Auf unseren Seiten wurde Finn attestiert, er sei, “seit den späten 60ern aktiver Sänger und Gitarrist, dessen von originellen kompositorischen Ideen und zum Teil bissigen, existenzialistischen Texten geprägte Musik unter Begriffen wie Folk oder Psychedelic nur unzureichend erfasst wird.“ Die vier Studioalben, die Finn nach einer Jahrzehnte dauernden Pause seit 2005 veröffentlichte, waren von einer beeindruckenden Qualität und ließen uns hier zu dem Schluss kommen, eigentlich verdiene es Finn “schon lange im Pantheon der großen (oder zumindest kanonisierten) Songschreiber aufgenommen worden [zu sein], neben denen er im „Tower of Song“ (L. Cohen) ganz bestimmt (be)stehen könnte.”

@ Bandcamp

Begleitet wurde er bei den Shows von einem – verglichen mit dem Auftritt in Santiago de Compostela etwas üppigeren – Ensemble bestehend aus Joolie Wood (Backing Vocals, Violine), Maja Elliott (Backing Vocals, Flügel), Ian Hothersall (Percussion) und Mark Kluzek (Bass), die zum Teil auch zur Stammbesetzung seiner jüngeren Studioaufnahmen zählen und wesentlich zu seinem dunklen, folkig angehauchten Songwriterstil beitragen. Das Album ist über die Bandcamp-Seite von Finns 10 to 1-Label erhältlich.

Seit seiner Rückkehr zur Musik im Jahre 2005 – Ende der 80er/Anfang der 90er kamen drei Romane heraus, ein neuer namens „Oral Hygiene“ ist jüngst als E-Book erschienen – veröffentlicht er alle zwei Jahre Alben. War das relativ aufwändig produzierte und mit vielen Gästen eingespielte (und mit dem Produzenten des Debüts,Vic Keary, aufgenommene) Album „Accidental Life“ auch mit der Hoffnung entstanden, eventuell das Interesse eines größeren Labels zu wecken, so findet auf „Through Stones“ erneut eine personelle Reduktion statt, wird Finn primär von der langjährigen Mitstreiterin Joolie Wood unterstüzt, die ihn seit seinem Comebackalbum „Magic Moments“ (auf Durto) begleitet.

Es wurde schon mehrfach gesagt, dass Finns Songs sich grob in eher narrative und eher reflexive einteilen lassen, Finn selber sagte in oben erwähnten Interview, seine Songs seien nicht zynisch und das ist trotz aller Thematisierung der dunkleren Seiten der conditio humana nachvollziehbar, wirken sie oft textlich und durch die Art des Vortrags eher lakonisch.

