Zuletzt erschien noch auf ihrer Zusammenstellung „Difficult Messages“, auf der Zusammenarbeiten mit anderen Musikern aus dem Bandumfeld dokumentiert wurden und die sicher in einem ähnlichen (Klang-)Kosmos anzusiedeln ist wie das neue Album.

Nach dem Weggang des Gitarristen Jim Balijo bestehen Wolf Eyes jetzt wieder als Duo aus Nate Young und John Olson. Auf „Car Wash Two w/ Short Hands“ hört man Schritte, Wind scheint zu wehen, jemand singt etwas Unverständliches in der Ferne. Auf „Radio Box (Excerpt)“ hört man ein Quietschen, das vielleicht den von Olson gespielten „mutant reeds“ entlockt wurde. „Plus Warning“ hat Sprechgesang von Young, der von Kratzen und Pfeifen (so in etwa wie bei „Hamburger Lady“) untermalt wird: „ I tried to warn them“, kann man da hören. Synthgeblubber, das wie Sirenen klingt, und kaputte Beats durchziehen “Exploding Time”.  Auf „The Museums We Carry“ klingt etwas wie eine sich im Wind bewegende Schaukel, dazu Dissonanzen, Zischen, ein Blasinstrument. Bei „Pointerstare“ fragt man sich, ob es sich bei dem Geräusch um ein Instrument oder einen gequälten  Menschen handelt. „In Society“ kombiniert ein Blasinterument mit dem Geräusch von Vögeln und Schlägen auf eine Stahlfelder.

Auf 13 Vignetten – die Tracks sind alle zwischen zwei und drei Minuten lang – spielen Young und Olsen ihre ganz eigene Form von Industrial, die wenig mit Harsh Noise oder Power Electronics zu tun hat. Im Rahmen des (schon lange eingestellten) Seitenprojekts Demons habe ich vor vielen Jahren einmal von dystopsicher Musik gesprochen und auch wenn die musikalische Herangehensweise hier eine andere ist, so erweckt die gegenwärtige Ausrichtung von Wolf Eyes‘ Musik so, als habe jemand nach dem Zusammenbruch der Zivilisation versucht, aus den (Über-)Resten von Maschinen Instrumente zusammenzubauen. Diese fragmentierte Musik klingt vielleicht so, als hätten X-TG einen von Jandek gerimixten Soundtrack zu „The Road“ eingespielt. (MG)

Label: Disciples

„These collaborations between the core Wolf Eyes crew and friends was originally self-released as a series of super-limited 7” hand painted box sets, but now the core ‘hits’ have been compiled by Disciples for wider consumption.

Wolf Eyes’ history with collaboration goes back almost 26 years. From the first Wolf Eyes w/Spykes concert that led to Olson joining the band to Smegma, Braxton, Richard Pinhas, Merzbow, Marshall Allen, and many more. Wolf Eyes has continued expanding musical ideas through collaboration and Difficult Messages is the first compilation of this practice.

Many of the bands on ‘Difficult Messages’ exist inside an assemblage of a mail art tradition. Most of the music was made remotely and this allowed for deeper exploration into styles that might have been too uncomfortable to attempt face to face. Short Hands finds Nate Young, and Alex Moskos exchanging bass and guitar fragments with Olson’s reeds and tones overtop sculpted into odd rock songs. Wolf Raven touches on harsh electronics and pushes forward into postmodern ideas of composition. Time Designers is a duo of Alex Moskos and Nate Young using hacked drum machines and a ‘design’ approach to organizing sound. U Eye finds Olson and Young alongside longtime collaborators Gretchen Gonzales and Aaron Dilloway for a scrape and tape session recorded by Warren Defever. Stare Case is Olson and Young in a non-Wolf duo. Perhaps the only ‘rules following’ project these two have EVER had. The collection of audio tracks could be looked at as an exquisite corpse: a method by which a collection of words or images is collectively assembled. With this method over thirty tracks and four hundred paintings were created.“

