Zu “Blood Comes Singing” heißt es an gleicher Stelle: “the exquisitely titled ‘Blood Comes Singing’, is a more cold blooded affair: a brooding, majestic work with rich undercurrents of unease. With its stately keyboard arrangement and what sound like, but almost certainly aren’t, keening violins, ‘Blood Comes Singing’ could almost be the soundtrack to the opening scenes of a chic Spanish horror film circa 1979″. Die Single erscheint auf 100 transparenten Lathe Cut 7″s, das Artwork basiert auf einem bislang unveröffentlichten Gemälde von Danielle Dax.

@ HL Records

Interview @ African Paper

Die beiden bauen ein reiches System aus Referenzen auf, die das Album, dessen synthbasierte, kosmische Musik, bei der späte Coil auf Tangerine Dream zu treffen scheinen, klar in einem okkult(urell)en, esoterischen Kosmos verorten. Der Projektname verweist auf die Substanz, die Medien angeblich während spiritistischer Sitzungen entsrömt, das Artwork stammt von Ethel Le Rossignol, die glaubte, sie würde Bilder aus der jenseitigen Welt „channeln“ (auch Spires That In The Sunset Rise verwendeten ein Bild von ihr für eine Veröffentlichung), der Titel verweist auf ein Buch von Ingo Swann, der sich an verschiedensten parapsychologsichen Experimenten versucht hat und auf „An Unexpected Visit“ lässt man Alex Sanders, den legendären „King of Witches“, zu Wort kommen.

Der Opener „Come! Vehicles Of Light“ beginnt mit an Glöckchen erinnernden Tönen, im Hintergrund hört man melodische Passagen, „A Goodly Companion“ (auch auf Ethel Le Rossignol anspielend) erzeugt mit seinen Synthpassagen eine durchgängig positive Grundstimmung. Auf „An Unexpected Visit“ blubbern die Synths, während Sanders mit dunkler Stimme erzählt. „A Boy Called Conjuror“ erinnert anfangs an Kirmesmusik, dann setzen plötzlich pastorale Flöten ein und man meint, Blakes „Songs Of Innocence“ würden vertont. Auf „Possessors Of The Orb“ verdichten sich die Klänge zu Drones, in die hamonische Passagen eingewoben sind. Der lange Titeltrack mit anschwellenden Drones, in denen sich immer wieder melodische Passagen und der Klang von Blasinstrumenten finden, klingt wie eine kosmische, weniger atonale Version von Coils „Constant Shallowness Leads To Evil“. Das hier entfaltete Drama lässt einen denken, hier kollidierten Sterne. „Crescent“ beendet das Album mit entrückten Klängen und Wasserrauschen.

In dem begleitenden, von Stephen Thrower verfassten Text ist die Rede von „Vibrating biosphere“, „oxygenic euphoria“ und „Lunar illuminations“ und diese willkürlich herausgegriffenen Begriffe geben eine gute Vorstellung von der Stimmung, die dieses Album durchzieht. Thrower beendet seinen Text mit der Aufforderung „Step though the mirror and see…“, etwas, dem man gerne nachkommt und auch wenn man nicht unbedingt “a deep awareness and respect for prior esoteric traditions ” hat, wie es das Label dem Duo attestiert, dann kann man dennoch mehr als beeindruckt von der musikalischen Umsetzung sein. (MG)

