Über sich selbst schreibt Soltau: „My compositional ethic has strong ties to morphosis. To reflect different degrees of sonic shifting / transformation / transitions I apply several techniques and methods. As explained above the use of complex treatments and randomness allows for a sound that constantly shapes into an liquid and organic sculpture. The sonics I create are further exposed to imperfections and errors – like body and mind aging or perishing over time. “

Der erste Teil von „Gewächse im Zwielicht“ trägt den Titel „Kriekedusse“ und beginnt mit melancholisch-flächigen Passagen, zwischendurch meint man Vogelgezwitscher zu hören, verrauschte Stimmen, Choräle und gegen Ende scheint sich ein Tape aufzulösen. Auf dem sehr getragenen, leicht dunklen „Die großen Schwestern von Haff und Darss“ tauchen Frauenstimmen aus dem Äther aus, intonieren Unverständliches. „Das Begehren“ ist ein beeindruckend verrauschter Track, mit verfremdeten Stimmen, Knistern, Schaben, ein Chor scheint im Hintergrnd zu tönen, leicht sakral, dann setzt  Perkussion ein. Auf „Die Sonne verdampft in seidene Atome“ flüstert jemand: „Ich habe mich einfach treiben lassen“, an der Grenze des Dissonanten tönen Streicher (?). Das lange „An End. An One Another“, ursprünglich eine Installation für „The Vault“ in Arnheim, ist ein reduzierter Track, mit dunklen Drones, einzelnen Gitarrentönen und Feldaufnahmen.

Soltau meint: „Several compositions reflect situations from personal life. Thus all works can be seen as intimate and highly personal sonic artifacts.“ Diese idiosynkratische, “sehr persönliche” Herangehensweise macht ein genaues Dekodieren und konzeptionelles Nachvollziehen natürlich unmöglich, was allerdings in keiner Weise den Hörgenuss einschränkt, denn es ist beeindruckend, wie auf allen Stücken durchgängig Spannung und (im positiven Sinne) Irritation erzeugt wird. (MG)

Label: Drone Records

“The fourth album by drøne, (Mark Van Hoen and Mike Harding), is the third for Anna von Hausswolff’s label, Pomperipossa Records. Featuring Zachary Paul on violins, Charlie Campagna (bass and cello), and Katt Newlon on cello, the strings add lush, warm layers to a darker, edgier sound. Gabi Strong debuts on guitar and the voices of a host of vocalists, including Claire Belhassine, Celia Eydeland, Bana Haffar, Pepa Ivanova, Nour Mobarak, and Brisa Romero. With the trademark drøne sounds of static, radio voices, field recordings, modular synthesizer, and found sounds, recording chance sounds right up to the final mix to add to the dynamism and energy of the album. Scream — it’s all you can do now. Overwhelming, scatter-gun information delivery has everyone confused, bowel churningly fearful and appalled at the nature of the changing times. Humans are biologically, psychologically, and emotionally able to cope with slow evolutionary change, but struggle with revolutionary, violent distortion or mutation. This leaves people anxious and even desperate for a firmer footing. The Stilling, a phenomenon whereby the wind speed on the planet seems to be slowing down for no known scientific reason, explores this state of discomfort and perplexion. Time spins. The glass is falling… Photography and typography by Nico Van Hoen; Artwork by Philip Marshall. Mastered by Charlie Campagna. Cut by Jason at Transition. Includes download code with bonus track, ‘Black Stone’.”

Pomperipossa Records

Specimens, das Einmannprojekt des Briten Alex Ives, ist mit drei Stücken vertreten: „Broken Beams“ beginnt kaum wahrnehmbar, dann setzt ein leicht noisiges Grundrauschen ein, das unter der Oberfläche eine gewisse Unruhe ausstrahlt. Gegen Ende hört man sakrale Stimmen. “First Flight“ beginnt ähnlich reduziert, es lassen sich melodische Passagen erahnen. „Over The Great Island“ ist verglichen mit den beiden Vorgängern ein etwas dunklerer Track, der im Laufe an Dramatik zunimmt. Aus Lithauen stammen (die auch schon auf diesen Seiten besprochenen) Skeldos, deren „Byra“ ein zehn Minuten langer melodischer, mysteriöser Track ist, der eine leichte Melancholie verstömt. In dem Presseinfo wird der Titel mit „falling“ oder „crumbling“ übersetzt und das sind sicher nicht die schlechtesten Begriffe, um die erzeugte Stimmung zu beschreiben, denn zwischendurch ergreift the sadness of things den Hörer. Dennoch ist das eine Musik, die etwas Tröstendes hat, fühlt man sich doch trotz aller Traurigkeit gleichzeitig in der Musik aufgehoben. Die bulgarischen Mytrip steuern zwei Stücke bei: Auf „Death Is My Heaven“ hört man ein kaum zu erahnendes perkussives Pulsieren über einer dunklen an- und abschwellenden Fläche. Das fast schon symphonische „I Stood Still“ klingt so in etwa wie eine verrauschte Version von GAS. Abgeschlossen wird die zweite Seite des türkisfarbenen Vinyls von Opening Performance Orchestra aus Prag (die sich Vinyl u.a. schon mit Blixa Bargeld und Merzbow geteilt haben), deren 12-minütiges „Creeping Waves III“ verglichen zu einigen der anderen Beiträge reduzierter und weniger melodisch ist – was nicht verwundert, heißt es doch von Seiten der Musiker, ihre Musik sei „fraction music“: „no melody – no rhythm – no harmony“. Dieses rumplende Dröhnen scheint aus den dunkelsten Ecken der Erde zu kommen und man fragt sich, wer sich hier durch tiefe Gesteinsschichten zu wühlen scheint. Das ist sicher der unheimlichste und vielleicht beste Track dieser Veröffentlichung.

