Vom Label heißt es: “Transcending all artificial limitations such as genre or instrumentation, the symbolist post-folk collective present a beautiful kaleidoscope of bursting musical colours and spiritual journeys into the wonders of nature with lush soundscapes that amazes and thrills with every note. Ever since their founding in the heart of Wisconsin in 2005 by vocalist and man of strings Troy Schafer and electronic sound designer and lyricist Nathaniel Ritter, Kinit Her have been relentlessly pushing to expand the aesthetic and stylistic range of neofolk into unique new shapes under the banner of what the band calls “symbolist post-folk music”. Channeling such diverse influences as neoclassical, early music, folk, industrial, avant-garde rock, black metal, ambient, pop, and many others, Kinit Her have sounded organic tone-mantras from shofar horns, bent sweetened notes on beaten guitars, intoned harmonised enumeration of spells and dreams, and backed it all by string and brass arrangements, acoustic ephemera, and twinkling electronic sound designs. Kinit Her emerge from a heavenly vault of related projects and shared collaborations of contributors as one of the brightest stars in this celestial sound constellation. “The Nature Out There” is the guiding light for a generation of folk and neofolk related music trying to reach new sonic dimensions”. Das Album erscheint beim Prophecy-Sublabel Auerbach Tonträger auf zwei limitierten Vinyl-Editionen, auf CD und zum Download.

Auf den Tracks von “Diamond Brush” layert Neal seine choraldominierten, sakral anmutenden Soundkollagen erstmals mit Live-Drums und elektrischen Gitarren. “Thematisch erforscht Dylan das spirituelle Streben nach Erwachen durch die Erfahrung von Grenzüberschreitung und Leiden mit eingestreuten Anspielungen auf Joyce, Salinger, Nabokov und Mobb Deep”, heißt es beim Label. Auf “Cicatricx”, dessen Titel auf lateinisch für die Vernarbung an verletztem Pflanzengewebe steht (und mit dem begriff für “Narbe” auch im breiteren Sinne in vielen indoeuropäischen Sprachen verwandt ist), geht es erneut um den Schaden, den das Misswirtschaften unserer Zivilisation der globalen Fauna zufügt. Die Tracks stammen aus den Session zum 2014 erschienenen Album “VI: Flora”. Das Splitalbum erscheint auf CD, als Download und in zwei unterschiedlichen Vinyl-Editionen.

@ Prophecy

Das Album erschien 1999 auf der Höhe einer Zeit, als Tony Wakeford und seine Band ihren klassischen Folk Noir-Stil um einige Elemente – Musik aus Renaissance und Barock, Sakrales, leichte Prog-Anleihen, später sollten Einflüsse des Jazz und Soundtrackelemente hinzukommen – bereicherten. Auf der Basis von Gitarren, Bass und mehrstimmigem Gesang wurden Instrumente wie Querflöte, Streicher, Piano und Cembalo integriert, womit das Album einen etwas ruhigeren, filigraneren Gegenpart zu den vorausgegangenen (“The Blade”) und nachfolgenden (“Hill of Crosses”) Werken bilden sollte, die insgesamt herber und aggressiver ausgefallen sind. Gemeinsam mit allen Alben dieser Ära ist der latent konzeptuelle Charakter, der sich in Sound, Lyrics und der nur angedeutet zyklischen Anordnung der Songs findet und der gut zu Wakefords Aussage, er möge prinzipiell keine Konzeptalben, v.a. die anderer Leute (Interview in Equinoxe 1999), passt. Prophecy haben das Album jüngst als LP neu herausgebracht.

