Throbbing Gristle and Mute’s partnership continues with the release of TG Berlin, a lavish box set chronicling their previously unreleased work in Berlin around a very special series of live events at the Volksbühne in 2005/2006.

Die Wiedervereinigung (die –  wenn man Coseys Autobiographie Glauben schenkt – zum Teil auch finanziellen Anreizen geschuldet war), war dann aber vom musikalischen Gehalt durchaus fruchtbar: Mit der 4-Track EP „TG Now“ aus dem Jahr 2004 zeigten sie dem Titel entsprechend, wie eine zeitgenössische Version Throbbing Gristles klingen konnte. Auch das 2007 nach einiger Verzögerung erschienene Album „The Endless Not“ beeindruckte durchaus damit, dass Vergangenheit und Gegenwart zu einem völlig eigenständigen Klang verschmolzen.

Verglichen mit „The Endless Not“ spielen Vocals auf „The Third Mind Movements“ (aus dem Jahre 2009) eine geringere Rolle. Die Genese des Albums beginnt aber eigentlich ein paar Jahre zuvor: Auf Anregung Sleazys wollte die Band Nicos Meisterwerk „Desertshore“ komplett neu interpretieren. Die vier spielten im Londoner ICA an drei Tagen (1.-3. Juni 2007) öffentlich stattfindende Sessions – die sie auf 12 CD-Rs komplett verfügbar machten. Dass nach Genesis’ Verlassen der Band Ende 2010, Sleazy, Cosey und Chris als X-TG weitermachten und erst nach Sleazys Tod „Desertshore/The Final Report“ dann mit einer Reihe von Gastsängern fertiggestellt werden konnte, ist eine andere Geschichte. Vielleicht werden im Rahmen von Mutes Wiederveröffentlichungsserie irgendwann auch noch weitere X-TG-Aufnahmen erscheinen. Aus den oben angesprochenen ICA-Sessions bastelte man für die Amerikatour die ursprünglich auf 3000 Exemplare limitierte CD „The Third Mind Movements“, die mit dem Titel auf zwei der zentralen Inspirationsquellen (Burroughs, Gysin) der Band verwies.

Das Album beginnt mit „The Man from Nowhere“: Da erklingen Rhythmusspuren, die vielleicht entfernt an „20 Jazz Funk Greats“ denken lassen, dazu kommen seltsam verhallte Passagen, ein dunkles Pulsieren. Genesis’ bearbeitete und verfremdete Stimme taucht auf und verschwindet wieder, Unverständliches murmelnd. „Premature“ erinnert anfangs mit den dunkel-dräuenden Sounds vielleicht an TGs Soundtrackarbeiten, dann kommen im zweiten Teil Beats und Stimmfragmente hinzu. Auf dem minimalistischen „Secluded“ lässt sich eine fast schon kreatürliche Stimme vernehmen, die flirrenden Sounds verweisen etwas auf das Spätwerk Coils.  Auf dem fast zehnminütigen „Perception Is The Only Reality“ erklingt Atmen, es folgt das rhythmische „Not That I Am“. Der Höhepunkt des Albums ist das dreiteilige Titelstück: Auf „First Movement“ hört man Coseys so charakteristisch klingendes Kornett inmitten von melodischen Passagen und pochenden Sounds. Das ist Jazz für die Endzeit. Auf dem zweiten Teil entsteht ein unheimlicher Track mit knarzenden Momenten. “Third Movement” knüpft mit seinen Kornettpassagen an den ersten Teil an.

Auf der 12-CD-R-Box gibt es einen Track der „Mental Jam” heißt und vielleicht könnte man vielleicht auch das hier zu Hörende so beschreiben – und natürlich  sollte das durchaus als Lob verstanden werden. Dieses Album zeigt die Band von einer weniger konfrontativen Seite, aber “The Third Mind Movements” enthält eine Stunde (immer noch) irrittiereder Musik.