Zum ersten Mal liegt einem Album der „Drone-Mind // Mind-Drone“-Reihe eine CD bei. Auf dieser ist die vollständige Version von „Creeping Waves“ enthalten: Auf 70 Minuten wird unter dem Motto „an object in a space – a shadow on a surface – a sound in the air – a vibration in my head“ eine totale Immersion in die Klangwelt der Prager ermöglicht. (MG)

Label: Drone 

Auf Seite A sind die einzelnen Klänge (anfangs) klar voneinander zu trennen. Man hört Wassertropfen, Blasinstrumente (?), die durchaus einen leicht rituellen Charakter haben und einen kurzzeitig gar an tibetanische Knochenflöten denken lassen – vielleicht schallt aber auch nur ein Horn durch den Klangnebel. Perkussive Passagen scheinen auf Steinen und Metallteilen gespielt zu werden. Dabei verdichten sich die einzelnen Klangelemente im Laufe des Stückes immer mehr. Die zweite Seite beginnt mit Wasserrauschen, im Hintergrund hört man einen metallisch-fiepsenden Ton, dann Geräusche, die klingen, als werde etwas in Minen abgebaut. Hier möchte man vielleicht nicht wirklich wissen, wer da in tiefsten „hollow hills“ arbeitet. Ab der Hälfte etwa wird das Stück in zunehmendem Maße unruhig, leicht atonale Momente kommen hinzu. Etwas erinnert der Track von der Stimmung an David Jackmans Organum (in der weniger meditativen Ausprägung).

Das Presseinfo spricht von „mysterious (micro)-sounds“ und eine Aura des Rätselhaften umgibt diese beiden Stücke tatsächlich. Der jüngst verstorbene Mark Fischer schreibt in seiner Untersuchung The Weird and the Eerie: „A sense of the eerie seldom clings to enclosed and inhabited domestic spaces; we find the eerie more readily in landscapes partially emptied of the human. What happened to produce these ruins, this disappearance? What kind of entity was involved?“ Leicht abgewandelt könnte man bezogen auf die inzwischen 24. Veröffentlichung der “Substantia Innominata”-Reihe fragen: Wer erzeugt diese Geräusche? Welche Entitäten zeigen sich dafür verantwortlich?

Wenn auf der Website des Labels Yannick Dauby mit den Worten “We were touching metal with our skin, with wood and with stones. We were navigating in the obscurity, under the earth. We were probing the water with our instruments. Almost like if we were trying to let some lifeforms emerging from the land” zitiert wird, dann lässt diese (nur bedingt metaphorische) Beschreibung des Arbeitsprozesses, durch den dieses grandiose Stück Geräuschmusik entstanden ist, den Hörer erneut erschauern. (MG)