Spuren der bodenständigen Derbheit, die in Form fetzigen Geschrammels, parataktischer Texte und des heiseren Gesangs eines Altpunks ein Markenzeichen der Band waren und auch später wieder sein sollten, finden sich auf “In A Garden Green” nur minimal. Songs wie “Come the Morning”, der Titeltrack oder “No One” interpretieren den typischen Folksound der Band auf fragile, durchaus anheimelde Art, doch die Texte lassen keinen Zweifel daran, dass es sich bei dem grünen Garten, den Tor Lundvall so schön im abendlichen Dämmerlicht illustriert hatte, um einen zwiespältigen Ort handelt, um ein von Menschen geschaffenes Biotop und eine dadurch symbolisierte Zivilisation, in der hinter jeder schönen Pflanze, jedem freundlichen Wort unberechenbare Gefahren lauern.

Und überhaupt, auch musikalisch dringt etwas Dunkles, Unerklärliches durch alle Ritzen des beschaulichen Szenarios, und einmal mehr findet man sich im Englischen Garten aus “In the Rain” wieder, in dem notdürftig verscharrte Leichen im Keller das Idyll trüben. Sol Invictus sind seit jeher Meister des verunklärten Idylls, dessen zerrissene Schönheit weder geleugnet, noch einseitig glorifiziert wird. “No One”, vielleicht der Dark Folk-Hit des Albums, entlarvt die Vision eines pastoralen Liebesidylls und lässt doch offen, ob es sich bei dessen Negation vielleicht um eine ebenso starke, negative Projektion handelt – das betörende Zusammenspiel von männlichem und weiblichem Gesang, der das ganze Album durchzieht, verführt dazu, dem Song alles zu glauben. Ein Novum damals und beinahe ein Alleinstellungsmerkmal bei Sol Invictus sind sakral anmutende Stücke wie “O Rubor Sanguinis” und “Ave Maria”, die in etwas modifizierter Form auch auf ein Orchestra Noir-Album gepasst hätten, einen besonderen Moment hält das cinematisch mit verwunschenen Violinparts umgesetzte irische Traditional “The Praities Song” bereit. Das romantisch verklärte Szenario transportiert die sehnsuchtsvolle Klage der Bauern während der Kartoffelpest im 19. Jahrhundert.

Die neue Doppel-LP basiert hinsichtlich Sound und Tracklisting auf der vor neun Jahren erschienenen 2CD-Version, die neben dem Album noch das zur gleichen Zeit aufgenommene Bootleg “Live in Villeurbanne 1999″. Dieses enthält vierzehn Tracks aus unterschiedlichen Phasen, aber im damals aktuellen Sound der Band. Angefangen vom orgellastig-feierlichen “O Rubor Sanguinis” wird wie bei den üblichen Sol Invictus-Konzerten ein sechzehn Songs umfassender Querschnitt durch das bisherige Werk inklusive “Media”, The Fool” und einige ganz frühe Songs geboten. Die eher mittelmäßige Aufnahme, bei der nerviges Publikumsgebrüll hin und wieder die Intros übertönt, ist bei einem Bootleg zu verschmerzen.

Label: Prophecy

Prophecy Productions

Bandcamp

In meiner Besprechung eines Albums von The Hare and the Moon schrieb ich vor einiger Zeit, dass nur wenige der bekannten englischen Darkfolk-Bands einen stärkeren Fokus auf die Gespenster des eigenen Landes haben. Ich bezog mich dabei eher auf die spukhaften Folkballaden, die es in Großbritannien zuhauf gibt – versteht man die Geister weniger im übernatürlichen Sinne, sondern als Last einer unaufgearbeiteten Vergangenheit mit all ihren Leichen im Keller, als Alpdruck einer unauflösbaren Hassliebe für den Ort der Herkunft, muss einem sofort Tony Wakeford einfallen, in dessen Werk – und somit auch bei seiner Hauptband Sol Invictus – immer wieder das Hadern mit England und London zur Sprache kommt.

