Auf unseren Seiten wurde Finn attestiert, er sei, “seit den späten 60ern aktiver Sänger und Gitarrist, dessen von originellen kompositorischen Ideen und zum Teil bissigen, existenzialistischen Texten geprägte Musik unter Begriffen wie Folk oder Psychedelic nur unzureichend erfasst wird.“ Die vier Studioalben, die Finn nach einer Jahrzehnte dauernden Pause seit 2005 veröffentlichte, waren von einer beeindruckenden Qualität und ließen uns hier zu dem Schluss kommen, eigentlich verdiene es Finn “schon lange im Pantheon der großen (oder zumindest kanonisierten) Songschreiber aufgenommen worden [zu sein], neben denen er im „Tower of Song“ (L. Cohen) ganz bestimmt (be)stehen könnte.”

@ Bandcamp

Der Titeltrack ist ein leichtfüßiger Shantiesong mit dem flinken Rhythmus einer hölzernen Perkussion. Another Grim Sea Collision Has Occurred ist trotz instrumenteller Überschneidungen (u.a. Joolie Wood an der Violine) von anderer Gestalt und entwickelt sich mach einem kammermusikalischen Auftakt zu einem rockigen Song. Eine limitierte Lathe-Cut-Version enthält zwei weitere Stücke.

“The new single from The Doomed Bird of Providence uses newspaper reports from the 1920s and 1930s as lyrics. Ransoms for Cars is a 1930′s Australian newspaper article about a car ransom scam in Melbourne. Another Grim Sea Collision Has Occurred is the story of a collision of two ships detailed by ‘wireless messages’. Mark Kluzek has used the reports verbatim to create songs, for the most part letting the words inform the song structure.”

Artwork © Judi Dransfield Kuepper

Begleitet wurde er bei den Shows von einem – verglichen mit dem Auftritt in Santiago de Compostela etwas üppigeren – Ensemble bestehend aus Joolie Wood (Backing Vocals, Violine), Maja Elliott (Backing Vocals, Flügel), Ian Hothersall (Percussion) und Mark Kluzek (Bass), die zum Teil auch zur Stammbesetzung seiner jüngeren Studioaufnahmen zählen und wesentlich zu seinem dunklen, folkig angehauchten Songwriterstil beitragen. Das Album ist über die Bandcamp-Seite von Finns 10 to 1-Label erhältlich.

“Materialized from the mysterious treasure chests of the Universe, the harp players sit at the walls of Sintra. I approached them and struck up a conversation without saying a word. They responded with music. Mountains were anointed with the harp melodies and this godly beauty of the creation prompted me to add my notes to it. With the harps and Sintra still resonating in me, I ended up in Ireland, whose open gates were an entrance to the otherworld, Uisneach. A sacred fire, lit by the druid Mide, raged on Uisneach for seven years, but sparkles of Sintra and of Uisneach planted a fire in me that carried its spiritual power for twenty years.

This is a distance between the track Uisneach and the track Rain. They are close in their spiritual power but far apart if judging by the time of creation. My fire – carried by me as though I was an Olympian – from the hills of Sintra, flourished in Ireland and kept raising my creative temperature culminating in fever… and then this burning mountain, a burial ground was consumed by Rain that refreshed everything that got burned… Both, Uisneach and Rain, represent a creative balance that I achieve, when one element doesn’t negate but complement one another.” (Maja Elliott)

Stets war ihr Fokus auf unterschlagene, beinahe vergesse Details der Zeit gerichtet, Dinge, die sie aus ihrer untoten Randständigkeit hervorholten und und so in Ruhe vergangen sein ließen: untypische Einzelschicksale in einer Gesellschaft von Gestrandeten, die zwischen Strafkolonie und Landwirtschaft, zwischen Endstation und Aufbruch, zwischen Rassismus, Hoffnungslosigkeit und einer fragilen Ethik ihren Weg sucht. Etwas Geisterhaftes im besten Sinne hat aber auch ihre Musik, die meist mit eher abstrakten, stimmungsmäßigen Mitteln arbeitet und den jeweiligen thematischen Rahmen oft durch liturgisch anmutenden Gesang oder durch kürzere Begleittexte mitliefert, beides oft historischen Abhandlungen oder literarischen Zeugnissen entnommen. Die so angeschnittenen Themen werden wirkungvoll in eine Atmosphäre getaucht, die die angedeuteten Ereignisse erlebbar macht. Nur gelegentlich bricht ein klassisches Songelement durch, dessen Sea Shanty-Gesang die Worte unmittelbarer fließen lässt.

