Klanglich bewegt sich “Idol” zwischen warm-kernigem Dröhnen und feinen Vibrationen, die sich bisweilen in kratzendes, motorenhaftes Rauschen verwandeln. Immer wieder treten fragile, ohrnahe und fast geflüsterte Rezitationen hervor, die sich aus der Klangmasse erheben, um kurz darauf von dieser halb verschluckt zu werden. Toll untersucht, wie es ferner heißt, hier die Schnittstelle zwischen Klang, Materie und Erinnerung, zwischen dem Archaischen und dem Zeitgenössischen. “Idol” greift zugleich das Bild der in der Stätte gefundenen weiblichen Figur auf, einer Göttin, die in Tolls Musik als Energie, als Frequenz, als Resonanz und letztlich auch im Titel des Albums nachhallt. Die Frage, wie diese Figur überdauert hat, führt Toll zu einem Gedanken, der ihr Schaffen seit längerem prägt: dass sich Klang, ebenso wie Erinnerung, über das hinweg fortsetzt, was ihn trägt – durch die Körper, die Räume und die Zeiten, die er berührt.Begleitend zur Veröffentlichung arbeitet Toll mit dem Multimedia-Künstler Anton Filatov an einer audiovisuellen Live-Umsetzung sowie an einer Ausstellung, die sich den akustischen, astronomischen und quantenphysikalischen Themen des Albums widmet. Beide Projekte werden vom 13. bis zum 16. November bei HOLON Berlin zu sehen sein. Als Vorab-Single wir der Titeltrack es Albums vom Berliner Label Verlag herausgebracht, der auch ein Rework des Tracks von Hüma Utku enthält.

Foto: Camille Blake courtesy of Chantal Michelle

@ Abigail Toll 

Durch analoge Frequenzmodulation und behutsam geschichtete Klangverschiebungen verwandelt sie die hydrographischen Rhythmen von Wasser, Schlick und Ebbe in pulsierende Texturen, die zwischen organischer Klangbewegung und elektronischer Aufbereitung changierren. Das Ergebnis ist ein vielschichtiges, fast cinematisches Stück, in dem Nebelhörner und Schiffsechos wie aus einer anderen Zeit herüberwehen und sich mit den tieffrequenten Strukturen synthetischer Klangquellen verweben. Mangan, die primär mit Field Recordings arbeitet, lässt hier die Grenzen zwischen Naturaufnahme und Synthese verschwimmen. Oft ist kaum auszumachen, ob man Meeresströmungen hört oder das Nachbeben elektrischer Oszillatoren, alles wirkt zugleich aquatisch und elektrifiziert. “Mud Flats” knüpft an Mangans bisherige Veröffentlichungen wie “Wet on Wet” (Klangklamm/Warm Winters Ltd.) und das jüngste Album “String Figures” (Elevator Bath) an und führt deren Klangsprache konsequent weiter.

Das Projekt basiert auf einer ausgedehnten Forschungsarbeit, bei der Gesten, haptische Interaktionen und die spielerische Konzeption von Instrumenten im Zentrum stehen. Unterstützt vom Musicfonds e.V., präsentieren die beiden eine einzigartige Mischung aus improvisierten und komponierten Klängen, die durch sorgfältiges Zuhören und kreative Materialnutzung entstehen. Die Aufnahmen wurden im Studio und bei Live-Konzerten im Berliner Morphine Raum gemacht. “Drag Drop Spin & Crawl” erscheint als digitales Release bei Superpang.

Farblich eher hell, folgen aufwühlende Hochtöner einem spielerisch-konfrontativen Laut-Leise-Schema, das seine eigene Zeitlogik entfaltet und sein Tempo immer mal modifiziert. Knackende, donnernde und rauschende Klänge bereiten den Weg für das folgende “Sanctural Nectar”, das verschiedene rhythmische Muster inmitten von rauem tremolierenden Dröhnen zu einer Art Zopf kombiniert. Die “Hauptfigur” scheint mir hier aber eine subtile Zöglichkeit zu sein ,die der Illusion einer allzu leichten Verstehbarkeit einen Riegel vorschiebt.

Auch in “Haima”, das wieder mit alarmistischem Sirenengeheul und vibrierenden Hochtörnern startet, scheint wieder einiges im Entstehen begriffen zu sein, doch auch hier wieder: kein lospreschen, vielmehr zieht sich das Soundmaterial in ruhige Gefilde zurück, pausiert für eine Weile fast ganz, bis das singende und brummende Motorensounds das Stück in einem Vintagefeeling enden lassen. Das abschließende “Abandon” erscheint dann fast endgültig wie ein labyrinthischer Kaninchenbau, bei dem zahlreiche tönende Sackgassen ins Nichts führen. Gleichsam offenbart das Stück noch einmal eine beindruckende Vielfalt an klanglichen und srrukturellen Ansätzen, die sich immer wieder aufgabeln in zahllose Fragmente.