Label: House Of Mythology

Im Pressetext zum Album wird die Frage gestellt, ob es je eine bessere Zeit gegeben habe, diesen Planeten zu verlassen und sich zu den Sternen zu „verpissen“, und passenderwiese heißt das erste Stück „For The Dark Planets“. Dennoch klingt der Track von der Stimmung gar nicht so (ver)dunkel(t), wie es der Titel denken lassen mag. Man hört ein bearbeitetes Blasinstrument inmitten dronig-flächiger Passagen. Das Stück ist, wie auch der größte Teil des restlichen Albums, fortwährend in Bewegung und entwickelt eine ziemliche Dynamik. Auf „Into Burning Labyrinths (Fuse-Fire-Seed)“ hört man flirrende Sounds und Perkussion. Sucht man Vergleiche außerhalb des UnicaZürn-Kosmos könnte man vielleicht Coils „Tiny Golden Books“ als Referenzpunkt nennen. “Stems of The Shadowmind” ist für mich ein erster Höhepunkt: erneut nimmt man diese Dynamik, diese Bewegung innerhalb des Tracks wahr und dann setzt nach einer Weile Throwers Saxophonspiel ein. Vielleicht ist das Jazz für die Blade Runner-Bar. Auf „A Gulp Of Moss A Breath of Stone“ fluktuiert, oszilliert die Elektonik. Gegen Ende erklingen verfremdete, seltsame Stimmen. Der Bonustrack „Frozen Scars and Laudanum“ fällt etwas ruhiger aus als die anderen vier Tracks, die Bewegung wird zurückgenommen und das Stück hat durchaus Soundtrackqualitäten: in der Ferne flirrende Hochtöne, Pulsieren, ein Blasinstrument lässt sich erahnen.

Vor einiger Zeit sagte Thrower in einem Interview bezogen auf die Musik UnicaZürns: „We’re fond of long-form pieces, extended trips, and I see what we do as having strong psychedelic qualities, with underlying tension and a sense of the uncanny.” Das ist eine durchaus angemessene Beschreibung dessen, was man auf „Sensudistricto“ hören kann, denn „trip“ kann immer (auch) zweierlei meinen: Die (durch psychotrope Substanzen verursachte) Reinigung der „Pforten der Wahrnehmung“ (Huxley via Blake) und die daraus resultierenden Bewusstseinsverschiebungen (worauf der letzte Titel mit seinem Verweis auf flüssiges Opium hinweisen mag) und eine Reise im eigentlichen Sinne, die diese narrativen, ausufernden, psychedelischen Tracks durchaus evozieren können. (MG)

Label: Touch

Man setzt sich immer dem Vorwurf einer gewissen Oberflächlichkeit aus, wenn man heute noch eine Musik schlicht als Drone klassifiziert – rein formal ist es aber das, was Téléplasmiste auf ihrer zweiten LP machen, mit halbmodularen Synthies und diversen Holzblasinstrumenten, deren Beitrag recht kunstvoll in die elektronischen Texturen eingewebt ist, hier und da aber auch mal wie das Heulen einer Alarmsirene an die Oberfläche dringt. In den meisten Abschnitten wird von Klangmaterial her ein gewisser Minimalismus gewahrt. Dass man diesen nicht immer als solchen wahrnimmt, dankt sich u.a. der atmosphärischen und emotionalen Intensität, die beispielsweise „Gravity is the Enemy“ mit seiner angedeuteten Rhythmik zu einem hart erkämpften Triumph über die Schwerkraft werden lässt.

Es gibt einige erhabene Momente auf „Frequency Is The New Ecstasy“, von der schleppenden Schwere in „Astodaan“ über die verspielten Computersounds im schon vom letzten Album her bekannten „Fall of the Yak Man“ bis zur langen kosmischen Schwebefahrt in „Radioclast“. Meines Erachtens offenbart das Duo seine größten Stärken im relativ zentralen „Mind at large“, bei dem mit ganz kleinen Mittel – schnelle, leicht abgehoben wirkende Vibratos, die in gewissen Abständen zu kleinen Pulsationen gerinnen – eine ungemein faszinierende Wirkung erreicht wird. Erste Voraussetzung, um die magische Wirkung dieser Kompositionen zumindest zu erahnen, ist eine erwartungsvolle, konzentrierte Aufmerksamkeit, andernfalls könnte die Musik in ihrer angenehmen Eingängigkeit auch zu bekömmlich duftendem Raumspray verkommen – es würde funktionieren, aber selten wären derart kostbare Perlen vor der grunzenden Rotte verschüttet worden. (U.S.)