Die EP “Rumbling Clouds of War Hover over Us”, die vor einigen Monaten auf Simon Finns 10 To 1 Records herauskam, ist rein instrumental gehalten und erzählt/illustriert in vier dichten, v.a. auf Streichern, Holzbläsern und Piano basierenden Miniaturen die Geschichte von Kluzeks Großvater, die sich – dies ein Novum – einige Generationen nach der kolonialen Epoche abspielte. Władysław Kluzek floh im Zweiten Weltkrieg vor den deutschen Invasoren aus Polen, machte in mehreren europäischen Ländern Station und fand letztlich in Australien ein neues Zuhause und eine ungewisse Zukunft.

Gefahr, Trauer, Verlorenheit, Ungewissheit, aber das Ganze eingebettet in eine liebevoll erzählte Geschichte – auf diese Art scheint einen der Stoff präsentiert, wenn man Thema, Covermotiv und Musik im Zusammenhang betrachtet. Die mollastigen Pianoparts und der später dazukommende Kammerorchester-Sound inklusive Glockenspiel im eröffnenden Titelsong dürften niemand unberührt lassen, was sicher nicht zuletzt den im Grunde einfachen Tonfolgen im beschaulichen Walzertakt geschuldet ist. All dies steigert sich zunächst im weiteren Verlauf, “You Never Became Used to Death” und “Constant Moving Stream” bestechen v.a. durch ihre wehmütige Stimmung, die aller Intensität zum Trotz niemandem zuleibe rücken. Vielmehr wird eine bescheidene Beiläufigkeit gewahrt, weswegen man dann auch bereitwillig mitgeht, wenn das Tempo und die Dramatik irgendwann anziehen und bewusst machen, dass hier kein harmloses Märchen erzählt wird. Dies macht den etwas leichteren und verspielteren Abschluss in “But Something What I Aim For” umso glaubwürdiger.

Die vier Tracks auf der EP würden zusammen in eine der ausladenden Kompositionen des letzten Albums passen und sollten als Einheit verstanden werden, denn gerade in emotionaler Hinsicht ist Kontinuität deutlich greifbar. The Wire bezeichnete die Musik als “somewhere between A Silver Mt Zion and Yann Tiersen”, mir würde gerade für die vorliegende EP als Referenz eher The Revolutionary Army of the Infant Jesus oder auch Current 93 zu der Zeit einfallen, als das Klavierspiel Maja Elliots und John Contreras’ Cello den Sound maßgeblich prägten. Da auch Joolie Wood gelegentlich im Doomed Bird-Lineup auftaucht scheint mir dieser Vergleich sogar noch naheliegender.(U.S.)

Label: 10 To 1 Records

Auf “45 Birds” sind nur zwei Songs enthalten, auf der CD ganz konventionell als Audiotracks, auf der beiliegenden DVD dann noch mal zusammen mit Videoclips aus der Werkstatt von Ian Hothersall, ein Regisseur, der bereits zwei Spielfilme zu verbuchen hat und unter anderem eine Rolle mit Karl Blake besetzte. Wer Joolies Debüt kennt und mit ihren Beiträgen zum Werk von CURRENT 93 oder SIMON FINN vertraut ist, den wird es nicht überraschen, dass auch die beiden (bisher unveröffentlichten) Songs auf “45 Birds” in eine Folkrichtung weisen, die bewusst auf schönen, mitunter im besten Sinne lieblichen Melodien und Harmonien als Ausdrucksmittel baut. “Postcards” ist ein Song, der auch bestens im Durtro-Rahmen Ende der 90er funktioniert hätte. Das Stück beginnt mit einer kindlichen Spieluhrmelodie, alsbald kommen Klavier, Gitarre und Akkordeon hinzu, an denen die vertrauten Gesichter des 10 To 1-Labels, Joolie, Simon und MAJA ELLIOTT, ihr Können demonstrieren. Joolies unprätentiöser Gesang ist so klar, schlicht und berührend wie der Text, der mit dem zufälligen Auffinden einer fast vergessenen kleinen Schatulle seinen Anfang nimmt. Die Jugendfreundschaft, die in den vorgetragenen Zeilen ohne Wehmut, aber auch ohne Abgeklärtheit erinnert wird, ist auch im Hauptfocus der verwackelten Handkamera, die mehr an einzelnen Dingen interessiert scheint, als an größeren Zusammenhängen: Bruchstückhafte Szenen der Privatheit und kleine scheinbar belanglose Alltagsgegenstände, die Erinnerung kostbar machen können. Rund vier Minuten Ton und Bild, die man einfach gern haben muss.

