Mit Yara Asmar, Nour Sokhon, Sanam, Charbel Haber, Julia Sabra, Elyse Tabet, Postcards, Jad Atoui, Anthony Sahyoun, Snakeskin, Fadi Tabbal, Interbellum, Mayssa Jallad, Abed Kobeissy, Sary Moussa, Interbellum, The Incompetents, Yasmine Hamdan, Zeid Hamdan, Youmna Saba und Maud Zeinoun sind eine ganze Reihe an Künstlerinnen und Künstlern vertreten, die auch auf unseren Seiten schon eine Rolle gespielt haben. Internationale Acts wie Julia Holter und Mary Lattimore sind ebenfalls vertreten. Die Doppel-Compilation ist mit Artwork by Carla Aouad und Design von Josette ‘Zooz’ Khalil über Bandcamp erhältlich. Der erste Teil der Reihe erschien vor anderthalb Jahren.

An einigen Stellen klingen akustische Instrumente an, die nach Saiten klingen, höchstwahrscheinlich ist es aber die titelgebende, leicht verfremdete Celesta, ein Tasteninstrument, bei dem Stahlplatten mit filzbezogenen Hämmern angeschlagen werden. Die vier Tracktitel geben dem Album weitere kleine assoziative Färbungen, bei denen Himmelskörper (aber vielleicht auch Sonnenbrillen und das besagte Instrument) keine geringe Rolle spielen. Die beiden Klangkünstler haben vergessene Stems aus den Aufnahmen zu Nawfals Album “Modern Individual” (Ruptured  Records) aus den Archiven geholt und daraus während der Ereignisse des vergangenen Jahres diese vier Kollagen gefertigt. Das Album erscheint digital mit einer Fotoarbeit von Caroline Tabet und Design von George Rouhana. Unterstützung erhielten die beiden von Syrphe Records-Betreiber C-drík, der sowohl das Mastering als auch den Vertrieb übernahm.

Das Album beginnt mit “Tahal Layl”, einer freien Interpretation eines traditionellen tunesischen Beduinenliedes, das mit den kreisenden Bewegungen eines tanpuraartigen Drones beginnt und Chamouns Stimme als im Wind verwehte, durchdringende Kraft ins Zentrum rückt. Während der Sound sich mit schwirrender Dröhnung und einem regenartigen Rauschen bis zu einer intensiven Noisewand mit lautem Feedback entfaltet, bricht die Komposition mit ihren Zeitstrukturen aus ihren Bahnen und schüttelt alle Erwartungen heftig durcheinander. Ein Gefühl des Zusammenbruchs ist allgegenwärtig, und dennoch bleibt Chamouns Gesang wie eine unumstößliche Botschaft, eine Allegorie der Stetigkeit inmitten des Zerfalls, bestehen. Man mag sich an ihr noisiges Soloalbum erinnern, mehr noch vielleicht als an das Debüt der Band Sanam, an der auch Sahyoun beteiligt ist. “Bihali”, basierend auf der mehr als tausend Jahre alten Poesie von Abou Firas Al-Hamdani, startet mit zarten elektronischen Geräuschen, um dann, aus dem Substrat einer ambienten Dröhnung, sanfte, weltentrückte Synthie-Melodien zu entfalten. Hier klingt Chamouns ornamentaler Gesang beschwörend und scheint immer mehr mit den synkopierten Strukturen zu verschmelzen – fast rauschhaft, und auch dann noch in der Wiederholung des Titels bestehen bleibend, wenn die Komposition sich im Flimmern und Rauschen auflöst. Ein Höhepunkt der Spannung erreicht “Ghadr” auf “Al Moulatham”, einem zitternd startenden, später scharfkantiger konturierten und gegen Ende erschüttert-verzerrten Track, dessen Text direkt einer persönlichen Nachricht aus dem Krieg in Gaza entnommen wurde. Hier scheint die Produktion an der Grenze des Möglichen zu operieren, fast wie ein akustisches Szenario des Ex- und Implodierens. Chamouns Gesang, diesmal melancholisch, fast elegisch, schwebt unheilvoll über dieser Ruinenlandschaft, die immer lauter und beunruhigender wird, als ob die Musik selbst das Trauma auslotet und aufzeichnet.