@ Bandcamp

Olson’s reeds and tones overtop sculpted into odd rock songs. Wolf Raven touches on harsh electronics and pushes forward into postmodern ideas of composition. Time Designers is a duo of Alex Moskos and Nate Young using hacked drum machines and a ‘design’ approach to organizing sound. U Eye finds Olson and Young alongside longtime collaborators Gretchen Gonzales and Aaron Dilloway for a scrape and tape session recorded by Warren Defever. Stare Case is Olson and Young in a non-Wolf duo. Perhaps the only ‘rules following’ project these two have EVER had. The collection of audio tracks could be looked at as an exquisite corpse: a method by which a collection of words or images is collectively assembled. With this method over thirty tracks and four hundred paintings were created”. Das Album erscheint am 27. Januar als LP , der ein kleines Magazin beiliegt, sowie zum Download.

„C.Centers One“, der 17-minütige Beitrag von Wolf Eyes knüpft passagenweise durchaus an dieses Album oder an die “Strange Days II”-EP an: Pochen, Dissonanzen, ein gequältes Saxophon und Wassergeräusche scheinen in einer menschenleeren und menschenfernen Landschaft zu ertönen. Dann setzen so etwas wie Rhythmus und Nate Youngs Sprechgesang ein. Das klingt durchgängig desolat, so dass sich der Titel allenfalls ironisch lesen lässt. Viel eher scheint es, als sei es, dass „the centre cannot hold;/Mere anarchy is loosed upon the world,/The blood-dimmed tide is loosed, and everywhere/The ceremony of innocence is drowned“. Nach den Vorfällen in North Carolina hatten sich die eigentlich nur bedingt explizit politischen Wolf Eyes klar positioniert und dann auch Aufnahmen für die in Charlottesville von einem vermeintlichen Herrenmenschen überfahrenen Heather Heyer unter dem recht eindeutigen Titel „No Hate“ veröffentlicht.

Die zwei Beiträge von Universal Eyes sind von der Stimmung nah an dem Wolf Eyes-Beitrag, sind insgesamt vielleicht etwas ambienter, wenn man das auch nicht als Hinweis auf ein gefälliges Klangbild sehen sollte. Auf „Civilized Two“ brodelt und wabert es unter der Oberfläche und man verspürt  fortwährend eine Unruhe, die auch dem dröhnenden „Civilized Three“ innewohnt. Die beiden Stücke könnten auch ein Soundtrack für das Frühwerk von Tobe Hooper sein. Und auch hier stellt sich die Frage, was/wer zivilisiert ist. Vielleicht ist dieses Tape auch einfach nur eine aurale Repräsentation Detroits, wo Wolf Eyes beheimatet sind, oder von anderen Städten des Rust Belts. (MG)