“Crow Flies”, das zweite Stück der EP, ist im Original von Simon Finn und vollzieht einen merklichen Bruch zu “Postcards”: Hier wird die kleine private Welt verlassen zugunsten universeller Zusammenhänge. Geeint durch den heiligen Schleier des Todes besinnen wir uns auf das, worauf es am Ende ankommt, und Joolie verleiht Simons Reflexion über seine großen Themen Freundschaft, Identität, Vergänglichkeit ein musikalisches Gewand, das sich vom schlichten Minimalismus des Originals unterscheidet, den mitreißenden Charakter des Songs aber dadurch noch steigert: ein droniger Auftakt, dramatische Streicherpassagen und eine E-Gitarre, die Infernalisches andeutet, ohne ins Plakative vorzustoßen – alles durchaus mit angemessenem Pathos, alles Reißerische jedoch vermeidend. Hothersalls Videokamera unterstreicht den universellen Charakter des Songs mit einer einzigen langen Fahrt, die panoramahaft durch einen englischen Stadtteil mit Bars und Shops und Innenhöfen führt. Die audiovisuelle Stimmigkeit ist beeindruckend, denn sowohl dem Song als auch der Filmaufnahme gelingt die Gratwanderung zwischen empathischer Nähe und einer überblickshaften Distanz. Man scheint die in Zeitlupe vorbeiziehenden Menschen, Repräsentanten einer merkwürdig isolierten, und doch geliebten Spezies, wie durch eine unsichtbare Wand zu sehen. Durch das bürgeliche englische Vorstadtpanorama knüpft das Video auch wieder an die kleine Welt von “Postcards” an, und schließt mit einer beiläufigen Aufnahme von Joolie und ihrem wichtigsten Instrument, der Violine.

Trotz der Kürze des Materials hat man am Ende das Gefühl, so etwas wie ein Kleinod in den Händen zu halten. Dass Joolie für die unbestimmte Zukunft ein Album plant, kam hier und da zur Sprache. Vielleicht ist “45 Birds” ja so etwas wie ein Auftakt, ich zumindest würde mich freuen, wenn sie ihren bisherigen Stil beibehalten würde, der sich auf einem Longplayer sicher noch wirkungsvoller zu entfalten weiß. Interessierte sollten sich beeilen, denn das Stück erscheint in 100er Auflage. (U.S.)

Die Fans sind im Bilde, für Neueinsteiger sei Finns zeitweise gestundete Karriere kurz resümiert: Ende der 60er spielte Simon mit ein paar Freunden ein Folkalbum im Stil der Zeit ein, das 1970 unter dem Titel „Pass The Distance“ herauskam und sich zunächst recht gut verkaufte – bis es aufgrund eines Rechtsstreites aus dem Labelprogramm genommen wurde und für lange Zeit zum Sammlerstück avancierte. Trotz Liveerfahrung u.a. im Vorprogramm von AL STEWART („Year Of The Cat“) zog sich Finn kurz darauf aus dem Musikgeschäft zurück, und es dauerte rund dreißig Jahre, bis er, ähnlich wie VASHTI BUNYAN, ein bemerkenswertes Comeback zustande brachte, das ihm zwar keinen Starruhm bescherte, dafür aber zwei von Kritikern und Fans geschätzte Alben namens „Magic Moments“ und „Accidental Life“. Zwischen spiritueller Sehnsucht und sarkastischer Aufdeckung desolater Lebensaspekte passte die mal minimalistisch arrangierte, mal etwas breiter instrumentierte Musik gut in die Folkszene der neueren Zeit. Bedenkt man bei diesem Comeback die Verlagsarbeit eines gewissen HERRN BUNTING und die Mitwirkung von Musikerinnen wie JOOLIE WOOD, ROSE MCDOWALL oder DANIELLE DAX, dann kann man sich schon vorstellen, aus welchen Ecken die neuen Anhänger zumeist kamen.