Die ersten Stücke des Albums knüpfen an die Songs der letzten Alben an, die von einer gewissen Melancholie geprägt waren (wie etwa „Neutered Air“ oder „Accidental Life“): „Strict Straight and Gorgeous“ beginnt mit dezent gezupfter Akustikgitarre, zu der eine Hammondorgel und eine traurige Geige dazukommen und Finn singt: „Like flea upon a dead man’s suit/I wait like every frog and newt/Your gorgeous grace & frost glazed gorse/To yield, once more, to summer’s force“ um dann im Refrain zu offenbaren, warum die adressierte Person dies in ihm auslöst: „You make me nervous/You’re so strict, and gorgeous“. Könnten die Backingvocals von Joolie Wood auf anderen Veröffentlichungen vielleicht die Grenze des Trivialen überschreiten, so wird das hier auf souveräne Weise vermieden. „Barren Leaves“ ist vom Vortrag und durch das Strumming der Gitarre dramatischer, die von Wood gespielten Blasinstrumente unterstreichen die Gefühle, die durch die Kritik am Zustand der Welt ausgelöst werden: „The rich they try to buy everything/They see and like/The rest we try to like/What we’re lucky enough to get“ – ein erster Höhepunkt auf einem an Höhepunkten nicht armen Album. Das Titelstück ist dann wieder eher getragen: „But what she’d really like to know/Is how to come back from below and grow/Through stones“. Stücke wie „Don’t Play If Onlys“ entledigen sich dagegen jedweder Melancholie und Trauer, sondern sind geprägt von dem lakonischen Vortrag Finns, dessen Lebensphilosophie sich sicher in Zeilen wie „We can’t always understand/What’s in fate’s head/So don’t trouble wondering why/Just move on with your life“ widerspiegelt. Dieses schulterzuckende Akzeptieren des Unvermeidlichen ist vielleicht Finns Art der Lebenshilfe (und man könnte ihn sich im Radio vorstellen, wie er diese Worte den zwanghaft nach Sinn Suchenden zuraunt). Einige der Stücke sind Jahrzehnte alt: so etwa das für seine Mutter geschriebene „Pamela Russell“, dem man seine Wurzeln in den 60ern anhört und das gegen Ende in eine Irish Folk- Nummer übergeht (etwas, das bei „Maid Marion“ später wieder aufgenommen wird). Ein wenig aus dem Rahmen fällt das improvisierte, in einem Take aufgenommene und von Danny Sceats Schlagzeug dominierte „Live in a Barn“, das für Finns Verhältnisse recht rockig ist. „Polar Veil“ wurde ursprünglich auf der anlässlich der Current 93-Auftritte in London vergangenes Jahr erschienen Single mit Rameses III und Comus (auch Musiker, die nach einer ähnlich langen Zeit der Stille zurückgekehrt sind) veröffentlicht, auf der die Eröffnungszeilen „Bright eyed when I started, about it all/Now I’m wide eyed and broken hearted/About it all“, die vielleicht als Signum unter jedes Leben gesetzt werden könnten, durch Finns zurückhaltenden Vortrag bar jedweden Pathos sind. Das narrative „Naturally Broken“, auf dem ein Gespräch zwischen einem „He“ und einer „She“ beschrieben wird, kommt zu dem Schluss: „It seems time, like all else/Just comes naturally broken“. Gegen Ende des Albums knüpft „Swallow“ wieder an die Stimmung des Anfangs an: „He’s learned the way of the warrior/The solitude of the freak/Remembered always the distance/Between the words of those that speak“. Das kurze experimentelle und von Akkordeondrones, Orgel und E-Gitarre dominierte „ A Bad Plan is Better Than None“ besteht lediglich aus den Zeilen: „Good plans are really the same/It’s just the ending that’s changed“ und nach Hören dieses Albums denkt der Rezensent – wieder einmal -, dass in einer nicht „gebrochenen“ Welt Finn schon lange im Pantheon der großen (oder zumindest kanonisierten) Songschreiber aufgenommen worden wäre, neben denen er im „Tower of Song“ (L. Cohen) ganz bestimmt (be)stehen könnte. (M.G.)

Label: 10 to 1

Ende der 60er nahm Simon Finn ein Acidfolk-Album namens “Pass The Distance“ auf, das aus verschiedenen rechtlichen Gründen relativ schnell aus den Regalen genommen wurde und im Lauf der Jahr(zehnt)e einen ziemlichen Kultstatus erlangte. Nachdem David Tibet das Stück “Jerusalem“ – noch heute im Liverepertoire zu finden und in seiner Intensität beeindruckend – gehört hatte, setzte  er sich mit Simon Finn in Verbindung und vor einigen Jahren erschien das nur von Simon Finn mit Hilfe von Joolie Wood eingespielte Album “Magic Moments“. Inzwischen unterstützt Simon Finn  CURRENT 93 bei Auftritten häufig an der Gitarre, hat ein kleines Label namens 10 to 1 gegründet und (dort) gerade sein drittes Album “Accidental Life“ veröffentlicht. Bei Auftritten wirkt Finn manchmal etwas unbeholfen, sobald er aber anfängt zu spielen, strahlt er etwas aus, das sich schwer in Worte fassen lässt, will man nicht  Floskeln wie “authentisch“ benutzen.

Lass uns ganz vorne anfangen. Es gab da diese unglaublich lange Unterbrechung zwischen deinem ersten und deinem zweiten Album.

Ja.

Hatte das auch mit der Unzufriedenheit mit dem Geschäftlichen zu tun?