Label: House of Mythology

Das zwischen 2011 und 2015 entstandene Album wurde von David Smith, David Knight und Michael York aufgenommen. Knight hat zusammen mit Karl Blake als Shock Headed Peters eine völlig eigenwillige Form von Rockmusik eingespielt, unter dem Namen Arkkon orginellen Dark Ambient aufgenommen und als Teil des Amal Gamal Ensembles Improvisationstalent bewiesen. York dürfte den Lesern dieser Publikation vor allem als Musiker bei Coil bekannt sein. Als The Other Without hat er gerade ein Album mit „rural psychedelica“ veröffentlicht. Der Perkussionist Smith hat seit Mitte der 90er Jahre bei Guapo konventionelle Formen von Rock immer wieder aufgebrochen und hat allzu enge Gattungsgrenzen überschritten.

Die drei langen Tracks auf „Remoteness of Light“ sind beeindruckend: „Agents of Altitude“ beginnt mit spärlicher Perkussion, einer Flöte, Glocken, Drones und flüsternden Stimmen, ganz so, als wolle man erst einmal zusammenfinden, bevor dann im weiteren Verlauf das Stück immer dichter wird, das Blasinstrument sich fast dem Drone annähert. Man hört eine fortwährende kaum zu bändigende Unruhe unter der Oberfläche in dem Zusammenspiel von Perkussion und Bläsern. „World of Amphibia“ erinnert durch den Einsatz von Michael Yorks Duduk etwas an Coils „Remote Viewer“, hier aber getrieben von Perkussion und einem fast an Jazz erinnernden Abschluss. Das das Album beendende Titelstück enthält asiatisch anmutende Tonfolgen, die Kombination von Zungenpfeife, E-Gitarre und Perkussion erzeugt einen wahren Mahlstrom.

„Remoteness of Light“ ist ein Album, das durchgehend zeigt, wie das Zusammenspiel von elektronischen und akustischen Instrumenten funktionieren kann und dass Improvisation nichts mit Beliebigkeit zu tun haben muss. Das ist halluzinatorische und psychedelische Musik und diese eigentlich völlig inflationär gebrauchten und (daher) verbrauchten Wörter beschreiben das, was man auf diesem Album hört, letztlich sehr gut. The Stargazer’s Assistant spielen in einem Universum, in dem man sicherlich auch Cyclobe (bei denen sowohl Smith als auch York schon mitgewirkt haben) verorten kann. (MG)

Label: House of Mythology

Wenige Künstler verkörpern diese Vielfalt so stark wie der Engländer Cliff Stapleton, der – vom Folk ebenso wie vom Theater kommend – seinen Weg bis in die experimentellen Bereiche dunkler Electronica fand. Unter anderem spielte er auf der Bühne und im Studio mit Acts wie Coil, Thighpaulsandra und Cyclobe, hierzulande wusste man bislang jedoch nicht viel mehr über ihn, als dass er nicht mit Steven Stapleton verwandt ist. Auf „The Tumbling of Creatures. Music for the Hurdy-Gurdy“ sind eine solide Auswahl an Stücken zusammengestellt, die Stapleton im Laufe der letzten rund zwanzig Jahre in unterschiedlichen Konstellationen – mit Bands, in temporären Kollaborationen und in einem Fall solo – aufgenommen hat.

Einen Hauptteil bilden Aufnahmen mit Bands, die man verschiedenen Formen des Folk zurechnen kann, viele davon präsentieren eine sehr tanzbare Variante, die wie das trancehafte „Kicksy Wicksy“ von Angles einen leicht renaissancehaften Einschlag haben. Wesentlich uriger „Huckle-Duckle“ von Primæval, das Einflüsse bretonischer Musik enthält. Die beiden Stücke von The Drones und die (zum Teil recht schunkeligen) Beiträge von Blowzabella und The Duelists verknüpfen dies mit einem unterschwelligen Dronesound, der sich recht selbstverständlich aus dem Klang der Bordonseiten der Drehleier selbst ergibt.

