beim Label heißt: “To many of their followers’ big surprise, Stian Westerhus and Maja S. K. Ratkje, who are usually associated with effect pedals, samplers, amplifiers and computers at three digit decibel levels, put aside all things electric and performed an acoustic set at Oslo Jazz Festival in 2019. Ratkje and Westerhus, now armed with a 19th century pump organ, fiddle, acoustic guitar, some metal scrap and their voices, have gradually composed, developed and expanded their new and unique repertoire, performing at concerts, for Norwegian national broadcasting (NRK), and are now releasing this album – All Losses Are Restored”. Dabei entdeckten die beiden auch ihre gemeinsame Liebe zum Werk Shakespeares und entschlossen sich, die Sonetten und Tragödienstoffe des Barden von Stratford zum Ausgangspunkt des Albums zu machen. Ein Songentwurf aus Westerhous’ Feder existierte bereits, alle weiteren Kompositionen entstanden gemeinsam. “A Shakespearian wind hit the two as they were looking for inspiration moving on from their first live appearance in 2019.

Would it make sense to combine their new musical expression with the mystical, brutal and flowery universe of William Shakespeare’s words? So many songs have already been made, so much music, from large staged works and inspired instrumental works to miniatures. A never-ending textual source. The task seemed both challenging and enticing”. Das Album erscheint als LP und CD bei Crispin Glover Records.

Foto: Voldseth

@ Crispin Glover Records

Als kürzlich Årabrot ihr Cover von „Going Up“ veröffentlichten, hieß es auf ihrer Instagramseite selbstreflexiv: „One should never cover Coil. Never. It’s artistic suicide. Not even God touches Coil. Why did we do it? Well, sometimes people take crack heroin too. It’s not a good idea. You either end up as William Burroughs or dead under a bridge. I aim and hope to think we end up the former.”

This Immortal Coil nehmen unter den Coilinterpreten allerdings eine besondere Stellung ein. In einem Interview, das wir vor etlichen Jahren mit Sleazy führten, meinte dieser: „Nach einer Sache solltet ihr später im Jahr auf jeden Fall die Augen aufhalten und das ist eine Kompilation auf einem französischen Label, die ‘This Immortal Coil’ heißen wird, und auf der einige wirklich beeindruckende akustische Neuinterpretationen von klassischen COIL-Songs sein werden, und zwar von vielen Künstlern, von denen Jhonn selbst ein Fan war, wie z.B. Bonnie Prince Billy (Will Oldham) und viele andere mehr. Die Rohmixe, die ich gehört habe, waren umwerfend.“  Und tatsächlich hatte die Herangehensweise des mit ihrem Namen auf 4ADs Hausband anspielenden Künstlerkollektivs etwas durchaus Überzeugendes: So wurde die doch dominant elektronische Musik Coils mit rein akustischen Instrumenten (neu) interpretiert, was zum Teil zu fantastischen Resultaten führte. Oldhams Version des Coilklassikers „Ostia“ war tatsächlich eine beeindruckende wie ergreifende Neuinterpretation. Hier zeigte sich auch, dass Coil nicht nur begnadete Experementierer waren, sondern eben auch tolle Songs schreiben konnten.

Schaut man sich jetzt den etliche Jahre später entstandenen Nachfolger an, fallen Gemeinsamkeiten auf: Wurde der Erstling „The Dark Age Of Love“ nach dem geplanten und nie fertiggestellten Nachfolger von „Horse Rotorvator“, dem geplanten „Zwilling“, benannt, verweist der Name des neuen Albums auf den Titel, unter dem zwischenzeitlich das „Backwards“-Material veröffentlicht werden sollte.

