Zu “Blood Comes Singing” heißt es an gleicher Stelle: “the exquisitely titled ‘Blood Comes Singing’, is a more cold blooded affair: a brooding, majestic work with rich undercurrents of unease. With its stately keyboard arrangement and what sound like, but almost certainly aren’t, keening violins, ‘Blood Comes Singing’ could almost be the soundtrack to the opening scenes of a chic Spanish horror film circa 1979″. Die Single erscheint auf 100 transparenten Lathe Cut 7″s, das Artwork basiert auf einem bislang unveröffentlichten Gemälde von Danielle Dax.

@ HL Records

Interview @ African Paper

Die beiden bauen ein reiches System aus Referenzen auf, die das Album, dessen synthbasierte, kosmische Musik, bei der späte Coil auf Tangerine Dream zu treffen scheinen, klar in einem okkult(urell)en, esoterischen Kosmos verorten. Der Projektname verweist auf die Substanz, die Medien angeblich während spiritistischer Sitzungen entsrömt, das Artwork stammt von Ethel Le Rossignol, die glaubte, sie würde Bilder aus der jenseitigen Welt „channeln“ (auch Spires That In The Sunset Rise verwendeten ein Bild von ihr für eine Veröffentlichung), der Titel verweist auf ein Buch von Ingo Swann, der sich an verschiedensten parapsychologsichen Experimenten versucht hat und auf „An Unexpected Visit“ lässt man Alex Sanders, den legendären „King of Witches“, zu Wort kommen.

Der Opener „Come! Vehicles Of Light“ beginnt mit an Glöckchen erinnernden Tönen, im Hintergrund hört man melodische Passagen, „A Goodly Companion“ (auch auf Ethel Le Rossignol anspielend) erzeugt mit seinen Synthpassagen eine durchgängig positive Grundstimmung. Auf „An Unexpected Visit“ blubbern die Synths, während Sanders mit dunkler Stimme erzählt. „A Boy Called Conjuror“ erinnert anfangs an Kirmesmusik, dann setzen plötzlich pastorale Flöten ein und man meint, Blakes „Songs Of Innocence“ würden vertont. Auf „Possessors Of The Orb“ verdichten sich die Klänge zu Drones, in die hamonische Passagen eingewoben sind. Der lange Titeltrack mit anschwellenden Drones, in denen sich immer wieder melodische Passagen und der Klang von Blasinstrumenten finden, klingt wie eine kosmische, weniger atonale Version von Coils „Constant Shallowness Leads To Evil“. Das hier entfaltete Drama lässt einen denken, hier kollidierten Sterne. „Crescent“ beendet das Album mit entrückten Klängen und Wasserrauschen.

In dem begleitenden, von Stephen Thrower verfassten Text ist die Rede von „Vibrating biosphere“, „oxygenic euphoria“ und „Lunar illuminations“ und diese willkürlich herausgegriffenen Begriffe geben eine gute Vorstellung von der Stimmung, die dieses Album durchzieht. Thrower beendet seinen Text mit der Aufforderung „Step though the mirror and see…“, etwas, dem man gerne nachkommt und auch wenn man nicht unbedingt “a deep awareness and respect for prior esoteric traditions ” hat, wie es das Label dem Duo attestiert, dann kann man dennoch mehr als beeindruckt von der musikalischen Umsetzung sein. (MG)

Label: House Of Mythology

Im Pressetext zum Album wird die Frage gestellt, ob es je eine bessere Zeit gegeben habe, diesen Planeten zu verlassen und sich zu den Sternen zu „verpissen“, und passenderwiese heißt das erste Stück „For The Dark Planets“. Dennoch klingt der Track von der Stimmung gar nicht so (ver)dunkel(t), wie es der Titel denken lassen mag. Man hört ein bearbeitetes Blasinstrument inmitten dronig-flächiger Passagen. Das Stück ist, wie auch der größte Teil des restlichen Albums, fortwährend in Bewegung und entwickelt eine ziemliche Dynamik. Auf „Into Burning Labyrinths (Fuse-Fire-Seed)“ hört man flirrende Sounds und Perkussion. Sucht man Vergleiche außerhalb des UnicaZürn-Kosmos könnte man vielleicht Coils „Tiny Golden Books“ als Referenzpunkt nennen. “Stems of The Shadowmind” ist für mich ein erster Höhepunkt: erneut nimmt man diese Dynamik, diese Bewegung innerhalb des Tracks wahr und dann setzt nach einer Weile Throwers Saxophonspiel ein. Vielleicht ist das Jazz für die Blade Runner-Bar. Auf „A Gulp Of Moss A Breath of Stone“ fluktuiert, oszilliert die Elektonik. Gegen Ende erklingen verfremdete, seltsame Stimmen. Der Bonustrack „Frozen Scars and Laudanum“ fällt etwas ruhiger aus als die anderen vier Tracks, die Bewegung wird zurückgenommen und das Stück hat durchaus Soundtrackqualitäten: in der Ferne flirrende Hochtöne, Pulsieren, ein Blasinstrument lässt sich erahnen.