“Hayawanon Ghader”, das Chamouns eigene Lyrik enthält und – so mag man zumindest zu Beginn denken – vielleicht sogar a capella funktioniert hätte, entfaltet sich wie ein stürmischer Protestsong mit stoischer Intensität und einer Dringlichkeit, die rhythmisch und tonal den Füßen den Boden entzieht. Die harschen rhythmischen Schläge, begleitet von seltsamem Bimmeln, unterstreichen den Klang wie martialische Detonationen, und der Track erreicht eine rohe Dringlichkeit, die Chamouns langgezogene Stimmbeiträge auf kontrastierende Weise umrahmt. Der finale Track “Al Samaa wal Nabaat wal Ghaabaat wal Zaytoun wal Laymoun wal Lawz wal Tin” führt das Werk, fast schon überraschend, in eine introspektive und doch strahlende Abschlussvision: Dröhnend, in seiner scheinbaren Statik fast liturgisch und von organisch anmutender Materialität, kontrastiert die Soundkulisse diesmal mit einem auffallend schnellen rezitativen Gesang, der eine rituelle Hypnotik versprüht. Diese Komposition, basierend auf der Lyrik des zeitgenössischen Dichters Paul Chaoul, webt einen hypnotischen Abschluss und bestätigt “Ghadr”, dessen Titel im Deutschen so etwas wie “Verrat” bedeutet, als eine musikalische Reflexion über zahlreiche, mir aufgrund der Sprachbarriere weitgehend verschlossenen Themen der Verzweiflung und Hoffnung in einer zerstückelten Welt.

Mehr als eine Fußnote ist, dass alle drei Beteiligten unabhängig voneinander an der Compilation “Land 01″ mitgewirkt haben, deren Erlös der Versorgung derer zukommt, die im Zuge des jüngsten Krieges ihr Zuhause verloren haben. (U.S.)

Label: Ruptured

“Modern Individual” ist das Werk dreier Musiker, denen man ihr Händchen für Improvisation und in jedem Fall für spontan entworfene Narrative ohne Längen anmerkt, und alle drei sind im künstlerischen Dialog erfahrene Kollaborateure in unterschiedlichen Bereichen experimenteller Musik. Sehnaoui, bekannt als Mitbegründer des in den libanesischen Bergen stattfindenden Irtijal-Festivals ebenso wie als Meister der Improvisation mit elektrischen und akustischen Gitarren, bewegt sich mit Gruppen wie dem ‘A’ Trio und Calamita irgendwo in Grenzbereichen von Freejazz und Noiserock. Auch Jad Atoui, der als Klangkünstler aus einer ganz anderen musikalischen Richtung kommt und vor allem für seine Biosonics bekannt ist, in der die Fotosynthese und andere “Verhaltensweisen” von Pflanzen in kompositorische Strukturen übersetzt werden, hat sowohl im Libanon als auch in seiner zeitweise zweiten Heimat New York mit zahlreichen bekannten Musikerinnen und Musikern (John Zorn, Laurie Anderson, Anthony Seyhoun u.v.a.) zusammengearbeitet. Jawad Nawfal, auch bekannt unter dem Namen Munma, ist mittlerweile einer der renommiertesten Producer elektronischer Musik des Nahen und Mittleren Ostens. Gleichwohl mehr für seine Soloarbeiten bekannt, gibt es neben den hier öfter thematisierten Tasjiil Moujaheed eine ganze Reihe an Kollaborationen, die zum Teil auf seinem eigenen kleinen Label erscheinen. Ich erwähne diese Dinge nicht nur, um die drei Musiker vorzustellen, sondern auch deshalb, weil es die Stimmigkeit des halborganisch anmutenden Klanggebildes auf dem gemeinsamen Album über alle unterschiedlichen musikalischen Herangehensweisen hinweg erklären kann.