Nein, nicht wirklich. Zum damaligen Zeitpunkt war das toll. Die Dinge sind ganz gut gelaufen. Ich habe 1967 angefangen, aber ich hatte ziemliches Glück. Ich kannte niemanden in London und ich hatte meinen ersten Auftritt ungefähr drei Monate, nachdem ich angekommen war. Natürlich dauert es Jahre, bis irgendetwas passiert. Ich habe bis etwa 1972 Musik gemacht und habe dann Nordamerika einen Besuch abgestattet, um Urlaub zu machen und mir hat es da gefallen. Ich wollte einfach aus England raus, das hatte allerdings nichts mit der Musik zu tun. Es lag an meiner Familie, die völlig verrückt war.

Ich habe darüber gelesen.

Ich war zwar weg, aber ich war ziemlich durch. Jetzt bin ich völlig geheilt. (lacht)

Du hast mal irgendwo gesagt, dass das Musikmachen die Therapie des armen Mannes sei.

Auf viele Leute trifft das zu. Ja, ich habe weiter komponiert. Für mich sind immer diejenigen interessant, die etwas aus ganz persönlichen Gründen machen, nicht wegen des Geldes. Es gibt Leute, da gefällt mir die Musik nicht, aber ich merke, dass es für sie sehr wichtig ist. Einige abstrakte Maler malen Bilder, die ich nicht verstehe, aber wenn ich höre, wie sie darüber reden – mit welcher Intensität –, wird mir klar, dass die es nicht aus finanziellen Gründen machen. Ich habe solche Freunde und das zieht mich an. Aber verglichen mit den 60ern ist Musik heutzutage so groß. Damals gab es nur ein paar Bands, vielleicht tausend oder so.

Nachdem du zumindest mit öffentlichen Auftritten aufgehört hattest, hast du danach je den Zwang verspürt noch einmal auf eine Bühne zu gehen?

Nein, aber nicht deswegen, weil ich etwas gegen Auftritte gehabt hätte, sondern weil ich mich für andere Dinge interessiert habe, die mich in Beschlag genommen haben. Ich habe als Biobauer gearbeitet…

Das war bestimmt lange, bevor der jetzige Boom eingesetzt hat.

Ja, was auch immer ich mache….es wirft keinen Gewinn ab. Ich habe auch Wasserfilter verkauft. Das ist den Bach runtergegangen, weil niemand Wasserfilter gekauft hat. Zehn Jahre später sah das ganz anders aus. So sieht mein Leben aus. (lacht) Ich brauche gerade z.B. einen neuen. Ich muss also einen kaufen.

Zu welchem Zeitpunkt hast du eigentlich damit angefangen, Romane zu schreiben?

Ich habe drei geschrieben – ziemlich schnell hintereinander. Es muss so in den späten 80ern gewesen sein, vielleicht auch in den frühen 90rn, ich bin mir nicht ganz sicher. So um den Dreh jedenfalls.

Wie waren die?

Überhaupt nicht wie meine Lieder. Eine andere Art der Therapie. (lacht). Immer noch Therapie, aber der Therapeut war ein anderer. Meine Lieder sind eigentlich nicht zynisch, meine Prosa ist zynischer.

Eher realistisch?

Ja. Zeitgenössische Settings, es ging um die Perversität menschlichen Verhaltens.

Bei einem Song wie “Walkie Talkie“ kommt aber auch viel Ärger über die Conditio humana rüber.

So fühle ich das, das ist allerdings nicht zynisch, sondern die Realität. Meine Songs sind manchmal abstrakt. “Rich Girl With No Trousers“ handelt von einem  meiner Freunde, der an Alzheimer gestorben ist, aber ich erwarte nicht, dass das jemand weiß. Auch wenn die Songs abstrakt sind, werden die Gefühle sehr direkt ausgedrückt. Wenn ich Prosa schreibe, mache ich das wohl mit einem anderen Teil meines Gehirns.

Auf deiner alten Homepage konnte man Sachen runterladen, oder?

Ich habe das ungefähr eine Woche lang gemacht. Dann sagte irgendjemand zu mir, ich solle die zwei Sachen – Musik und Literatur – nicht miteinander vermischen.