Am deutlichsten geschah dies bisher in dem Song „Old London Weeps“ vom „The Devil’s Steed“-Album, in dem die Stadt an der Themse als Ort von Intrigen, Crime und Punishment, aber auch als Heimat zauberhafter wie derber Geschichten in gebrochener Wehmut besungen wird. All dies wirkt wie ein lange verblichener Mythos in einer Zeit, in der einen die Manager der City of London niederstarren, und bezeichnenderweise erschien der Song auch auf einem Sampler namens „A Mythological Prospect Of The Citie Of Londinium“, wo es in einem weiteren Sol-Stück heißt „England is funny, but sometimes she scares me“. Man kann Tony Wakefords gespaltenes Verhältnis zu seiner Stadt nicht ohne seine ambivalente Haltung zur eigenen Englishness sehen, und ein zwiespältiges England kommt oft zur Sprache: als dubioses Geheimnis, das in „An English Garden“ einen verwunschenen, aber um Normalität bemühten Ort heimsucht. Als bornierter Egoismus in „Mr. Cruel“. Als Konsumantreiber in „Toys“. Als doppelbödiges edwardianisches Erbe in „What if…“ von Tonys anderer Band Orchestra Noir. Als dadaistischer Spaß in The Wardrobe, seiner Kollaboration mit Andrew Liles.

Muss man in dem Zusammenhang auch über Wakefords frühe Irrungen und Wirrungen im Hinblick auf den englischen Nationalismus und den einen oder anderen ideologischen Fehlgriff sprechen, die ihm einige, trotz seiner klaren Positionen zum Brexit und zur Rechten allgemein, trotz Wiederbelebung seiner linken Punkband Crisis, noch heute vorwerfen, wie jüngst recht unrühmlich im Wire? Mann kann, aber damit würde man nur einen Diskurs befeuern, bei dem aus unterschiedlichen Ecken viel Halbwissen nachgeplappert wird, v.a. von denen, die seit zwanzig Jahren kein Sol Invictus mehr gehört haben. Wakefors Musik, seine Texte, seine aktuellen Kollaborationen und die Objekte seines Spotts sprechen für sich, und all dies ist jedem zugänglich, der sich informieren will.

Auf „Necropolis“ erscheint London, wie Wakeford selbst sagt, als „eine Stadt, die von den Gepflogenheiten und Verbrechen der Toten und der Lebenden wie von Gespenstern heimgesucht wird“, zudem als eine im Verfall befindliche Stadt der Mausoleen. Ganz passend also, das Album nach der viktorianischen London Necropolis Railway zu benennen, die die Stadt mit dem im Südwesten gelegenen (und recht schönen) Brookwood-Friedhof verbindet. Lässt man die Musik und die Texte auf sich wirken, hat man kaum den Eindruck, einer Klage über den Wandel der Dinge beizuwohnen (denn dafür erscheint Old London als viel zu gebrochener Schauplatz), sondern einem morbide eingefärbten, und dennoch abgeklärten Stimmungsbild.

Musikalisch hat „Necropolis“ in der Hinsicht einiges zu bieten und vereint einige Charakteristika früherer Werke. Die instrumentelle Vielseitigkeit, ein gewisser Hang zum Klassischen und der Einsatz weiblicher Stimmen schlägt im vielleicht eingängigsten Song „See Them“ und an einigen weiteren Stellen die Brücke zu den Alben von „In A Garden Green“ bis „Thrones“ – ein besonderer Bonus ist diesmal die Mitwirkung des Green Army Choir, eines gemischten Londoner Kammerchores aus dem Umfeld von Cellistin Jo Quail. Aber auch das leicht jazzige Drumming z.B. in der Abendmahlsparodie „Set The Table“ deutet in diese Richtung, ebenso das immer wieder anklingende feierlich monotone Finger picking, das an barocke Tänze erinnert und seit „Sawney Beane“ zu Wakefords Markenzeichen gehört. Auch an die letzten Alben, an das trotz guter Produktion rumpelige „The Cruellest Month“ und das stark von Don Andersons Gitarrenspiel geprägte „Once Upon A Time“ wird man erinnert – so etwa bei den Pauken und Flöten von „Shoreditch“ oder bei „Old Father Thames“, dessen stockender Takt die wechselhaften Bewegungen des Flusslaufs nachzuahmen scheint. Im Zentrum des Stückes steht ein Doku-Sample, das den Fluss als „Serpent in the bosom of London“ beschreibt und den mystischen Charakter der Stadt in Erinnerung ruft. Wakefords wie immer etwas eigenwilliger Gesang versteckt sich dahinter und ist stellenweise kaum zu verstehen.

