Well in any case let’s say that format plays a relevant role as one of the elements that determine conceptually a work.

Besides this, each format implies a listening approach in terms of concentration. To listen a record in the computer will probably imply that the listener is doing other things at the same time, and to listen to a record on a vinyl player might encourage a more ritualized listening experience. But I guess this is so subjective and the exact opposite situation can happen aswell depending on the behavioural virtues and vices of the listener in question. But for example, with the last LP „Tot Encaixa!“ I decided to avoid to upload the whole album for online listening, mainly because I think that its songs require a more attentive listening to exeprience them as they are meant to be experienced. Also because the first song of each side contain very serious questions that I prefer that the listener percieve in a reflexive situation rather than in the dispersion and hyper-simultaneity of that chaotic psychic sea that the internet is.

Do performances and releases have the same importance for Coàgul? How would you explain the difference of your concepts in a live context or on a record?

They have exactly an equal importance in terms of quantity, but their are totally opposed in terms of quality: on a record the concepts are expressed as a doctrine, as a sacred text, as a theory; in a live context the concepts are expressed through a real-time experience (both for me and the audience), and totally dependant on the particularities of space and time, as the practical realization and actualization of the doctrine that have been previously exposed on the records. On the other side, I have to say that both directions can become the opposite when driven to their limit. When a live concert is so archetypal and timeless it can have all the attributes of the doctrine, and when a record is listened and used in the most functional way possible it can reach the same consequences of a ritual live action.

How essential is humour in your work? Do you think underground music needs more of it?

Besides that humour is a way of shortening the distance between the speaker and the receiver, I think its a way to suggest that you have nothing to hide, that you can show yourself as human-all-too- human as you are. When bands try to look too serious I think that they are communicating a lot of insecurity in themselves, probably without wanting it. When people pretends being so serious about what they are doing, they are suspicious to me. Of course I think it needs more of it. Laughing of oneself is almost a masochist deference or duty, an act of love, a way of putting yourself in a lower position than the watcher to show him or her that you are also made of the same flesh and bone.

By the way, what sorts of music do you listen to when you’re not creating your own one? Any secret tips?

I listen to all sorts of music. I try to be aware of what’s hype at the moment, because no mattter how much I avoid absorbing things from the current trends, that my envionment will always inevitabilly infleunce whatever I do. It’s a matter of connecting oneself with the zeitgeist… if you want to influence reality, whatever you do must be placed in tune with the parameters of your most immediate space-time context. Another exercice that I try to do as much as I can (and a ‘secret tip’ that I would recomend to everybody) is to force yourself to listen to the music that you dislike most at first glance. From time to time your taste will mature and your creativity will have a broader field of possibilities to explore. That’s why I love to watch these mainstream music video TV channels with these really awful songs whenever I got the opportunity. We have a lot to learn from shitty music, because in its core it is truly functional muzak, as it is proved by its effects on population and its self-sustaining capitalist endless chain of reincarnations.

You often use Catalan language in titles, poetry and paratexts. Is this mainly because its your mother tongue or is there also a regional cultural element of your origin that plays a role in Coagul?

Catalan is my mother tongue and it is the language in which I articulate my inner thoughts, but I’m not a Catalan nationalist at all (neither Spanish). If I value the use of this language is because its local implications: I am persuaded of the idea that if I use Catalan for the lyrics it connects my work with the local context, and this contributes in making that work a sort of an archival document of a particle of history or a specific time and space. In the beginning I used it simply because I was fascinated with the blood-and-iron sonority of it, that I discovered since I was a child through the band Sangtraït. At some moments I had in mind the universalist idea of using whatever language depending on the audience to which each work was oriented; and that’s why I released a couple of records in Spanish, because they where released by labels from Madrid, or also a split tape with Dvnkel Reich and as he used the Spanish language I sang in that language aswell to put my efforts in making that tape a more unitary work. The first Coàgul work was called „Wargasm!“ because it was intened to by addressed to the whole humanity. But from time to time I also realized that singing in Catalan gave a unique archaic folk character to the project, that could be also attractive for a non-Spanish audience for its exoticness; and from then onwards Catalan have been the vehicular language of Coàgul, to the point that now I see it as a sort of a holy language like Latin, that centuries after the language is already dead it is still used in the Catholic Church or in legal slang, that must be deciphered by whosever from other countries who wants to access the metaphysical revelations encoded in the lyrics. I also love the fact that, for the people around me, Catalan sounds so homely. And the fact that it works for such music is contemplated by them with hilarious disbelief. A friend once told me that through his first listening of Coàgul he restored his faith in the use of Catalan in music.

When I was in Barcelona my colleague (who is fluent in Spanish) was faced with the situation that some people preferred to reply in English rather than Spanish. What role does the Catalan language play (for you as well as for others)?

