House of Mythology @ African Paper

Schon die Ästhetik macht deutlich, dass die Stimmung eine andere ist: Pazuzu(s) als Springteufel vor pinkem Hintergrund und die Darstellung der drei Beteiligten als Cartoonfiguren. Das spiegelt sich auch in der komplett elektronischen Musik wider. Wie soll man das nennen, was man auf den sieben Tracks hören kann? Retrofuturismus? Progressive auf einem C64 komponiert? Auf dem Opener „Trapezoid Haunting“ hört man Tibets elektronisch verfremdete Stimme, die aus  Ištars Gang in die Unterwelt vorträgt (der akkadischen Version der sumerischen Göttin Innana). Dazu erklingen repetetive Synthpassagen, Arpeggios und auch die folgenden sechs Tracks sind ähnlich ausgerichtet. „Natron Skipping Rope“ lässt an Jahrmarktsmusik denken, man hört Lasershots. Auf „Xanthosis Sabbat Clock“ kann man inmitten des Akkadischen englische Wörter erahnen (“quicksilver”, “Mercury”).  „Salamander Candy“ wird zwischendurch von seltsamen Schreien durchzogen. Bei aller Verspieltheit haftet manchen der Tracks allerdings durchaus ein Moment des Unheimlichen an, was auch, aber nicht alleinig, an der durch die Bearbeitung so nichtmenschlich klingenden Stimme liegen mag.

Sucht man im umfangreichen Werk Tibets nach (muikalischen) Referenzen, so kommt einem vielleicht noch am ehesten entfernt der „Love Dance Of The Nodding Folk“ in den Sinn, aber letztlich wird auf “Play Wooden Child” eine ganz eigene Welt entworfen. Tibets Arbeiten waren/sind häufig geprägt von einem Kontrast(ieren) von Erhabenem und Profanem: Zum 5-Uhr-Tee erscheint Pazuzu an der Tür. Der Gegensatz zwischen der ausgestorbenem akkadischen Sprache, von der auch Linguisten nicht genau sagen können, wie sie ausgesprochen wurde, und der pinken Ästhetik und der Musik könnte wahrscheinlich nicht größer sein. In einem anlässlich der Veröffentlichung gemachten Interview fasst es Andrew Liles vielleicht auch ganz gut zusammen: “For me Akkadian just sounds great, otherworldly, something Christopher Lee would recite at some nefarious ritual in a Hammer movie. High camp or high art – it’s all interchangeable for me.”

Wer das Album direkt beim Label bestellt hat, bekommt eine Zwei-Track-CD, auf der neben der Albumversion von “Calcination Totem Station” noch ein Remix des Tracks namens “In A Foreign LandScape” zu finden ist. Diese etwas dunklere Version wurde für den Soundtrack von “In A Foreign Town” komponiert, einem 11-minütigen Kurzfilm, der eventuell zu einer auf Kurzgeschichten Thomas Ligottis basierenden Anthologieserie ausgeweitet wird.

(MG)

Label: House Of Mythology

ZU, die auf anderen ihrer zahlreichen Veröffentlichungen durchaus brachial klingen können, spielen dazu eine originelle Form von Kammermusik und die behutsame Instrumentierung lässt passagenweise an die Current 93 der 90er denken. Der Opener „The Coming Of The Mirror Emperor“ mit seinem Zusammenspiel von fingerpepickter Gitarre und Cello lässt sofort Erinnerungen an die Cashmore-Phase aufkommen. „Confirm The Mirror Emeror“ist mit seinen Bassspuren karger; die Cellos klingen dissonanter und untermalen den bis an die Grenze zur Hysterie sich steigernden Gesang Tibets angemessen. Dagegen ist das von dunklen Cellopassagen durchzogene „Enters The Mirror Emperor“ ein Moment des Innehaltens. Das Zusamenspiel von Akustikgitarre und Cello auf „To The Mirror Emperor“ lässt kurz Erinnerungen an das „Black Ships Ate The Sky“-Album aufkommen. Dann setzt eine verrauschte E-Gitarre ein, bevor das Stück mit dramatischen Streicherpassagen ausklingt. Expermenteller ist „The Heart Of The Mirror Emperor“, das mit Stimmsamples beginnt, Drones setzen ein und Tibets Vortrag wird nur von einzelnen Tönen untermalt.  „(The Absence Of The Mirror Emperor)“ ist vielleicht mit dem Strumming und Tibets Gesang das zugänglichste Stück des Albums. „Before The Mirror Emperor“ ist ein fast schon pastorales Stück, während  das instrumentale „(The Mirror Emperor Is Absent)“ aus Knistern und Windgeräuschen besteht.

