@ Drag City

intricate tangle of fingers on the fretboard and flash of lens flare slicing the air, as the future arcs 360 degrees around to become a part of the past as well. Oscillations in this glass bowl ripple outward eternally, but are rooted on the ground where all the creatures are moving and communing; humans too. An intimate cosmic expression, file under: rural-industrial psych, ecosystem goth”. Das Album erscheint in den gängigen Formaten.

@ Drag City

“Retaining the drunk-dog-locomotion of their debut, New Bums sprinkle a bit of fresh fancy into their signature twin guitars-and-vocals sound, with cleaner recording techniques, further developments in harmonies, and a new appreciation for a song with more than two parts, making Last Time I Saw Grace nothing less than the perfect progression from the purposefully murky mixes of their debut. Continuing to embrace an acoustic rock ’n’ roll sound, New Bums push the words and the stories of their songs, crafting tales with satiric glee on Last Time I Saw Grace. However, this world of empty perfume bottles, bodies tied to masts, and moving onward to devastation (after the bottle on the table pulls a gun) feels much more Gombrowitczian dreamscape than drunken night on the town. Yes, everything is wasted, but this is an existential wasteland rather than a substance-laden one.” (Drag City)

@ Drag City

“Sonically, the songs are bursting with ideas, harmonically rich, gorgeously arranged; utilising synthesizer and guitar distortion for unique colouring effects while crafting contrasting versions of the song within itself, overlaying electric and acoustic treatments that interlock like two shards to form a single key. The rush of excitement is palpable, track after track.

Thematically, ‘Companion Rises’ navigates a similar Stellar-Gnosticism as 2012′s ‘Ascent’, while exploring a completely different set of stories. Whereas ‘Ascent’ was locked into a narrative concerning a sentient Jupiter, ‘Companion Rises’ presents a handful of folk-tales whose topics span in scope from panspermia to specific constellations, all written in a way that eschews old new age presentation tropes and embraces the now. One thinks of Octavio Paz’s oft-used metaphor of the concentric circle, as ‘Companion Rises’ returns to a similar place but much farther out from the center.” (Drag City)

Schon seit längerem durch einen Teaser angekündigt, erscheint nun „The Light Is Leaving Us All“, das, soviel vorweg, vielleicht stärkste Album Current 93s seit „Black Ships Ate The Sky“. Das hängt sicher mit der Quaität der Songs zusammen. „Thunder Perfect Mind“, eines der Referenzwerke der Band, war natürlich ein Album, das deswegen eine unglaubliche Resonanz gefunden hat, weil es zwar sicher ein Füllhorn an Ideen war, aus denen andere Bands gleich mehrere Alben gemacht hätten, aber es enthielt eben auch einfach fantastische Stücke. Bei “The Light Is Leaving Us All” sehen das nicht alle genau so, aber meines Erachtens ist die Zahl der “Hits”, falls dieses Wort nicht fast schon zu profan im Zusammenhang mit Current 93 klingt, diesmal sehr hoch.

Thomas Ligotti, auf dem Myrninerestalbum als “Emperor Of the non-existent Knife of Night” apostrophiert, ist auf “The Birds Are Sweetly Singing”, dem weitgehend instrumentalen Opener, der aus Samples, field recordings, Theremin, Klavier und E-Gitarre besteht, kurz zu hören. Das dann folgende  “The Policeman Is Dead” wird von Alisdair Roberts gezupfter Gitarre durchzogen und knüpft wie einige andere Stücke auf “The Light Is Leaving Us All” durchaus an Current 93s Arbeiten aus den 90er Jahren an. Die vorab veröffentlichte Single “Bright Dead Star” ist vielleicht als Song noch eingängiger, ist ein wahrlich catchy tune. Seltsame Perkussion leitet „A Thousand Witches“ ein, das von der Art des Vortrags etwas an die letzten Stücke von „Of Ruine Or Some Blazing Starre“ erinnert. Das wunderschöne “Your Future Cartoon” mit dem Zusammenspiel von Gitarre und Klavier rührt zu Tränen und auch „The Bench and the Fetch“ mit Ben Chasny an der „doppelgänger“-Gitarre würde in einem anderen, besseren Universum an der Spitze der Charts stehen. Wem “Fair Weather” mit dem todtraurigen Geigenspiel von Aloma Ruiz Boada keine Schauer über den Rücken jagt, der ist vollends abgestumpft.

Neben diesen recht harmonischen Stücken gibt es das etwas sprödere „30 Red Houses“ mit dramatischem Gesang Tibets oder das leicht dissonante „The Postman is Singing“ mit monotoner Gitarre und dunkler Geige, die das Bedrohliche, das sich in Zeilen wie “The LORD is on the Storm/He is the Storm” oder “When you turn out your Light/How’s Baal in the BedRoom” manifestiert, besonders unterstreichen. Geige und Dudelsack hört man auf  “The Kettle’s On”, auf dem ein weiteres apokalyptisches Szenario entfaltet wird: “Cain moves our jaws/Cain is tongue in our mouth/Our hands stretch link/With Cain’s tendons [...] Dust storm and bone storm/TwiLit skies”. Daran knüpft das von Drehleier und Geige dominierte “The Milkmaid Sings”, mit dem das Album endet, an: “The lambs so sweet on grass/A thousand ded horsies/Hover over their skulls”.