Wer das Album mit der Vergangenheit vergleichen möchte, der höre sich die nach Auflösung der Band 1986 erschienene CD “TGCD1″ an, auf der Anfang 1979 entstandenes Material zu hören ist und die jetzt im  Rahmen von Mutes Wiederveröffentlichungen ebenfalls wieder erhältlich ist. In den Linernotes schrieb Genesis 1986: „The 4 members of Throbbing Gristle wanted to investigate to what extent you could mutate and collage sound, present complex non entertaining noises to a popular culture situation and convince and convert We wanted to re-invest Rock music with content, motivation and risk.“ (MG)

Label: Mute

„Throbbing Gristle’s TGCD1 will be available on vinyl for the first time and on CD for the first time since The Grey Area of Mute’s release in 1986. TGCD1 comprises 42 minutes of studio recordings, recorded at TG’s infamous Martello Street studio on a TEAC 8-Track recorder on 18 March 1979. The release, which comes with a booklet featuring the original 1986 sleeve notes by the band, was originally an exclusive piece of unreleased material for Throbbing Gristle’s first-ever CD release, and today, the record’s dark sound stands as a significant chapter in their discography.

In 2004 Chris Carter, Peter Christopherson, Genesis P-Orridge and Cosey Fanni Tutti reformed – 23 years after their mission was originally terminated – and between 2004 and 2007 the band released Part Two: The Endless Not, TG Now and A Souvenir of Camber Sands – all recently reissued via Mute.

The Third Mind Movements – available for the first time on vinyl and commercially for the first time on CD – was initially an exclusive CD release for the band’s final US tour in 2009 – they would split for the final time the following year. The tour, which saw them perform in the US for the first time in 28 years, included their first shows in NY and an appearance at Coachella festival. The Third Mind Movements album, recorded during the Desertshore sessions at the ICA, London several years earlier – a series of six live recordings from the ICA attended by an attentive audience – journeys through manipulated, time-stretched and distorted samples, with rhythmical breakbeats and hypnotic oscillations of electronics.“

@ Mute Records

„The new album includes the audio explorations and experiments that lead Cosey Fanni Tutti to the final soundtrack for Catz’ film. From the 4-minute long ‘Cornet Lament’ to the humorous ‘Snuff Chorus’ (which references an addiction that Derbyshire had for snuff), the album is a journey through both Delia and Cosey’s practise – Fanni Tutti spent time researching Derbyshire’s archives (both musical and the more personal ephemera of her life) to create an audio world for Catz’s depiction of the artist to inhabit.

Fanni Tutti explains, “The compositions are inspired by my research of the Delia Derbyshire audio archive, Delia’s original compositional notes and techniques which in combination with my admiration and love of Delia’s work provided a way to integrate her style and approach to music with my own. An alliance of our sensibilities.”

Wer sich näher mit Derbyshire beschäftigen möchte, der kann das mit Coseys am 18. August bei Faber erscheinenden Buch „RE-SISTERS: The Lives and Recordings of Delia Derbyshire, Margery Kempe and Cosey Fanni Tutti“ tun, in dem Cosey Parallelen zwischen Derbyshire, ihrer eigenen Kunst und Margery Kemp, einer Mystikerin aus dem 15. Jahrhundert, die die erste Autobiographie in englischer Sprache verfasste, aufzeigt.

 @ Greedbag

Delia is portrayed through a mix of observation and imagination. No single perspective would be sufficient to gain a true understanding of Delia. The docudrama replaces biography and a biopic style with something more lyrical. Its playful, psychedelic mix utilises archival materials, interviews with her collaborators and dramatisations while honouring the BBC Radiophonic Workshops arranger-composer’s own questing spirit. This is a life story told through sound using both Delia’s own pieces of music alongside a soundtrack constructed from samples chosen with musician and performance artist Cosey Fanni Tutti from Delia’s attic tapes. It explores the fantasy of a collaboration, an exchange of ideas across eras between two fascinating musicians. It celebrates independence and imagination and looks at how, when that energy is evoked by women and creates a spark, the pattern seen throughout history is that it is often dismissed, ridiculed or downplayed.” (Anti-Worlds Releasing)

Freitag, 12.11.2021
Beginn 20 Uhr
Lichtblick-Kino
Kastanienallee 77
10435 Berlin

Event @ Facebook

Zum Kontext: Cosey war – durch Vermittlung Robert Wyatts – angesprochen worden, etwas zum Thema „A journey through the body“ für den italienischen Radiosender RAI aufzunehmen. Daraus entwickelten sich die unter Mitwirkung von allen vier Bandmitgliedern gemachten Aufnahmen. Die in Rom im März 1981 innerhalb von fünf Tagen im RAI-Studio komponierten/improvisierten und eingespielten fünf Stücke fanden (lauf Coseys Autobiografie) weitgehend ohne Mitwirkung der dort beschäftigen Techniker statt: „The studio technicians were a joke – they were stoned or drunk and unhelpful mots of the time.“ Die Frage ist allerdings sowieso, inwiefern die Zusammenarbeit von den sich in Auflösung begriffenen „wreckers of civlization“ mit „normalen“ Technikern sonderlich fruchtbar gewesen wäre.