Label: Lower Floor Music

„Ghost“ besteht aus analogem Brutzeln und Brummen, perkussive Elemente kommen hinzu. Nach einiger Zeit setzt eine kaum hörbare bearbeitete Stimme ein. Insgesamt ist das Stück recht kohärent, klingt vielleicht noch am ehesten nach Industrial und erinnert entfernt gar an die jüngeren Arbeiten der ehemaligen Bandkollegen von Wolf Eyes. Auch auf der einen oder anderen Tescoveröffentlichung der letzten Jahre dürfte solch ein Stück nicht völlig deplatziert geklungen haben. „Karaoke with Cal“ beginnt direkt mit einer Stimme, die in ihrer Verfremdung irritiert und verstört. Spricht da ein Mann mit Rachenkarzinom oder Kiefergaumenspalte? Ist er im Ersticken begriffen? Oder ist er von einen psychotischem Schub ergriffen worden? Man wagt kaum zu fragen. Untermalt werden die Laute von dementer, monotoner Perkussion. „Inhuman Form Reflected“ wird durchzogen von rhythmischen Elementen und Stimmengewirr. Gegen Ende hört man ein Stöhnen, Schreien und Stammeln – ganz so, als schleppe Leatherface ein paar Kadaver zum nächsten Fleischerhaken. „Born In A Maze“ wirkt dagegen etwas reduzierter: Zischen, ein Rhythmusloop. Das klingt nach kaputter, sich auflösender Musik. Auf „It’s Not Alright“ singt jemand mit schmachtender Stimme „It‘s alright“. Natürlich wird durch die Wiederholung die Botschaft ad absurdum geführt, lässt unweigerlich an das Bachmannsche „sei ohne Sorge“ denken. „No Eye Sockets (For Otto & Sindy)“ erweckt den Eindruck, als habe Dilloway während einer Party das Aufnahmegerät laufen lassen: Stimmengewirr, Lachen, Gläser werden angestoßen. Verglichen mit den anderen Stücken ist die Atmosphäre weniger von einem Moment der Bedrohung als vielmehr einem der Entspannung bestimmt– was natürlich in scharfem Kontrast zu dem äußert unangenehmen Tracktitel steht. „Switch“ dagegen ist Loopchaos aus sich auflösenden Tapespuren – so in etwa wie frühe NON mit ADHS. „Shot Nerves“ beendet das Album mit atonalen Synthiemomenten, die gegen Ende von zerhackten Stimmen abgelöst werden.

Auf dem (durchaus doppeldeutig betitelten) Album präsentiert uns Dilloway auf acht Stücken eine Sammlung Geräuschmusik, die fast durchgängig irritierend ist und irritiert. “The dummy continues to give forth its mocking laughter, which flaps its way into every niche of the loft and flies back as peculiar echoes. The dummy’s face is vacant and handsome; its eyes roll like mad marbles.” (Thomas Ligotti, “Dr. Voke and Mr. Veech”)

M.G.

Label: Dais Records

Die Band selbst bezeichnet auf ihrer Bandcamp-Seite ganz allgemein ihre Musik als  „homemade post-nuclear terror & claustrophobic atmospheres“, was vielleicht etwas dick aufgetragen klingt, aber tatsächlich führt einen die Musik (auch) auf diesem Album in ein urbanes, wüstes Niemandsland, in eine analog-akustische Höllenlandschaft. Schon das das Album eröffnende Titelstück mit Bassspuren, leicht atonalem Feedback und dem Sprechgesang Nate Youngs legt die das Album dominierende Stimmung fest: „the place is never gonna change“, intoniert er. Dabei klingt Young auf den zwei Stücken, auf denen er singt/spricht, etwas nach Jandek (der bei einem Auftritt auch einmal vom ehemaligen Wolf Eyes-Mitglied Aaaron Dilloway unterstützt wurde). „Laughing Tides“ besteht aus unruhigem Knarzen, Lachen, Hochtönen – nach knapp zwei Minuten ist der Spuk vorbei. „Texas“ wird von einem dissonanten Blasinstrument durchzogen, man hört Knirschen und glaubt, dass irgendwo in der Ferne Türen schlagen und Maschinen ächzen. „Empty Island“ entfaltet weniger Inselidylle als latente Bedrohung; das Stück wird geprägt von James Baljo E-Gitarre. Der Höhepunkt des Albums ist der Abschlusstrack „Thirteen“: Auf 14 Minuten findet sich so etwas wie ein Resümee des Bisherigen. Untermalt von Olsons Saxophon (?) und Baljos Gitarre deklamiert Young: „ I count every deceit/as they repeat/like receipts of doom”. Manch einer mag Free Jazz-Elemente erkennen, aber wenn, dann ist da in etwa so viel Jazz enthalten wie auf Bowies “★”. “Undertows”  „sea-bottom R&B sound lurch“ kann ohne Weiteres für sich (be)stehen.