Ob der unstete Wanderer in der Musik nicht nur einen zweiten Frühling, sondern auch so etwas wie ein langfristiges Zuhause gefunden hat, kann ich nicht beurteilen, wenngleich ich es ihm ebenso wünschen würde wie seinen Fans – beim Anhören seines gerade erschienenen Longplayers „Rats Laugh Mice Sing“ kam mir zumindest der Gedanke, denn das Album knüpft sehr kohärent an seine Musik der letzten Jahre an. Was man von Finn, Wood und weiteren punktuell auftretenden Gästen geboten bekommt, ist zunächst ein balladenhaftes Songwriting mit dezent folkiger Instrumentierung, das in keines der gerne genannten Genrekonstrukte hineinpassen will. Da begegnen dem Hörer zunächst eher beiläufig und dezent klingende Stücke wie das mit dem passenden Titel „En Passant“: Eine nonchalante Orgel mit Sixties-Flair und ein paar hintergründige Rockzitate begleiten hier einen ironischen Finn bei seinen Reflexionen über das von Vergänglichkeit überschattete Spiel des Daseins. Finn ist kein Stimmwunder und seine Art des Gitarrenspiels sicher nicht außergewöhnlich innovativ, aber seine unprätentiöse Art zu singen und sein elegantes Songwriting machen das locker wett. Mein Kollege vom Black betonte bereits das Vorhandensein zweier Songtypen, die meist recht unverbunden nebeneinander stehen – zum einen Stücke mit anekdotischem Charakter, zum anderen Lieder, die abstakte Reflexionen zum Thema haben. Während „En Passant“ (vergleichbar mit „A Cinder’s Prayer“, „Friendship“ oder „Neutered Air“ von früheren Platten) zum letzteren Typ zählt, überwiegen auf dem neuen Album Stücke, bei denen Finn sich als singender Geschichtenerzähler gibt.

Wie schon auf den letzten Alben sind auch diese Lieder oft von einer spielerischen Ironie durchzogen, die angesichts der tragischen Inhalte bei manch anderem Songschreiber plakativ wirken würde. „Zoo“, mit Walzertakt und skurrilem Trompetensolo schon musikalisch ein Höhepunkt, ist eines dieser Stücke. Erzählt wird von einer als Tierpark versinnbildlichten Beziehung mit dem lyrischen Ich als einzigem Tier, das paradoxerweise seine Wärterin füttern muss. Was immer das nun parabelhaft über eine „Dialektik der Abhängigkeit“ aussagen mag sollen andere beurteilen – für mich gäbe der Song schlicht einen guten Romanstoff ab, ähnliche wie die melancholische Nummer „No Man In The Moon“ oder das bittere „Laughing With Lenny“, das mit seinem leicht groovigen Rhythmus erneut die 60er anklingen lässt und in gut vier Minuten eine ebenso wehmütig-schlitzohrige Lebenskünstlerbiografie erzählt wie vormals „Johnny Westward“. Vielleicht ist die Schwerpunktsetzung auf die ironischen Anekdoten ja so etwas wie ein Ausweg aus dem teilweise recht rauen Existenzialismus des Vorgängers, der den magischen Realismus von „Magic Moments“ konterkarierte. So ist auf dem neuen Werk auch Platz für den Stimmbeitrag einer Maus namens Albert, vielleicht ein ungebetener und letztlich akzeptierter Mitbewohner in Finns Haushalt, in jedem Fall aber Inspirationsquell für Titel und Artwork der Platte.

