Shabo beschreibt den Ausgangspunkt der Zusammenarbeit rückblickend mit den Worten: “We had played in a lot of constellations where we were pretty boxed in. So, we started experimenting”. Aus ersten Aufnahmen entwickelte sich schrittweise eine größere Besetzung mit Schlagzeug, Percussion, Gitarre, Gesang und Flöte. Fauna verstehen sich dabei ausdrücklich als kollektiver Zusammenschluss und nicht als klassische Band, wie Shabo betont: “It’s more like an organic collective than the usual bands”. Bereits erhältlich ist die digitale Single “Bland träden”, ein tanzbarer Track mit Handpercussion und pulsierender Elektronik.
Parallel zur Veröffentlichung von “Bland träden” bereitet die Gruppe eine Europatournee im Frühjahr vor, die auch Festivalauftritte einschließt. “Taiga Trans” soll laut Label die live entwickelte Arbeitsweise der Band in konzentrierter Form bündeln und erstmals auf Tonträger festhalten.
Foto: Felix Gerlach

Wacław Zimpel, der polnische Komponist und Kopf des Ensembles, öffnet hier gemeinsam mit Shackleton, wie es beim Label sinngemäß heißt, einen neuen Raum zwischen kontemplativer Tiefe und rhythmischer Spannung. Während das Original durch seine helle, organische Energie geprägt war, legt diese Version den Fokus stärker auf hypnotische Texturen, dichte Bässe und subtile elektronische Verschiebungen. Insgesamt entsteht ein außergewöhnliches Projekt zweier Künstler, die elektronische Struktur und akustische Virtuosität in präziser Balance halten. “3 – The Shackleton Versions” erscheint als limitierte LP auf gelbem Vinyl und ist auch zum Download erhältlich.

Auf ihrem fünften Album verfeinern Ana Kravanja, Iztok Koren und Samo Kutin ihren kollektiv geprägten Ansatz und lassen fast zwei Dutzend – teils handgefertigte, teils historische – Instrumente in längeren, strukturell offenen Stücken aufeinander treffen. Die bewusst geführte Melodik und das Wechselspiel aus Weite und Verdichtung verleihen den neuen Kompositionen eine neue Tiefe, die sich offen, doch nie beliebig zeigt. Širom balancieren zwischen rustikaler Melodik, dissonanten Texturen und rhythmischer Spannung. Ihre Musik bleibt experimentell, aber klarer konturiert – meditativ, stellenweise fast ritualhaft, ohne je ins Formelhafte abzugleiten.

Mit ihrer eigenständigen Klangsprache schaffen sie einen Raum, in dem Naturbeobachtung, gesellschaftliche Reflexion und persönliche Erfahrung gleichermaßen Platz finden.

Foto: Nada Žgank

Das Album vereint instrumentale Stücke mit walisisch gesungenen Songs und wurde in Kollaboration mit Ursula Harrison (Kontrabass), Amie Huckstep (Altsaxophon) und Lisa Martin (Drums) live im Studio eingespielt. Die Musik verbindet minimalistische Strukturen, improvisierte Elemente und Einflüsse aus der bretonischen Folkmusik mit Momenten klassischer Harfenkunst. Der Titeltrack basiert auf einer walisischen Volksballade über einen Mann, der durch Engelsgesang in einen jahrhundertelangen Schlaf fällt – eine Geschichte zwischen Märchen und Realitätsverlust, die Hafana nach eigenen Worten vor allem wegen ihres “emotionalen Bogens” faszinierte.

Wie es vom Label heißt, steht “Angel” für eine Musik, die bewusst mit Traditionen bricht, ohne sich von ihnen zu lösen – entrückt, rau, zugleich warm und unmittelbar. Das Album erscheint am 26. September beim Glitterbeat-Sublabel tak:til als LP und zum Download.

Foto: Abby Poulson

Das Baritonsaxofon wird dabei oft eher atmosphärisch eingesetzt – laut Boštjan Simon “manchmal neblig, wie ein Gesang auf manchen Shoegaze-Platten”. Klanglich erinnert das Spiel stellenweise an Blasinstrumente aus dem Nahen Osten, ergänzt durch modulare Synthesizer, raue Grooves und eine ausgesprochen lebendige Schlagzeugarbeit. Komplexe Schichtungen und wechselnde Tempi stehen einer klaren, zugänglichen Produktion gegenüber, in der sich Ernsthaftigkeit und augenzwinkernder Witz nicht ausschließen.