Vor einiger Zeit sagte Thrower in einem Interview bezogen auf die Musik UnicaZürns: „We’re fond of long-form pieces, extended trips, and I see what we do as having strong psychedelic qualities, with underlying tension and a sense of the uncanny.” Das ist eine durchaus angemessene Beschreibung dessen, was man auf „Sensudistricto“ hören kann, denn „trip“ kann immer (auch) zweierlei meinen: Die (durch psychotrope Substanzen verursachte) Reinigung der „Pforten der Wahrnehmung“ (Huxley via Blake) und die daraus resultierenden Bewusstseinsverschiebungen (worauf der letzte Titel mit seinem Verweis auf flüssiges Opium hinweisen mag) und eine Reise im eigentlichen Sinne, die diese narrativen, ausufernden, psychedelischen Tracks durchaus evozieren können. (MG)

Label: Touch

Man setzt sich immer dem Vorwurf einer gewissen Oberflächlichkeit aus, wenn man heute noch eine Musik schlicht als Drone klassifiziert – rein formal ist es aber das, was Téléplasmiste auf ihrer zweiten LP machen, mit halbmodularen Synthies und diversen Holzblasinstrumenten, deren Beitrag recht kunstvoll in die elektronischen Texturen eingewebt ist, hier und da aber auch mal wie das Heulen einer Alarmsirene an die Oberfläche dringt. In den meisten Abschnitten wird von Klangmaterial her ein gewisser Minimalismus gewahrt. Dass man diesen nicht immer als solchen wahrnimmt, dankt sich u.a. der atmosphärischen und emotionalen Intensität, die beispielsweise „Gravity is the Enemy“ mit seiner angedeuteten Rhythmik zu einem hart erkämpften Triumph über die Schwerkraft werden lässt.

Es gibt einige erhabene Momente auf „Frequency Is The New Ecstasy“, von der schleppenden Schwere in „Astodaan“ über die verspielten Computersounds im schon vom letzten Album her bekannten „Fall of the Yak Man“ bis zur langen kosmischen Schwebefahrt in „Radioclast“. Meines Erachtens offenbart das Duo seine größten Stärken im relativ zentralen „Mind at large“, bei dem mit ganz kleinen Mittel – schnelle, leicht abgehoben wirkende Vibratos, die in gewissen Abständen zu kleinen Pulsationen gerinnen – eine ungemein faszinierende Wirkung erreicht wird. Erste Voraussetzung, um die magische Wirkung dieser Kompositionen zumindest zu erahnen, ist eine erwartungsvolle, konzentrierte Aufmerksamkeit, andernfalls könnte die Musik in ihrer angenehmen Eingängigkeit auch zu bekömmlich duftendem Raumspray verkommen – es würde funktionieren, aber selten wären derart kostbare Perlen vor der grunzenden Rotte verschüttet worden. (U.S.)

Label: House of Mythology

Das zwischen 2011 und 2015 entstandene Album wurde von David Smith, David Knight und Michael York aufgenommen. Knight hat zusammen mit Karl Blake als Shock Headed Peters eine völlig eigenwillige Form von Rockmusik eingespielt, unter dem Namen Arkkon orginellen Dark Ambient aufgenommen und als Teil des Amal Gamal Ensembles Improvisationstalent bewiesen. York dürfte den Lesern dieser Publikation vor allem als Musiker bei Coil bekannt sein. Als The Other Without hat er gerade ein Album mit „rural psychedelica“ veröffentlicht. Der Perkussionist Smith hat seit Mitte der 90er Jahre bei Guapo konventionelle Formen von Rock immer wieder aufgebrochen und hat allzu enge Gattungsgrenzen überschritten.

Die drei langen Tracks auf „Remoteness of Light“ sind beeindruckend: „Agents of Altitude“ beginnt mit spärlicher Perkussion, einer Flöte, Glocken, Drones und flüsternden Stimmen, ganz so, als wolle man erst einmal zusammenfinden, bevor dann im weiteren Verlauf das Stück immer dichter wird, das Blasinstrument sich fast dem Drone annähert. Man hört eine fortwährende kaum zu bändigende Unruhe unter der Oberfläche in dem Zusammenspiel von Perkussion und Bläsern. „World of Amphibia“ erinnert durch den Einsatz von Michael Yorks Duduk etwas an Coils „Remote Viewer“, hier aber getrieben von Perkussion und einem fast an Jazz erinnernden Abschluss. Das das Album beendende Titelstück enthält asiatisch anmutende Tonfolgen, die Kombination von Zungenpfeife, E-Gitarre und Perkussion erzeugt einen wahren Mahlstrom.