Das lange „Medicine“ beginnt mit Hochtönen, die an frühe Whitehouse erinnern. Das Fiepen der Elektronik, das Piepen von Krankenhausgeräten, kurz einsetzende Stimmen, Ächzen und Stöhnen; all das illustriert sehr gut, dass (diese )„Medizin“ den Menschen lediglich in all seiner Kreatürlichkeit zeigt. Das Stück klingt wie ein Mashup aus „Hamburger Lady“ und „After Cease to Exist“. „Catholic Sex“ dagegen kombiniert und kollagiert kaputte Beats, Coseys Horn, Beischlafgeräusche und Genesis’ Textrezitation: „I couldn’t help but touch her body“. Kurzzeitig setzt eine sphärische Orgelmelodie ein. „Exotic Functions“ besteht aus Wasserplätschern, einer Spieluhr (?), Klavierpassagen, perkusiven Momenten und Tierstiummen. Vielleicht ist das TGs ultimativer Martin Denny-Tribut. Auf „Violencia“ hört man Frauenstimmen, Störgeräusche und ein dissonantes, hektisches Klavier, das klingt, als habe Charlemagne Palestine im Studio vorbeigeschaut. Das das Album beendende „Oltre la morte“ ist dagegen ein sehr harmonisches (und scheinbar ungebrochenes) Pianostück.

Ob man so weit gehen muss, zu sagen, dass es sich bei „Journey Through A Body“ um TGs „gespenstischstes Album“ handele, wie es im Pressetext heißt, sei dahingestellt, aber die hier versamelten Aufnahmen klingen auch nach all den Jahrzehnten enorm frisch und machen – vielleicht stärker als andere Aufnahmen der Band – deutlich, wie viel Wolf Eyes und andere aus deren Umfeld Peter Christopherson, Genesis Breyer-P.-Orridge, Chris Carter und Cosey Fanni Tutti schulden. Es wäre jetzt interessant zu wissen, ob es eine weitere Veröffentlichungsrunde gibt – „D.o.A.: The Third and Final Report“ fehlt schließlich noch – und die bisher unveröffentlichten Studio- und Liveaufnahmen von X-TG zugänglich gemacht werden. (MG)

Label: Mute

“Art Sex Music is the autobiography of a musician who, as a founding member of the avant-garde group Throbbing Gristle and electronic pioneers Chris & Cosey, has consistently challenged the boundaries of music over the past four decades.

It is the account of an artist who, as part of COUM Transmissions, represented Britain at the IXth Biennale de Paris, whose Prostitution show at the ICA in 1976 caused the Conservative MP Nicholas Fairbairn to declare her, COUM and Throbbing Gristle ‘Wreckers of Civilisation’ . . . shortly before he was arrested for indecent exposure, and whose work continues to be held at the vanguard of contemporary art, some of which resides as part of the Tate permanent collection.

And it is the story of her work as a pornographic model and striptease artiste which challenged assumptions about morality, pornography and art.”