Auch wenn das Saxofon nicht mehr so stark im Vordergrund steht wie bei früheren Aufnahmen, bleibt der Sound der Band sofort wiedererkennbar – urban, elektronisch, energetisch, mit viel Gespür für Dynamik und Verspieltheit. “Kimatika” erscheint am 5. September als LP und zum Download bei Glitterbeat.

Foto: DIC

Das Ergebnis ist ein sensibles, atmosphärisches Werk, das, wie es im Begleittext heißt, Geschichten über Resilienz, persönliche Erinnerungen und Liebe erzählt. Produziert von Ian Brennan, bietet “Rwanda Sings with Strings” eine intime und emotionale Hörerfahrung, die berührt und inspiriert. Das Album erscheint auch als CD und zum Download. Weitete Informationen zur Band finden sich im ausführlichen Begleittext auf Bandcamp.

Viele Stücke basieren auf traditionellen Melodien aus Feldaufnahmen der School of Scottish Studies, andere stammen von Chaimbeul selbst. Besonders auffällig sind die z.T. in Kollaboration mit Colin Stetson aufgenommenen Tracks rund um die Figur der Cailleach Bheurr, die im keltischen Volksglauben den Winter bringt. Ein weiterer Höhepunkt ist das Stück “Duan”, ein rezitierter Neujahrsreim mit druidischem Hintergrund, gesprochen von ihrem Vater Aonghas Phàdraig Chaimbeul. Die vorab veröffentlichte Single “She Went Astray”, eine vokal getragene Tanzweise aus dem Jahr 1934, betont den musikalischen Rhythmus der gälischen Sprache auf hypnotische Weise. Von der Musikerin heißt es: “It’s a music and language that has survived so much and for so long – it’s the music of people. It’s music of the land. And I think it’s extremely relevant to hold on to that and learn from that in current times”. Das Album erscheint als LP, CD und zum Download.

Schon die Vorabsingle “Ah Yallila” zeigt, wie kraftvolle Shouts, arabische Lyrics und treibende Elektronik eine Form von nostalgiefreier Feierlichkeit schaffen, die tief in der lokalen Kultur verwurzelt ist. Die Songtexte thematisieren Liebe, Sehnsucht und das Zusammensein bei Nacht – ein zentrales Motiv, das durch die musikalische Intensität unterstrichen wird. Das rhythmische Zentrum vieler Stücke bildet der sogenannte Fezzani-Takt, ein nur in Tunesien verbreitetes Pattern. AMMAR 808 setzt bewusst auf Rhythmen dieser Art, um die Energie von Feierlichkeiten wie Hochzeiten und andere Events in elektronische Form zu überführen. “Club Tounsi” verleiht einer ehemals marginalisierten Musikform eine neue Bühne. Dass Mezoued-Musik für lange Zeit gesellschaftlich an den Rand gedrängt wurde, wird hier nicht betrauert, sondern in ein selbstbewusstes, körperlich erfahrbares Statement überführt. Das Album erscheint am 23. Mai auf LP, CD und digital.

Kuunatic, bestehend aus Fumi Kikuchi (Keyboards), Shoko Yoshida (Bass) und die auch als Noise-Performerin bekannte Yuko Araki (Drums) lassen hier eine fiktive Welt voller prophetischer Figuren, ritueller Handlungen und transkultureller Verflechtungen entstehen. Die acht Stücke markieren jeweils einen Schlüsselmoment innerhalb eines 45stündigen Sonnenumlaufs des fiktiven Planeten Kuurandia, wodurch das Album einen dramaturgisch kohärenten Fluss erhält. Musikalisch erweitert die Band ihr Stamminstrumentarium merklich und setzt auf eine Mischung aus psychedelischem Rock, rituellen Rhythmen und traditionellen japanischen Elementen, wobei insbesondere historische Instrumente wie die Sho-Flöte oder Zimbeln aus der höfischen Gagakumusik dem Album einen einzigartigen Charakter verleihen.