„Remoteness of Light“ ist ein Album, das durchgehend zeigt, wie das Zusammenspiel von elektronischen und akustischen Instrumenten funktionieren kann und dass Improvisation nichts mit Beliebigkeit zu tun haben muss. Das ist halluzinatorische und psychedelische Musik und diese eigentlich völlig inflationär gebrauchten und (daher) verbrauchten Wörter beschreiben das, was man auf diesem Album hört, letztlich sehr gut. The Stargazer’s Assistant spielen in einem Universum, in dem man sicherlich auch Cyclobe (bei denen sowohl Smith als auch York schon mitgewirkt haben) verorten kann. (MG)

Label: House of Mythology

Wenige Künstler verkörpern diese Vielfalt so stark wie der Engländer Cliff Stapleton, der – vom Folk ebenso wie vom Theater kommend – seinen Weg bis in die experimentellen Bereiche dunkler Electronica fand. Unter anderem spielte er auf der Bühne und im Studio mit Acts wie Coil, Thighpaulsandra und Cyclobe, hierzulande wusste man bislang jedoch nicht viel mehr über ihn, als dass er nicht mit Steven Stapleton verwandt ist. Auf „The Tumbling of Creatures. Music for the Hurdy-Gurdy“ sind eine solide Auswahl an Stücken zusammengestellt, die Stapleton im Laufe der letzten rund zwanzig Jahre in unterschiedlichen Konstellationen – mit Bands, in temporären Kollaborationen und in einem Fall solo – aufgenommen hat.

Einen Hauptteil bilden Aufnahmen mit Bands, die man verschiedenen Formen des Folk zurechnen kann, viele davon präsentieren eine sehr tanzbare Variante, die wie das trancehafte „Kicksy Wicksy“ von Angles einen leicht renaissancehaften Einschlag haben. Wesentlich uriger „Huckle-Duckle“ von Primæval, das Einflüsse bretonischer Musik enthält. Die beiden Stücke von The Drones und die (zum Teil recht schunkeligen) Beiträge von Blowzabella und The Duelists verknüpfen dies mit einem unterschwelligen Dronesound, der sich recht selbstverständlich aus dem Klang der Bordonseiten der Drehleier selbst ergibt.

Die zweite Hälfte der Sammlung ist Stapletons experimentelleren Unternehmungen gewidmet, wobei die Bandbreite hier graduell sehr unterschiedliche Formen des Innovativen und Improvisierten umfasst. Da wäre zum einen das fantastisch traumverlorene „The Labyrinth“ mit Bron Bradshaw, der ihn an einer Bouzouki, eventuell in irischer Variante, begleitet und eine Melodie entstehen lässt, die man so schnell nicht aus dem Kopf bekommt. Zum anderen aber auch so derangiertes wie das Improv-Trio mit Sylvia Hallett und Clive Bell. Ebenfalls in diesen bereich zählt sein einminütiger Solotrack „Scent“, der auf einem vordergründig recht eindimensional wirkenden Drone basiert, in dessen Ritzen sich allerdings sehr viel Kleines abspielt. Für Leser unserer Seiten wahrscheinlich am ehesten bekannt sind seine Beiträge für Cyclobe und Coil. „We’ll Witness the Resurrection of Dead Butterflies (Three Moons)“ von ersteren ist wie kein weiteres Stück der „Wounded Galaxies…“ von Stapletons Hurdy-Gurdy geprägt – zurecht beschrieb unser Rezensent es als „unglaublich (ver)dichte(te)s Stück“ und zog Vergleiche zu Coils (im Vergleich subtil verstörenderem) „The Remote Viewer“-Album, von dessen ersten Abschnitt hier ein repräsentativer Auszug enthalten ist.

Am Ende der guten Stunde Musik bleibt v.a. der Eindruck einer großen Wandlungsfähigkeit, die sich nicht einmal unbedingt einer großen Bandbreite an Spielweisen verdankt, sondern Stapletons Kunst, mit seinem Repertoire an verschiedenste Gegebenheiten ganz selbstverständlich andocken zu können. Durch den markanten (und für ungeübte Ohren immer leicht exotischen) Klang des Instruments hat er all diesen Projekten einen ungewöhnlichen Beiklang gegeben, die gerade bei den von Alter Musik sehr weit entfernten elektronischen Bands besonders ins Gewicht fällt. (U.S.)

Label: Woodbird

“Bringing together, for the first time, the music photography of Ruth Bayer, who has documented key players in the English musical post-punk underground since the mid 1980s.

With unprecedented access and intimacy, Ruth has photographed luminaries and legends including Marc Almond, Little Annie, John Balance, Peter Christopherson, Shirley Collins, Cyclobe, Baby Dee, Steven Stapleton, David Tibet, Tony (TS) McPhee, Norbert Kox, Tiny Tim, and many others, in a career spanning three decades.

This is a unique collection, featuring over one hundred timeless and iconic images of some of the most influential, eccentric and sometimes controversial musicians of their times.

Ruth Bayer is an Austrian photographer, based in London, whose work has been exhibited at galleries all over the world. Her photographs have appeared in numerous music and style magazines over the past two decades and most recently in the book ‘The Play Goes On: The Rituals of the Rainbow Bridge by Zachary Cox and Jean M Williams’.”

Strange Attractor Press

Auch auf den hier enthaltenen drei recht ausladenden Tracks finden sich die zentralen Eigenschaften des Duos, allem voran die spontane Unberechenbarkeit der Soundnarrative und die feine Gestaltung der Tableaus. Das halbstündige „Extract From Eternal Conumbra“, das die erste Seite ausfüllt, beginnt sehr leise und hintergründig, steigert sich zunächst sehr zaghaft, und man muss schon genauer hinhören, um der warmdunklen Klangfarben und der vielen im sanften Brummen versteckten Soundpartikel gewahr zu werden. Erst mit der Zeit kommt etwas mehr Bewegung hinein, immer mehr Schichten entfalten sich und lassen verschiedene Kreisbewegungen entstehen, die in subtilen Widerstreit zueinander treten. Schwer zu sagen, ob diese kleinen Disharmonien das angenehm tremolierende Gleiten unterschwellig sabotieren oder eher in Schwung halten, aber letztlich reicht es völlig aus, die Stimmigkeit des Stückes zu erahnen, das ja nur ein Auszug von etwas Ewigem ist – ein Motiv, das übrigens des öfteren bei UnicaZürn vorkommt.