I don’t know anything about the situation of your friend, but I think this is a rather unusual case. Maybe these people preferred to reply in English because they thought it would be an easier and faster way to communicate with him, or maybe they took it as an opportunity to practise their English. That’s exactly what happens to myself when I’m working at the souvenir shop of the Cathedral, that as most people coming are tourists, I activate my mental automatic pilot in speaking English all the time to be faster and more expeditious in what I’m doing. Besides of this, the truth is that I don’t give much a shit about the Spanish vs Catalan controversy. Most people defending either one side or another are just plain assholes that have more in common between themselves (at the end they live the same way and they are trapped in the same close-minded mental schemes) than what both of the two supposedly-antagonical groups have in common with me or with the people I heart. Be it from one color or another, one tongue or another, one sign or another, economical lobbies are always the same shit: they dress themselves with the cloaks of idealisms or good intentions again and again, but at the end their only interest is to satisfy their boundless greed. Power sees no further than itself. Although as I already said Catalan is the language I have spoken since I was born and the tongue in which I think, in my day to day life I speak whatever tongue I feel more at ease with my interlocutor. I wish I could speak all existing languages.

Actually there’s a quite prolific underground music scene in and around Barcelona with bands, venues, labels and record stores, but its not as well known as it should be in other parts of the world. Do you think it needs something like a ‘Catalan Occult Psychedelia’ hype (compared to the term ‘Italian Occult Psychedelia‘, which was used quite often in recent years) to print your city’s name a bit bigger on the map?

I don’t think it could be possible that such ‘Catalan Occult Psychedelia’ can even exist, fristly because to be an occultist means you have to believe in some immanent or trascendent entities that can exist independently of humankind, and I think almost nobody in the Catalan music scene believes in anything beyond what’s human or material. Very few of us believe in any God. Neither I think the ‘psychedelic’ label can be applied, as on one hand the people practising psychedelic music are not very psychedelic in the metaphysical sense of the term, and on the other hand the people who can be considered truly psychedelic in eseence are not interested in psychedelic music at all (which I completely understand). Well in any case I don’t think there is any common stylistic denominator in the Catalan music scene as to use a stylistic label to refer to it, at least not now. If Barcelona’s name have to be ever printed bigger on the map I guess it will be for other reasons than for the credit of an hypotethic music style. It is plenty of diferent sub-circles of people making a lot of things, that’s true, but each one in it’s own way. There’s not any unity. But I think this is not a local issue, I think this is happening everywhere in the world right now because of globalization’s acceleration consequence of the hyper-simultaneity of the internet way of life. My position on that is that we should simply keep on doing what we really believe we have to do, and Time will tell.

As far as I know you plan a Split tape with Escama Serrada and a new album on Nekofutschata. What can you tell about these releases?

By the moment I’m writing this, the new LP on Nekofutschata is already out and available through TUT/RUR distribution. It is called „Tot Encaixa!“ and contains three songs on each side. The six songs were recorded during the same sessions as „La Forja Centrípeta“, in April 2014 at Barcelona’s La Cova De La Bèstia with the assistance of Daniel Muerte (the bassist of the Catalan punk band Una Bèstia Incontrolable). „La Forja Centrípeta“ was a very programmatic and conceptual album, and these six songs were more freely spawned little tunes with no previously thought destination. When „La Forja Centrípeta“ was already on its way to the pressing plant, I decided that I wanted to release these six songs in some way or another. At the same time and by total chance, I started to speak with Jürgen from Nový Svět through the internet. The way by which I got in contact with him is still blurry in my rememberance. On one side I remember that Christian Schoppik, a very cool guy I knew because he proposed me to go to play to Würzburg in January 2015, once told me about a secret Soundcloud profile of Jürgen. On the other side, Sergio from Escama Serrada revealed me that it was Ulla from Nový Svět who anonymously bought me some engravings and prints through my webstore to give to Jürgen as Christmas presents. Then I asked Jürgen to recommend me labels to which I could write with a proposal to release these six songs. He kindly recommended me a couple labels, but before I even replied him to say thanks he wrote me again saying that he wanted to release these songs himself and that he wanted to reactivate the Nekofutschata Music Cabaret again just for this reason. As being myself a huge Nový Svět fan since years ago (even before starting Coàgul), my joy and suprise in not only learning that they knew and liked my work but also that they were interested in releasing it was so big that there was almost no room in my heart for such immense emotion.

What can you tell us about the pieces on it?

The title track of the album was conceived in Spring 2014 as the soundtrack for a short film called „Hathor“, produced by the collective Ex Abrupto and by CopdeCap (the moniker of Zoë Valls, the daughter of Jordi Valls from Vagina Dentata Organ), in which I was also featured nude as a ‘dog-man’ being carried by a girl through a poppy field close to the deep Catalan village of Moià. This is also the context where the inlay photo was taken by the Ex Abrupto photographer Efrén Razquín. Later in Summer of that same year Ex Abrupto arranged a festival at Moià in which I participated as a resident artist, staying for a whole week in an empty room of an abandoned hostel painting its walls with motives related to folk tales of that rural area. By the end of the residency I performed a live action playing the „Tot Encaixa!“ tune for the first time. From the audiovisual register of that work, captured by the camera of the great artist and friend Adriana Petit, come the photograph of the mural painting featured as the artwork of the LP aswell as the video running throgh the net. Even as being a more miscellaneaous corpus of unrelated songs, all of them have in common that they are in some way or another a document of that time and space, and also that all of them are equally conceptually related to a more day-to-day situational and social ideas. The title track is concieved also as a sort of formulae or axiom that points to the synchronical nature of the universe. Like when you think of a specific person and then you bump with him or her on the street, or when it happens that whenever you look at the clock it always shows repeated numbers: 11:11, 23:23, 03:33, etc. The cosmic law of the invisible cords connecting the different coexsiting universes through symbolical correspondences. The ‘micro-macro’ law by which magick and religion function. And also the paranoiac feeling, understood as a sixth sense that helps us perceiving these correspondences when they are most hidden. I now understand that this same idea of an ode to the coincidences of life is at least a ‘karmic justice’ way of honoring back the same coincidential dynamics that finally drove to the materialization of this LP. There is also another video of the second track, called „Efedrina“ running through the net. The album will be presented with a specific live action in the context of the next Ex Abrupto intervention, that will be held in a palace where blessed Sant Antoni Maria Claret had a vision of the Virgin Mary, in the deep Catalan city of Vic. This will be the next 28^th of May in the context of the „Paradazero“ festival.

