For Cellophane Memories, the two have traveled through different portals. Fittingly, many of the songs are set in fairytale forests, mountain peaks, swimming holes, crepus-cular highways and darkened bedrooms. These are the abodes of both loneliness and romance, the sorts of sublime landscapes where people often travel alone in search of a wayward lover. But they are also shapeless atmospheres—of color, weather and breath: blue and white skies, red roses, darkening thunderheads, swirling winds and summer perfumes, which quickly immerse the traveler in the supernatural sensations of other worlds.

Time is a mercurial creature in Chrystabell and David’s songs. The characters are little more than oblique sketches of time’s quotidian melodramas: people arrive and depart as strangers, strangers fall into despair and love, lovers part at the crossroads and re-unite in a dream. In this quantum matinee of everyday life, each character is both a star and a background extra. Elisions in time reappear over and over within Chrystabell’s vocals, which emerge and dissolve and loop back in layers of harmony and history. They are mantled by David’s, and late composer Angelo Badalamenti’s, orchestra of waldeinsamkeit-inspired strings, oneiric guitar glissandi and clouds of reverb, whose melodies are like the sensation of time pausing for a first kiss.

As with much of Chrystabell and David’s work from the past, Cellophane Memories returns us to a central question: what is a mystery? Alas, the riddle remains unanswered. But all mystery contains slivers of those conceits and feelings described above: the departing and the coming-back, the landscape, atmosphere and breath, the topsy turvy mechanisms of time, memories of the bygone, a distant light radiating from darkness, music within silence, love.“

Das Video zu “Sublime Eternal Love” lässt dann mit seinem flackernden Licht und der in Semidunkelheit singenden Chystabell Erinnerungen an Lynchs Arbeit mit Julee Cruise denken.

@ Sacred Bones Records

Hörer der erstgenannten Gruppe rezipieren die Musik dann, ein entsprechendes Interesse und eine besondere Aufmerksamkeit vorausgesetzt, wie zwei übereinander gelegte Negativfilme, bei denen sich Werk und Hintergrund immer gegenseitig ergänzen und erklären, und am Ende scheint in der Musik immer noch eine weitere Bedeutungsdimension durch. Im besten Fall funktioniert einer derart referentielle Musik immer auch dann, wenn man von all diesen Hintergründen nichts weiß oder versteht.

“The Water of Life”, mit dessen Produktion Mkl Anderson alias Drekka bereits 2015 als Auftragsarbeit für ein unvollendetes Gemeinschaftsprojekt begonnen hatte, befasst sich mit dem insgesamt 12 Romanbände umfassenden Dune-Zyklus von Frank Herbert, bei dem es – in sehr verkürzter Zusammenfassung des vielschichtigen epischen Stoffes – um die Jahrtausende lange Geschichte des Wüstenplaneten Arrakis, um seine Urbarmachung für eine lebenswichtige und zivilisationserhaltende Gewürzproduktion und um den ständiger Kampf der den Planeten bewohnende Fremenkultur gegen eine neue Wüstenbildung und die für diese verantwortlichen Sandwürmer geht.

Der nun Jahre später fertiggestellte Longplayer schenkt dem Stoff bei entsprechender Kenntnis (der Rezensent kennt die beiden ersten Teile des Zyklus plus eine Verfilmung) einen interessanten musikalischen Kommentar und funktioniert gleichzeitig auch als eigenständige Arbeit. So bedächtig das eröffnende “Stasis and Staric” mit seinem brummemden Fundament und den fast lieblichen Glöckchen auch startet, schon nach kurzer Zeit erweisen sich die ambienten Landschaften als von endzeitlichen Stürmen durchtostes Chaos. Das Bimmeln der Glocken ist in diesem Stück vielleicht das bemerkenswerteste überhaupt, denn es bleibt seinem Klang und seinem Tempo auf stoische Art treu, selbst wenn das stürmische Rauschen immer elektrifizierter wird und irgendwann geradezu lärmende Dimensionen annimmt.