Sich stetig wiederholende Stimmfetzen in undefinierbarer Verfremdung prägen das die zweite Seite eröffnende „Heliomantra“, doch dem Titel vielleicht ganz gut entsprechend nimmt man diese irgendwann kaum noch wahr, lässt sie versinken in einem Klangfluss, aus dem einen keine markanten Brüche aufscheuchen, und der doch stets im Wandel begriffen ist. Das etwas kürzere „Phosphor AKS“ mutet noch traumwandlerischer („surrealer“) an, dunkle Celloparts und klirrendes, das von einem elektrischen Piano stammen könnte, lassen ein Spannungsgefüge ins Idyll eindringen, das erst im opulenten Höhepunkt kurz vor dem Ende aufgelöst wird – genau darin unterschiedet sich der finale Track auch von den anderen, die so exzerpthaft anmuten, dass sie endlos weitergehen könnte.

Insgesamt eine Veröffentlichung mit einer Menge an halbversteckten Subtexten, die definitiv mit mehrmaligem Hören dazugewinnt, die Lust am aufmerksamen Hören natürlich vorausgesetzt. Zusammen mit dem Artwork – einem der eher seltenen lebenszeichen von Danielle Dax! – sollte das ein guter Anreiz sein, sich das Tape zu besorgen. (U.S.)

Label: The Tape Worm

Es ist daher umso erfreulicher, dass viele aus dem Umfeld der Band spannende und originelle Werke ablieferten. Cyclobe agieren sowieso seit Jahren in einem künstlerischen Kosmos für sich, Thighpaulsandra veröffentlichte nach langen Jahren des Schweigens als Solokünstler kürzlich ein Grenzen wie Genre sprengendes Doppelalbum, Drew McDowall hat als Compound Eye zusammen mit Tres Warren großartige Droneplatten aufgenommen und tritt nun also (endlich) als Solokünstler in Erscheinung. Auf „Musick to Play in the Dark“ hatte McDowall Coil “very deeply tweaked granular synthesis material” gegeben, und wer die Arbeit des schon lange in New York ansässigen Schotten verfolgt hat, der weiß, was McDowall den Synthesizern für Geräusche entlocken kann. “Collapse” beginnt mit dem zwanzigminütigen Dreiteiler „The Chimeric Mesh Withdraws (Parts 1-3)“, einem Monster aus langsam dröhnenden Synthesizern, aus Klappern, Knistern und in der Ferne (ver)hallenden Analogsounds. Das ist dystopische Musik jenseits billiger Schockeffekte, die eine Menschenleere beschwört, ein „verwitternde[s] Ruinenfeld“ (U. Horstann). Wie dann aber nach einigen Minuten plötzlich melodische Momente und Texturen auftauchen und dem Stück eine andere Stimmung und Dynamik geben, ist schon beeindruckend. Vielleicht eines der besten Stücke Geräuschmusik, die dieses Jahr veröffentlicht worden sind. „Hypnotic Congress“ klingt metallischer, lässt so etwas wie Rhythmus und merkwürdige Stimmfragmente erahnen. Auf „Through is Out“ schallt eine einsame Violine durch eine karg instrumentierte Trauerlandschaft, fast meint man, einen Choral zu hören. Dieses Stück zeigt, wie Akustik und Elektronik etwas erschaffen können, das mehr als die Summe seiner Teile ist. Auf „Convulse“ wird das Sprachsample „I convulsed“ wieder und wieder wiederholt. Im Kontext des Albums ist dieses verhalten rhythmische Stück vielleicht die Nummer für den Club. Beendet wird die zweite Seite des Vinyls von „Each Surface of Night“, einem dunkel dröhnenden Stück. Der hier musikalisch umgesetzte Zusammenbruch lässt wenig Gutes erahnen, aber mit McDowall hat man zumindest einen versierten Chronisten des Untergangs gefunden.  (M.G.)

Label: Dais Records

English version

Ich bin ehrlich gesagt sehr neugierig, weshalb ihr für euch den Namen der deutschen Künstlerin Unica Zürn gewählt habt. Ich erinnere mich, wie ich vor einigen Jahren ihre Anagrammdichtungen entdeckte und sofort stark beeindruckt war. Leider ist sie nicht sehr bekannt. Seit ihr mehr durch ihre Texte oder durch ihre visuellen Arbeiten beeinflusst?