Label: Drone

Abgesehen von der ursprünglichen Bedeutung als Ettikett rangiert die Semantik des Begriffs “Label” zwischen Plattenfirma und Marke, und auch in weniger kommerziellen Nischen kann man viele Labels dahingehend unterscheiden, welche der beiden Bedeutungen ihnen eher entspricht. Zum einen gibt es die Labels, die innerhalb eines nicht allzu eng gefassten Spektrums eine gute Bandbreite an Acts verlegen, ohne dass es eine klar erkennbare Hausphilosophie und eine deutliche ästhetische Linie gäbe. Auf der anderen Seite gibt es solche, die durch einen wiedererkennbaren Sound, oft aber auch durch außermusikalische Kriterien wie die visuelle Gestaltung einen Rahmen schaffen, der das Image der Bands mitprägt und der Veröffentlichungsgeschichte erst ihren roten Faden gibt. So gibt es dann fraglos einen typischen 4AD-Stil, aber das selbe von PIAS zu behaupten wäre Unsinn. Auch Yerevan Tapes aus Bologna zählt klar zur zweiten Kategorie. Das Label, das erwartungsgemäß v.a. Tapes, gelegentlich aber auch Vinyl in angemessener Limitierung verlegt, wurde vor vier Jahren von AVANT!-Chef Andrea Napoli und seiner aus Armenien stammenden Partnerin Silvia Anhayt gegründet. Die Tonträger erscheinen stets in einer ebenso schönen wie irritierenden Gestaltung, die stets die gleiche Handschrift erkennen lassen. Was die Musik und die oft von Silvia selbst gestalteten Designs verbindet, ist eine Überblendung von (oft mystisch-religiöser) Tradition und einem spielerischen Popart-Gestus, dem jeder Hang zur platten Persiflage fehlt. Yerevan Tapes steht auch dafür, dass vieles möglich ist, wenn man nur die richtige DIY-Haltung an den Tag legt und einen sicheren Blick für Passendes hat. Dazu passt irgendwie auch die unkomplizierte Art, mit der die beiden ihre Arbeit im folgenden Interview vorstellen.

English version

Soweit ich weiß habt ihr in Bands wie z.B. His Electro Blue Voice gespielt und eine Hälfte von euch betreibt das Label Avant! Records. Später habt ihr dann Yerevan gegründet. Wie kam es dazu, dass ihr euch neben der eigenen Musik auch für die Labelaktivität entschieden habt?

Genau genommen war nur Andrea in His Electro Blue Voice involviert, und zwar als Drummer vom ersten Tag bis zum 2013er Full Length-Album auf Sub Pop. Avant! Records macht er seit 2007. Wir haben Yerevan Tapes zusammen 2011 ins Leben gerufen mit der Intention, neue, bisher unerhörte Sounds zu erforschen.

Wo lagen eure musikalischen Wurzeln? Gab es eine Art Musikszene, der ihr angehörtet?

Wir mögen unterschiedliche musikalische Hintergründe haben, aber nach mehreren Jahren des gemeinsamen Hörens brauchten wir beide etwas neues, etwas, das tiefer, künstlerischer und spirituell fordernder ist. Genau da liegt das Fundament, auf dem Yereven Tapes seine ersten Schritte unternahm.

Ich habe den Eindrucke, dass die Labels, v.a. Yerevan, mehr ein eigenes Kunstprojekt als ein Unternehmen ist. Sehr ihr das ähnlich?

Meinstens entstehen Indielabels ja aus Leidenschaft, oft noch mit einen gewöhnlichen Job nebenbei, um etwas Geld einzubringen. So etwas lässt genügend Raum, um eine spezielle Identität entstehen zu lassen und die notwendige Freiheit, um die besten Inhalte zu wählen. Im Falle von Yerevan ging es uns darum, etwas mit einer starken Identität aufzubauen, wo Musik, Gestaltung und die symbolische Kommunikation eins sind.

Wenn ihr ie ästhetische Vision von Yerevan Tapes skizzieren sollten, wie würdet ihr die auf den Punkt bringen?

Wie unser Motto sagt, sind wir ein “Kassetten- und Vinyl-Label für heilige Klänge”. Das heißt wir sind auf der Suche nach Musikprojekten, die ihre eigene Vision des Heiligen einbringen, ihre Weltanschauung, ganz egal, auf welche Art. Wenn man sich unseren Katalog anschaut, fallen einem vielleicht mehr die Unterschiede zwischen den Künstlern als die Ähnlichkeiten ins Auge, aber sie alle verbindet ein gemeinsames Ziel.

Eure beiden Labels unterscheiden sich nicht nur im Hinblick auf das Medium (Avant! meist Vinyl, Yerevan meist Tape), sondern auch ein Stückweit im Hinblick auf die Stilauswahl, denn Avant! hat einen starken Fokus auf Post-Punk/Dark-Pop, während auf Yerevan im weitesten Sinne experimentelle und psychedelische Musik erscheint. Hat sich das eher ergeben oder denkt ihr, dass die Musikarten und die Tonträgermedien gerade so zusammenpassen?

Das Tape ist ein fast schon natürliches Medium für experimentelle Musik seit den 70ern, wenn nicht schon länger. So ist es keine Überraschung, dass es bei YT unsere erte Wahl war. Es ist preiswerter, es ist leichter weltweit zu vertreiben und es gibt dir die Möglichkeit, Material von obskuren Künstlern herauszubringen, ohne dich mit den Schwierigkeiten einer Vinl-Produktion herumschlagen zu müssen. Gleichzeitig, ebenso wie in der Post-Punk/Dark-Pop-Welt, ist das Tape seit einiger Zeit als Medium zurückgekehrt. Bislang haben wir drei Vinylveröffentlichungen gemacht und planen noch mehr in der nächsten Zeit.