Die anfangs genannte Unberechenbarkeit der Musik, die natürlich in unruhigeren Momenten wie im von atemlosem Hecheln und knarrigen Saiten geprägten “Sends and Returns” besonders ins Auge fällt, offenbart sich einerseits in abrupten Brüchen, die die Szenarien der einzelnen Stücke vermeintlich neu anordnen, aber auch in allerlei falschen Fährten. So denkt man an vielen Stellen, das zentrale musikalische Motive sich wiederholen, doch bei genauem Hinhören ist dies nur dem Anschein nach der Fall. Dies fällt besonders auf in den propellernden Sounds des noisigen “Public Outburst”, in der cinemstischen Spannung inklusive filmreifer Zikaden im Titeltrack, aber auch in der Beschaffenheit der ausladenden noisigen Rauschdröhnung, die das zehnminütige “Shift the Basis of Differentiation” einleitet. In seiner wandlungsvollen episodischen Struktur – nach dem Austoben des verauschten Lärms tastet sich ein angejazztes Saitenspiel in den Vordergrund, irgendwann, nach einer Passage undefinierbaren Klapperns und Gluckerns, überführt ein orgelartiger Sound das Stück in eine halllastige, verrauschte Welt, in der sich alles zu einer zombifizierten Hypnotik steigert – könnte das Stück eine EP für sich ausfüllen.

Gerade solche Stücke, die zumindest den Verfasser dieser Zeilen anregen, sie im Geiste weiterzuspinnen, sind immer ein Indiz, dass ein gemeinsames musikalisches Konzept noch weitergeführt werden könnte und sollte – im Falle des Trios wäre dies auf jeden Fall wünschenswert, und eine internationale Community improvisierter Echtzeitmusik wäre ihnen dankbar. In der einen oder anderen Form wird man die drei oder einigen von ihnen aber garantiert noch zusammen zu hören bekommen. (U.S.)

Label: Ruptured

Im Begleittext heißt es: “Beirut Heritage Initiative are a team of architects who came together in light of the Beirut port explosion in August 2020 with the primary goal of assessing historical / old buildings that were damaged, renovating and rebuilding where possible – to ultimately preserve the heritage of the city of Beirut”. Die Kuratoren haben Zugang zu rund zehn Baustellen erhalten und vor Ort über 200 Dateien mit Audioaufnahmen angefertigt. Diese Samples gaben sie nun einer Reihe an Musikern mit dem Plan, diese zu aussagekräftiger Klangkunst zu verarbeiten. Zu den Teilnehmenden zählen einige Acts, die auch auf unseren Seiten zum Teil wiederholt Thema waren, so Elyse Tabet, die zur Jahreswende ein neues kollaboratives Album mit Yara Asmar und Pascal Semerdjian herausgebracht hat. Ferner Julia Sabra und Fadi Tabbal, die Sängerin und Musikerin Youmna Saba und die als NP firmierenden Jad Atoui und Anthony Sahyoun. Ebenfalls zu hören sind DQ, KMRU, Ireen Amnes, Refracted, Thanos Hana, Rami Abi Rafi, Bana Haffar, Le Chocolat Noir, Tedtedted und Tasc U.S.

@ Beirut Heritage Initiative

Da das ganze Projekt einen besonderen Fokus auf ortsspezifische Sounds legt, nimmt es nicht Wunder, das stark am Soundmaterial orientierte – vulgo “experimentelle” – Klangkunst, für die Beirut ohnehin seit Jahren zu einer vielversprechenden Hochburg geworden ist, einen großen Raum einnimmt. Dennoch ist auf “Beirut Adrift” eine große Bandbreite an Stilen und Stimmungen zu hören. Die in vielerlei Hinsicht desolate Situation des Landes am östlichen Mittelmeer, in dem die Pandemie der letzten Jahre und die verheerende Explosion von 2021 im Hafen der Stadt die (nicht immer nur) schwelenden sozialen und ökonomischen Krisen verstärkt haben, ist hier nicht nur als Hintergrund präsent: Auch ist sie ein wichtiger Trigger für den starken Widerstandsgeist, der die verschiedenen Künstler motiviert. So sind auch all diese Krisen auf gewisse Weise Teil der musikalischen Signatur.