David: Wir haben uns lange Gedanken über Namen gemacht, und obwohl wir schon seit Jahren zusammen aktiv waren, hatten wir uns bis kurz vor der Veröffentlichung der “Temporal Bends”-CD noch auf keinen Namen geeinigt. Ossian Brown las gerade eines ihrer Bücher; Steve wurde darauf aufmerksam, und das war’s. Ich hatte ihre Zeichnungen  und ihre Arbeiten mit Bellmer schon immer gemocht, weshalb ich den Namen dann auch perfekt fand. Ich finde ihre Zeichnungen inspirierender als ihre Texte, aber wenn jemand unsere Musik in Bilder konvertieren würde, würde es wahrscheinlich eher wie Rothko aussehen!

Seht ihr einen Bezug zwischen ihrer Art des Schreibens/Zeichnens und eurer Art des Komponierens?

David: Auch wenn ich ihre anagrammatischen Dichtungen mag, sind sie das Gegenteil von der Art, wie wir arbeiten – meistens benutzen wir keinerlei Kompositionssysteme. Wir haben damit experimentiert, aber wie es aussieht, kommen wir immer zu besseren Ergebnissen, sobald wir frei arbeiten. Unsere Adaption/Adoption ihres Namens ist eine Hommage an ihre kreative Kraft, nicht an ihre Herangehensweise.

Viele ihrer Arbeiten sind in Deutschland nicht mehr erhältlich. Gibt es (eventuell mehrere) englische Übersetzungen ihrer Werke?

David: I habe die Atlas Press-Ausgabe (UK) von “Der Mann im Jasmin” und “Das Haus der Krankheiten” – sie sind mittlerweile vergriffen, aber waren vor einigen Jahren noch einfach zu bekommen.

Trefft ihr eine klare, programmatische Unterscheidung zwischen UnicaZürn und euren anderen Gruppen, oder ist eure Kollaboration mehr ein spontanes Ergebnis aus dem, was so passiert, wenn zwei Musiker sich treffen und zusammen improvisieren?

Stephen: Ich würde sagen, es ist letzteres. Manches, was wir machen, entsteht, wenn wir allein arbeiten, und es dann dem jeweis anderen geben, um etwas damit zu machen. Aber ich schätze, dass mehr als die Hälfte unseres Materials beim gemeinsamen Improvisieren entsteht. Diese Spontaneität unterliegt dann einem Aussortieren, einer Verfeinerung und bewussteren Stufe des Entscheides, was fehlt, was herausgenommen werden muss, ein Prozess, der durch gemeinsame Absprachen und Vergleiche abläuft.

Was ist der wichtigste Unterschied in der Herangehensweise, verglichen mit eurem Spiel bei Arkkon und Cyclobe?

Stephen: Für mich liegt der Unterschied in dem Gewicht, das wir auf das simultane Spielen legen; in Cyclobe passiert das relativ selten, in UnicaZürn ist es die Norm. Ich denke, es resultiert aus unserer Freude am Improvisieren im Amal Gamal Ensemble, plus die Leichtigkeit, mit der wir die richtige Herangehensweise oder den passenden Kanal finden, um so zu experimentieren.

David: Bei mir ist es ganz ähnlich; als Teil eines (an der Basis) improvisierenden Duos zu arbeiten, bedeutet, meinen Kopf von allen vorgefertigten Ideen zu reinigen, wo es mit einem Stück hingehen soll (oder wo man überhaupt beginnt), die Luft anzuhalten und einzutauchen. Wohingegen ich bei der Arbeit an meinen Soloprojekten für gewöhnlich zumindest eine grundsätzliche Richtung vor mir sehe, wohin ich ein Stück gehen lasse.

Ich glaube, The Amal Gamal Ensemble hatte seinen letzten Auftritt 2011. Ist dieses Projekt immer noch aktiv, liegt es auf Eis oder existiert es gar nicht mehr?

Stephen: Amal Gamal erlebt eine lange Unterbrechung, aber es gab nie ein definitives “Ende”. Die persönlichen Verbindungen haben sich vielleicht gelockert. Ich lebe nicht mehr in London, so dass ich die anderen nicht mehr so oft sehe wie bisher. Ich könnte mir ein weiteres Explodieren der Aktivität vorstellen, vielleicht mit einem etwas anderen Line-Up: Wir hatten angefangen, die Besetzung etwas zu variieren und fanden uns vorübergehend als stabilie sechsköpfige Band wieder, vielleicht würde es Sinn machen, dieses Muster aufzubrechen.

Ich habe das Gefühl, dass in der Musik des Amal Gamal Ensemble mehr (Prog-)Rock-Elemente zu finden sind als in UnicaZürn. Seht ihr UnicaZürn als eine Art Fortsetzung dieser Band? In welcher Beziehung stehen die beiden Bands zueinander?