Bands wie Father Murphy, Bird People, G.G. Rosacroce oder German Army machen etwas sehr verschiedenes, aber ihr sagtet ja bereits, dass es auch eine Art Verbindung gibt. Worin, denkt ihr, liegt die?

Wie gesagt haben sie sicher sehr unterschiedliche Stile, und doch ist es gar nicht so schwer zu sehen,w as sie zusammenhält. Ihre Suche nach unterirdischen Klängen mag in unterschiedlichen künstlerischen Resultaten enden, aber was sie antreibt, scheint das gleiche zu sein: der Drang nach einer spirituellen Suche.

Gibt es irgendwelche Begrenzugen in eurem Spektrum an Stilrichtungen, gibt es eine musikalische No Go-Area, oder würdet ihr prinzipiell Musik aus allen Genres herausbringen?

Natürlich gibt es Grenzen, wir würden zum Beispiel nicht Punkrock oder Heavy Metal veröffentlichen, zugleich geht es aber nicht streng nach Musikstilen, da es mehr darum geht, ob etwas zu dem passt, was wir mit YT ausdrücken möchten. So lange wir das gefühl haben, dass es an das anknüpft, was wir machen, ziehen wir es in Betracht.

Gibt es für euch eine Lieblingsveröffentlichung auf Yerevan, die eine besondere Bedeutung für euch hat?

So rhetorisch sich das anhört, wir haben keine Lieblingsveröffentlichung, da jede ihre eigene Identität und ihre spezielle Geschichte hat. Hinter jeder Aufnahme, die wir herausbringen, gibt es eine Verbindung, die so persönlich wie möglich ist, eine Verbindung zur Musik, aber auch zu den Künstlern, die sie geschaffen haben. Aus verschiedenen Gründen sind wir bislang von allen begeistert.

Artwork spielt eine große Rolle nicht nur in der Gestaltung der Tapes, sondern auch auf euren Webseiten, und es gibt dort immer eine Menge religiöser und ritueller Symbole aus verschiedenen Kulturen zu sehen. Woher kommt dieses Interesse?

Obwohl wir Einflüsse aus religiösen und künstlerischen Ausdrucksweisen verschiedener Orte und Zeiten sammeln, haben wir ein besonderes Auge für die cinematischen Resultate, die armenische Filmemacher aus der Sowietzeit erreicht hatten. Die Tatsache, dass Silvia einen Abschluss in Kulturanthropologie hat, spielt sicher eine starke Rolle in Yerevan Tapes’ ästhetischer Suche.

Könntet ihr ein paar armenische Filme nennen, die euch besonders beeindruckt haben?

Sicher. Die Kassettencover auf Yerevan kommen direkt aus einem bestimmte räumlich-zeitlichen Kontext. Und es sind nicht nur armenische Filme, auch manchmal georgische oder ukrainische; der Punkt ist, dass sie alle aus einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Zusammenhang kommen: Die sowietischen länder der späten Siebziger und deren spezifische Kosmogonien. In der Art, wie sie die Welt präsentieren, ist etwas, das eine starke Verbindung zu unserem Label hat. Um eine Vorstellung davon zu vermitteln, nenne ich nur einige wenige, neben dem ziemlich bekannten Sergej Paradžanov und seiner großartigen Filmografie (all seine Filme sind perfekte Juwelen in einer ganz eigenen Art, v.a. “Shadows of Forgotten Ancestors” (1964) den ich sehr liebe), ich kann außerdem “Wishing Tree” (1976) von Tengiz Abuladze empfehlen sowie zwei Kurzfilme von Artavazd Pelešjan: “Inhabitants” (1970) und “Seasons” (1975).

So beantwortet sich auch schon die Frage, die ich euch als nächstes gestellt hätte. Der Name der armenischen Hauptstadt wurde nicht nur aus “exotischen” Gründen gewählt…

Wie gesagt resutierte eine erste Schwärmerei aus Silvias akademischen Studien armenischer Kultur, Sprache und vor allem Geschichte. Wir denken, der gewählte Name steht für etwas, das eine Brücke zwischen hier und dort bauen kann. Es hätte nicht zwangsläufig Yerevan sein müssen, aber in jedem Fall ein Toponym, denn wir finden, dass Ortsnamen starke und weitreichende Begriffe sind.

Experimentelle oder als psychedelisch bezeichnete Musikarten gibt es schon lange. Was denkt ihr zeichnet gerade heutige Vertreter solcher Genres aus, und was könnte der Grund sein, dass solche Musik wieder populärer geworden ist?