Das folgende “Navigation” ist nur sehr kurz, nimmt das Rauschen mit und gestaltet es um in ein prasselndes Inferno, aus dem man raue Gitarren und trötende Blasinstrumente herauszuhören meint, bevor es irgendwann in einem merkwürdigen Idyll mit zwitschernden Vögeln ankommt. Daraufhin beginnt der Titeltrack, den man auch als Herzstück des Albums betrachten kann: Trotz einer hypnotischen Dröhnschicht ist dieser Track wesentlich luftiger und weniger dicht als die anderen, schleppt sogar noch einen kleinen Rest des Vögelidylls mit sich und lässt neben undefinierbarem mechanischen Hantieren auch wieder Glocken und andere Instrumente anklingen. Irgendwann erregen allerdings heftige verhallte Detonationen die Aufmerksamkeit des Gehörsinns. Becken zischen aufgeregt, und ehe man es recht merkt, gipfelt das Stück in ein eskalierendes Noise-Freakout, das alle Details in einen heftigen Strudel reißt. Im abschließenden “Prophecy and Prescience” erklingt ein liturgisches Gesangs-Loop, das dem ganzen eine sakrale Dimension gibt, doch das letzte Wort haben hoffnungsvoll verspielte Kinder.

Mit oder ohne dieser versöhnlich klingenden Schlussgebung hat Drekka hier unter dem Eindruck und Einfluss eines epischen Stoffes selbst ein kleines Klangkunstepos geschaffen und vielleicht mehr als in vielen früheren Veröffentlichungen eine beeindruckende Kunst des Geschichtenerzählens demonstriert. (U.S.)

Label: Orb Tapes

Julee Cruise hatte erstmalig mit Lynch und Badalamenti auf dem Soundtrack zu „Blue Velvet“ gearbeitet. Als David Lynch damals This Mortal Coils Interpretation des Tim Buckley-Songs „Song to the Siren“ hörte, wollte er das Stück für den Soundtrack haben, allerdings waren 4ADs Ivo Russells finanzielle Forderungen zu hoch und so entstand das von Lynch getextete, von Badalamenti komponierte und von Cruise gesungene „Mysteries Of Love“ (das später von Anohni gecovert werden sollte). Das Stück findet sich auf “Floating Into The Night” ebenso wie “Falling”, “The Nightingale” und  “Into The Night”, die auf dem “Twin  Peaks”-Soundtrack zu hören waren.

“Floating Into The Night” erscheint in verschiedenen Vinylversionen.

“The album is widely regarded as a masterpiece, a definitive moment in the development of the Dream Pop genre, and the unofficial soundtrack to the cult classic television show Twin Peaks. And while the album’s best known song may be the show’s iconic theme song ”Falling,” it also contains many of Cruise’s most beloved hits including “Rockin’ Back Inside My Heart” and “The Nightingale.”

“The earth rotates, seasons change…there is but one long day… Time is a beguiling, indistinct entity…sometimes standing still, sometimes bending back upon itself in premonitory memories of the future. Growing out of a musical pen-pal style correspondence that took place over the course of a year, separated by the Atlantic Ocean, Gloria de Oliveira and Dean Hurley passed thoughts and music back and forth that would eventually form their collaborative album Oceans of Time…all without ever meeting or speaking. The result is a sonic tapestry of that exchange: woven from conceptual threads of the celestial within, mortality and the realm beyond the stars. The duo’s partnership is an effortless merge, with the steady presence of de Oliveira’s vocals endowing the record with its sense of potency. Throughout the album, there is an innate understanding of how a lyric across a chordal color can sharpen an emotional truth. Much like a sunbeam that pierces a spiderweb to reveal its intricacy, her lyric and melody are purposely aimed in order to illuminate the truths deep within one’s self…a process that ties us all to the universal. The Danish philosopher Søren Kierkegaard, a professed influence, wrote about concepts of truth and faith in a way that illuminate the hidden depths of the soul amidst an individual’s earthly trials of experience. Much of this feeds into the album and threads its quilt of themes.” (Sacred Bones)

@ Sacred Bones

Interview mit Gloria de Oliveira @ African Paper

“Combining her love of all things Twin Peaks with her emotive guitar playing, attention to detail and cinematic instincts, Noveller delivers something truly delicate and haunting and precious with her cover of Angelo Badalamenti’s theme song for the show. Continuing their string of video collaborations, Sarah Lipstate draws the somber notes out in front of director George Griffith’s watchful camera. Griffith’s name should awaken Twin Peaks fans, as the actor/director memorably portrayed the devilish right hand man Ray Monroe in Twin Peaks: The Return. The pair traveled to Washington, visiting landmarks from the show and filming in the recreated Black Lodge of superfan Jason Mattson.