Faber

Insgesamt 11 Sängerinnen lässt Liles auf „Cover Girls“ Stücke verschiedenster Epochen und Stile interpretieren. Auf „Morning Has Broken“ singt Katie Oswell den Text a capella mit glasklarer Stimme, bevor dann im weiteren Verlauf kristalline Drones dazukommen, die sich gegen Ende in atonale Fragmente verwandeln – kaputte Elektronik. „I Touch Myself”, die Masturbationshymne der australischen Divynyls, verwandelt sich von einer öden glattpolierten Rocknummer in ein düsteres, von Keyboardflächen und dezentem Pochen untermaltes Stück, auf dem Gena Netherwood den Text rezitiert. In den frühen 90ern hätte damit auch gut die eine oder andere Schwarzkitteltanzfläche beschallt werden können. Baby Dees Interpretation ihres eigenen „So Bad“ – auf ihrem zweiten Album eine melancholisch-traurige Ballade – überzeugt hier nicht ganz, zu disparat klingt das Stück, zu wenig scheinen Stimme und die musikalische Untermalung durch Akustikgitarre zueinander zu passen. Aus Tina Turners „Acid Queen“ wird eine Billigdisconummer, wobei Jess Roberts’ Organ dem von Tina Turner in nichts nachsteht. David Essex’ „Rock On“ interpretiert Cosey Fanni Tutti sinnlich kühl, während es im Hintergrund pocht und pluckert. Liles’ Frau Melon trägt den Text von „Video Killed The Radio Star“ mit somnambuler Stimme vor verrauschter Klangkulisse vor, das exaltiert-hysterische „Oh-a oh“ des Originals (er)klingt nur als fernes Echo in einem Klangnebel und das Beklagen des Verlusts der Relevanz des Radios – heute fast schon wieder ein Anachronismus – bekommt hier eine ganz andere Stimmung. Dr Johns „I walk On Guilded Splinters“, nur sehr spärlich instrumentiert, klingt durch Lavina Blackwalls Sprechgesang leicht bedrohlich. „Zerstörte Zelle“ der Einstürzenden Neubauten ist musikalisch gar nicht so weit vom Original entfernt, wobei Miranda Kinkelaar den Text mit sehr starkem Akzent vorträgt, was durchaus als Verfremdungseffekt lesbar ist. Alizees „Moi… Lolitta“ ist unter Liles Ägide kein unbeschwerter französischer Pop mehr: Aus der treibenden glatten Oberfläche des Originals machen simple Klavierfolgen und der Vortrag von Alexandra Jako kein (unreflektiertes) Nabokovspiel, sondern hier erklingt eine erwachsene Frau in der Rolle der souveränen Femme fatale – das Original lässt Liles nur kurz am Ende aus dem Äther auftauchen. Vor karger Instrumentierung (Bass, Perkussion) macht Comus’ Bobbie Watson aus dem treibenden „Rock Bottom“ von UFO ein sinnlich-schwüles Stück. „Lust For Death“ von Foetus (ver)wandelt sich von dem Übersteigerten, dem latent Hysterischen des Originals in eine von Jess Roberts vorgetragene Rock ‘n’ Roll-Nummer. Hatte Liles sich schon an anderer Stelle an den Sisters of Mercy mit seiner „Phantom“-Interpretation versucht, so wählt er auf “Cover Girls” „Never Land“, allerdings nicht in der regulären, das „Floodland“-Album abschließenden Version, deren Untertitel „A Fragment“ ist, sondern er orientiert sich an der erst vor einigen Jahren sicher ohne Eldritchs Zustimmung erschienenen vollständigen Version. Liles behält die reduzierte Instrumentierung des Originals weitgehend bei, während Elisabeth Oswell den Txet zurückhaltend und unterkühlt vorträgt.

Die Sisters-Interpretation führt uns zum Anfang des Textes zurück, denn inzwischen hat Liles anlässlich des 30-jährigen Jubiläums von „First And Last And Always“ das Debüt der nach einem Leonard Cohen-Stück benannten Band vollständig als instrumentales elektronisches Album neu eingespielt, was bei den Fans nur bedingt goutiert wurde und er schreibt auf seiner Website: „My version to some may be a travesty, deemed a novelty recording, even considered sacrilege by others, the devil may care but I don’t mind, those opinions do not concern me. This is my heartfelt homage to a moment in time and a wonderful album.“ Das illustriert ganz gut die Ambivalenz, die einer ganzen Reihe von seinen Arbeiten innewohnt: nämlich, dass man sie sie sowohl als verquere Hommage oder aber als augenzwinkernde Verballhornung lesen kann. (M.G.)