Aufgrund der heterogenen Ansätze lohnt es sich, auf die einzelnen Beiträge einzugehen. Die Sammlung startet mit einer verspielt-melancholischen Klangkollage, bei der ein (vielleicht im Klang verfremdetes) Akkordeon gemächlich auf- und abebbende Dröhnwellen erzeugt, deren verträumtes Lebensgefühl nur gelegentlich unterbrochen wird durch leichtes Hantieren mit schepperndem Gerät. Der Track stammt von der jungen Künstlerin Yara Asmar, die gerade ihr Tape-Debüt bei Hive Mind herausgebracht hat. Dass die intermediale Künstlerin wohl auch mit Marionetten arbeitet, glaubt man aufgrund der Puppenhausästhetik sofort. Ziemlich kontrastreich dazu wirkt der als elektroakustische Rezitation der dunklen Art beginnende, spannungsgeladene Score von Anthony Sahyoun, in welchem Gastvokalist Firas Hallak vor leise kreischenden Kulissen den Fokus derer, die das Arabische beherrschen, auf die Metropole als Locus Horribilis lenkt.

Nach diesem unmissverständlich beängstigenden Szenario laden der Klangkünstler Jad Atoui und der hier Saxophon spielende Multiinstrumentalist Khodor Ellaik (Kid Fourteen), die bereits ein gemeinsames Album produziert haben, auf das zumindest dem Anschein nach sicherere Terrain gut skulpturierter, plastischer Sounds, bei denen Tupfer modularer Synthies die Basis kratziger Striche abgeben, die sich erst mit der Zeit als Saxophonklänge herausstellen. Der Song hätte auch als Klavierballade funktioniert, und selbst dann wäre die subtile Spannung daraus nicht gewichen. Das folgende “Coast III” stammt von Elyse Tabet (ehemals Litter) und Jawad Nawfal (aka Munma), die seit beinahe zehn Jahren im künstlerischen Austausch stehen. In dem kleinteilig rasselnden Soundgebilde tauchen verschiedene Rhythmen auf, die sich auf reizvolle Weise nie ganz einig werden, wovon eine unterliegende, beinahe hypnotische Harmonie jedoch nicht angetastet wird.

Der verwehte Gesang, der in Sandy Chamouns großartigem Protestsong “Nas el Wahel” rauschend und tremolierend durch den Raum weht, steigert sich in einigen Minuten zu einem Sturm, der unbarmherzig und von lärmenden Takten begleitet über eine postapokalyptische Landschaft fegt. Der Titel bedeutet “Menschen des Schlamms” und referieret auf die Proteste, die 2019 das Land erschütterten. Um die Verwundbarkeit der Stadt und seiner Menschen geht es auch in dem Beitrag von Mayssa Jallad und Khaled Allaf, auch wenn die poppige Produktion, die Eingängigkeit der verspielten Melodien und der klare Gesang nicht unterschiedlicher sein könnten. Bei dem an teilweise Massive Attack erinnernden Arrangement denken einige vielleicht noch an Libanons eigene Triphop-Tradition und eine Band wie Soap Kills.

Das Duo Two or the Dragon trägt mit dem zweiten Teil des “Prelude for the Triumphant Man”-Zyklus einen der noiserockigsten Tracks bei und huldigen den Maschinenklängen der Stadt. Zunächst ahnt man kaum, dass die aggressive Szenerie primär auf Instrumenten wie Duhulla und Bouzuk basiert, die traditionellen Ursprungs sind. Sary Moussas “Tides” leitet in knapp zwei Minuten in den Schlussteil über und verbreitet in hellen, hypnotischen Klangwellen eine Spannung, die eine im Hintergrund schwelende Desolatheit ahnen lässt. Der Ausklang obliegt Tunefork-Impressario Fadi Tabbal mit seinem monumentalen Dronestück “Ceremony by the Sea”. Bevor dieses in fast rührendem Wohlklang endet, muss noch ein Weg durch verrauschtes Land zurückgelegt werden, auf dem einem gigantische Gerätschaften begegnen und die Sprache verschlagen.