Auf “The Light Is leaving Us All”  sind die einzelnen Stücke durch Textzeilen und immer wiederkehrende Motive miteinander verwoben. Gleichzeitig finden sich Verwiese auf frühere Arbeiten (“SeaHorses”, “Signs in the Stars”, “Horsies”, “Aleph” oder “Cain” tauchen auf). Hier wird eine gefallene Welt besungen: „And please read the First Book/And consider the fall“ („The Policeman is Dead“), es werden Apokalypsen kosmischen Ausmaßes beschrieben: „WatchTowers arise from sand/Bring in storms in and out/Then to death chariots arise/As bone of stars“ („Fair Weather“) und alle Vorbereitung ist letztlich Makulatur: “The farm is boarded/Against the storm/But in the spaces InBetween/Wood and Brick and wood/The squeak awaits”(“Your Future Cartoon”). Gleichzeitig sind der Titel des Albums und die bemalten Fotografien des Artworks sicher ambivalent. Tibets Art des Textens macht ein Dekodieren letztlich aber fast unmöglich. Hier verdichtet sich die Privatmythologie zu einem Universum aus Chiffren. (MG)

Label: The Spheres / House of Mythology (Tape)

“The residual grace and allure radiates out from the video for “Things As They Are,” a song examining the life of poet Wallace Stevens. In 2017, Ben composted music for a theatrical work about Stevens’ life that debuted on stage in Cleveland . Directed by Elisa Ambrogio, the empathetic waves generated by this song resonate throughout her keen visuals, giving a new dimension to the music of Six Organs of Admittance.” (Drag City)

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Ob “The Heretic’s Bargain” ein inhaltliches Konzept zugrunde liegt, ist mir unbekannt, doch geht man nach der Musik und dem strukturellen Aufbau des Albums, so drängt sich die Vorstellung eines radikalen Auflösungsrituals geradezu auf – Bishop, Chasny und Corsano inszenieren zu Beginn einen nahezu perfekten, energiegeladenen und mitreißenden Psychedelic Rock, den sie dann Track für Track immer mehr im furiosen Rauschen, im zerfledderten Gepolter und zum Teil auch in niederdrückender Schwere auflösen.

“To Melt The Moon” beginnt mit donnernden Snares, die sich bald in einen straigten Stakkaorhythmus einfinden, dem sich ein fulminantes Gitarrensolo beimischt. Corsano steht mehr denn je im Zentrum des Geschehens, während die druckvolle Musik nicht weiter entfernt sein könnte vom schöngeistigen arabesken Fingerstyle von Bishops jüngeren Alben. Bekannte Motive, die auch mal funky daher kommen können, leiten über in das ebenso starke “The Sin Eaters”, dessen leicht bluesrockiger Rhythmus schon etwas weniger auf nachvollziehbare Takte gibt, und weil der Touch von Derangiertheit so viel Spaß macht, setzen die Gitarristen dann auch gleich noch mit ätzende Riffs eins drauf.

Fast könnte man meinen, dass in “Spine Agnew” die Struktur noch mal gerettet wurde, so gut funktioniert hier das einander Zuspielen von Bishop und Chasny, so gut überzeugen v.a. auch die monumentalen Melodien, die sie ihren dröhnnden und jaulenden Saiten entlocken, doch man freue sich nicht zu früh über dieses retardierende Moment, denn spätestens auf der zweiten Seite geht jede Kohärenz flöten: In “Hard Times Befall The Door to Door Glass Shard Salesman” präsentieren sich Rangda als lupenreine Feedbacknoiser, deren Ekstase nach unkoordinieretem Rumpeln und irren Hochfrequenzen in ein verkatertes Dröhnen kippt. Verausgabung pur, und dazu ein großes zwinkerndes Auge, wie um zu demonstrieren, dass es für all dies keine großen, pathetischen Gesten und bierernsten Konzepte braucht.

Völlig dekonstruiert und zugleich das ganze Album resümierend dann das finale “Mondays Are Free At The Hermetic Museum”: Sitar, schöne Melodien und an Blackshaw erinnernde Figuren treffen auf Ausbrüche, die sich nur aufgrund der Schwere halbwegs im Zaum halten und am Ende in der erschöpften Auflösung ein Fazit ziehen, das keines weiteren mehr bedarf.