Die Herangehensweise der Band mit ihren zahlreichen selbstbetriebenen DIY-Labeln- “Undertow” erscheint auf dem neu gegründeten Lower Floor Music- hatte immer etwas Anarchisches – politisch im eigentlichen engen Sinn war die Band insofern eher indirekt. Bezeichenderweise sagt Young aber inzwischen: “We have never been activists, but in this day in age, it has become clear that we need to use our music as a carrier signal to fight against all forms of prejudice. Rather than boycotting North Carolina, we are excited to participate in building a network of artists and activists by collaborating with Moogfest.” Wolf Eyes haben sich in ihrer dystopischen Landschaft nicht gemütlich eingerichtet, sondern haben (wohl unweigerlich) die Zeichen der Zeit erkannt. (MG)

Label: Lower Floor Music

Read the English version

Wenn man sich eure erste Two-track-EP “Vengeance Candle“ anhört, bekommt man den Eindruck, dass der Fokus von Clay Rendering mehr auf Songs als auf Sounds gerichtet ist. Mike, in einem Interview mit The Wire nanntest du dich einen “Rock and Metal guy“. Ist Clay Rendering dein Versuch, (eine Art von) Rockmusik zu spielen?

Der “Song” ist etwas, womit wir in dieser Band sehr leidenschaftlich verbunden sind, und wir werden uns weiterhin darauf konzentrieren. Clay Rendering ist das am meisten strukturierte Projekt, an dem ich je mitgewirkt habe, und gerade deshalb ist es auch das experimentellste, das ich seit langem gemacht habe. Es begann als das am weitesten von meiner Komfortzone entfernt liegende, doch mittlerweile fühle ich mich dort zuhause. Clay Rendering reflektiert all unsere breit gestreuten Interessen, manche etwas offensichtlicher als andere. Metal bedeutet uns sehr viel und wird immer eine echte Inspirationsquelle sein.

Ich hab gelesen, dass die Songs von den “letzten Tagen” inspiriert waren/sind. Kannst du ein paar Worte über das Konzept dahinter sagen?

Das Ende ist immer nah. Clay Rendering ist Auferstehung.

Euer Bandname impliziert einen schöpferischen Akt. Ist das einer der Gründe für die Namenswahl?

Ja, das ist sicher ein Grund.

Die Projekte The Pool at Metz, The Haunting und Failing Lights (in denen ihr beide involviert seid bzw. wart) sind weniger rau als andere deiner Musik. Würdest du sagen, dass sich die Wurzeln von Clay Rendering da finden?

Ja, ich denke es ist der nächste ordentliche Schritt in der Evolution dessen, was wir mit diesen Projekten vorhaben, die alle in der einen oder anderen Hinsicht immer noch “aktiv” sind.

Du warst an zahllosen Bands und Projekten beteiligt. Es scheint, dass ihr viel Energie in Clay Rendering steckst, wenn man an die Webseite denkt, oder an das Video, das ihr zu “Nature’s Confusion” gedreht hast. Konzentriert ihr euch darauf momentan am meisten?

Auf jeden Fall. Wir können nicht umhin. Clay Rendering ist gerade unser Leben. Es steckt in jedem unserer Atemzüge.

Fact Magazine schrieb, dass euer Video einer “Aura eines vieldeutigen Mysteriums” zuarbeitet. Kannst du uns etwas über die Arbeit an dem Video erzählen?

Wir hatten ein paar klare Vorstellungen davon, wie das Video sein sollte, und ein paar Bilder, die darin vorkommen sollten, und wir finden, dass all dies perfekt zur Geltung kam. Alle Credits gehen an den Regisseur, Joel Rakowski. Wir planen bereits weitere Videos für die Songs auf unserem Debütalbum.

Ihr beide habt als The Haunting zusammengearbeitet. In welcher Hinsicht unterscheidet sich die neue Kollaboration davon? Was kannst du uns über eure Arbeitsweise sagen?