Label: Dirter

Wenn in der aktuellen Testcard ein Autor räsoniert, dass das Werk der Band „bis heute im Gegensatz zu vielen anderen Avantgarden seine Halbwertszeit als schockierendes Manifest einer emanzipatorischen Provokation nicht ansatzweise überschritten hat, noch immer Schmerzen bereitet, ins Fleisch zu schneiden scheint“, dann wird deutlich, wie hoch jenseits des rein klanglichen Gehalts die Erwartungen an eine Band sind, die, wie hinlänglich bekannt, einmal als „Zivilisationzerstörer“ tituliert wurden und ein ganzes Genre (mit)erfanden. Dieses Insistieren auf der epochalen Leistung des Quartetts spiegelt sich auch in den Linernotes zum aktuellen, finalen Album der (geschrumpften) Band wieder, wenn Dan Fox schreibt: „[Throbbing Gristle were] „beacons at the extreme co-ordinates of art, performance and sound, witnesses to the darkness of GB 1977-2012“.

Versucht man sich aber auf den musikalischen Gehalt der Auftritte und Veröffentlichungen der letzten Jahre zu konzentrieren, so sieht die Bilanz meines Erachtens nicht schlecht aus. Schon auf „TG Now“, der EP, die die Rückkehr einläuten sollte, gelang es der Band, eine unruhige, durchaus minimale Form irritierender elektronischer Musik zu erzeugen, die verdeutlichte, dass es die Band geschafft hatte, ihre ganz eigene Klangsprache und ihre Ursprungsideen ins 21. Jahrhundert zu übertragen. Und auch wenn auf allzu große textliche und musikalische Schockeffekte verzichtet wurde, so war die Musik noch immer verstörend – nicht nur dann, wenn durch Lautstärke und Frequenzen die Wände der Volksbühne in Berlin zum Vibrieren, zum Pulsieren gebracht wurden. Auch wenn natürlich die auf der Bühne aufgeklappten Macbooks für manche nicht das gleiche Distinktionspotential hatten wie die selbstgebauten Synthesizer und Protosampler, die in der Vergangenheit die Bühnen zierten.

Das erneute Zerwürfnis und die Entstehungsgeschichte des neuen Albums, das nun unter dem Namen X-TG veröffentlicht wird sowie der über Twitter ausgetragene Disput zwischen P. Orridge auf der einen und Chris und Cosey auf der anderen Seite sind hinlänglich dokumentiert und sollen hier keine große Rolle spielen. Dass das ursprünglich von Peter “Sleazy” Christopherson initiierte „Desertshore“-Projekt jetzt ohne P.Orridge erscheint, mag nicht jedem zusagen, aber wer sich die ursprünglichen(öffentlich durchgeführten) Sessions aber anhört, der wird feststellen, dass damals Sleazy schon zu Beginn der Aufnahmen dem Publikum mitteilte, Genesis höre die Musik an jenem Tag zum ersten Mal. Das mag einerseits ein nettes Kokettieren mit der oftmals antimusikalischen Herangehensweise der Band gewesen sein -ähnlich wie damals behauptet wurde, Monte Cazazza habe beim Einspielen seiner Aufnahmen für Industrial Records seinen eigenen Vortrag nicht gehört, da er Kopfhörer getragen habe-, war aber auch schon ein Hinweis auf die Arbeitsteilung innerhalb der Band und die letztlich schon damals immer geringere Rolle P-Orridges bei der musikalischen Gestaltung. Auf dem nun erschienenen Album findet sich keine Spur mehr von seinem Gesang, sondern eine Reihe von Gastsängern interpretieren die Songs von Nicos vielleicht bestem Album, auf dem ihr tiefer Gesang, ihr Harmoniumspiel und John Cales Produktion eine perfekte Synthese eingingen.