Eröffnet wird das Album von „Corybantic Ennui“,  was im Original auf „Stolen And Contamintated Songs“ lediglich ein kurzes auf der Oboe gespieltes Solo war (wie schon der Alternativtitel „Oboe Cop“ verdeutlichte), die Version von This Immortal Coil fügt  dem Original wenig Relevantes hinzu. Das minimalistische „Where Are You“ , vom zweiten Teil von „Musick To Play In The Dark“, bestand im Original aus digitalem Knistern, einem Loop, Rose McDowalls gesampleter Stimme und Balances Textrezitation. Hier wird der Text von Matt Elliott gesprochen, dazu kommen einige dezente perkussive Momente und getragene Cellopassagen. „Titan Arch“, das im Text Lovecraft und Kenneth Grant zitierende, auf „Love’s Secret Domain“ von Marc Almond gesungene Stück, wird hier von Kristoffer Rygg von Ulver gesungen, dazu kommen ein paar Töne Akustikgitarre und einige Sounds, die dem Stück das passend Mysteriöse bei der Beschwörung der unterirdischen Monarchen geben. Das vom gleichen Album stammende instrumentale „Dark River“ wird hier mit Hörnern, Cello und Hackbrett intoniert. Das Changieren zwischen Düsternis und Licht gelingt auch in dieser Version. Das auf einem Gebet russischer Gefangener basierende „A Cold Cell“ ist hier – wie im Original – ein getragenes trauriges Stück. Fast die komplette Winter Solstice-EP wird gecovered: „A White Rainbow“, mit Shannon Wrights melancholischem Gesang, „Magnetic North“ mit fast geflüsterter Textrezitation Elliotts und einigen E-Gitarren-Sounds, das Traditional „Christmas Is Now Drawing Near“, ursprünglich von Rose McDowall gesungen, überzeugt hier mit verwaschenen Harmoniumklängen und Ryggs Vocals. Zu „Fire Of The Mind“, mit Orgel, Cello und Hurdy Gurdy, gibt es ein etwas symbolüberfrachtetes Video.  Abgeschlossen wird das Album von dem oben schon erwähnten „Going Up“. Sich daran zu wagen, ist tatsächlich nicht unproblematisch, ist es doch das letzte je von Coil live gespielte Stück, das danach das posthum veröffentlichte Album „The Ape of Naples“ abschließen sollte. Es ist ein Stück, das zeigt, wie Coil aus scheinbar disparaten Elementen ihre ganz eigene, letztlich englische Musik machten: Aus dem Profanen des Titelstücks der Sitcom “Are You Being Served”, auf dem die in den jeweiligen Etagen eines Kaufhauses zu findenden Produkte aufgezählt werden, machten Coil einen emotional aufwühlenden Klagegesang, der auch ohne das Video des Auftritts zu Tränen rührt. Insofern kann dieses Cover kaum dem Original gerecht werden, was aber natürlich nur bedingt gegen This Immortal Coils Interpretation spricht.

Um auf obiges Zitat zurückzukommen: This Immortal Coil befinden sich mit diesem Album sicher näher am Mann in Tangier, am “hombre invisible” als an einer Leiche unter einer Brücke.

Label: Ici d’Ailleurs 

Während nach dem Ende Coils zahllose oft eher weniger gelungene Tributes erschienen, war „The Dark Age Of Love“ eine beeindruckende Zusammenstellung. In einem Interview, das wir vor vielen Jahren mit Peter Christopherson führten, sagte dieser: “Nach einer Sache solltet ihr später im Jahr auf jeden Fall die Augen aufhalten und das ist eine Kompilation auf einem französischen Label, die ”This Immortal Coil” heißen wird, und auf der einige wirklich beeindruckende akustische Neuinterpretationen von klassischen COIL-Songs sein werden, und zwar von vielen Künstlern, von denen Jhonn selbst ein Fan war, wie z.B. Bonnie Prince Billy (Will Oldham) und viele andere mehr. Die Rohmixe, die ich gehört habe, waren umwerfend.”