Vielleicht ist der starke mystische Reiz psychedelischer Musik einer der Gründe, warum sie sich nach so vielen Jahren immer noch hält. Trommeln auf tribale Art und tiefe Drones üben eine unmittelbare Macht auf unsere Seelen aus. Musikmoden kommen und gehen, aber es wird immer Raum geben, mit Klängen zu experimentieren.

Viele jüngere Psychbands beschäftigen sich heute mit esoterischen und okkulten Dingen, aber oft in Kombination mit einer spielerischen oder auch ironischen Note. Bei vielen schlägt dann gleich der Hipsteralarm, aber denkt ihr, dass solche Themen vielleicht sogar vitaler daherkommen, wenn sie nicht zu ernst angegangen werden?

Wir möchten nicht gerne als zu ernst wahrgenommen werden, aber gleichzeitig denken wir nicht, dass wir sehr ironisch mit unserer Ikonografie umgehen. Wir verbinden religiöse Symbole gerne mit zeitgenössischem Artwork, aber das ist nicht witzig gemeint. Wir suchen nur nach einem neuen Kontext für diese zeitlosen Bilder.

Wie denkt ihr über eine tag wie Italian Occult Psychedelia, der in der Presse teilweise auch für Bands von eurem Label verwendet wird?

Wir denken, dass es sich als sehr gutes Schlagwort erwiesen hat, um unterschiedliche Bands aus unterschiedlichen Stilrichtungen unter einen Hut zu bringen. Wie bei allem ist der Begriff kein perfektes Mittel, aber war sicher hilfreich dabei, den italienischen Sound von heute zu exportieren.

Hierzulande wurde immer nur punktuell über italienische Musik berichtet, auch wenn es schon immer zahlreiche Veröffentlichungen gegben hat. In den letzten Jahren hat sich das ein wenig gewandelt und die Leute bekommen Wind von der Vielzahl italienischer Musik. Habt ihr eine Idee, wie es zu diesem Wandel gekommen sein könnte?

Wir denken nur, dass das, was du sagst, unseren Standpunkt trifft. Manchmal braucht es kleine Strategien, damit Sachen besser funktionieren.

Ihr habt zuletzt ein Tape der Electronica-Producer Zone Demersale veröffentlicht. Was steht sonst noch bei Yerevan Tapes auf dem Plan? Irgendwelche neuen Entdeckungen?

Gerade vor diesem Interview haben wir eine brandneue Vinyl-12” EP namens “Porta” von dem aus der Toskana stammenden Trio Umanzuki herausgebracht. Dies ist unser letztes Release vor dem Sommer, aber wir kommen zurück mit mehr Tapes und Vinyl, nicht nur vonitalienischen Künstlern und auch mehr elektronisch orientiert.

Vielen Dank für das Interview.

(U.S.)

Yerevan Tapes

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Actually only Andrea used to be involved in His Electro Blue Voice, having been drummer in the band from day one until 2013‘s full-length album on Sub Pop. He also runs Avant! Records since 2007. Together we started Yerevan Tapes in 2011 with the intent to explore new sounds previously unexperienced.

Where have your music roots been? Was there some sort of a subcultural scene you were part of?

We may come from different musical background but after several years of listenings we both felt we needed something new, something deeper more artistically and spiritually engaging. That’s exactly the kind of ground Yereven Tapes took its first steps from.

I have the impression that the labels, Yerevan even more, is rather some art concept of its own than a business. Would you agree?

Most of indie labels come out of passion, often with an ordinary job on the side to bring some money in. This leaves enough room to grow a specific identity and the necessary freedom to choose the best contents.Speaking of Yerevan, we felt the need to build something with a strong aesthetical identity where music, medias and symbolic communication were one.

If you had to scetch the artistic vision you follow with Yerevan, how would you express it?

As our motto states, we are a “cassette and vinyl record label for sacred sounds”. It means we’re chasing those music projects who can deliver their own vision of the sacred, their Weltanschauung, no matter how. When one takes a look at our catalogue he might feel the differences rather than the similarities between the artists, but they all share a common aim.

Your two labels differ not only in terms of the medium (Avant! mostly vinyl, Yerevan mostly tape), but also bit in terms of styles, as Avant! has some focus on post punk/dark pop and Yerevan is more into the experimental and psychedelic in the broadest sense of the words. Did this just happen or do you think, style and medium fit for some reason?

The tape is some sort of natural media for experimental music since the 70s, if not earlier. So it comes as no surprise that we felt it as our primal support as YT. It’s cheaper, it’s easier to distribute worldwide, it gives you the opportunity to release material from obscure artists without having to face the difficulties of a vinyl record production. At the same time, just as in the post punk/dark pop realm the tape has recently came back as music medium, we on our end have done 3 vinyl releases already and we are planning to have more for the near future.