Tibet hat jüngst in Cathode Love einen Einblick in die Genese der vor einigen Jahren erschienenen „Birth Canal Blues“-EP gegeben: „[H]ow the words gather together in my head and heart, and how they fall onto the page“. Man hat zum Teil den Eindruck, dass die Anmerkungen, die sich dort finden – ähnlich wie bei Eliots “The Waste Land” – das Verständnis sowohl erhöhen als auch gleichzeitig eine weitere (schwer durchdringbare) Bedeutungsebene hinzufügen. An anderer Stelle habe ich einmal geschrieben, dass Tibets Texte manchmal so klingen, als habe der „späte(re) Pound sich an Blakes prophetischen Büchern versucht“ und auch “Mirror Emperor” ist voller opaker Chiffren, bei der auch die Syntax in Auflösung begriffen ist, um etwas komplett Eigen(willig)es zu (er)schaffen: „I loved you foreign above me down star/Tell me night tight do not end/Waltz passing by in the Hamburg fret/Hallu starts hallu above me confirm/The Mirror Emperor/No: till wheat tomorrow till corn dove“. Es tauchen bekannte Themen und Motive auf: „MagicK Cats“, antike Städte/Stätten („Uruk“) und natürlich findet man auch hier wieder das Zusammentreffen von Erhabenem und Profanem, etwa denn wenn am Ende von „(The Absence Of The Mirror Emperor)“ fast schon lapidar gefragt wird: „Hey, was that the apocalypse?“

Hier werden wirklich Welten erschaffen, diese „knuckle cracks into space“ (er)öffnen einen Kosmos, in dem man sich nicht immer zurechtfindet bzw. zurechtfinden kann, der aber in seiner Eigenwilligkeit und Originalität seinesgleichen sucht. (MG)

Label: House of Mythology

Das Konzert unter dem Motto “The Moons at your Door” (der Titel ist einer eher hörspielartigen EP aus dem vorletzten Jahr sowie einer von Tibet herausgegebenen Anthologie fantastischer Erzählungen entlehnt) stand im Kontext eines größeren Rahmens, zu dem auch ein Auftritt einer weiteren Band Tibets, Hypnopazūzu, am Abend zuvor in der Musikbrauerei gehörte. Hypnopazūzu besteht im Nukleus aus Tibet und Martin Glover alias Youth, dem Bassisten von Killing Joke. Unter dem Titel “Create Christ, Sailor Boy” erschien im letzten Jahr das Debüt der beiden bei House of Mythology. Der eher elektronische und in Ansätzen orchestrale Sound der Platte, der gelegentlich mit “Island”, der Kollaboration zwischen Current 93 und Hilmar Örn Hilmarsson verglichen wurde, und Tibets Gesang, der so kraftvoll und melodisch ausfiel wie seit langem nicht mehr, wurde im Schnitt sehr positiv aufgenommen.

Eingerahmt in teils rituell ausgerichtete DJ-Sets von dem Berliner Philip Strobel (vom Label Aufnahme & Wiedergabe) und The Eternal Youth himself und eingeleitet von einer von apokalyptischen Pferdehufen zertampften Einspielung des launigen 70s-Hits “Chirpy Chirpy Cheep Cheep” präsentierten Hypnopazūzu im erweiterten Line-up eine vom Sound her organische und v.a. äußerst druckvolle Version der besten Stücke des Albums. Von den zum Teil recht jung wirkenden Musikern aus Youths Umfeld mit Drums, Synthies, Gitarre und Violine ergänzt, ergab sich ein rockiger Sound, in dem aber auch die rituell-perkussiven Elemente des Albums ihren Platz fanden. Zu den größten Momenten des Konzertes zählte „Magog At The MayPole“, bei dem ein sichtlich ergriffener und von hypnotischem Geigenspiel begleiteter David Tibet die an “A Sadness Song” erinnernden Worte „Neither coming nor going but/WAS/IS/SHALL BE“ mantrartig wiederholte, und das in einen treibenden Vanitas-Kracher verwandelte „The Crow At Play“ mit der an die sterbliche Körperhülle gerichteten Zeile „Your palace and tomb“, die Tibet minutenlang ins Publikum schrie. Ohne nennenswerte Längen war der erste Abend ein gelungener Anfang, und als sich die einzige Zugabe, eine trancehafte Version von “All the Pretty Little Horses” gegen Ende in ein lärmendes Freakout verwandelte, überzeugte auch das.