In den Texten zeichnet sich ein derbes, morbides und gleichsam zauberhaftes Bild der Stadt ab. London erscheint als ein Ort steten Kommens und Gehens, in der sich die Kirchenglocken die Geschichte von Schuldnern zuläuten, mit denen – „chop, chop“ – kurzen Prozess gemacht wird, als Ort grausiger Menschenopfer, wo Landstreicher von den abergläubischen Anwohnern in den Fluss geworfen werden, bis die London Bridge über den Gebeinen einstürzt, als Ort der großen Pest und des großen Feuers, und es entbehrt nicht eines gewissen Sarkasmus, wenn es dabei „There isn’t any dance“ heißt, und Wakefords Gitarre wie eine Mischung aus Saltarello und Totentanz klingt. Das gleiche London erscheint aber auch als verlorener Liebesgarten, der sich – unter Rückgriff auf ein bekanntes William Blake-Gedicht – als die titelgebende Totenstadt entpuppt.

Inmitten ihrer Totenstadt stimmen Sol Invictus ihren großartigen Abgesang an, der das verbleichende London weder verflucht, noch sentimental verklärt – eine ernsthafte, von schwarzem Humor und einer Menge experimentierfreudiger Ideen durchdrungene Musik irgendwo zwischen Prog und (diesmal irgendwie buchstäblich) Apocalyptic Folk, die man im Soundtrack hören sollte, falls Peter Ackroyds London: The Biography jemals verfilmt werden sollte. Gerüchten zufolge soll „Necropolis“ auch den zumindest vorläufigen Endpunkt der Bandgeschichte markieren. Schade wäre das allemal, denn Wakefords wechselhafte Combo zählt zu den raren Beispielen unter den Darkfolkern der ersten Generation, die primär durch solide Musik und weniger durch das Beanspruchen von Extrawürsten in Erscheinung getreten sind. (U.S.)

Label: Auerbach / Prophecy

Eine weitere Konstante war das Zusammenspiel von männlichem und weiblichem Gesang, seit dem zweiten Album „Campo di Marte“ primär verkörpert durch die Stimmen von Daniela Bedeski und dem umtriebigen Trevor a.k.a. 3Vor. Dass Daniela nach „Vertute, Honor, Bellezza“, dem bislang elektronischsten Album, die Camerata verließ, bedeutete einen markanten Schnitt, der sicher von den meisten Fans bedauert wurde. Will man trotzdem etwas Positives darin sehen, so kann man festhalten, dass es durch diesen Bruch gewissermaßen zu einer kreativen Vervielfältigung kam, denn während Daniela ihr RosaRubea-Projekt zu einer festen Band ausbaute und in der Zwischenzeit ein überaus gelungenes Album herausgebracht hat, hat sich auch die Camerata neu formiert und die Lücke mit gleich drei neuen Sängerinnen gefüllt.

Man könnte nun auf die Idee kommen, dass hier auf Quantität gesetzt wurde, doch solche Bedenken konnten schon auf den Konzerten der letzten Jahre zerstreut werden, denn die Sängerinnen Desiree Corapi, Carmen D’Onofrio und Chiara Rolando entpuppen sich als sehr verschiedenartiges Gespann, bei dem sich die einzelnen Stimmen wunderbar ergänzen. Desiree Corapi, eine Studentin des Conservatorio G.Verdi di Milano, an dem Elena Previdi unterrichtet, singt in einem klaren, unmanirierten Sopran, ihrer berührenden, oft versöhnlich anmutenden Stimme kommt mittlerweile ein großer Anteil des Gesangs zu. In Chiaras Gesang ist ein erdiger und zugleich poptauglicher Ton beigemischt. “Soprano Punk” Carmen machte als einzige der drei schon länger von sich reden und sang u.a. bei Argine und Ballo Delle Castagne. Ihr aufwühlender lyrischer Sopran ist eines der großen Ornamente der Camerata und schraubt sich immer wieder in lichte Höhen empor, um besondere Akzente zu setzen.