Bands like Father Murphy, Bird People, La Piramide or German Army play quite different styles, but do you think there’s a read thread, some artistic or spiritual element that combines them?

As we said above, they surely have different styles but at the same time, we think it is kind of easy to see what connects them together. Their search for subterranean sounds may end in different artistic solutions but what moves them seems to be the same: a quest for spiritual inquiry.

Are there any limits in the range of styles, is there kind of a stylistic no go area, or would you potentially release music from any genre?

Of course there are boundaries, as we will not release punk rock or heavy metal music for instance, at the same time is not strictly a matter of pure musical style performed while it is about how much it does fit within what we are looking to express with YT. As long as we think it bonds with what we are doing we may consider it.

Is there something like a favourite release that has a special meaning to you?

As rhetorical as this may sound, we have no favourite release as each one has its own identity and particular history. Behind every records we put out there is a connection as much personal as possible, with the music and the artist who created it. For different reason we are exited about every one of them so far.

Artwork plays a stong role not only in the tape design but also on your web spaces, and there is a lot of religious and ritualist symbols from all over the world. How is your interest in this, and where is the relation to your concept and the music?

While we may collect influence from religious and artistic expressions from different places and times, we have a special eye for the kind of cinematic results that Soviet Armenia directors achieved. The fact that Silvia graduated in Cultural Anthropology surely played a strong role within the YT quest for aesthetics.

Could you give us an example or two for Armenian movies that have influenced you?

Surely. The Yerevan cassette-tape covers come straight from a particular time and space. And not only Armenian movies, sometimes Georgian or Ukrainian ones too; the point is that they all belong to a specific period and context: the soviet lands between sixties and late seventies and its cosmogony. There’s something in the way they represent the world that somehow has a strong link to us as label. In a very concise list just to get the idea, besides the well-known Sergej Paradžanov and his marvellous filmography (all his movies are perfect gems in their own way, especially Shadows of Forgotten Ancestors (1964) which I’m particularly fond of), I can recommend Wishing Tree (1976) by Tengiz Abuladze, and two short movies by Artavazd Pelešjan: Inhabitants (1970) and Seasons (1975).

So this already answers my next question – you didn’t chose the name of the Armenian capital for mere exotic reasons…

Like we just said, a first infatuation came from Silvia’s University studies, one on Armenian culture, language and history in particular. We think the name we chose stands for something able to build bridges between Here and There. It might not have been Yerevan, but it would have been a toponym in any case as we think toponyms are thick and widespread words.

Several psychedelic and experimental music styles exist now for a long time. What do you think are the main qualities of such music today, and what could be the reason that it became a bit more popular again?

Probably it’s the strong mystical appeal that psychedelic music hosts that managed to make it last through all these years. Tribal approach to the drumming and deep drones always have a direct power on our souls. Music fashions come and go, but there’s always room for experimenting in sounds.

A lot of younger psych bands today deal with esoteric and occult motifs, but often combined with some playful or ironic note. Some people would say that this is a sign of hipster stuff, but do you think that such topics are more vital when they are not too serious?

We don’t wish to be looked as too serious but at the same time we don’t think we are much ironic about our iconography. We like to blend religious symbols with contemporary artwork, but we do not mean it in a funny way. We just look to create a new context for those everlasting icons.

What is your opinion on a tag like Italian Occult Psychedelia, which is somehow also applied to bands of your label by the music press?

We think it has proved itself to be a great tag to gather different bands with different styles under one common vessel. As with everything it‘s no perfect tool, but it surely has been helpful to export the current Italian sound abroad.

In our country, the media dealt only punctually with Italian music, yet there was a huge output of releases for a long time. In the last years, this changed a bit and people become aware of the variety of Italian stuff. Do you have an idea about this change?

We only can think that what you say proves our point. Some times it takes a little stratagem to make things work properly.

Your newest release is a tape by electronica producers Zone Demersale. What are your plans for Yerevan in the nearer future? Any new explorations?

Right as we speak we have put out a brand new vinyl record, the 12” EP Porta by Tuscany-based trio Umanzuki. This is our last release before the summer, after which we will be back with more tape and vinyls, not only by Italian artists and also more electronics-oriented.

(U.S. & A.K.)