Compilations, die Musiker aus bestimmten Orten, gerne jenseits der westlichen Kernländer, präsentieren, sind in den letzten Jahren auch in weniger populären Bereichen sehr beliebt geworden und wurden auch auf unseren Seiten immer gerne – so wie dieser ebenfalls Beirut thematisierene Sampler – besprochen. Ein kleiner Rest Zwiespältigkeit bleibt jedoch immer bestehen: Auf der einen Seite gibt man interessanten Künstlern so eine weitere Plattform, ihre Musik überregional bekannt zu machen und stiftet im besten Fall neue Verbindungen; auf der anderen Seite kann man jedoch nie ganz verhindern, dass auf diesem Weg auf Rezipientenseite ein kleiner Rest Exotismus bedient wird, sei dieser auch noch so experimentell, problembewusst und kritisch-distanziert eingefärbt.

Vielleicht ist dies aber gerade ein Problem, dass auf Seiten westlicher Hörer behoben werden muss, die sich ein unbefangeneres Bild von den Gemeinsamkeiten und Unterschieden zwischen der eigenen und anderen Lebenswirklichkeiten aneignen sollten. “Beirut Adrift” jedenfalls stellt die Stadt durch ihre Musikauswahl und die zugrundeliegenden Themen als einen Ort vor, mit dem es sich zu befassen lohnt, der zwar “spannend und pulsierend” sein mag und einen zum Schwärmen bringen kann, die aber ebenso sehr eine ernsthafte und unverblendete Auseinandersetzung fordert. Ein mehr als gelungenes Projekt! (U.S.)

@ Norient

Ob in den schlauen Büchern oder im Plauderton – wenn in unserer Kultur von Weltgeschichte (oder auch von der Geschichte der Kunst) die Rede ist, sind die meisten assoziierten Gegenstände nach wie vor abendländisch, die Geschichte der Gesellschaften und Kulturen außerhalb der westlichen Kernländer erscheinen als Nebenschauplätze, die meist erst dann mit Interesse betrachtet werden, wenn sie mit unserer Region in Beziehung treten, und im Zuge des Exportes westlicher Wissensbestände wurde dieser Themenkanon in vielen Ländern für lange Zeit adaptiert.

Das in Berlin ansässige Label Syrphe hat unter dem Titel „Uchronia“ gerade eine drei CDs umspannende Sammlung an „elektroakustischer, experimenteller und Noise-Musik“ herausgebracht, auf der lediglich asiatische Künstler vertreten sind. Wie ich dem im Booklet abgedruckten Erfahrungsbericht entnehme, geht es Kurator Cedrik Fermont darum, mit viel Beweismaterial zu zeigen, dass es auch im Bereich experimentierfreudiger Musik eine rege Welt außerhalb Europas und Nordamerikas gibt, deren Erzeugnisse kein randständiger Abklatsch westlicher Musik sind. Asien ist dabei der Kontinent, auf dem Cedrik sich wohl am besten auskennt, doch der Sampler knüpft an den Vorgänger „30.2“ an, der im kleineren Rahmen bereits Afrika dokumentierte. Dass Asien kein homogener Raum ist und dass es geografische, sprachliche und kulturelle Überschneidungen zwischen Regionen Asiens und Europas (sowie Afrikas) gibt und immer gegeben hat, wird in seinem Text ausführlich reflektiert.

Folgt man dem Narrativ, nach welchem experimentelle Musik ihren Anfang bei den Futuristen nahm, von der Musique Concrete weiterentwickelt wurde und durch die Einflüsse von Krautrock, Punk, Wave etc. irgendwann Industrial, Soundart und diverse Technokünste hervorbrachte, ginge man von einer rein okzidentalen Geschichte aus – selbst dann würde die schiere Menge an nichtwestlichen Erzeugnissen in den letzten Jahrzehnten ihre besondere Hervorhebung rechtfertigen. Hört man irgendwann von diversen Pionieren elektronischer Musik aus Nahost, von den Wurzeln vieler Drone- oder Ritualmusik in den unterschiedlichsten regionalen Traditionen oder von der Entstehung eines veritablen Genres wie Harsh Noise im Osaka der 70er, dann bekommt das Bild von der experimentellen Musik als einem rein westlichen Exportartikel weitere Risse.