Das Werk beginnt mit dem knapp achtminütigen Opener “Yew’s Path”. Ein akustisches Instrument eröffnet den Song mit einer hellen Melodie, bevor monumentale, raue Riffs einsetzen. Dazwischen sorgen metallen schimmernde Klänge für eine fernöstliche Anmutung, und das Zusammenspiel von knarrendem Bass, hymnischem Gesang und einer orientalisch geprägten Melodieführung erinnert an bestimmte Momente bei OM. Das Stück steigert sich zum Ende hin, das Tempo zieht an, und es entsteht fast ein kleiner musikalischer Klimax. Besonders eindrucksvoll sind hier die wiederkehrenden Zeilen “Follow the path, embrace the unknown”, die die rituelle Grundstimmung des Albums unterstreichen und zugleich die Reise in eine mythische Zukunft ankündigen. Generell scheinen mir die Songs von einem deutlichen Bewegungs-Charakter geprägt und erinnern immer wieder an eine kraftvolle Fahrt. “Mavya at The Lacus Yom” entfaltet eine filigrane, schwebende Atmosphäre, die zunächst hell und lichtdurchflutet wirkt wie eine von frischen Düften durchwehte Morgendämmerung. Doch unter der Oberfläche braut sich eine kraftvolle Energie zusammen, unterstützt durch sich verdichtende mehrstimmige Gesänge, die fast a cappella anmuten. Schließlich intensivieren sich Tempo und Dynamik, der Song nimmt einen rituellen Charakter an und vermittelt das Gefühl einer spirituellen Zeremonie, bei der Worte wie “The water speaks in echoes” wie ein Portal in eine ungekannte Dimension anmuten.

Einen Kontrast dazu bildet “Disembodied Ternion”, das mit einem aufweckenden Flötenton beginnt und sich rasant zu einem fast punkig geprägten, treibenden Stück entwickelt. Der Rhythmus ist ungestüm, die Basslinien knarzen, das Schlagzeug pumpt druckvoll nach vorne. In der zweiten Hälfte löst sich das Arrangement in einen diffusen Klangnebel auf, aus dem kämpferische Shouts herausbrechen – ein Moment, der die hymnischen Gesangslinien des Albums in eine fast bedrohliche Intensität überführt. “No shape, no form, yet I arise” – diese Zeile betont nicht nur das körperlose, geisterhafte Moment des Songs, sondern auch die zyklische Wiederkehr, die sich als Motiv durch das ganze Album zieht. Mit “Myth of Klüna”, dessen Titel eine Brücke zum Vorgängeralbum schlägt, lassen die Drei einen radikal anderen Ton anklingen. Dieses nur rund eine Minute lange Stück besticht durch seine elektrisierende, mantraartige Gesangsstruktur, die an eine rezitative Darbietung repetitiver, sakral anmutender Silben erinnert. “Whispers of old, voices untold” scheint hier wie eine Beschwörung zu wirken, ein Echo halbvergessener Geschichten, deren Widerhall in der Erzählgegenwart zu hören ist. “Yellow Serpent“ ist von japanischen Instrumenten geprägt und kombiniert den Klang eines psalterienartigen Saiteninstruments mit zurückhaltenden, aber groovigen Basslinien. Der Gesang ist fließend und tranceartig, während sphärische Synthies eine entrückte Atmosphäre erzeugen.

Eine besondere Facette des Albums zeigt sich in “Kuuminyo”, das in Zusammenarbeit mit der Ainu-Sängerin Rekpo entstand. Ihr hochtönender Gesang, begleitet von Handtrommeln, Klatschrhythmen und hölzernen Percussions, erschafft ein Bild archaischer, zeremonieller Musik. Es ist vielleicht das heiterste Stück des Albums, durch seine Wiederholungen fast beschwörend und aufweckend zugleich. “Halu Shanta” ist typisch für Kuunatic: Mehrstimmiger, hymnischer Gesang, bei dem ich ein weiteres Mal die österreichischen Postpunkerinnen von Astaron in Erinnerung rufen muss, trifft auf rituelle Percussion, doch nach und nach verschieben sich die musikalischen Hierarchien. Was zunächst als klangliche Kulisse erscheint, rückt mehr und mehr an den vorderen Bühnenrand, während sich der trancehaft-erhabene Gesang – “Chanting the stars, weaving the night” heißt es da, wie um das Schöpferische der eigenen Darbietung metapoetisch zu betonen – und die Instrumentierung immer stärker zu einer organisch anmutenden Klangmasse verweben.