Yerevan Tapes

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Der knapp dreizehnminütige Opener „Gemini“ wird aufgrund seiner relativen Statik ganz sicher polarisieren – es handelt sich um ein monumentales Droneloop auf der Basis warmer Akkordeonklänge, vibrierend, organisch und bei entprechender Lautstärke ausgesprochen kraftvoll, zugleich jedoch denkbar einfach in der Ausführung. Und dennoch, einen besseren Einstieg hätte die Musikerin, die bereits als eine Hälfte von Fausto Majistral ihre Dronekünste demonstrieren durfte, nicht wählen können, denn bei keinem anderen Stück offenbart sie eine derart sichere Hand bei der Kunst, ihre Klänge „räumlich“ zu machen und die Hörer vollends aus dem narrativen, zeitorientierten Modus herauszuholen. Hat man sich in dem Stück erst eingerichtet, fallen kleine Ungereimtheiten wie etwas knarrigere Sounds auf sowie leichte Unterschiede in Lautstärke und Klangfülle – kleine Irritationen, die sich einem rein regressiven Abdriften in den Weg stellen, auch wenn man nie ganz sicher ist, ob sie vielleicht doch nur Illusion sind.

Alle weiteren Stücke wirken vergleichweise introvertiert. „Protect me from what I weant“ ist vor allem bassgitarrig, ein minimaler Akkord, der klanglich modifizierte Geist eines Rockriffs, offenbart die raue Seite DuChamps, steigert sich sukzessive und erweist sich gegen Ende als Magnet, der zahlreiche kleine Soundelemente anzieht, u.a. entspanntes Gitarrenpicking, das mich nicht um einen inflationären Begriff wie Postrock herumkommen lässt. Das spielerischer gestaltete „A Worship“ leitet in den weniger statischen Teil über, creepy Gitarrensounds und eine geheimnisvolle Synthie-Melodie bilden das Fundament der einzigen Vocals auf dem Album, mit denen Gastsänger Brian Pyle (Ensemble Economique, Starving Weirdos), die theatralische, pathetisch-andächtige Seite klassischer Rockmusik in Erinnerung ruft. Nach diesem Übergang kommt mehr und mehr Dynamik ins Spiel, das mit viel Hall unterlegte „A way to grasp joy immediatly“ ist narrativer, veränderlicher und soundtrackartiger als der Rest und verbreitet ein überraschendes Americanafeeling. In „Seisachtheia“ ist jede Statik aufgehoben, undefinierbare Samples, u.a. eine sitar-ähnliche Klangquelle und hektische Metallperkussion bringen die gute dreiviertel Stunde zu einem eher atonalen Abschluss.

Ob die Gestaltung der einzelnen Soundkomponenten oder doch eher ihre Engführung in einem äußerst homogen wirkenden Gesamtbild die größte Stärke von „Nar“ ist – mir scheint die Frage unentschieden zu beantworten und somit obsolet. Das es sich dabei um ein mehr als solides Debüt handelt, steht jedoch außer Frage. (U.S.)

Label: Boring Machines

Die beiden darauf folgenden Beiträge von Strom Noir (aus der Slovakai) klingen dann aber dennoch wesentlich opulenter. Sowohl „Fihavanana“ als auch „Sundance“ bestechen durch unglaublich melodische Drones, die auf Gitarren basieren. Vielleicht ist Strom Noir ja der melodischere Bruder von Mirror. Hier scheinen die Assoziationen, die durch die Titel hervorgerufen werden – “Sundance” verweist wahrscheinlich auf die Sonnentanzzeremonie, die sich bei einer Reihe nordamerikanischer indigener Populationen findet, Fihavanana ist ein ein auf Madagaskar gebrauchtes Wort, das u. a. die spirituelle Verbundenheit zwischen Dingen bezeichnet – in den unglaublich warmen Drones ausgedrückt zu werden.

Emma Ya aus Kolumbien, die die zweite Seite eröffnen, sind stimmungsmäßig das genaue Gegenteil. Ging bei Strom Noir die Sonne auf, so erschauert der Hörer hier ob dieser aus finsteren Tiefen stammenden Drones. Hier fällt kaum ein Lichtstrahl – laut Website der Band bezeichnet der Name passenderweise einen schwarzen Planeten mit zwei Sonnen –, stattdessen ist das der Beitrag, der am ehesten einen rituellen Charakter hat. “The Golden Eye” ist ein mysteriöses, kaum greifbares Stück.

Abgeschlossen wird die Zusammenstellung von dem langen „Die Verwandlung“ von Karl Bösmann, einem Stück, das tatsächlich eine (Ver-)Wandlung durchmacht, ganz so, als wolle der auch als visueller Künstler tätige Bösmann tatsächlich einen Soundtrack für Kafkas Text, auf den in den Linernotes explizit verwiesen wird, komponieren. Wird die erste Hälfte noch von düsteren, teils unruhigen Streicherdrones (?) dominiert, die in ihrer Verdichtung im Ansatz an Xenakis denken lassen, finden sich sogar ansatzweise rhythmische Momente und vernimmt man auch kaum zu verstehende Stimmen, so wird der zweite Teil wesentlich rabiater und nähert sich dem Noise an. Wird hier Gregor Samsas Leidensweg vertont?