War das Brian Jones gewidmete „Janitor of Lunacy“ im Original von einer teutonischen Schwere durchzogen, so situiert Antony mit seinen mulitgetrackten Vocals das Stück irgendwo im Äther, transzendiert das Original. Die Elektronik pulsiert dezent, zwischendurch setzt kurzzeitig Coseys Kornet ein, spielt inmitten der elektronischen Landschaft die Melodie, die Nico auf ihrem Harmonium intonierte. Das ist vielleicht einer der stärksten Tracks des Albums, auch wenn (oder gerade weil) die Stimmung doch eine ganz andere ist. Wie Streicher klingende Elektronik leitet das von Blixa Bargeld gesungene „Abschied“ ein. Dumpfes Pochen gibt den Rhythmus vor, im Fokus steht dann aber ganz klar Bargeld, der den Text zurückhaltend vorträgt. An mehreren Stellen ist schon auf Sasha Grays (misslungene) Interpretation von „Afraid“ hingewiesen worden und tatsächlich: Insbesondere verglichen mit dem Original klingt Greys Stimme farblos, es scheint, als wolle sie besonders sinnlich wirken, insgesamt ist das aber ähnlich blutleer wie ihr Auftritt in Soderberghs „Girlfriend Experience“. Marc Almond, der auf seinem Album „The Stars We Are“ mit Nico das Duett „Your Kisses Burn“ gesungen hatte, interpretiert nun „The Falconer“ mit dunkler Stimme, ganz so, als wolle er sich Nicos Timbre anschließen. Almond gelingt hier eine Art von Sinnlichkeit, an der Sasha Grey sich vergeblich versucht. Musikalisch ist dieses Stück vielleicht das melodischste des ganzen Albums. Sperrige Geräusche dagegen leiten Coseys Version von „All That is My Own“ ein und bizarrerweise klingt ihre Stimme auf dem recht treibenden Stück tatsächlich entfernt an Christa Päffgen. „Mütterlein“ wird von einem recht klaren Beat durchzogen, Bargelds Vortrag ist fast aggressiv, atonale Elemente brechen ein, die Trauer des Originals weicht hier einem fast verzweifeltem Zorn. Das vielleicht am industriellsten klingende Stück auf diesem Album ist das von Gaspar Noé interpretierte „Le Petit Chevalier“, das ursprünglich von Nicos kleinem Sohn gesungen wurde. Noés verzerrte Stimme weckt allerdings zu starke Assoziationen an wenig inspirierte Epigonen. „My Only Child“, mit Cosey am Mikro, ist melodisch und man hört vereinzelt Klänge, die an die Spätphase Coils erinnern. Abgeschlossen wir das Album von dem Track „Desertshores“: Inmitten der verhallten Pianoklänge hört man das Flüstern der Freunde Sleazys, die dem Verstorbenen zurufen: „Meet me on the desertshore“.

Mindestens ebenso interessant wie diese Neu- und Reinterpretation von Nicos Album ist das völlig eigene Material, das aus den letzten Sessions von Sleazy, Chris und Cosey stammt und hier – an frühe Throbbing Gristle-Alben anspielend und gleichzeitig das endgültige Ende in Worte fassend- „The Final Report“ heißt. Das Eröffnungsstück „Stasis“ gibt den Ton vor: Aus Pochen, Stampfen, Störgeräuschen wird unangenehme, dystopische Musik erzeugt. „Emerge to Space Jazz“ klingt so wenig nach Jazz wie es das dritte Album der Band tat, auch wenn Cosey Kornet etwas anderes zu verkünden versucht. Entfernt erinnern manche der Stücke an “Transverse”,  das Album, das Chris und Cosey mit Nick Void eingespielt haben . „Um Dum Dom“ fällt etwas aus dem Rahmen, erinnert es doch an Sleazys recht harmonisches und positives Spätwerk. Zu tickendem Rhythmus und melodischen Passagen hört man Sleazys durch den Vocoder gejagte Stimme. Dieses Stück ragt von der Stimmung als kleiner Lichtblick aus der Tristesse heraus. Insgesamt aber ist “The Final Report” ein so beeindruckender wie bedrückender Soundtrack für einen Gang durch eine „Concentration City“ (J. G. Ballard), der verdeutlicht, wie vital diese Band noch immer ist/war. Das ist tatsächlich Industrial für das 21. Jahrhundert.

Der der limitieren Auflage beigelegte Remix von „Desertshore“, das Downloadalbum „แฝดนรก (Faet Narok)“, das als „Evil Twin“  bezeichnet wurde, ist ambienter, hier werden die Stimmen der Sänger an den Rand gerückt, werden verfremdet (auf Teil sechs klingt Blixa Bargeld fast wie Micky Maus), verlangsamt, sind nur noch ein Klangbaustein unter anderen.

Die bisherige Rezeption der Alben ist bislang (zu Recht) relativ positiv ausgefallen. Natürlich bringt man mit dieser Musik heutzutage keine Zivilisationen mehr zum Wanken, aber sie gehören zusammen mit den dieses Jahr veröffentlichten Alben der Swans und Scott Walker – alles Künstler also, die seit mehreren Jahrzehnten aktiv sind- zu den aufregendsten Veröffentlichungen der letzten Monate und sind vielleicht eine angemessene Untermalung des von apokalyptischen Erwartungen durchzogenen Jahr 2012.