Hast du Pläne die Texte wieder verfügbar zu machen?

Komischerweise habe ich seit letztem Jahr sogar eine Agentin in New York. Sie hat es aber noch nicht geschafft, eins der Bücher zu verkaufen. Im Augenblick habe ich keine Zeit mich weiter darum zu kümmern.

Auf deinem zweiten Album gibt es ein Stück wie “Crow Flies“, aber auch  “Eros“, das viel narrativer ist, das eher eine Geschichte erzählt. Gibt es da eine Unterscheidung zwischen Songs, die eine Situation beschreiben und Songs, die eine Geschichte erzählen?

Manche Lieder werden durch die Melodie angetrieben, andere davon, dass ich ein Gedicht oder eine Idee habe, für das/die ich Musik haben möchte. Musikalisch ist “Eros“ sehr einfach, aber ich denke, dass es für diese Art Geschichte funktioniert. Ich hätte nie gedacht, dass das irgendjemand anderem gefallen könnte.

Ein Freund von mir ist ganz begeistert von deinem zweiten Album und hat mich gebeten dir zu sagen, dass er es sich oft morgens zum Frühstück anhört und danach der Tag nur noch gut werden kann.

(lacht) Ein neues Album ist gerade rausgekommen.

Auf myspace kann man schon was hören.

Es ist nicht wirklich my space. Das macht jemand, der einige Auftritte organisiert hat.

Dein zweites Album war ja sehr reduziert. Auf deinem neuen Album machen wesentlich mehr Leute mit.

Z.B. Karl [Blake] an der E-Gitarre, Joolie.

Du hast das Album auf deinem Label veröffentlicht.

Ja, mein Minilabel.

Mit bisher zwei Veröffentlichungen.

Wir werden sehen, wie es weitergeht. Das Album ist ganz schön teuer gewesen, es wurde in einem ordentlichen Studio aufgenommen, mein alter Produzent war da etwas obsessiv, ich hoffe, jeder wird sein Geld wiederbekommen. Der Grund, warum ich es auf meinem Label veröffentlicht habe, ist der, dass er es an ein großes Label verkaufen will. Ich glaube nicht, dass er weiß, wie die Musikwelt jetzt so funktioniert, aber es ist sein Geld. Ich musste es aber schon wegen der Konzerte rausbringen, ich wollte nicht länger warten. Ich habe ihm deshalb gesagt, dass er es versuchen kann und wenn es nicht klappt, dann bleibt das Album auf meinem Label oder ich bringe es auf Durtro raus.

Wie kann man sich denn den Aufnahmeprozess deines zweiten Albums vorstellen? Du hast es bei Efrim von SILVER MT. ZION aufgenommen.

Ja, das war sehr nett. Ich hatte komischerweise schon in einem richtigen Studio genau die gleichen Songs aufgenommen, aber mir gefiel das nicht. Es hörte sich einfach nicht nach mir an, wohingegen das neue Album zwar sehr gut produziert ist, aber es trotzdem ich bin. Für Produzenten und Soundleute bin ich furchtbar. Ich mache selten mehr als eine Aufnahme, weil ich sonst die Motivation verliere. Ich mag es, ein Stück einmal zu spielen und wenn jemand sagt, dass ich das besser könne, kann ich es einfach nicht noch einmal machen. Man fühlt die Energie und bei einer Wiederholung funktioniert es einfach nicht mehr. Vic ist bei so etwas einfach klasse. Es fühlt sich spontan an. Vic stellt jetzt diese Maschinen her, die z.B. OASIS im Studio verwenden. Dadurch klingt der digitale Klang analog. Er klingt warm. Ich habe allerdings keine Ahnung, wie das funktioniert. Er ist bei Klang sehr obsessiv. Wie auch immer, ich bin sehr zufrieden.

Wie kam denn eigentlich diese erneute Zusammenarbeit nach einer solch langen Zeit zustande?