Label: Drag City

All dem zum Trotz sticht das aktuelle „Hexadic“ aufgrund seiner rauen, ätzenden Unverblümtheit heraus, und der Vergleich zu Ben Chasnys anderer Band, den Noiserockern Comets on Fire, würde sich auch dann aufdrängen, hätte Chasny nicht ohnehin zwei Comets-Kollegen mit ins Studio genommen. Eine verkappte Comets on Fire-Platte also? Das wäre sicher übers Ziel hinaus geschossen, aber es sind schon falschere Sachen über Six Organs geschrieben worden.

Wollte man das Album anhand seiner Alleinstellungsmerkmale fassen, dann würden einem wohl als erstes die schweren, grobkörnigen Noisebretter einfallen, die sich – einmal von Chasny aus den dickeren Saiten der elektrischen Gitarre gezaubert – über erratisch herumtastende oder in Speedmetalmanier losgalloppierende Drums ins Gehör fräsen. Zum anderen müsste man die Surfrockzitate anführen, ultracoole Twangs, die „Future Verbs“ in seiner hallunterlegten Räumlichkeit für einen von Lynch inspirierten Western prädestinieren und in „Hesitant Grand Light“ mit orientalischen Fingerpickings a la Sir Richard Bishop verschmelzen, als wäre es das Normalste der Welt.

Überhaupt ist das Fehlen von Unstimmigkeit bei derart kantiger Musik beeindruckend: Die verfremdeten Vocals, die stellenweise grindcoreartigen Drums, die schneller dekonstruiert sind als der Metaller „blastbeat“ stammeln kann – all dies sind perfekt miteinader integrierte Syntagmata einer Sprache, die Chasny, wenn auch in stets anderer Tonlage, auf all seinen Alben spricht.

Label: Drag City

Wer mit der enormen Diskografie des Trios vertraut ist, hat wohl ohnehin nicht geglaubt, dass die Reihe im vorigen Jahr mit „Napoleon & Josephine“ abgeschlossen sei, und in der Tat gaben die Archive Stoff für einen weiteren Teil. „Eye Mohani“ deckt primär den Zeitraum der Jahre um 1990 ab, als die Band bereits über die Anfangsphase hinaus war, der Sound jedoch so rau wie eh und je und vor allem Alan Bishops Reisen im afrikanischen und asiatischen Raum der Musik den Stempel des „Ethnischen“ einbrachten. Was mit einer halbminütigen Jazzcore-Kakophonie beginnt, entpuppt sich ein weiteres Mal als vielfältiges Mosaik an Assoziationen, die einem wie Sand durch die Finger gleiten, sobald man sie festzuhalten und zu definieren versucht: Weird Folk, aber von der Art, die niemals zu einem Pop-Phänomen hätte werden können. Nurse With Wound, doch ohne jeglichen Bezug zur Industrial Culture. Texmex als kleine Referenz an die Heimat der Band in Arizona. Jede Menge Fake-Orientalismus und -Afrikanismus, der weder die Originale zu kopieren, noch der Exotismusfalle durch allzu platte Ironie und allzu bemühte Verfremdung zu entfliehen versucht und dabei überraschend ehrlich wirkt.

Obwohl all dies quer durch die ganze Sammlung versteut ist, offenbaren sich in jedem Song andere Schwerpunkte. Die eigenwillige Country- und Latino-Mixtur gerät in „Smile“, dessen Lyrics anscheinend im Turm zu Babel geschrieben wurden, zu dezentem Rock, verwandeln sich in „Rose Room“ in einen tanzbaren Ragtime. Immer wieder kristallisieren sich tolle Melodien aus den improvisierten Strukturen heraus, beim hispanisch anmutenden Ohrwurm „Borungku si Derita“ ist aus all dem Schöngeistigen doch stets Dada und Surrealismus herauszuhören, andere Stücke wie der Titelsong steigern sich zum Ekstatischen und schlagen die Brücke zu punkigen Traditionals, bei denen der Gitarrist wie ein Maghreb-Hendrix klingt, oder zum atonalen Freejazz-Abgrund von „Abydos“. Tanzbare Nummern fernab weltmusikalischer Klischees bilden das Raga „Lemur’s Urin“ oder „Carousel Tapsel“ mit seinem beschwörenden Flamenco-Rhythmus.

Dass die Bishop-Brüder das Vermächtnis ihrer Band hegen und pflegen ist schon insofern ehrenhaft, da sie sich keineswegs auf alten Meriten ausruhen – Sir Richard betreibt mit Ben Chasny das Duo Rangda, Alan ist mit seiner Kairoer Band The Invisible Hands vielbeschäftigt, auch ist seine Arbeit als Protegee obskurer Geheimtipps nie auf das Niveau einer schalen Routine herabgekommen. Ehrenwert ist die retrospektive Arbeit aber auch deshalb, weil sie kaum redundant ist, auch wenn einige der Songs schon auf früheren (heute vergriffenen) Samplern vertreten waren. (U.S.)

Label: Abduction