Den Abschluss bildet “Syzygy and A Counter Truth”, ein Stück, das verspielt und gerade in seiner elektronischen Gestalt fast barock anmutet. Zunächst instrumental und von einer psychedelischen Offenheit geprägt, setzt schließlich verfremdeter, nach hinten gemischter Gesang ein. Das Stück bleibt bis zum Schluss offen und vermittelt den Eindruck eines musikalischen Cliffhangers. “Wheels of Ömon” zeigt eindrucksvoll, wie Kuunatic traditionelle japanische Elemente mit einem psychedelischen, rituellen Sound verbinden. Dabei gelingt es den Dreien, eine Balance zwischen archaischer Tiefe und futuristischer Weite zu schaffen – ein Konzept, das sich nicht nur musikalisch, sondern auch in der thematischen Gestaltung des Albums widerspiegelt. Die fiktive Welt Kuurandia ist durchdrungen von Prophezeiungen, zyklischen Strukturen und mythischen Figuren.

Diese Verknüpfung von Scifi-Elementen mit archaischen, spirituellen Motiven findet sich wie gesagt auch in anderen Werken mit Konzepten einer Zukunft, die nicht von technologischer Dominanz, sondern von verschleiertem Wissen, Ritualen und mythischen Zyklen geprägt ist. Kuunatic stehen somit in einer langen Tradition experimenteller Musik, die Zukunftsvisionen nicht als linear-technologischen Fortschritt, sondern als Wiederkehr uralter Strukturen begreift. Mit “Wheels of Ömon” setzen sie diese Linie konsequent fort und erschaffen eine Klangwelt, die gleichermaßen hypnotisch, erhaben und tief verwurzelt in einer Mythologie ist, deren fitive Stoffe sicher auch auf die eine oder andere historische Vorlage zurückgreift.

Label: Glitterbeat

In einem Video zu hören ist ebenfalls der getragenere, von klassischen japanischen Referenzen durchzogene Song “Yellow Serpent”, über den es bei Glitterbeat heißt es: “The track features a unique mix of atmospheric floating organ sounds, dubby bass lines, and hypnotic three-part singing—elements that blend together to create a mesmerizing vibe. Kuunatic is known for their experimental approach and ‘Yellow Serpent’ draws from a wide range of influences, ranging from traditional Japanese sounds to experimental rock and atmospheric electronics”. Mit dem kommenden Album setzen Kuunatic die mythologische Erzählwelt ihres Debüts “Gate of Klüna” fort. Die acht neuen Stücke sind laut Begleittext inspiriert von Prophezeiungen, geheimnisvollen Kräften und sagenhaften Orten wie bspw. magischen Heilseen. Musikalisch kombinieren Fumi Kikuchi (Keyboards), Shoko Yoshida (Bass) und die auch als Soundart- und Noise-Produzentin bekannte Yuko Araki (Drums) einmal mehr rituelle Rhythmen, treibende Bässe und atmosphärische Orgelklänge mit vielschichtigem, mehrstimmigem Gesang. Zusätzlich setzt das Trio diesmal eine Vielzahl traditioneller japanischer Instrumente ein, darunter Sho, Ryuteki, Kagurabue, Ougidaiko und Wadaiko. Der Sho, ein aus 17 Bambuspfeifen bestehendes Instrument der höfischen Musik Japans, eröffnet und beschließt das Album.

Entstanden ist “Wheels of Ömon” nach einer Residenz im schweizerischen Bruson, dessen alpine Landschaft und Geschichte die Band, wie es beim Label heißt, tief beeindruckte. Sie beschreibt den Einfluss dieser Umgebung als eine Art Erweiterung ihres musikalischen Universums, in das nun auch naturwissenschaftliche und historische Aspekte eingeflossen sind. Das Zusammenspiel von alten und modernen Elementen, von japanischer Tradition und internationalen musikalischen Einflüssen, prägt das Werk. Ein besonderer Moment des Albums ist der Gastauftritt der Sängerin Rekpo auf einem der Songs. Rekpo ist Teil der Ainu-Community, einer indigenen Ethnie Nordjapans, und Mitglied des Vokalensembles Marewrew, das sich dem Erhalt und der Weitergabe der traditionellen Ainu-Musik widmet. Das Albumerscheint als LP, CD und zum Download.

Foto: Celine Fougerouse