What about the release with Escma Serrada?

The album with Escama Serrada is neither a tape nor a split. It is a collaboration in which Sergio and I started working long ago when we know each other, back in 2013 or so. The process consisted in the surrealist well-known techinque of the cadavre equis, by which each participant produces something and sends to the other so the other adds more things on it, accumulating layers and layers until it ends by being a work of the two. This album will be called „Sub Luna Regis“ and it is all about the joys and sorrows of the subconscious mind. Sergio suffers from insomnia and I was sonnambulistic when I was a kid, so we both have strong convinctions about these issue. I firmly believe that the world of dreams is an equally real world as the ‘real world’ that we percieve when we are awake, but that it works according to a logic so different from the daily logic that we cannot comprehend it at all. When you dream that you meet some person (alive or dead) in your dreams, I believe that you are really meeting that person in that parallel world. Ancient religions asserted that dreams where messages of the gods, specially the dreams that one remembers for the whole life. During some times I tried to keep record of every dream I had every night and of every live experience I lived during my every day life, with the intent that more and more the two worlds mixed in one single total reality: something like the gesamkunstwerk of experience. The title track „Els Regnes Subllunars“ is about that undeterminated realm where both sides of all (conscious and unconscious, day and night, good and evil, reason and folly) collide in some sort of a Faustian confusion. This track will be featured in a film by director Xavi Martínez Soler (who introduced us our common friend Eva), in which we will appear at some scene playing Escama Serrada & Coàgul in an abandoned factory amongst lost souls driven by the pulses of the music. It also contains a Roy Orbison cover that we are still not sure if we will leave in the album or not. In any case the nine tracks constituting the album are already finished by now, and at this moment we are searching for labels who might be interested in releasing it. So if you permit me I will take avdvantage of this opportunity to say that whosever is interested in releasing this recordings don’t hesitate to get in contact with us.

Are there any other projects you’re already involved in?

Other recordings in which I’ve been recently working and that are planned to be released soon are: 1) A 90 minutes tape to be released by Demonodrome Records (the label of Víctor from Dvnkel Reich, +++, Assassani), containing very extended 45 minute long ritual versions of the coagular songs „Baixa Baixa Pel Camí“ and „Puja Puja Entre Les Branques“, intended to be a functional record for strictly liturgical use. 2) A 20 minutes tape to be released by Conjunto Vacío (the tape label of Sergi and Andrea from Dead Moon Records, Wind Atlas, Boston Pizza Records) in their batch series. This will be the tape I told you before whose lyrics will contain questions whose answers will appear if you switch the side of the cassette. It will be a sort of a thesis about the transformation of the urban zones by the process of gentrification, explained through its correspondence with a social application of the two opposite alchemical ways moist and dry, though twenty stages determined by the Arcanes of the Tarot. 3) The collaboration of Coàgul with noise-punk band Cadena, which we recorded after our live concert together at the Conjunto Vacío festival last Autumn and that we have the intention to release as a co-edition of several Spanish labels including Boston Pizza Records, Discos Enfermos, and Broca Records. This record is all about issues related to the metaphysics of urbanism and modern-world nihilism. 4) Another cadavre equis between Coàgul and the Valencian kosmiche synthwave band Polígono Hindu Astral, to be released by Cintas Cromo (the tape side-label of Burka For Everybody), which is almost getting the form of a new project called Polígono Coagular Astral and that is also related to the metaphysics of urbanism and the application of sigil workings by flanneuristic derivés through the geometrical association of planetary magic squares with the forms of the city maps.

Another Coàgul-related thing in which I’m working right now is a sort of an illustrated inventary in which I am listing and compiling all the performance art actions that I usually do in the live coagulations. It will be like an instruction book but also a sort of a ‘performance curriculum vitae’ that I plan to release through whatever independent publishing house that might be interested in it, or if not I will release it all by myself in the poor-means fanzine-style that I always used to do.

(M.G. & U.S.)

Fotos: Abel Castells, Adriana Petit, Efrén Razquín, Zoë Valls

Webseite von Còagul & Marc O’Callaghan

Còagul @ Bandcamp