Ich sah eine Rezension des alten Albums und daraufhin setzte ich mich mit David Toop in Verbindung. Ich sagte zu ihm: “Ich habe eine Rezension gesehen.“ Woraufhin er meinte: “Ich dachte mir, dass du dich melden würdest. Leute suchen dich.“ In London musste ich die alten Mastertapes bekommen, deshalb nahm ich Kontakt auf, aber das hatte nichts mit einem neuen Album zu tun. Zufällig hatte ein Singer/Songwriter, Graham Coxon, Interesse und die Gruppe war in England gerade sehr populär. Dann hatte ein junger Produzent Interesse und so begann ich mit ihm zu arbeiten. Er mischte einige der Songs, aber dann war er mit etwas anderem beschäftigt, weil er anfing mit dieser Gruppe namens THE KLAXONS zu arbeiten.

Die sind ja momentan sehr angesagt.

(lacht) Ja, er hat eine gute Entscheidung getroffen. Durch ihn verzögerte es sich und er wollte dann eher mit den kommerziell vielversprechenderen Künstlern arbeiten. Er zögerte die Arbeit an meinem Album immer weiter heraus und das ging nicht. Ich lebe nur von der Musik. Die CD musste zu den Auftritten draußen sein. Daraufhin sprach ich mit Vic, der denjenigen kannte, weil er bei Vic gelernt hatte und dann sagte Vic, dass er es gern selbst machen würde. Er macht so etwas eigentlich nicht mehr, aber er ging ins Studio, machte es und das war sehr nett von ihm.

Wirst du denn mit dem Album viel touren?

Es ist momentan alles ganz schön verrückt. In den letzten zwei Jahren bin ich recht häufig unterwegs gewesen. Ich habe nur in den letzten drei Monaten pausiert. Die habe ich im Winter von Montreal zugebracht – bei minus 50 Grad. Es ist eine schöne Stadt, aber wahnsinnig kalt.

Willst du noch etwas sagen?

Nein, ich tue mich bei Interviews immer recht schwer. Du machst das ganz gut. Bei engen Freunden bin ich lockerer. Schlimm sind Fernsehleute, die nichts über meine Musik oder sonst etwas wissen und die dümmsten Fragen stellen. Ich schaue mir manchmal Talkshows an und die Schauspieler, die interviewt werden, sind so gut. Sie sagen: “Danke für die Fragen.“

– M.G. –

simonfinn.co.uk

Auf “45 Birds” sind nur zwei Songs enthalten, auf der CD ganz konventionell als Audiotracks, auf der beiliegenden DVD dann noch mal zusammen mit Videoclips aus der Werkstatt von Ian Hothersall, ein Regisseur, der bereits zwei Spielfilme zu verbuchen hat und unter anderem eine Rolle mit Karl Blake besetzte. Wer Joolies Debüt kennt und mit ihren Beiträgen zum Werk von CURRENT 93 oder SIMON FINN vertraut ist, den wird es nicht überraschen, dass auch die beiden (bisher unveröffentlichten) Songs auf “45 Birds” in eine Folkrichtung weisen, die bewusst auf schönen, mitunter im besten Sinne lieblichen Melodien und Harmonien als Ausdrucksmittel baut. “Postcards” ist ein Song, der auch bestens im Durtro-Rahmen Ende der 90er funktioniert hätte. Das Stück beginnt mit einer kindlichen Spieluhrmelodie, alsbald kommen Klavier, Gitarre und Akkordeon hinzu, an denen die vertrauten Gesichter des 10 To 1-Labels, Joolie, Simon und MAJA ELLIOTT, ihr Können demonstrieren. Joolies unprätentiöser Gesang ist so klar, schlicht und berührend wie der Text, der mit dem zufälligen Auffinden einer fast vergessenen kleinen Schatulle seinen Anfang nimmt. Die Jugendfreundschaft, die in den vorgetragenen Zeilen ohne Wehmut, aber auch ohne Abgeklärtheit erinnert wird, ist auch im Hauptfocus der verwackelten Handkamera, die mehr an einzelnen Dingen interessiert scheint, als an größeren Zusammenhängen: Bruchstückhafte Szenen der Privatheit und kleine scheinbar belanglose Alltagsgegenstände, die Erinnerung kostbar machen können. Rund vier Minuten Ton und Bild, die man einfach gern haben muss.