Der Tapetenwechsel vom ersten zum zweiten Tag, von der kultigenn Musikbrauerei aus den frühen Tagen der Industriearchitektur zur feierlichen Atmosphäre in der Schöneberger Apostel Paulus-Kirche hätte nicht größer sein können, einzige Konstante war eben David Tibet, der an beiden Abenden wesentlich gesetzter und konzentrierter wirkte als auf früheren Konzerten, nur wenige Ansagen zwischen den Songs machte und statt hin und wieder über die Bühne zu tanzen eher ruhig hinter seinem Mikro stand. Dass Kirchenbestuhlung immer nur in den vorderen Reihen ein ordentliches visuelles Erlebnis bietet, muss man in Kauf nehmen, und zu dem m. E. etwas übertriebenen Security Check will ich ebenso wenig Worte verlieren wie zu den etwas saftigen Preisen – insgesamt war der Event in eine anrührende, verzauberte Stimmung getaucht, einiges an Artwork Tibets aus unterschiedlichen Werkphasen wurde, meist passend zu den Songs, an die Wand des Altarraums projiziert und verlieh der protestantischen Schlichtheit des recht großen Gebäudes ein wenig ungewohnte Pracht.

Den Auftakt machte der schottische Folksänger und -Gitarrist Alasdair Roberts, der später auch in der Besetzung von Current 93 mitwirkte, wo er, wenn man so will, den Part von James Blackshaw übernahm. Mit einer Handvoll meist traditioneller Folksongs sorgte er für einen soliden, angenehm bodenständigen Einstieg, sein teilweise etwas spröder und manchmal ins Falsett kippender Gesang bildete einen interessanten Gegenpart zur eher exaltierten Gesangsart Tibets, ein Höhepunkt seines kurzen Sets bildete eine A capella-Verison der Ballade “The Cruel Mother”.

Als Current 93 dann die Bühne in Beschlag genommen hatten, war schon nach den ersten zwei Tracks klar, dass das Konzept ihres Auftritts, ob bewusst intendiert oder nicht, sich einigermaßen deutlich von den Konzerten der letzten Jahre unterscheiden sollte – in einer Besetzung, von der nur der Pianist Reinier van Houdt, die Geigerin Aloma Ruiz Boada und natürlich Andrew Liles die letzten Jahre über im Line-up aufgetaucht sind, schraubte man die wie auch immer zu kategorisierenden Art-, Psych- und Prog Rock-Elemente, die seit den späten Nullerjahren immer zumindest latent vorhanden waren, merklich herunter und betonte stattdessen sowohl die “experimentell”-soundorientierte als auch die akustische Seite des eigenen Stilspektrums. Die Tatsache, dass diesmal kein Drummer mit von der Partie war, und neben Tibet und den genannten Kollegen noch Jack Barnett von These New Puritans und eben Roberts mitwirkten, trug sicher seinen Teil zu dieser Mischung bei.

Das Konzert begann mit einem mir nicht bekannten, dem Klang nach recht alten Musicalstück, das in eine abstrakte Klanglandschaft aus dem “Moons at your Door”-Material überging. Danach begann mit “Those Flowers Grew” der eigentliche Reigen an Songs. Eine feierliche, ernste Aura und ein Hauch von Trauer umgab die Band und den Sänger schon bei diesem Stück, das beinahe das einzige des letzten Albums bleiben sollte – lediglich “I could not Shift the Shadow” wurde noch zum besten gegeben, das auf dem Album von Nick Cave rezitiert wird. Da Tibets berühmter Freund einen Tag später in Berlin gastieren sollte, munkelte man im Publikum teilweise, dass ein Gastauftritt eine nette Idee und durchaus möglich wäre, aber dazu kam es natürlich nicht. Die auf “Those Flowers Grew” folgende Songauswahl bildete mit einer Ausnahme einen ausgewogenen Querschnitt durch die letzten zwanzig Jahre der Bandgeschichte: Das immer wieder ergreifende “Niemandswasser” machte das Konzert schon recht früh für viele zu einer runden Sache, bei “Honeysuckle” vom “HoneySuckle Aeons”-Album wurde der walzerhafte Cabaret-Touch noch etwas mehr betont, “Baalstorm, Baalstorm” sorgte für Dramatik und Momente gesanglicher Entgrenzung, ein unbekannter Track namens “Redhouse” machte neugierig auf das für’s nächste Jahr angekündigte Album “Red”.