Vieles auf “Instant Plasma” könnten Ausgangspunkte zu etwas größerem sein, das der Musiker, wenn er wollte immer noch mal aufgreifen könnte. Ein Entstehungs- und Verwandlungsprozessen gewidmetes Album ist “Instant Plasma” auch dem Überbau nach, denn mit dem Titel referiert Abecassis an die biophysikalische Idee der Transformation von Blutplasma in einen instabilen Sturm von Energien – eine alchemistische Metapher für die Entstehung von Musik, eines Prozesses, der sich auch inenrhalb der vier Tracks immer wieder zu vollziehen scheint. (A. Kaudaht)

Label: Superpang

An album of improvised duos for saxophone and modular synthesisers, the project sees these long time friends and collaborators engaging in an electro-acoustic dialogue, one that draws upon their many years working together in a variety of musical contexts. Fault Lines is their first completely improvised encounter, where the fissures between their distinctive practices accumulate to reveal a depth of connection, and a shared affinity for complex sonorities, detailed electro-acoustic gestures and musical structures”. (Superpang)

„The Other Directions“, auf der Ka Baird Stimme, Flöte und Elektronik und der Pianist und Komponist Thollem Elektronik beisteuert, wurde 2021 in New York aufgenommen und ist ein mininmalistisches, reduziertes Werk. „A Good Place To Be“ beginnt mit Atmen, herausgepressten Lauten, Silben, Stimmen, die wie besessen, guttural, fast animalisch klingen, untermalt von dezent perkussiven Momenten. „Moving On From“ besteht aus Knarzen, Stimme, im Hintergrund klingen Streichersamples, plötzlich setzt opernhafter Gesang ein. Auf „Inwards And Onwards“ hört man anfangs eine kaum wahrnehmbare dronige Fläche, dann setzt ein Blasnstrument ein. Der Track wird im weiteren Verlauf hektisch, vielleicht ist das eine Art elektronsicher Free Jazz. Auf dem Titelstück scjheint die Stimme entrückt, fragil, dann vereinzelte Geräusche, als habe man einen Specht aufgenommen. Das das Album abschließende „And In The“ beginnt mit ver-rückten Stimmen, bevor ein Blasisntrument einsetzt, das leicht orientalisch klingt und im Kontext dieses Album noch am ehesten konventionellen Strukturen folgt.

Die titelgebenden “anderen Richtungen” werden auf diesen sechs Stücken konsequent verfolgt.

Label: Superpang 

“The music on this album is a variation on a variation, the Goldberg Variation no. 21 by JS Bach. In a moment of realistic modesty, it struck me that I will probably never live up to my old dream of being able to play all the Goldberg variations in a way that’s at least close to the composer’s intentions and that pleases my own ears. However, I reckoned, perhaps I could use the score of one of the pieces as a foundation to build something else. Exploring and at the same time (re)creating the residy, the remains of this variation, and in this process letting a new variation emerge. I built chords based on selected notes from each bar of the piece, but kept the essential structure and retained the note order. The notes and intervals comprising these chords were then dispersed across three sound sources – two synths and a E-bowed grand piano – and the transitions from chord to chord were worked out. I didn’t want to eliminate the rhythmic movement inherent in the original piece, but rather to reimagine the accents and pace. A few strokes on the keyboard were added to create some shape, dynamic and timbre-variation. I notated the pitches, but freely treated the length of the notes. This album consists of the live recorded version of the piece, made without overdubs. Using the three above-mentioned, closely related sound sources, the recording builds on my works creating presence-evoking uncertainty during performances. By creating/enabling sound milieus where performers (myself included) are not entirely sure exactly where the sounds are coming from, I’m trying to establish sensitive, tactile and meditative spaces that can make me float and experience new sensations and connections. I hope that the listener can also enter that space when they listen to this album”. (Alex Zethson)

@ Zethson

“On ‘Finding a Way to Live,’ I wanted to explore humanity’s instinctive, never-ending drive to recalibrate in order to endure an ever-changing world. The timing of this track’s release unavoidably connects this work to the coronavirus; however, I’m also interested in acknowledging that this pandemic is only the latest of many obstacles we’ve faced, both individually and collectively. I have learned to live with partial color blindness, learning disabilities, my queerness, drugs, sobriety, tinnitus, and many things in between. If we imagine life as a series of patterns that are too vast to see in the moment, we can acknowledge we have found a way to move through them. We can then also assume that no matter the obstacle, we can find a way to live in it. I composed ‘Finding a Way to Live’ similarly, using large patterns that can only be seen when looking at the piece as a whole, out of time. At its heart, drone music is about acclimating to one state in order to hone in and gain the sensitivity needed to perceive and appreciate the subtle changes. After a year of isolation, tracking and riding waves, I created this piece with the intention that it could occupy the liminal space we’re collectively inhabiting—both separately and together—with equal parts tension and hope.” (Yann Novak)