“Crow Flies”, das zweite Stück der EP, ist im Original von Simon Finn und vollzieht einen merklichen Bruch zu “Postcards”: Hier wird die kleine private Welt verlassen zugunsten universeller Zusammenhänge. Geeint durch den heiligen Schleier des Todes besinnen wir uns auf das, worauf es am Ende ankommt, und Joolie verleiht Simons Reflexion über seine großen Themen Freundschaft, Identität, Vergänglichkeit ein musikalisches Gewand, das sich vom schlichten Minimalismus des Originals unterscheidet, den mitreißenden Charakter des Songs aber dadurch noch steigert: ein droniger Auftakt, dramatische Streicherpassagen und eine E-Gitarre, die Infernalisches andeutet, ohne ins Plakative vorzustoßen – alles durchaus mit angemessenem Pathos, alles Reißerische jedoch vermeidend. Hothersalls Videokamera unterstreicht den universellen Charakter des Songs mit einer einzigen langen Fahrt, die panoramahaft durch einen englischen Stadtteil mit Bars und Shops und Innenhöfen führt. Die audiovisuelle Stimmigkeit ist beeindruckend, denn sowohl dem Song als auch der Filmaufnahme gelingt die Gratwanderung zwischen empathischer Nähe und einer überblickshaften Distanz. Man scheint die in Zeitlupe vorbeiziehenden Menschen, Repräsentanten einer merkwürdig isolierten, und doch geliebten Spezies, wie durch eine unsichtbare Wand zu sehen. Durch das bürgeliche englische Vorstadtpanorama knüpft das Video auch wieder an die kleine Welt von “Postcards” an, und schließt mit einer beiläufigen Aufnahme von Joolie und ihrem wichtigsten Instrument, der Violine.

Trotz der Kürze des Materials hat man am Ende das Gefühl, so etwas wie ein Kleinod in den Händen zu halten. Dass Joolie für die unbestimmte Zukunft ein Album plant, kam hier und da zur Sprache. Vielleicht ist “45 Birds” ja so etwas wie ein Auftakt, ich zumindest würde mich freuen, wenn sie ihren bisherigen Stil beibehalten würde, der sich auf einem Longplayer sicher noch wirkungsvoller zu entfalten weiß. Interessierte sollten sich beeilen, denn das Stück erscheint in 100er Auflage. (U.S.)

Die Fans sind im Bilde, für Neueinsteiger sei Finns zeitweise gestundete Karriere kurz resümiert: Ende der 60er spielte Simon mit ein paar Freunden ein Folkalbum im Stil der Zeit ein, das 1970 unter dem Titel „Pass The Distance“ herauskam und sich zunächst recht gut verkaufte – bis es aufgrund eines Rechtsstreites aus dem Labelprogramm genommen wurde und für lange Zeit zum Sammlerstück avancierte. Trotz Liveerfahrung u.a. im Vorprogramm von AL STEWART („Year Of The Cat“) zog sich Finn kurz darauf aus dem Musikgeschäft zurück, und es dauerte rund dreißig Jahre, bis er, ähnlich wie VASHTI BUNYAN, ein bemerkenswertes Comeback zustande brachte, das ihm zwar keinen Starruhm bescherte, dafür aber zwei von Kritikern und Fans geschätzte Alben namens „Magic Moments“ und „Accidental Life“. Zwischen spiritueller Sehnsucht und sarkastischer Aufdeckung desolater Lebensaspekte passte die mal minimalistisch arrangierte, mal etwas breiter instrumentierte Musik gut in die Folkszene der neueren Zeit. Bedenkt man bei diesem Comeback die Verlagsarbeit eines gewissen HERRN BUNTING und die Mitwirkung von Musikerinnen wie JOOLIE WOOD, ROSE MCDOWALL oder DANIELLE DAX, dann kann man sich schon vorstellen, aus welchen Ecken die neuen Anhänger zumeist kamen.