David: Ich denke, Amal verwandelte sich sukzessive in etwas, was man für gewöhnlich ein “traditionelles” Line-up nennt: Drums, Bass, Gitarre – allerdings mit drei Synthie/Keyboard-Spielern – und obwohl wir alle bekennende spontan improvisierende Musiker sind, beherrschen wir wenn nötig auch das Vokabular des Rock. Aber ich denke, wir klangen mehr wie Chrome als wie The Nitty Gritty Dirt Band! Steve und ich hatten schon zusammen gespielt, bevor Amal gegründet wurde, und das “Temporal Bends”-Album enthält einiges von diesem frühen Material – besonders “Black Glass Mask” und den Großteil des “Temporal Lapse”-Minialbums. Obwohl wir damals keinen Namen für das Projekt hatten, gab es UnicaZürn also schon vor Amal. Wir behandeln beide Bands als komplett von einander getrennte Dinge – Amal begann als fließendes Kollektiv, das erst öffentlich vollends erwachsen wurde; eine stets wechselnde Ansammlung von Musikern, die sich einmal monatlich im Londoner Horse Hospital trifft und eine Stunde lang improvisiert. Ich habe dabei sehr viel lernen können, musikalisch war es sehr intensiv, und natürlich strahlt das dann auch auf andere Projekte wie eben UnicaZürn aus – in jedem Fall hat es mir das Selbstvertrauen verschafft, die UnicaZürn-Livesets zu improvisieren, als wir anfingen, außerhalb unseres Studios zu spielen.

Gab es neben euren eigenen Erfahrungen als Musiker irgendwelche wichtigen Begegnungen, Impulse oder Inspirationen, die die Grundlage schufen, auf der UnicaZürn wachsen konnte?

David: Es gab auf jeden Fall Inspirationen für mich als Hörer – meine stärkste Erfahrung war, als ich This Heat zum ersten mal live gesehen hatte, in einem kleinen Keller in Covent Garden, London. Ich war wie umgehauen – es war wie Post Punk in Kollison mit Stockhausen, einem elektronischen Miles Davis, King Crimson, Faust und Henry Cow – es war ungeheuerlich, beglückend und beängstigend. Im selben Jahr sah ich TG in der London Filmmaker’s Co-Op spielen, was mir eine komplett neue Form der Dunkelheit in der Musik näherbrachte. Es waren vermutlich nur 20 bis 40 Leute bei jedem dieser Gigs, aber es braute sich zu dieser Zeit definitiv etwas zusammen, und es war von einer Spannung, die mich bis zum heutigen Tag antreibt und inspiriert.

Würdet ihr sagen, dass es – vielleicht in Bezug zum Songtitel “The Infernal Kernel” – so etwas wie einen beständigen Kern oder einen roten Faden gibt, der alle Arbeiten von UnicaZürn verbindet?

Stephen: Ich denke, dass unsere Arbeiten eng verbunden sind mit “Kosmischer” Musik, ein verdrehter Ableger davon, und dies bildet einen Faden, obwohl richtig gute Kosmische Musik unberechenbar und wechselhaft ist, so gesehen, ist es auch keine all zu enge Definition! Auf zuverlässige Art unberechenbar,das ist die Idee. Ein Titel wie “The Infernal Kernel” bezieht sich auf Existenz in kosmischen Begriffen, in dem Fall berührt es den Gnostizismus (das Universum als Konstruktion des Bösen); auch den nicht reduzierbaren Kern dessen, was existieren ist, das unerträgliche “Sein”, das nicht exklärt werden kann, ohne in eine Tautologie zu verfallen.

Symbole, so vage sie auch sein mögen, scheinen eine große Rolle in eurem Werk zu spielen, vor allem anscheinend Bilder des Wassers, der Tiefe und des Tauchens. Auf eurer Webseite zitiert ihr sogar einen Rezensenten, der im Zusammenhang mit eurer Musik Cousteau und Lovecraft nennt. Versteht ihr eure musikalische Improvisation als eine Expedition, die “auf den Grund” geht? Wenn ja, wie ergebnisoffen ist dabei eure Suche?

Stephen: Wenn du in einem solch abstrakten Bereich wie der Musik arbeitest, vor allem in der Musik ohne Texte, suchst du automatisch nach symbolischen Grenzmarkierungen zur Orientierung deiner Abstraktionen; etwa die Frage, wie herum du dein Gemälde aufhängst! Es ist etwas von einem Spiel in unserer Musik und den Songtiteln, zwischen dem Allgemeinen und dem Speziellen; wir haben elementale Bildlichkeit zusammen mit Sprachspielen und Zungentricks, die den Gegenschuss zeigen, zusammengeführt; die spezifische Natur eines Wortspiels oder eines surrealen Kontrastes. Beim Zusammenarbeiten ist uns aufgefallen, dass es eine starke Tendenz in unseren Assoziationen gibt, das Elementare zu suchen; Wasser, hauptsächlich, und die dunkle Kompression der Erde. Wasser to Erde; das ist der Verlauf!

Wasser wurde seit jeher mit dem Unbewussten assoziiert und das Eintauchen in Bereiche unterhalb des rationalen Bewusstseins steht in Verbindung mit der individuellen Psyche. Welche Rolle spielt in dem Zusammenhang die Tatsache, dass bei euch zwei Personen an der “Taucherfahrung” teilnehmen?