Die zweite Hälfte der Sammlung ist Stapletons experimentelleren Unternehmungen gewidmet, wobei die Bandbreite hier graduell sehr unterschiedliche Formen des Innovativen und Improvisierten umfasst. Da wäre zum einen das fantastisch traumverlorene „The Labyrinth“ mit Bron Bradshaw, der ihn an einer Bouzouki, eventuell in irischer Variante, begleitet und eine Melodie entstehen lässt, die man so schnell nicht aus dem Kopf bekommt. Zum anderen aber auch so derangiertes wie das Improv-Trio mit Sylvia Hallett und Clive Bell. Ebenfalls in diesen bereich zählt sein einminütiger Solotrack „Scent“, der auf einem vordergründig recht eindimensional wirkenden Drone basiert, in dessen Ritzen sich allerdings sehr viel Kleines abspielt. Für Leser unserer Seiten wahrscheinlich am ehesten bekannt sind seine Beiträge für Cyclobe und Coil. „We’ll Witness the Resurrection of Dead Butterflies (Three Moons)“ von ersteren ist wie kein weiteres Stück der „Wounded Galaxies…“ von Stapletons Hurdy-Gurdy geprägt – zurecht beschrieb unser Rezensent es als „unglaublich (ver)dichte(te)s Stück“ und zog Vergleiche zu Coils (im Vergleich subtil verstörenderem) „The Remote Viewer“-Album, von dessen ersten Abschnitt hier ein repräsentativer Auszug enthalten ist.

Am Ende der guten Stunde Musik bleibt v.a. der Eindruck einer großen Wandlungsfähigkeit, die sich nicht einmal unbedingt einer großen Bandbreite an Spielweisen verdankt, sondern Stapletons Kunst, mit seinem Repertoire an verschiedenste Gegebenheiten ganz selbstverständlich andocken zu können. Durch den markanten (und für ungeübte Ohren immer leicht exotischen) Klang des Instruments hat er all diesen Projekten einen ungewöhnlichen Beiklang gegeben, die gerade bei den von Alter Musik sehr weit entfernten elektronischen Bands besonders ins Gewicht fällt. (U.S.)

Label: Woodbird

“Bringing together, for the first time, the music photography of Ruth Bayer, who has documented key players in the English musical post-punk underground since the mid 1980s.

With unprecedented access and intimacy, Ruth has photographed luminaries and legends including Marc Almond, Little Annie, John Balance, Peter Christopherson, Shirley Collins, Cyclobe, Baby Dee, Steven Stapleton, David Tibet, Tony (TS) McPhee, Norbert Kox, Tiny Tim, and many others, in a career spanning three decades.

This is a unique collection, featuring over one hundred timeless and iconic images of some of the most influential, eccentric and sometimes controversial musicians of their times.

Ruth Bayer is an Austrian photographer, based in London, whose work has been exhibited at galleries all over the world. Her photographs have appeared in numerous music and style magazines over the past two decades and most recently in the book ‘The Play Goes On: The Rituals of the Rainbow Bridge by Zachary Cox and Jean M Williams’.”

Strange Attractor Press

Auch auf den hier enthaltenen drei recht ausladenden Tracks finden sich die zentralen Eigenschaften des Duos, allem voran die spontane Unberechenbarkeit der Soundnarrative und die feine Gestaltung der Tableaus. Das halbstündige „Extract From Eternal Conumbra“, das die erste Seite ausfüllt, beginnt sehr leise und hintergründig, steigert sich zunächst sehr zaghaft, und man muss schon genauer hinhören, um der warmdunklen Klangfarben und der vielen im sanften Brummen versteckten Soundpartikel gewahr zu werden. Erst mit der Zeit kommt etwas mehr Bewegung hinein, immer mehr Schichten entfalten sich und lassen verschiedene Kreisbewegungen entstehen, die in subtilen Widerstreit zueinander treten. Schwer zu sagen, ob diese kleinen Disharmonien das angenehm tremolierende Gleiten unterschwellig sabotieren oder eher in Schwung halten, aber letztlich reicht es völlig aus, die Stimmigkeit des Stückes zu erahnen, das ja nur ein Auszug von etwas Ewigem ist – ein Motiv, das übrigens des öfteren bei UnicaZürn vorkommt.