Weibliches spielt auf dem neuen Album „Le Vergine Folli“ – „Die närrischen Jungfrauen“ – nicht nur eine stimmliche, sondern auch eine inhaltliche Rolle. Alle acht Tracks sind Gedichtvertonungen, und das Thema Frau, ihr Image und ihre fragile, oft gebrochene „Reinheit“ zieht sich in unterschiedlicher Deutlichkeit leitmotivisch durch alle Texte, die entweder von heute weitgehend unbekannten italienischen Dichterinnen wie Vittoria Aganoor Pompilj oder Isabella di Morro stammen, oder aus der Feder des berühmten Dichters der frühen Renaissance, Francesco Petrarca, der schon auf „Madrigali“ und besonders „Vertute, Honor, Bellezza“ eine Rolle spielte, und dessen Lobgesänge auf die geheimnisvoll entrückte Madonna Laura eine ganze lyrische Tradition begründeten. Mit „Canzone alla Vergine“ und „Vergine Bella“ gab es auch in der letzten Phase schon Stücke, in denen dieses Thema vorkommt, und die man trotz ihres religiöseren Inhalts als Vorläufer des neuen Albums betrachten kann.

Vielleicht wäre es etwas überinterpretiert, den getragenen, diesmal auf wuchtige Perkussion fast völlig verzichtenden Musikstil auch auf den stark weiblichen Schwerpunkt der Songs zu beziehen – bei der Instrumentierung jedenfalls nimmt „Le Vergine Folli“ eine Sonderstellung ein, denn erstmals steht das Piano, genauer Klaviere von Steinway & Sons und andere Flügel aus der Zeit um 1900, im Zentrum des Geschehens, Streicher und leichte elektronische Bearbeitung ergänzen den Sound. Die beiden ersten Stücke umfassen bereits die Bandbreite des Stils: „Lacrime de Gioia“ beginnt fast soundscapig verweht und entpuppt sich als opulentes, impressionistisches Schattenidyll mit verhalltem Chorgesang, vor dessen Kulisse die Stimme Carmens aufscheint, bevor alle Stimmen der Camerata kurz zu Wort kommen. „ Scrissi Con Stile Amaro“ dagegen mit Chiara am Mikro exponiert in feierlicher Simplizität Stimme, Piano und Violine in ihrem Minimalismus gleichermaßen, ein anrührendes Lied über das Glück, das wie einige andere Songs an die Cembalostücke auf früheren Alben erinnert.

Es fällt schwer, einzelne Songs hervorzuheben: „Mi Vuoi“ mit Carmens virtuosem Leadgesang, ein dunker, gegen Ende atemloser Chanson mit mittelalterlichen Anklängen, begeistert ebenso wie das erschütternd eindringliche Traumgebilde „Notte Ancora“, der buchstäblich petrarkistische Walzer „Pace Non Trovo“ mit dem Duett zwischen Desiree und Trevor ebenso wie „Dolce Salire“, dessen verzauberte Pianospur interessante Harmonien mit dem kräftigen Bariton Trevors entstehen lässt. Und da ist noch nichts zu „Quando l’Sol“ gesagt, dem melancholischen Abschluss, der für vier Minuten eine ganze Welt zu versöhnen vermag.