Vier Künstler mit unterschiedlichsten Inspirationen, aus denen ganz eigene Interpretationen des Drones entstehen, die aber wie schon auf dem Vorgänger perfekt miteinander harmonieren. Auf der Ebene der Materialität werden diese unterschiedlichen Ansätze vielleicht durch die vier verschiedenen farbigen Vinylversionen unterstrichen.

M.G.

Label: Drone

Man hat manchmal den Eindruck, dass für eine Reihe von Künstlern der Oberbegriff Drone eine nette Entschuldiguung bzw. Legitimation für wenig Variation, für Stasis ist, Lunar Abyss Deus Organum zeigen dagegen, wie es anders gehen kann und letztlich spielt es keine Rolle, ob man weiß, an welchen Orten (nämlich in den sicher assoziationsreichen Karpaten und im zwischen Russland und Finnland gelegenen Karelien) die Feldaufnahmen entstanden sind, denn die Musik funktioniert auch so. „Atanimonni Aitnatsbus“ ist Musik jenseits von Ethnokitsch oder Pseudodüsternis. Stattdessen bietet sich dem Hörer eine Schichtung von Geräuschen, Klängen und Melodien, die ein großes Evokationspotential hat.

(M.G.)

Label: Drone

Die Spanier von Ubeboet basieren ihre zwei Stücke auf Stimmmaterial, das den beiden Stücken einen rituell-religiösen Charakter gibt. Sind bei „Akasa“ die Stimmen deutlich zu hören und versetzt der Track den Hörer dadurch in ein nebelverhangenes tibetisches Kloster, so besteht „Agone Revisited“ aus organisch-warmen Drones, ganz so, als folge nach dem Gebet die Ruhe und Kontemplation. Dass auf der gleichen Seite des Albums die Finnen von Halo Manash zu finden sind, die mich vor einigen Jahren mit ihrem Album „Language of Red Goats“ beeindruckt haben, passt, haben sie doch schon in der Vergangenheit gezeigt, dass das Rituellle auch in ihrer Musik von zentraler Bedeutung ist: Hier dröhnt es dunkel, verlangsamte Gongschläge sind zu hören und lassen Erinnerungen an „How To Destroy Angels“ aufkommen, auch (früher) Thomas Köner ist nicht allzuweit entfernt, wobei Halo Manash einen wesentlich rituelleren Ansatz als letztgenannter Künstler haben. Durch das tiefe Brummen und die entfernten Stimmen (es wurde keinerlei Elektronik eingesetzt) wird eine düstere und dunkle Weite beschworen, langsam ziehen die Klangmassen über den Permafrost, und wenn Halo Manash auf ihrer Homepage schreiben „Halo Manash is a pilgrimage to the borderlands of dreams, pure consciousness, and primal being– and possibly beyond“, dann passt das (natürlich) auch zu einem Label wie Drone, bei dem es immer um Erweiterung und Erforschung des (Unter- wie Un-)Bewusstseins (durch Klang) ging – so wie es auf „Drone Mind//Mind Drone“ um die Interaktion zwischen dem Klang des Ewigen und der Psyche geht, um die Frage, ob Drones bzw. Klang als intelligent angesehen werden können/kann, ob jeder Verstand Drones produzieren kann.

Die zweite Seite des Albums wird von Erik Jarl eröffnet, der mit Martin Bladh als IRM aktiv ist und solo als Jarl eine Vielzahl von Alben veröffentlicht hat. Er lässt auf dem langen „Zero in Scream“ metallisch kligende – dem Inforsheet kann man entnehmen, dass es sich um bearbeitete Zitterklänge handelt – Sounds ertönen, schichtet sie übereinander, wobei der Track trotz industrieller, unruhiger Augenblicke gegen Ende durchaus meditative Momente aufweist und somit durchaus an die Beiträge auf Seite A anknüpft. B°Tong aus der Schweiz benutzen auf dem ersten Stück „Vam“ zwar wie Ubeboet Stimmen, aber hier werden sie zerstückelt und fragmentiert, wodurch der Track an Lautpoesie und dadaistische Experimente erinnert. Die drei weiteren Beiträge, „Lam“, „Ram“ und „Pam“, sind dagegen musikalisch eng miteinander verbunden, hier scheint Wasser eine Klangquelle gewesen zu sein und man fühlt sich in eine Unterwasserwelt versetzt – und natürlich muss man bei Wasser an seine Symbolkraft für das Unbewusste denken.

Die Frage, ob Drones intelligent sein können, wird hier vielleicht nicht beantwortet (werden können), aber eine intelligente und in ihrer Heterogenität dennoch sehr stimmige Zusammenstellung und ein sehr vielversprechender Auftakt ist das allemal.

(M.G.)

Label: Drone