Ob der unstete Wanderer in der Musik nicht nur einen zweiten Frühling, sondern auch so etwas wie ein langfristiges Zuhause gefunden hat, kann ich nicht beurteilen, wenngleich ich es ihm ebenso wünschen würde wie seinen Fans – beim Anhören seines gerade erschienenen Longplayers „Rats Laugh Mice Sing“ kam mir zumindest der Gedanke, denn das Album knüpft sehr kohärent an seine Musik der letzten Jahre an. Was man von Finn, Wood und weiteren punktuell auftretenden Gästen geboten bekommt, ist zunächst ein balladenhaftes Songwriting mit dezent folkiger Instrumentierung, das in keines der gerne genannten Genrekonstrukte hineinpassen will. Da begegnen dem Hörer zunächst eher beiläufig und dezent klingende Stücke wie das mit dem passenden Titel „En Passant“: Eine nonchalante Orgel mit Sixties-Flair und ein paar hintergründige Rockzitate begleiten hier einen ironischen Finn bei seinen Reflexionen über das von Vergänglichkeit überschattete Spiel des Daseins. Finn ist kein Stimmwunder und seine Art des Gitarrenspiels sicher nicht außergewöhnlich innovativ, aber seine unprätentiöse Art zu singen und sein elegantes Songwriting machen das locker wett. Mein Kollege vom Black betonte bereits das Vorhandensein zweier Songtypen, die meist recht unverbunden nebeneinander stehen – zum einen Stücke mit anekdotischem Charakter, zum anderen Lieder, die abstakte Reflexionen zum Thema haben. Während „En Passant“ (vergleichbar mit „A Cinder’s Prayer“, „Friendship“ oder „Neutered Air“ von früheren Platten) zum letzteren Typ zählt, überwiegen auf dem neuen Album Stücke, bei denen Finn sich als singender Geschichtenerzähler gibt.

Wie schon auf den letzten Alben sind auch diese Lieder oft von einer spielerischen Ironie durchzogen, die angesichts der tragischen Inhalte bei manch anderem Songschreiber plakativ wirken würde. „Zoo“, mit Walzertakt und skurrilem Trompetensolo schon musikalisch ein Höhepunkt, ist eines dieser Stücke. Erzählt wird von einer als Tierpark versinnbildlichten Beziehung mit dem lyrischen Ich als einzigem Tier, das paradoxerweise seine Wärterin füttern muss. Was immer das nun parabelhaft über eine „Dialektik der Abhängigkeit“ aussagen mag sollen andere beurteilen – für mich gäbe der Song schlicht einen guten Romanstoff ab, ähnliche wie die melancholische Nummer „No Man In The Moon“ oder das bittere „Laughing With Lenny“, das mit seinem leicht groovigen Rhythmus erneut die 60er anklingen lässt und in gut vier Minuten eine ebenso wehmütig-schlitzohrige Lebenskünstlerbiografie erzählt wie vormals „Johnny Westward“. Vielleicht ist die Schwerpunktsetzung auf die ironischen Anekdoten ja so etwas wie ein Ausweg aus dem teilweise recht rauen Existenzialismus des Vorgängers, der den magischen Realismus von „Magic Moments“ konterkarierte. So ist auf dem neuen Werk auch Platz für den Stimmbeitrag einer Maus namens Albert, vielleicht ein ungebetener und letztlich akzeptierter Mitbewohner in Finns Haushalt, in jedem Fall aber Inspirationsquell für Titel und Artwork der Platte.