Eine subtile Spannung aus Reinheit und kleinen, störenden Details, aus teilweise wahnhafter Sehnsucht und einer ruhigen, an Herbststimmung erinnernden Einkehr durchzieht dieses Album, und obwohl man sich bei den närrischen Jungfrauen vielleicht etwas anderes vorgestellt hatte, passt bei genauerem Hinhören doch alles wunderbar zusammen – ein Eindruck, der sich angesichts der Lyrics sicher noch verstärkt, die in der Liebhaber-Edition zusammen mit einer Bonus-CD und anderen Beigaben gleich in fünf Sprachen zu finden sind. Aus der aktuellen Richtung auf die Zukunft der Camerata Mediolanense zu schließen, halte ich für gewagt, ganz abschwören dürfen sie dem perkussiven Bombast ohnehin nicht, denn sicher will nicht nur ich irgendwann den Kracher „Embryo Ventosa“ einmal auf Platte hören. (U.S.)

Label: Auerbach Tonträger / Prophecy

Während die inhaltlichen Wandlungen schon eine gewisse Linearität aufweisen (vereinfacht gesprochen von einem heidnisch-antimodernen zu einem existentialistisch-liberalen Sarkasmus), kommen die Veränderungen in Lineup und Instrumentierung oft überraschend, denn zwischen dem mal folkigen, mal punkigen, mal lärmigen Frühwerk, dem virtuosen Bandsound mit Howden, Doherty und andern in den 90ern, der rauen „Devil’s Steed“ und der opulenten „Cruellest Month“ besteht keine logische Kontinuität, vielmehr bestimmen die jeweiligen Mitglieder die musikalische Gewandung. Zu denen zählen auf dem aktuellen „Once Upon a Time“ auch zwei amerikanische Metaller, und so ist diesmal etwas dazugekommen, das man bei Sol Invictus bisher nicht finden konnte – Rock weit jenseits von lärmigem Bassgeknarre.

Positiv zu bewerten ist daran, dass die Beiträge, bei denen vor allem Agalloch-Gitarrist Don Anderson in Vordergrund steht, sich konstant mit dem folkigen Rest verknüpfen und keinen Fremdkörper darstellen. Dem Intro mit dem typischen Tony-Geschrammel verleiht das eine gewisse Schwere, beim ersten Highlight „The Devil On Tuesday “ verschmilzen die elektrifizierten Saiten mit rumpeligen Drums zu einer Progrock-Einheit und bilden einen Kontrast zu Tonys Picking, wie man ihn seit „Thrones“ nicht mehr zu hören bekam, wobei das kniedelige Gitarrensolo auch etwas anstrengend wirkt. Von den Instrumentalstücken überzeugt v.a. „13 Mercies “, das mit seinen Twangs und seinem fast groovigen Bass wie für einen nächtlichen Roadmovie gemacht scheint, und kein kontrastreicheres Setting zur diesigen Dämmerwelt des Vorgängeralbums darstellen könnte. Als Kulisse für Tonys ironischem Pessimismus – was wäre Sol Invictus ohne die obligatorische Allegorie auf das Bösartige, auf religiöse Heuchelei und bornierte Englishness („Mr. Cruel“) und seine parataktischen Gegenüberstellungen von Schönem und Ungenießbarem („The Path Less Travelled “) – eignet sich dieser Schauplatz aber ebenso gut.

Es gibt Stellen, an denen die Rockelemente im Hintergrund blieben, ohne vollends zu verschwinden, in „The Devil’s Year“ gehört die Bühne v.a. der berührenden Violine Renées, in „Our Father“ steht alles im Zeichen eines schmissigen Allegro – der Alte Ritter-Sound dieser Familientragödie en miniature zählt übrigens zu den größten Momenten. Bedauerlich ist auf der anderen Seite, dass das Luftige und Folkige macher Stücke unter der Schwere der Gitarrenparts oftmals erstickt wird, und man am Ende doch nicht vollends überzeugt ist, dass Altes und Neues wirklich harmoniert.

Zweifellos wird „Once Upon a Time“ polarisieren, einige der Fair Isle Jumpers unter den Fans wird es vergraulen, aber vielleicht erschließt die Zusammenarbeit mit Agalloch und Prophecy der Band ja auch ein paar neue Horizonte. (U.S.)

Label: Prophecy