Von Titelgebung knüpft das neue Album etwas an den Vorgänger an: War “The Dark Age Of Love” der Titel des Albums, das urspünglich auf “Horse Rotorvator” folgen sollte, sein “Zwilling”, verweist “The World Ended A Long Time Ago” auf einen der vielen Arbeitstitel des “Backwards”-Materials. Die Auswahl der Titel, die interpreteiert werden, reicht von “Love’s Secret Domain” (“Titan Arch”, “Dark River”) über “Stolen and Contaminated Songs” (“Corybantic Ennui”) bis hin zu einer Reihe von Stücken aus der Spätphase Coils: So findet man fast alle Stücke der “Winter Solstice”-EP  (“A White Rainbow”, “Magnetic North”, “Christmas Is Now Drawing Near ), “Where Are You?” und mit “Going Up”, das letzte Stück, das Coil je live spielten.

Das Album wird als Download, auf CD und Vinyl in einer Reihe von Versionen erscheinen. Am Album beteiligt waren Shannon Wright, David Chalmin, Matt Elliott, Christine Ott, Aho Ssan, Gaspar Claus, Aidan Baker, Franck Laurino, Kristoffer Rygg, Ole Alexander Halstensgård, Stian Westerhus, Massimo Pupillo, Mattia Cipolli, Elisa Bognetti, Stefano Michelotti, Francesco Bolognini, Márton Csókás, Ivan Chiossone, Eric Aldéa.

@ Bandcamp

“There’s not so much of a relationship to [The Haze of Sleeplessness]. That album was more based on improvised ideas that were tweaked and arranged , while this one is all improvised with almost no editing at all. Everything you hear is from the church organ, with no additional instruments. The basic concept of the record, and the arrangement of the titles and pieces, is done in such a way that they alternate between a fluent, “on the move”, abstract mood and a more recognisable, concrete and ground0ed mood. At the same time it should be so open that listeners will hopefully have their own unique experience. The organ at Steinkjer is not a big organ but it has some really nice sounds, with a number of quirks and mechanical eccentricities that suit my music.” (Ståle Storløkken)

“What Ghost Caravan does share with its predecessor is a seemingly limitless acoustic space for the listener’s imagination to roam in, with Storlokken creating a cavernous cathedral of sound. The audio dynamics span an enormous range, capable of stretching from the quietest breathy whisper to a basso profundo squawk or scream, sometimes within seconds of each other. Similarly, the incredible variety of sounds that Storløkken coaxes from the organ can defy rational analysis, with the resolutely analogue instrument appearing to echo the industrial, found-sounds of clanking machinery or buzzing electronics that one might expect to encounter through digital sampling or the tape-based experiments of musique concrete.” (Hubro)

@ Hubro

“Kave” beginnt gemächlich mit leicht summender Dröhnung und leitet eine schummerige Halbwelt ein, in der man mit Spannungsmomenten rechnen muss. Schon im Opener “Cambium”, der alle Andeutungsmomente eines guten Intros im Gepäck hat, erinnern kurze schrille Pfeifftöne an die Schrecknisse eines Giallo, der erste Teil des Doppeltracks “Hibernation” lässt heiseren Gesang über ein kerniges Fundament gleiten, mit dem er nie ganz zu einer Einheit verschmilzt.

Ist all der subtile Zwiespalt nur eine paranoide Projektion? Eine berechtigte Frage, doch beim kurzen funky Hit “Toxic Boy” mit seinem wuseligen Takt scheint alle Sorge ebenso verflogen wie der Eindruck, einem rein abstrakten Soundtrack zu lauschen. Im Clash aus unterschiedlichen Rhythmen, Beckenrauschen und flippigen Computerspielsounds in “Destination North” kehrt der diffuse Grundtenor des Albums jedoch schnell und mit wuchtigem Getöse zurück, nimmt eine getragenere Form an in “Divided we Fall”, in dem Westerhus eine erschöpfte Breitband-Moritat in Scott Walker-Manier singt.

Hier wie im Retrofuturismus des nach einer Roald Dahl-Geschichte benannten “Giant Peach” findet sich ein Rock’n'Roll-Element, das in all seinem subtilen Wechsel zwischen Spannung und schlafwandelnder Regression wie ein verhuschtes Zitat aus einer ungesehenen David Lynch-Serie anmutet. (A. Kaudaht)

Label: Arjuna Music

House of Mythology @ African Paper