Besonders gelungen war die Version von “Then Kill Cæsar”, bei der Aloma Ruiz Boadas Violine, die ohnehin oft als Lead-Instrument fungierte, das Cello von John Contreras ersetzte; mit einer kurzen Perkussionseinlage von Liles bekam der Song einen martialischen Ausklang. Mit den Zeilen “And how I loved the moon / And its sheet of seeds / The moon tiding in your body / The smell of your blood breathing / And its taste in the sea” wurde in dem Song auch einem geheimen Protagonisten des Abends und des Current 93-Kosmos allgemein gehuldigt, nämlich dem Mond, der in den Bildern Tibets in regelmäßigen Abständen über die Kirchenwand flog oder schwebte – ein Symbol, das im Kontext der Band in vielfältigen Bezügen (etwa zur “Moon Music” Coils und zur Person von Tibets verstorbenem Freund John Balance, aber auch zum Konsmos von “In Menstrual Night”) steht, und das diesmal besonders im Zentrum stand. Fast so etwas wie klassisches Neofolk-Feeling kam bei dem einzigen aus den 80ern stammenden Song “Hourglass for Diana” auf, bei dem Liles und Roberts elektronisch und akustisch schrammelten und Barnett und van Houdt einen wabernden Klangteppich beisteuerten. Es war auch einer der Songs, bei denen Tibet unter Beweis stellte, dass er nach wie vor mehr kann als Texte rezitieren, und dass seine exzentrische Kopfstimme immer noch zu wütendem Gekeife taugt.

Nach einigen weiteren Songs wie “The Nudes Lift Shields For war” (von der “Baalstorm, Sing Omega”) und zwei weiteren Stücken von der “HoneySuckle Aeons” endete das Konzert mit der kompletten “Birth Canal Blues”-EP, als Zugabe wurde “Sleep Has His House”, Davids berührende Hommage an seinen Vater, gespielt, und als letztes nicht wie erwartet “Lucifer Over London” oder “Oh Coal Black Smith”, sondern eine originelle, ein bisschen wie ein Shantie vorgetragene Coverversion von “Hushaby Mountain” aus dem 1969er Musical “Chitty Chitty Bang Bang”. “A gentle breeze from Hushabye Mountain / Softly blows over Lullaby Bay / It fills the sails of boats that are waiting / Waiting to sail your worries away”, heißt es da, und so endet auch der zweite Abend mit einem Schlaflied. Eine der zentralen Dichotomien im Werk von David Tibet fällt auch hier wieder ins Auge, nämlich der zwischen apokalyptischen, von rauen (Baal)-Stürmen durchtosten Szenarien, myteriösen Orten wie Niemandswasser, an denen die eigene Existenz als Staub bewusst wird, wo das Studenglas seinen seinen unerbittlichen Countdown zählt, und auf der anderen Seite kindlich-regressiven Traumwelten, in denen sich der trostspendende Schlaf wie eine zarte Decke über alles legt. Gemeinsam ist beidem das Erlöschen.

Mit dem Musical-Stück schloss sich auch der Kreis zum Beginn des Konzertes, und für viele endete sicher ein mehr als zufriendestellender Abend mit feierlichen, wehmütigen, oft schrägen und immer mal für Momente druckvollen Songs. Ein weiteres Thema im Publikum war natürlich die zum Konzert erschienene Lathe Cut, wozu sicher bald etwas von denen zu hören sein wird, die das entsprechende Kombi-Ticket erworben hatten. (U.S., Fotos: Sanja Petrov)