Mattson sourced and built everything for the room on his own, and did so with such perfection that the Showtime production actually used his chair for filming. Lipstate settles into the exact same spot that Kyle MacLachlan couldn’t seem to leave as Agent Dale Cooper. The video, with a surprise ending, is a clear love letter to the program, yet Lipstate’s magnetic presence takes center stage. Her instrumental version, working from the guitar arrangement by Arrigo Martelli, finds emotional depth and a tentative apprehension that even the original could only hint at.”

The Flame of Love @ Sacred Bones

Die bisher ausgestrahlten 14 Episoden machen allerdings mehr als deutlich, dass Lynch und Frost diesen Fehler nicht gemacht haben, sondert bewusst Erwartungen und Wünsche unterlaufen und in einer ziemlichen Konsequenz ihrer eigenen Ästhetik und Narrationsgeschwindigkeit folgen. Inmitten des „hyperfragmentierten Durcheinanders“ der gegenwärtigen Fernsehlandschaft ist die dritte Staffel von “Twin Peaks” eine inhaltlich-ästhetische Meisterleistung, auch wenn eine Reihe von Reaktionen enttäuschter Fans den Eindruck vermitteln, dass sich einige stattdessen lieber eine Selbstvergewisserung der eigenen Jugend gewünscht hätten, die man in eine Reihe stellen kann mit dem Besuch der nächsten 80er-Party, auf der die größten Hits gespielt werden. Viele von denjenigen haben wahrscheinlich schon damals nichts mit „Fire Walk With Me“ anfangen können, geschweige denn mit dem Lynch-Oeuvre der letzten Jahre.

In Lynchs Werk haben Ton wie Musik immer eine zentrale Rolle gespielt: Man denke an den Protoindustrialsoundtrack seines Langdebüts „Eraserhead“ oder seine Begeisterung für This Mortal Coils „Song of the Siren“, das er ursprünglich für „Blue Velvet“ verwenden wollte. Und auch in der neuen Staffel, in der bisher fast jede Folge mit dem Auftritt eines Künstlers in der Bang Bang Bar (dem ehemaligen Roadhouse) endet, ist das nicht anders. Lynch selbst hat die Wichtigkeit des Sounds herausgestellt und all denen eine Absage erteilt, die meinen, man könne auf seinen Smartphones auch nur ansatzweise das audiovisuelle Erlebnis angemessen reproduzieren.

Dean Hurley, mit dem Lynch seit Jahren zusammenarbeitet, hat jetzt vor Veröffentlichung der offiziellen Soundtrackalben (dem Score von Angelo Badalamenti sowie den eigentlichen Songs) eine Sammlung von Soundschnipseln zusammengestellt. Hört man die Stücke abseits der Integration in die Bilder, hat man ein prinzipiell gutes, variantenreiches (Dark)Ambient-Album: Da gibt es das von Wind untermalte Dröhnen auf „Intro Cymbal Wind“ und melodische dunkle Drones auf „Night Electricity Theme“. Das Dröhnen und Schaben auf „Electricity I“ und „Electricity II“ verstört auch ohne die dazugehörigen „Got A Light?“-Bilder. „Tube Wind Dream“ wird von einer traurigen Melodie durchzogen. Tiefe Bassdrones ertönen bei “Tone / Slow Speed Prison / Low Mood”. „Slow One Chord Blues (Interior)“ klingt, als höre man eine Band in einem Nebenraum spielen, während auf „Angel Choir Reveal“ dem Titel angemessen ein sphärischer Choral zu hören ist. Stimmungsmäßig ähnlich ist das von Streicherdrones dominierte „Seven Heaven“. Die 18 Vignetten lassen manchmal an Lustmord oder auch Thomas Köner denken. Ob man das jetzt als kohärentes Album verstehen soll, sei einmal dahingestellt, mehr als etwas, in das man nach Belieben rein- oder raushört, ist es allemal. (MG)

Label: Sacred Bones Records

Es ist eine Welt der provinziellen Klein- und Vorstädte, die David Lynch in „Blue Velvet“ und eben „Twin Peaks“ oder auch Stephen King in seinen Romanen porträtierte, in denen der Mythos Rock’n'Roll ein melancholisches Nachleben führt, und in der sich ein nostalgisch angestaubter Soundtrack wie ein Film über die Tankstellen und Highschools, über die Diners und Football Yards ausbreitet. Teil der Musikauswahl ist entschleunigter Rockabilly- und Surfsound, aber aber neuere Perlen der Wehmut, von Lana del Rey etwa, und natürlich von Julee Cruise und King Dude.