The Haunting ist offener, minimaler, experimenteller. Wir werden The Haunting wieder neu beleben – wir lieben es, diese Musik zu machen. Zur Zeit ist Clay Rendering das, was uns wirklich begeistert. Einem von uns fällt etwas ein…Eine Gitarrenlinie, eine Klavierlinie, ein Text. Und von dort aus machen wir weiter. Hat der Song erst einmal eine annehmbare Form angenommen, hören wir ihn uns tagelang an. So kommen unsere Songs zusammen, so bekommen wir unsere Ideen, mit denen wir die Songs an einen neuen Punkt bringen und sehen, wo sie noch bearbeitet werden müssen… Sehen, was noch ergänzt werden muss… Fühlen, ob die Texte passen… 

Lass uns kurz über Tonträger sprechen. Die erste Veröffentlichung von Clay Rendering kam bereits digital heraus, das Vinyl folgt dann noch. Gods of Tundra ebenso wie die Labels deiner früheren Bandkollegen bei Wolf Eyes sind berühmt-berüchtigt für ihre große Zahl an Veröffentlichungen sowie für ihre zahlreichen Formate (Tape, CD-R etc.). Wie ist es für dich, nun mit einem digitalen Release anzufangen?

“Vengeance Candle” ist in erster Linie eine 12″ EP…die digitale Version ist einfach schneller verfügbar. Aber das kümmert uns auch gar nicht. Meine Einstellung zum Digitalen hat sich über die Jahre verändert – mittlerweile ist das vollkommen OK für mich. Als wir jünger waren, lernten wir Band über Plattenläden kennen. Heutzutage finden die Kids ihre Sachen überwiegend digital über das Internet, so einfach ist das. Ich will nicht sagen, dass ich das toll finde, es ist schlichtweg die Realität. Du wirst sehen, wie der Gods of Tundra-Katalog in den nächsten Jahren mehr und mehr digital wird. Fürchtet euch nicht… Was unseren Geschmack betrifft, lieben wir das Richtige…Ob es nun Vinyl ist, Tape oder CD. All unsere Releases werden ein ordentliches Format haben.

Einige Leute behaupten, dass sich die Noiseszene in den USA entwickelt und/oder auflöst. Wie siehst du die Situation im Moment? Denkst du, es gibt eine mehr auf Songs ausgerichtete Tendenz, oder auf tanzbare Musik? Siehst du Clay Rendering als einen Teil dieser Entwicklung?

Clay Rendering wurde in einer Phase gegründet, in der wir uns von der Welt abgeschottet hatten. Wir entdeckten unsere Leidenschaft für diese Musik wieder, ebenso unsere Lust, etwas zusammen zu erschaffen. Wenn Clay Rendering ein Teil von etwas ist, dann ist es unbeabsichtigt. Klar fallen uns Noisekünstler auf, die mehr songorientierte Projekte betreiben. Die meisten von ihnen, uns eingeschlossen, hatten schon immer songorientierte Neigungen, so überrascht es dann nicht sehr.

Ihr habt letztens auf dem gleichen Festival wie Cut Hands gespielt. Siehst du Ähnlichkeitne zwischen euch?

Wir wurden duch Whitehouse (und nun Cut Hands) inspiriert seit wir uns kennen. Er hat eines der besten Sets abgeliefert, das wir seit Jahren gesehen haben. Wir werden unsere erste Show nicht damit vergleichen! Wenn es eine Ähnlichkeit gibt, dann ist es, dass wir beide auf unsere Art genau das machen, was wir wollen… Ob es nun “Noise” oder “Musik” oder was auch immer genannt wird. Es war uns eine Ehre, unseren ersten Gig vor Cut Hands zu spielen.

Wie sehen eure Gigs aus? Seit nur ihr beiden auf der Bühne?

Ja, wir beide. Tara kümmert sich um die erdigen Elemente, ich um die Feuer-Elemente.

Habt ihr schon angefangen, neues Material zu schreiben bzw. aufzunehmen?