Sich stetig wiederholende Stimmfetzen in undefinierbarer Verfremdung prägen das die zweite Seite eröffnende „Heliomantra“, doch dem Titel vielleicht ganz gut entsprechend nimmt man diese irgendwann kaum noch wahr, lässt sie versinken in einem Klangfluss, aus dem einen keine markanten Brüche aufscheuchen, und der doch stets im Wandel begriffen ist. Das etwas kürzere „Phosphor AKS“ mutet noch traumwandlerischer („surrealer“) an, dunkle Celloparts und klirrendes, das von einem elektrischen Piano stammen könnte, lassen ein Spannungsgefüge ins Idyll eindringen, das erst im opulenten Höhepunkt kurz vor dem Ende aufgelöst wird – genau darin unterschiedet sich der finale Track auch von den anderen, die so exzerpthaft anmuten, dass sie endlos weitergehen könnte.

Insgesamt eine Veröffentlichung mit einer Menge an halbversteckten Subtexten, die definitiv mit mehrmaligem Hören dazugewinnt, die Lust am aufmerksamen Hören natürlich vorausgesetzt. Zusammen mit dem Artwork – einem der eher seltenen lebenszeichen von Danielle Dax! – sollte das ein guter Anreiz sein, sich das Tape zu besorgen. (U.S.)

Label: The Tape Worm

Es ist daher umso erfreulicher, dass viele aus dem Umfeld der Band spannende und originelle Werke ablieferten. Cyclobe agieren sowieso seit Jahren in einem künstlerischen Kosmos für sich, Thighpaulsandra veröffentlichte nach langen Jahren des Schweigens als Solokünstler kürzlich ein Grenzen wie Genre sprengendes Doppelalbum, Drew McDowall hat als Compound Eye zusammen mit Tres Warren großartige Droneplatten aufgenommen und tritt nun also (endlich) als Solokünstler in Erscheinung. Auf „Musick to Play in the Dark“ hatte McDowall Coil “very deeply tweaked granular synthesis material” gegeben, und wer die Arbeit des schon lange in New York ansässigen Schotten verfolgt hat, der weiß, was McDowall den Synthesizern für Geräusche entlocken kann. “Collapse” beginnt mit dem zwanzigminütigen Dreiteiler „The Chimeric Mesh Withdraws (Parts 1-3)“, einem Monster aus langsam dröhnenden Synthesizern, aus Klappern, Knistern und in der Ferne (ver)hallenden Analogsounds. Das ist dystopische Musik jenseits billiger Schockeffekte, die eine Menschenleere beschwört, ein „verwitternde[s] Ruinenfeld“ (U. Horstann). Wie dann aber nach einigen Minuten plötzlich melodische Momente und Texturen auftauchen und dem Stück eine andere Stimmung und Dynamik geben, ist schon beeindruckend. Vielleicht eines der besten Stücke Geräuschmusik, die dieses Jahr veröffentlicht worden sind. „Hypnotic Congress“ klingt metallischer, lässt so etwas wie Rhythmus und merkwürdige Stimmfragmente erahnen. Auf „Through is Out“ schallt eine einsame Violine durch eine karg instrumentierte Trauerlandschaft, fast meint man, einen Choral zu hören. Dieses Stück zeigt, wie Akustik und Elektronik etwas erschaffen können, das mehr als die Summe seiner Teile ist. Auf „Convulse“ wird das Sprachsample „I convulsed“ wieder und wieder wiederholt. Im Kontext des Albums ist dieses verhalten rhythmische Stück vielleicht die Nummer für den Club. Beendet wird die zweite Seite des Vinyls von „Each Surface of Night“, einem dunkel dröhnenden Stück. Der hier musikalisch umgesetzte Zusammenbruch lässt wenig Gutes erahnen, aber mit McDowall hat man zumindest einen versierten Chronisten des Untergangs gefunden.  (M.G.)

Label: Dais Records