Damit das Projekt nicht aus den Fugen gerät, wurden musikalisch sinnvolle Grenzen gesetzt, so wurde auf Tanzbares wie Techno, Dubstep, Drum’n'Bass etc. komplett verzichtet und der Fokus auf etwas abstraktere, auf manipulierten Sounds und teilweise Fieldrecordings basierende Kunstmusik gelegt, und dennoch ein spannendes Panorama vom Libanon bis nach Indonesien, von Korea und Zentralasien bis zu den Golfstaaten und dem indischen Subkontinent ausgebreitet, bei dem sich Gemeinsamkeiten und lokale Unterschiede, die nicht immer in der traditionellen Musik eines Landes begründet sein müssen, die Waage halten.

Um endloses Namedropping zu vermeiden beschränke ich mich hier auf eine subjektive Auswahl an Beiträgen, die mir besonders im Gedächtnis geblieben sind. Dazu zählen schon die beiden ersten, aus dem Libanon stammenden Beiträge: Improv-Gitarrist und Irtijal-Kurator Sharif Sehnaoui eröffnet die Sammlung mit einem geheimnisvoll klingelnden und tremolierenden Stück, das sich stetig zu einer verzerrten und von perkussivem Klappern aufgepeitschten Rauschorgie steigert. Der zwischen New York und Beirut pendelnde Jad Atoui und der von Munma und Tasjiil Moujahed bekannte Jawad Nawfal, beides passionierte Kollaborateure, liefern zusammen ein raues, flächiges, von unregelmäßigen Dröhn- und Klapperwellen durchzogenes Stück ab. Die vielleicht bizarrste Dröhnung, ein schwindeliger Ambient-Irrgarten aus summenden Sounds, stammt aus Singapur und wurde von der Musikerin Lydia Ang eingespielt.

Zwei Beiträge aus dem irakischen Kurdengebiet arbeiten mit unterschiedlich stark verfremdeten Field Recordings. Während der Beitrag von Hardi Kurda wie ein bedrohlicher Kontrollverlust aus fragmentiertem Klangschutt anmutet, gerät Khabat Abas’ Stück, bei dem Gesampletes und eine traditionelle Melodie auf einem Blasinstrument verschmelzen, wie ein surreales Hörspiel. Dinelka aus Sri Lanka setzt ebenfalls stark auf vorgefundene Sounds. Sein „Whistler on the Tree“ klingt zunächst wie ein Readymade, erst mit der Zeit registriert man die Verfremdung, die geloopte Struktur und die Verdichtung des Soundmaterials. Die ebenfalls in Sri Lanka aufgewachsene Kei Watanabe kombiniert spannungsgeladene hintergründige Dröhnung mit einem sich immer mehr zuspitzenden Flötenton und betont so die Wichtigkeit des Atems, der in ihrem Titel “We have forgotten how to breathe” betont wird. So atmosphärisch wie ein Thriller ist „Mist on Sea“ von der aus Hongkong stammenden Multimedia-Künstlerin Fiona Lee, die mit Dröhnen und klopfenden Wassertropfen ein Setting von ungeahnter Dichte hervorbringt.

Vokalexperimente, bei denen sich Stimme und Instrumente zeitweilig zu einem Zopf verflechten, sind ein weiterer Schwerpunkt, mit Sounds, die an einen quietschenden Ballon erinnern sowie allerlei Geräuschen mit Kehle, Zunge und Lippen zeigt die aus Malaysia stammende Kok Siew-Wai, dass man mit diesen Organen weit mehr als nur konventionell singen kann und überdies, dass Humor und Atmosphärik sich nicht ausschließen müssen. Experimentell im engsten Sinne gehen Phyu Hnin Thwin, Crazy Eels Society und Ito aus Myanmar zuwerke: Ihr Stück ist eine von Hauchen, Jaulen und Kichern durchzogene „Konversation“ der beteiligten Künstler, die in ihrem Dialog rein musikalische Mittel gebrauchen. Das aus Kasachstan und der Türkei stammende Trio Saadet Türköz, Zeynep Sarikartal und Basar Ünder kippt beständig von einer erschöpften Vokalperformance zu elektronischen Spielereien und verhinderten Songanfängen und wieder zurück. Krach von rein primitivistischer Räudigkeit spielt auf dem Sampler eine untergeordnete Rolle, trotzdem dürfen ein paar Minuten wellenförmiger Japanoise nicht fehlen, und dieser stammt von der hierzulande noch recht unbekannten Yuko Araki – ein tosender Abschluss!