Ja, wir sind genau in der Mitte der Aufnahmen für unser Debütalbum. Neue Songs werden wöchentlich komponiert, aber wir sind an einem Punkt, an dem wir das Album haben. Nun kommt es auf das Organisatorische, das Editing, das Überarbeiten, die Details an…. Wir haben eine Reihe an Shows diesen Sommer und werden auf jeder der Shows neue Songs spielen, eine weitere gute Möglichkeit, zu sehen, was funktioniert und was nicht. Das Album wird noch diesem Sommer fertig sein.

(M.G.)

Webseite

„No Answer-Lower Floors“ ist der erste reguläre Longplayer seit dem 2009 erschienenen Album „Always Wrong“ auf Hospital Productions und wurde von Young, Olson, dem Neuzugang Jim Balijo sowie den beiden Gästen Dilloway und Conelly eingespielt. Man sollte nun vielleicht nicht von Introspektion reden, aber auf dem auf De Stijl veröffentlichten neuen Album wird das Brachiale, Eruptive, das viele Tonträger der Band prägt(e), zurückgefahren. Der Opener „Choking Files“ beginnt mit monotoner Perkussion, in die fiese Störgeräusche, die ab und an an einen Zahnarztbohrer („Is it safe?“ möchte man fast rufen) denken lassen, einbrechen und Youngs Sprechgesang untermalen. „Born Liar“ ist musikalisch ähnlich, beginnt aber etwas rabiater. Auch hier wird das Stück durch die monotone Perkussion strukturiert. Bizarrerweise besteht das Titelstück lediglich aus zerhackter Stimme und einer Noisespur, die an TGs „IBM“ denken lässt – nach eineinhalb Minuten ist allerdings alles schon vorbei. Das melodischste Stück des Albums ist „Chattering Lead“, auf dem Youngs fast schon konventioneller Gesang von flächigen Klängen durchzogen wird, die dem Stück einen leichten Soundtrackcharakter geben. Der Höhepunkt des Albums ist das lange „Confession of the Informer“, das mit minimalem Bass beginnt, dann tauchen vereinzelte Geräusche auf, eine Stimme setzt ein, murmelt Unverständliches. Auf diese minimalistische, zwölfminütige, extrem unangenehme Klanglandschaft trifft die Bezeichnung „dystopische Musik“, die ich für Youngs “Regression”-Projekt gebraucht habe, ebenfalls mehr als zu. Das ist vielleicht eines der stärksten Stücke Geräuschmusik, die ich in den letzten Monaten gehört habe. Sucht man Referenzpunkte, dann könnte man sagen, dass das Stück klingt, als ob Olsens und Youngs (selbst so betiteltes) „Blues roots duo“ Stare Case TGs „Hamburger Lady“ covern würden. Das abschließende instrumentale „Warning Sign“ ist dagegen etwas atonaler und hat durch die Loopstruktur repetetiven Charakter.

Die insgesamt das Album charakterisierende Zurückhaltung, die Reduktion und Konzentration auf wenige Klangquellen, ist extrem effektiv und zeigt eine Band, die vielleicht auf den ersten Blick (alters)milder agiert als zuvor, auf den zweiten Blick aber die adäquate(re) Form gewählt hat, um den Hörer zu irritieren.

M.G.

Label: De Stijl

Das ist Musik für “[d]as Ziel der Geschichte – […] das verwitternde Ruinenfeld“ (U. Horstmann).  Es schabt, fiept, analoge Synths pulsieren, wobei manche Passagen fast schon kontemplativ genannt werden können, das letzte unbetitelte Stück deutet sogar so etwas wie Rhythmus an –  nur , wer soll hier noch tanzen? “Regression“ ist letztlich dystopische Musik; das ist die potapokalyptische Ruhe(losigkeit), die kommt, nachdem das Ich schon lange zur Pfütze geworden ist (um eine Formulierung Artauds in einem anderen Zusammenhang zu verwenden).

(M.G.)