Stephen: Es hat widersprüchliche Assoziationen; ich persönlich liebe es, auf Schiffen und Booten zu sein, aber als Kind hatte ich wirklich große Angst vor dem Ertrinken; es dauerte Jahre, bis ich es schaffte, eine zutiefst irrationale Angst vor Wasser zu überwinden. Es liegt darin für mich etwas sehr Beängstigendes, aber auch eine große Faszination. Panik zusammen mit Würgen, mit stockendem Atem, mit dem Gefühl zu ersticken; das waren echte Druckstellen; jetzt ist das weniger, da man diese durch das schiere Durchhaltevermögen des Lebens überwindet. Ich nehme an, der Aspekt des unter Wasser Seins, die sich auf interessante Art in die Musik schleicht, ist das Gefühl der Immersion. Unter Wasser ist es nicht wesentlich anders als im Pulsieren eines Musikstücks; sicher, wenn man Musik zu Halluzinogenen genießt, hat man eine viel taktilere Wahrnehmung davon, wie die Musik einen in ihre Wellen hineinzieht. Auch die Art, wie man unter Wasser langsamer wird, suggeriert ein verändertes Verhältnis zu Bewegung und Zeit; es dauert länger, eine einfache Bewegung zu machen, alles wird bewusster und es gibt eine Zeitverzögerung zwischen der Entscheidung, sich zu bewegen und der Bewegung selbst. Ich denke, alles, was den Fluss von Ursache und Wirkung stört oder verändert, ist interessant. Und was die Tatsache, dass wir Zwei sind, anbelangt, na ja, auf die Art kann es sicherer sein, abgesehen dann, wenn Lachgas in der Sauerstoffflasche ist oder dem seltsamen Fall von Juckpulver im Taucheranzug…

In unserer Kultur haben Begriffe wie “Regression“ oder “regressiv“ einen eher negative Begriffe und werden oft mit Schwäche und einer Unfähigkeit in Verbindung gebracht, mit den harten Fakten des Lebens klarzukommen. Bei genauerem Hinsehen kann der Fokus auf die eher archaischen Aspekte der Persönlichkeit oder des Lebens aber eine kostbare Erfahrung sein und unseren Blick auf die Wirklichkeit bereichern. Glaubt ihr, dass dies noch immer ein Bereich ist, wo unsere Gesellschaft einen Paradigmenwechsel nötig hat?

Stephen: Ich bin nicht ganz sicher, worauf du hinauswillst (oder worauf du dich beziehst)… Wenn ich deine Begriffe richtig verstehe, geht es nicht so sehr darum, dass das Regressive schlecht oder gut ist, sondern mehr auf welche Art du dich erst einmal von dem archaischen Selbst loslöst? Wie trennst du die Schnur durch? Ich würde die Vorrichtung gerne sehen, die das zustandebringt. In einer Kultur, die stillsteht, wäre meines Erachtens eine Bewegung in beide Richtungen gefährlich. Es gibt einen Unterschied zwischen Verfeinerung oder Reduktion auf das Wesentliche und Regression, die mit Flucht und einem Zurückschrecken vor der Zukunft assoziiert ist. Mit Coil hatten wir einen Songtitel, “Further Back and Faster”, den wir aus Nic Roegs und Donald Cammells Performance entliehen hatten. Ich mag diesen Titel noch immer sehr und er passt auch sehr gut zu dem UnicaZürn-Ansatz.

Sind solche Interessen für euch mit Mystizismus oder dem Okkulten im weiteren Sinne verbunden (nicht im Sinne eines romantischen Eskapismus..)?

Stephen: Ich bin den Theorien des Unerklärbaren gegenüber etwas müde geworden, aber ich bin sicher, dass es wirklich Kräfte jenseits unseres heutigen Verständnisses gibt, mit Betonung auf “heutig”.

“Jack Sorrow“ enthält Lyrics und Gesang der heutzutage leider nicht sehr aktiven Danielle Dax. Könntet ihr euch vorstellen, mehr Songorientiertes in künftigen Aufnahmen von UnicaZürn zu integrieren?

David: Bei “Jack Sorrow”  hatten wir ursprünglich eine Aufnahme von Steves sehr stark bearbeiteter Klarinette, die so klang, wie miaunde Katzen. Danielle hörte die Aufnahme eines Tages, als ich ihr einige unserer Stücke vorspielte, und sie hatte sofort eine Idee für eine Gesangslinie. Das Stück hat sich ganz natürlich entwickelt, genauso wie der Rest des Albums. Ich denke, es gibt nichts Schlimmeres, als wenn man sich hinsetzt und sagt: “OK, lass uns einen Song schreiben.” und wegen der Art und Weise, wie es sich natürlich entwickelt hatte, passte es perfekt als Koda auf das Album anstatt, dass so zu klingen, als wäre es angehängt worden – was eine Gefahr sein kann, wenn es das einzige Stück mit Gesang auf einem ansonsten komplett instrumentalen Album ist. Bei UnicaZürn wollen wir keine Regeln festlegen, insofern sehe ich keinen Grund, warum wir nicht mehr Gesangs- oder Rhythmus basierte Strukturen einfügen sollten. Wir haben definitiv schon mit ihnen experimentiert.

Habt ihr, abgesehen davon, schon Pläne, wie euer nächstes Release klingen soll?