Das Anliegen der Compilation ist ehrenhaft: über eine große, aber immer noch ausschnitthafte Auswahl experimenteller Musik das kreative Potential und Output einiger Regionen zu präsentieren, das von Presse und akademischer Welt oft ignoriert und durch auch dadurch erzeugte Blickverengungen von vielen Veröffentlichungs- und Vertriebswegen abgeschnitten ist. Wieviel Arbeit in einem solchen Projekt steckt, lässt sich allenfalls erahnen – sollte der eine oder andere Name im Gedächtnis von Schreibern, Verlegern, Kuratoren und v.a. Musikliebhabern stecken bleiben, dann war sie nicht vergebens. (U.S.)

Label: Syrphe

Munma ist allerdings noch einiges mehr: dunkel, cinematisch, ambient und von einer unterschwelligen Aufgewühltheit. Durch den Gebrauch gesampleter Sprachfetzen hatte das vorige Album „No Apologies“ eine hörspielartige Dimension, gleichzeitig offenbarte es im Zuge dessen auch einen politischen Subtext, bei dem es um die Verwerfungen in der seit Jahren gespaltenen libanesischen Gesellschaft auch und gerade nach dem letzten Krieg im Jahre 2006 ging.

In der Art des Gebrauchs der menschlichen Stimme liegt vielleicht die markanteste Neuerung, mit der seine neue LP „Three Voices“ aufwartet, denn die Vokalbeiträge – überwiegend weiblich und in französischer Sprache – stammen diesmal nicht aus Radio- und Fernsehübertragungen, sondern wurden von den jeweiligen Sprecherinnen, bei denen es sich um Autorinnen handelt, direkt für dieses Album verfasst und im Studio eingesprochen. Als solche bilden sie eine noch zentralere Komponente als auf dem Vorgänger-Album. Und trotz der immer noch kollagenhaften Struktur der Kompositionen fügen sich die Vocals harmonisch in den musikalischen Rahmen ein.

Dabei ist es mit dem Wohnklang so eine Sache: Viele der Tracks drängen mit einer subtilen Unruhe voran und entfalten eine deutlich spürbare Spannung, ob es beim Opener „Éole“ das leicht Verzerrte der trotzdem fein bearbeiteten Sounds ist, oder der oft nur angedeutete und somit etwas unsichere Rhythmus, oder die eher kühle als beruhigende Rezitation der Sprecherin – man mag es kaum sagen, doch der Song entfaltet eine atmosphärische Intensität, die das Charisma der Musik schon gleich zu Beginn offenbart. Und letztlich ist es die Mischung aus Ernsthaftigkeit und gestalterischer Schönheit, die dem Stück Zusammenhalt gibt.

Eine Art innerer Kampf zwischen Spannung und ganz ungezwungener Konzentration gibt dem ganzen Album seinen besonderen Reiz. In „Muse“ trägt einen das wellenförmige Hauchen eines (synthetischen?) Chors beinahe hinweg, doch unterschwelliges Gemurmel sorgt unmittelbar für Aufmerksamkeit und Aufruhr. Im Titelstück, einem kurzen Interludium, und in „Rêve éveil“ sprengen ungeduldige, erratische Takte den ambienten Kokon. Im Laufe des Albums, in dem dann auch der in New York lebende Produzent Jad Atoui zu hören ist, geraten die Stücke verspielter und immer mehr Ereignisse spitzen sich zu, Dub-Ansätze und vordergründige Rhythmik trifft auf die Saiten einer Oud, und über all dem breiten sich eindringliche Stimmbeiträge aus.

Weit weniger sperrig als der Vorgänger ist „Three Voices“ vieleicht das Album, um sich in den Munma-Kosmos einzuarbeiten. Die LP erschien bereits vor ein paar Monaten beim Beiruter Ruptured-Label, nach dem neuen Longplayer von Nawfals anderem Projekt Tasjiil Moujahed erscheint hiervon nun auch ein Tape bei den amerikanischen Kollegen von Beacon Sound. (U.S.)

Label: Ruptured / Beacon Sound