Beide stammen aus dem Nordwesten der USA, aber der Kontakt kam vermutlich eher dadurch zustande, dass TJ Cowgill die Musik der Sängerin schon seit Jahren liebt und schon immer von einer Kollaboration träumte. Genau genommen ist die Single eine Mischung aus Split und Kollaboration, denn während King Dude einen (seinerzeit noch von Angelo Badalamenti verfassten) Song von Julees „Floating into the Night“-Album mit seiner Band neu interpretierte, singt sie ein Stück, das er extra für sie geschrieben hat.

Verwoben sind die beiden Tracks auch inhaltlich, können als Dialog betrachtet werden, als das typisch reizvolle Anziehen und Abstoßen zwischen einer reservierten Prinzessin und einem verwegenen Bad Guy. Während sie sich ziert – „don’t fall in love with a rock’n'roller, he only breaks your heart“ – lässt dieser sich nicht beirren und hält auf der zweiten Seite mit viel Schmalz in der Reibeisenstimme dagegen. Mit viel Hall und einer relaxten Folkklampfe werden im Downtempo alle Register gezogen, und einmal mehr muss man den Hut ziehen vor so viel gelungener Klischees. (U.S.)

Label: Not Just Religious Music

Wie die meisten Doom Jazzer kommt Adriano Vincenti, die treibende Kraft der Band, nicht vom Jazz, sondern hat seine Wurzeln in einer subkulturellen Musik, die ohne Punk und Industrial nicht denkbar wäre. Gerade letzteres hört man vielen Aufnahmen auch an, da sie stark von Sampling, von kollagenhafter Reisbrett-Konstruktion geprägt waren. “Black Lake Confidence” stellt eine Veränderung dar, da MMM mittlerweile zu einer Band im klassischen Sinne avanciert sind und folglich ein gewisser Livesound dominiert. Statt Post-Industrial mit Swing-Zitaten nun ein grooviger, ambienter Cooljazz mit sorgsam dosierten Noiseeffekten. Trotz allem hat auch das sechste Album der Band einen stark hörspielhaften Zug, wohingegen Songs im eigentlichen Sinne nur kurz anklingen, wie eine reizvolle Idee, die letztlich keiner Ausführung mehr bedarf.

Die Geschichten, die hier kollagenartig überblendet werden, drehen sich um Mordfälle, die im allgemeinen Bewusstsein längst zu modernen Mythen herangereift sind, ähnlich den Orten, an denen sie sich ereigneten. Es sind Geschichten von unterschiedlicher Irrealität: Die Ermordung eines US-Präsidenten während einer Parade in Dallas, eine der großen westlichen Politmythen, wurde primär von den Realitätsproduzenten TV und Radio verklärt, die auch hier den sprachlichen Teil via Sample bestreiten. Die fiktive Dorfschönheit Laura Palmer würde wie alle Soap-Charaktere im allgemeinen Bewusstsein längst das Eigenleben einer realen Person führen, wäre es nicht ausgerechnet ihr früher Tod gewesen, um den David Lynch seinen Twin Peaks-Stoff gebaut hatte. MMM huldigen dieser Folklore mit einem Cover von „Just You And I“, dessen Sentimentalität fast verschämt hinter den düsteren Klangwelten hervorlugt. Wilma Montesi, ein hierzulande vergessenes Model, sitzt zwischen all diesen Stühlen, denn in ihrem Mord trafen die Stränge der Alltagsrealität und der semirealen Halbwelt des Showbiz zusammen.

Die musikalische Seite könnte auch einen echten Film untermalen und ist ebenso heterogen wie der assoziativ verwobene Stoff. An vielen Stellen gebiert sie sich als leichter, in der Luft schwebender Ambient, bei dem Saxophon und trippige Beats für Lounge-Kolorit sorgen und pathetische Engelschöre das Irreale unterstreichen. Hat man sich erst richtig auf die Musik eingelassen, erscheint sie auf einmal tonnenschwer. Alles ist im Fluss, bisweilen sorgt stimmungsvolles Gitarrenpicking für regelrechtes Shoegazerfeeling, aber Vincenti lässt es dabei nicht bewenden. Passagen, die nach echter Jazzkapelle klingen, unterbrechen das Idyll, abgelöst von Lala-50s, von monotonen Rhythmen, von rührseligen Klavierpassagen, von hartem, fast noisigem Saxophon u.s.w.