David: ‘Temporal Bends’ war das Ergebnis einer langen Experimentierphase und wir haben seitdem viel gemacht. Wir haben wahrscheinlich genug Material zusammen, um ein Dreifachalbum zu veröffentlichen, aber wir sind immer noch dabei es auf eins runterzubrechen – was hoffentlich dieses Jahr zu Ende gebracht werden wird. David J Smith hat auf einigen Tracks Schlagzeug/Perkussion gespielt und ich bin sehr aufgeregt, was die möglichen Richtungen, die das nächste Album einschlagen könnte, anbelangt. In meinem Kopf klingt es wie eine Mischung aus Popol Vuhs “Affenstunde”, Fausts “So Far” und Tangerine Dreams “Electronic Meditation’” – aber das ist nur meine Vorstellung! Wir wollen auch eine Aufnahme eines Auftritts veröffentlichen, als wir vergangenes Jahr in London in den Ironmongers Baths aufgetreten sind. Klänge wurden durch Unterwasserlautsprecher zu den Schwimmern übertragen. Das war der surrealste Gig, den ich je gespielt habe. Wir ihr euch vorstellen könnt, hat den Analogsynthesizern die Feuchtigkeit nicht so zugesagt – einer von ihnen ist explodiert, als wir nach Hause gekommen sind.

In den Linernotes zu “Dark Earth Distillery“ heißt es, dass die Aufnahmen von drei verschiedenen Performances stammen. Wenn man das Album hört, kann man sich darüber nur wundern, da beide Seite des Vinyls “zusammenfließen”. Könnt ihr uns etwas zum Arbeitsprozess sagen?

David: Wir hatten uns einige unserer Liveauftritte anghehört und haben uns entschieden, dass einige gut genug für eine Veröffentlichung waren. Wir beschlossen, die Liveaufnahmen genauso wie unsere im Studio improvisierten Aufnahmen zu behandeln, so wie Teo Macero und Holger Czukay jeweils Miles David und Can bearbeitet, zusammengefügt und neu komponiert haben. Das ist immer unsere Arbeitsweise im Studio, der einzige Unterschied ist, dass es diesmal Publikum gab. All das Ausgangsmaterial ist von den Auftritten, aber wir haben die Klänge bearbeitet, überblendet und haben mit den Teilen, die wir ausgewählt haben, versucht, eine neue Erzählung zu schaffen.

Wollt ihr mit dem Titel “Dark earth distillery“ ausdrücken, dass es (mit Hilfe der Kunst?) möglich ist, positive Elemente aus einer (zunehmend) dunklen Welt herauszudestillieren?

Stephen:Es ist ein Bündel von Bildern. Für mich lässt das an den Lehm, das Gedränge, das Gewicht der Materie,  die “Schwere” von all dem denken, verdichtet, komprimiert und verfeinert, und davon ein ursprünglicher ein belebendes Rauschmittel oder ein Gift, um es zu beenden. Eine “dunkle Erde” ist eine verfinsterte Erde, eine Erde in vollem Schatten, Nacht überall. Und dann sind es die Erinnerungen vom Reisen bei Nacht durch fremde Länder, Konzerte spielen, Musik aus den osteuropäischen Schatten oder der Londoner Düsternis herausziehen. Außerdem habe ich vor einiger Zeit mit dem Trinken aufgehört und gegen Ende war das ein melancholisches Unterfangen, sehr einsam, meistens mitten in der Nacht. Symbolismus mal beiseitegelassen. Ich bin mir nicht sicher, ob die Welt dunkler wird, als sie es je war. Wir haben Antibiotika für eiternde Wunden, Kopfhörerreisen statt elende Plackerei, wir können alles essen anstatt, dass alles uns isst. Ich bin nicht so naiv, was die Vergangenheit anbelangt. Ich denke, ich habe verdammtes Glück hier und jetzt geboren worden zu sein. Wenn der Preis dafür ist, die Postmoderne und 24 Stunden am Tag den Mist im Fernsehen zu ertragen, dann habe ich in der kosmischen Lotterie ziemliches Glück gehabt!

David, ich erinnere mich, dass du, als ich dich vor ein paar Jahren interviewt habe, sagtest, du würdest in ein Büro gehen, wenn du Menschen hinter Laptops sehen willst. In welchem Ausmaß betrachtest du das Zusammenspiel zwischen elektronischen und akustischen Instrumenten als wesentlich für das, was du machst?

David: Ha! Persönlich finde ich Laptop-Performances eher langweilig anzusehen als Live-Spektakel… Aber jeder wie er mag… Wenn es gut klingt, arbeite damit.

Was die Überblendung elektronischer und akustischer Instrumente angeht, denke ich, dass akustische Instrumente derart viele Obertöne haben, eine derart starke klangliche Komplexität, dass man sie nicht ignorieren kann, wenn man wirklich daran interessiert ist, auditive Muster zu kreieren und zu gestalten. Ich würde sagen, dass die Mehrheit der Klänge auf “Temporal Bends” mit verfremdeter Gitarre, Saxophon und Klarinette erzeugt wurde. Wir hatten uns außerdem bewusst bemüht, jeden Synthiesound unkenntlich zu machen und auf der anderen Seite jedes akustische Instrument synthetisch klingen zu lassen. Zu unseren favorisierten Live- Instrumenten zählt ein kleines Yamaha-Minikeyboard, das ich für einen Pfund auf dem Flohmarktgekauft hatte – wenn du es erst einmal an ein paar Pedale angeschlossen hast, klingt es schön und sehr einzigartig – man hört es fast überall auf “Dark Earth Distillery”.

(M.G. & U.S.)

UnicaZürn