Doch „Rats“ hat auch kraftvolle Stücke zu bieten, die eine gebrochen euphorische Stimmung versprühen. „Loitering’s Allowed“ ist mit dem rhythmischen Strumming auf der Gitarre und Joolies großartiger Geigenmelodie ein fast neofolkiger Schrei nach Sinn und Bedeutung. Ist dessen Refrain „It’s all so pretty here“ ein Ausdruck der Freude oder eher die Anklage einer nur mit Ironie erträglichen Sterilität? Finns Texte haben ein stark evokatives Potential für griffige Bilder, in ihrer Aussage dagegen sind sie jedoch selten eindeutig. Markant ist dagegen der hier durchaus füllige Sound, bei dem Finn und Wood von dem Drummer JOHN RHYS-LEWIS, dem neuen Bassisten NELSON und KEITH GODMAN an der Mandoline unterstützt werden. Finn hat eine natürlich und unverkrampft wirkende Affinität zu dunklen Folkklängen, die sich ab und an in einzelnen Songs manifestiert und keineswegs auf Genrezugehörigkeiten abzielt. Dennoch – Szenegänger, die seinerzeit mit dem kulturpessimistischen „Walkie Talkie“ oder dem ambivalenten Heroismus von „Golden“ nichts anzufangen wussten, ist nicht zu helfen. In der Hinsicht ist auf dem neuen Album „The Chauffeur“ ein Höhepunkt. Wie bei einer kurzen hermetischen Short Story richtet Finn das Licht seiner Erzählkunst auf den kleinen bezeichnenden Ausschnitt einer seltsamen Beziehung. Sehr erfreulich, dass man auch diesen Text nur ansatzweise versteht, so driftet er auch an keiner Stelle ins Triviale ab. Finn lässt seine Zupfgitarre dazu etwas schneller erklingen, und wie in einem Western scheint sie den Rhythmus galoppierender Pferde nachzuahmen. Elektronische Rückkopplungen unterstreichen am Ende die Dramatik. So ist es dann auch ein Stück, das man sich wunderbar live vorstellen kann. Statt in einem Szeneclub würde ich Finn am liebsten, Klischees hin oder her, in einer kleinen heruntergekommenen Hafenkaschemme sehen, irgendwo in einem verlassenen Küstenstädtchen der englischsprachigen Welt.

Natürlich sind nicht alle Stücke auf „Rats“ von gleicher Intensität. Gerade die zweite Hälfte der Platte enthält Songs, die weniger ins Ohr gehen und ein paar Anläufe mehr brauchen, „He The Man“ und das selbstreflexive „Expectations“ mit seinem Banjo bilden da noch mal kleine Höhepunkte. Trotzdem wirkt die Songauswahl sehr kohärent, weshalb ich das vorliegende Album auch höher ansetze als „Accidental Life“, denn dieses wirkte trotz zum Teil großartiger Songs etwas lang und zusammengewürfelt, weshalb sich dort für mich kein richtiges Album-Feeling einstellen wollte. In diesem Gefühl, eine runde Sache vorliegen zu haben, sehe ich auch die eigentlich Innovation in Finns Werk, die man natürlich nicht als Quantensprung bezeichnen muss. Genau genommen kombiniert „Rats“ die Geschlossenheit von „Magic Moments“ mit der Opulenz von „Accidental Life“, und das ist doch ein guter Abschluss eines neuen Jahrzehnts für Simons Musik. Bestellen kann man das Album zu einem sehr entgegenkommenden Preis auf Simons Internetseite.

(U.S.)

Die Backingvocals von Rose McDowall und Danielle Dax, die E-Gitarre von Karl Blake, die Congas, die Tony Uter spielt,  David Toops (dem einzigen, der neben Finn auch am Debüt beteiligt war) oder Joolie Woods zahlreiche Beiträge  – all diese Elemente geben dem Album einen fertigeren Charakter als dem Vorgänger und man hört das Geld, das in die Produktion gesteckt wurde, gleichzeitig wird auch bei jedem einzelnen Song deutlich, dass es hier primär um Simon Finns Stimme und sein Gitarrenspiel geht und natürlich um seine oft beeindruckenden Texte (es finden sich großartige Zeilen wie “Without memories I’m blind“ oder “He was lonelier than Cain before his fall“, um nur zwei von vielen zu nennen). Das ist (natürlich!) kein Neofolk oder Weird Folk oder was auch immer man für ein Präfix hinzufügen möchte, sondern einfach nur Folk, der zeitlos ist und der deutlich macht, dass Folk auch ohne eine weitere Qualifizierung noch spannend sein kann. Das Cover mag an die James Bond-Anfangssequenz erinnern, aber den Songs fehlt natürlich das Physische, ungebrochen Maskuline, der Sprecher erkennt, dass er “Deeply Flawed“ ist, was man von dem Album nicht gerade behaupten kann. (M.G.)