Man ahnt es schon, Längen weisen die gut vierzig Minuten von „Black Lake Confidence“ kaum auf, was neben der konzeptuellen Geschlossenheit auch die größte Stärke des Albums ist.

Label: Trips und Träume

Schon Angelo Badalamenti, einer der Urväter des angejazzten Ambientdoom und weitgehend verantwortlich für den Score der Serie, erkannte die Kongenialität derart gedämpfter Musik und den rätselhaften Kehrseiten des Alltags und schuf mit “Audrey’s Dance” und “Dance of the Dream Man” Songs, die wahrscheinlich nirgendwo so sehr Schule gemacht haben wie bei Bohren & Der Club Of Gore, die man immer noch zurecht als den Inbegriff dieses Stils betrachtet. Kommt Gesang dazu und gewinnen die Sounds und Rhythmen an Varianz, dann denke ich oft an andere bekannte Vorläufer, die in dem Kontext allerdings selten gewürdigt werden, nämlich die Swans. Jahre vor „Twin Peaks“ erschien auf deren „Children of God“-Opus ähnlich unterkühlte Barmusik, man denke nur an Jarboes Neuinterpretation von „Cry me a River“ oder an die Eigenkomposition „Blackmail“. Die Bretonen, die sich hinter dem Cooper Quartett und den Diktiergeräten verbergen, stehen, ob sie es wissen oder nicht, musikalisch eben so sehr in dieser Tradition.

Es ist sehr viel versteckt in dem kleinen Keller, der in dem kupfern dronigen “Une Petit Cellier” mit laszivem Stönen und Tenorsaxophon gleich zwei wichtige Komponenten einführt, die weiter hinten noch durch Oboen und leichte Perkussion erweitert werden. Mehr am reinen Sound orientierte Stücke wie “Sa Prodigieus” folgen, doch auch Melodisches und alle möglichen Graubereiche wie im fulminanten “Eux Exquis Acrostole”. Wie meist bei solcher Musik stellt sich kaum eine deprimierende Wirkung ein, mag der Song auch von einer unmöglichen Flucht handelt und die scheinbare Funktion des Doomjazz negieren, indem die Nacht als zu hell besungen wird, um sich darin zu verstecken. „American freedom ain’t worth a dime” lautet das Fazit der gehauchten Lyrics. Und trotz allem ist die Grundstimmung eher entspannt, was mit daran liegen mag, dass das Saxophonspiel, mit Jazzvokabeln gesprochen, doch eher smooth als cool ist, nur eben ungewöhnlich langsam und von allerlei befremdenden Klängen umgeben.

Ein weicher Jazzbesenloop eröffnet “Ma Insaisissable Abri”. Man könnte es als perfekte Dekonstruktion des Barjazz bezeichnen, und als ebenso perfekt für einen absurden Film Noir. Doch anstatt, wie es derzeit Mode ist, ein Stück Tradition in Form einer glatten Kopie zu idealisieren, wird hier all das Schräge an die Oberfläche gebracht, das auch bei avantgardistischen Errungenschaften oft in den Ritzen der Struktur versteckt bleibt (Coil gelang dies auf „Black Antlers“ einmal ähnlich im Bezug auf elektronischen Pop). Ein Beispiel ist hier der elegante Mezzosopran, der zu einem verzweifelten Quieken wird und dennoch seine Schönheit bewahrt.

So geht es dann auch bei den restlichen Songs weiter, die alle so vielgestaltig sind, dass man sie der Reihe nach hervorheben könnte: Doomige Soundwolken, leise Etüden auf dem Klavier, mehrstimmiger Gesang. Dann verrauschte Snares, unheilvolle Radioansagen und kurz eingespielte E-Gitarren, die alles zersägen. All das schafft eine zum Teil kaputte und doch stets faszinierende Parallelwelt. Dass die Unsensiblen es als Chillout abtun und die Weicheier als Deprimusik ist eigentlich nur noch mit William Blakes Höllenspruch über den Vorwurf des Narren zu beantworten. (U.S.)

Label: Denovali Records