Doch „Rats“ hat auch kraftvolle Stücke zu bieten, die eine gebrochen euphorische Stimmung versprühen. „Loitering’s Allowed“ ist mit dem rhythmischen Strumming auf der Gitarre und Joolies großartiger Geigenmelodie ein fast neofolkiger Schrei nach Sinn und Bedeutung. Ist dessen Refrain „It’s all so pretty here“ ein Ausdruck der Freude oder eher die Anklage einer nur mit Ironie erträglichen Sterilität? Finns Texte haben ein stark evokatives Potential für griffige Bilder, in ihrer Aussage dagegen sind sie jedoch selten eindeutig. Markant ist dagegen der hier durchaus füllige Sound, bei dem Finn und Wood von dem Drummer JOHN RHYS-LEWIS, dem neuen Bassisten NELSON und KEITH GODMAN an der Mandoline unterstützt werden. Finn hat eine natürlich und unverkrampft wirkende Affinität zu dunklen Folkklängen, die sich ab und an in einzelnen Songs manifestiert und keineswegs auf Genrezugehörigkeiten abzielt. Dennoch – Szenegänger, die seinerzeit mit dem kulturpessimistischen „Walkie Talkie“ oder dem ambivalenten Heroismus von „Golden“ nichts anzufangen wussten, ist nicht zu helfen. In der Hinsicht ist auf dem neuen Album „The Chauffeur“ ein Höhepunkt. Wie bei einer kurzen hermetischen Short Story richtet Finn das Licht seiner Erzählkunst auf den kleinen bezeichnenden Ausschnitt einer seltsamen Beziehung. Sehr erfreulich, dass man auch diesen Text nur ansatzweise versteht, so driftet er auch an keiner Stelle ins Triviale ab. Finn lässt seine Zupfgitarre dazu etwas schneller erklingen, und wie in einem Western scheint sie den Rhythmus galoppierender Pferde nachzuahmen. Elektronische Rückkopplungen unterstreichen am Ende die Dramatik. So ist es dann auch ein Stück, das man sich wunderbar live vorstellen kann. Statt in einem Szeneclub würde ich Finn am liebsten, Klischees hin oder her, in einer kleinen heruntergekommenen Hafenkaschemme sehen, irgendwo in einem verlassenen Küstenstädtchen der englischsprachigen Welt.

Natürlich sind nicht alle Stücke auf „Rats“ von gleicher Intensität. Gerade die zweite Hälfte der Platte enthält Songs, die weniger ins Ohr gehen und ein paar Anläufe mehr brauchen, „He The Man“ und das selbstreflexive „Expectations“ mit seinem Banjo bilden da noch mal kleine Höhepunkte. Trotzdem wirkt die Songauswahl sehr kohärent, weshalb ich das vorliegende Album auch höher ansetze als „Accidental Life“, denn dieses wirkte trotz zum Teil großartiger Songs etwas lang und zusammengewürfelt, weshalb sich dort für mich kein richtiges Album-Feeling einstellen wollte. In diesem Gefühl, eine runde Sache vorliegen zu haben, sehe ich auch die eigentlich Innovation in Finns Werk, die man natürlich nicht als Quantensprung bezeichnen muss. Genau genommen kombiniert „Rats“ die Geschlossenheit von „Magic Moments“ mit der Opulenz von „Accidental Life“, und das ist doch ein guter Abschluss eines neuen Jahrzehnts für Simons Musik. Bestellen kann man das Album zu einem sehr entgegenkommenden Preis auf Simons Internetseite.

(U.S.)

Die Backingvocals von Rose McDowall und Danielle Dax, die E-Gitarre von Karl Blake, die Congas, die Tony Uter spielt,  David Toops (dem einzigen, der neben Finn auch am Debüt beteiligt war) oder Joolie Woods zahlreiche Beiträge  – all diese Elemente geben dem Album einen fertigeren Charakter als dem Vorgänger und man hört das Geld, das in die Produktion gesteckt wurde, gleichzeitig wird auch bei jedem einzelnen Song deutlich, dass es hier primär um Simon Finns Stimme und sein Gitarrenspiel geht und natürlich um seine oft beeindruckenden Texte (es finden sich großartige Zeilen wie “Without memories I’m blind“ oder “He was lonelier than Cain before his fall“, um nur zwei von vielen zu nennen). Das ist (natürlich!) kein Neofolk oder Weird Folk oder was auch immer man für ein Präfix hinzufügen möchte, sondern einfach nur Folk, der zeitlos ist und der deutlich macht, dass Folk auch ohne eine weitere Qualifizierung noch spannend sein kann. Das Cover mag an die James Bond-Anfangssequenz erinnern, aber den Songs fehlt natürlich das Physische, ungebrochen Maskuline, der Sprecher erkennt, dass er “Deeply Flawed“ ist, was man von dem Album nicht gerade behaupten kann. (M.G.)