(M.G.)

Label: Industrial Records

X-TG

Factory Floor sind was das Klangbild anbelangt, sicher sowohl von Factory Bands, insbesondere Joy Division (deren „She’s Lost Control“ sie auf „Bipolar“ fast zitieren), als auch von Throbbing Gristle, vielleicht in besonderem Maße von „20 Jazz Funk Greats“ bzw. Tracks wie „Hot On The Heels Of Love“ sowie frühen Chris and Cosey-Aufnahmen beeinflusst – insofern ist der gemeinsame Auftritt durchaus nachvollziehbar. Aber da ist noch etwas: Als vor Jahren unmittelbar nach der Reunion von Throbbing Gristle ein mehrtägiges Festival mit allen Nachfolgebands (Coil, Thee Majesty, Chris and Cosey) und weiteren Gästen unter dem Motto „Celebration of Industrial Musics in the 21st Century“ bei Camber Sands geplant war, wurde deutlich, dass die vier Bandmitglieder (Geistes-)Verwandtschaft eher bei Künstlern wie Matmos, Black Dice, Scanner oder Pan Sonic erkannten und weniger bei denjenigen, deren Leistung sich im 21. Jahrhundert (noch immer) darin beschränkt, dreißig Jahre später die Ästhetik von TG-Flyern zu reproduzieren und sich monomanisch mit Themen zu beschäftigen, an denen Throbbing Gristle selbst nach „Very Friendly“ und „Slug Bait“ nur noch bedingt Intresse hatten.

Nachdem Chris und Cosey sich zeitweise in CarterTutti umbenannt hatten, veröffentlichten sie mit „Cabal“ und „Feral Vapours of the Silver Ether“ zwei musikalisch weniger tanzbare Platten, wobei letzt genanntes Album eine wunderschön-warme, von der Melancholie des Herbstes geprägte Platte war.

Die Aufnahmen auf „Transcendcence“ fallen dagegen aber (nicht überraschend) wesentlich ruppiger aus und erinnern viel eher an das, was Chris und Cosey zuletzt mit Throbbing Gristle, zum Beispiel auf „The Third Mind Movements“ (bei dem Genesis keine große Rolle mehr zu spielen schien), bzw. bei X-TG gemacht hatten. Und Chris Carter erwähnt auch in einem Interview, dass einige der Rhtyhmen, die für den Auftritt verwendet wurden, ursprünglich für TG gedacht waren. Beim Auftritt in London stand Chris Carter vor seinem Mac und wurde von Cosey und Nik Void an den Gitarren flankiert. Der erste Track beginnt mit einem Beat, in den Gitarren und verzerrte Sounds einbrechen. Dabei verzichtet man noch auf Vocals, die setzen erst bearbeitet und verfremdet auf dem noch treibenderem zweiten Track ein, wobei das weniger ein Singen ist als ein Sprechen in Zungen, Echolalia. Im dritten Track meint man Wörter ausmachen zu können, bevor sie wieder verschwinden und Passagen lassen einen an Tracks von Demdike Stare denken.

Natürlich spielen Cosey wie auch Nik Void ihre Gitarren nicht im konventionellen Sinne, vielmehr entlocken sie ihnen weitere Geräusche, die sich im strukturierten Chaos verlieren. Wenn man sich diese Musik anhört, entsteht eine Art Soundtrack für ein urbanes wüstes Land, wobei das Album eine Art vitale Tristesse ausstrahlt und verstörend jenseits aller falscher Aggression oder plakativer Transgression ist, viel mehr transzendiert (man verzeihe mir das Wortspiel) das Album solche erschöpften Kategorien. Das ist (noch immer) in jederlei Hinsicht aufregende, in Unruhe versetzende Musik, die erstaunlich frisch klingt und die die Grenze zwischen von Menschen und Maschinen erzeugten Geräuschen verschwimmen lässt. Insofern ist das – um auf den Anfang zurückzukommen – ein Treffen der Generationen bar jeder Nostalgie – es sei denn, man findet es nostalgisch, wenn eine Zusammenarbeit zwischen Küntslern auf der Bühne und nicht via Internet stattfindet.

(M.G.)

Label: Mute