Musikalisch bewegt sich “evidence” zwischen New Wave, Glam Rock, Soul, Doo-Wop und Punk und lässt, wie es beim Label heißt, Einflüsse von Pere Ubu, den New York Dolls oder The Temptations ebenso durchscheinen wie eine eigenwillige, zeitgenössische Handschrift. Eingängige Melodien treffen auf schonungslos persönliche Texte, schwarzer Humor auf existenzielle Verzweiflung. Immer wieder stehen lebensbejahend wirkende Arrangements im Kontrast zu Themen wie Einsamkeit, Sucht, Verlust und dem täglichen Kampf ums Überleben. Das Album erscheint in den gängigen Formaten.

Entstanden unmittelbar nach dem Ende von Strawberry Switchblade, versammelt “Cut With the Cake Knife Songs”, die teilweise für das nie realisierte zweite Album der Band vorgesehen waren. Der zwischen New Wave, Synthpop und einem melancholischen Dreampop, der auch eine Coverversion von “Don’t Fear The Reaper” zuließ, oszillierende Stil und Sound knüpft auch noch stark an den Stil des Duos an und ist, von McDowalls charakteristischer Stimme abgesehen, noch weit entfernt von dem wehmütigen Dark Folk von Sorrow, den Gastbeiträgen auf zahlreichen Underground-Releases der sogenannten World Serpent Family oder dem Retrostil von Spell, die ihre Aufnahmen der 90er prägen sollten. Diese späteren Aktivitäten sollten der Sängerin nicht nur einen zweiten Frühling verschaffen, sondern auch ein festes Standing in der Geschichte populärer bzw. alternativer Musik, das auch das vorliegenden Album rückwirkend über jedes Fußnotendasein hinaushebt.

Vegas Gesang war schon immer geschult an seiner Liebe zu Rock ‘n’ Roll und Rockabilly und auch sein Crooning ließ an die 50er denken (manchmal neigt man dazu zu vergessen, dass selbst der Erstling Suicides nicht nur aus Songs wie „Ghostrider“ oder „Frankie Teardrop“ bestand), was vor Jahren zu der Beschreibung Vegas als „Elvis from hell“ oder „Elvis-on-quaaludes“ führte.

Die oben genannten Einflüsse spiegelten sich dann auch konsequent in der Instrumentierung und musikalischen Ausrichtung auf seinen ersten Soloalben wider. Das zusammen mit Phil Hawk eingespielte selbstbetitelte Debüt beginnt mit „Jukebox Baby“, das ihm einen Top 10-Hit in Frankreich bescherte und das Suicide auf ihrem unterschätzten dritten Album „A Way Of Life“ 1988 neu interpretieren sollten. Das Album enthält schnelle Stücke wie etwa „Kung Foo Cowboy“ (mit Twang der Gitarre) oder „Fireball“ mit Handclaps, triebendem Bass und Vegas Schreien: „Thunderstorm blues burnin true light/Burnt out maniacs holding dynamite/Angry people wanting to fight/Angry people who say they’re right“. Es gibt eine schnelle Countrynummer („Speedway“) oder das treibende „Bye Bye Bayou“: „They’re sending me to my home/In a one-way-ticket body sack/Just like Jimmy always said/An unknown hero “. Auf dem getragenen, minimalistischen „Love Cry“ erinnert Vegas Stimme an das, was Jahr(zehnt)e später David Lynch auf „Crazy Clown Time“ gemacht hat. Textzeilen wie „Werewolf drives a brand new Chevy“ (von „Ice Drummer“) hätten natürlich auch die Cramps schreiben können. Beendet wird das Album von der Ballade „Lonely“. Eine Version des Albums, die zusätzlich Demoaufnahmen der Songs enthält, ist ebenfalls erhältlich.

 Der schon ein Jahr später erschienene Nachfolger „Collision Drive“ wurde mit ganzer Band eingespielt. Schnelle Stücke wie „Magdalena 82“, “Raver”, ” Magdalena 83“, das Cover von „Be Bop A Lula“ von Gene Vincent oder „Outlaw“ („We can see the red, white, and blue rising/Ooh, the wretched of the earth coming and a-marchin’/Tearing down the jail, letting out the poor“) mit wilder E-Gitarre machen Vegas Einflüsse erneut mehr als deutlich. Es gibt eine Neuinterpretation von Suicides „Ghost Rider“ (mit leicht verändertem Text) oder das durchaus als Selbstbeschreibung zu lesende „Rebel“, „I Believe“ zeigt aber, dass das Tempo auch zuückgenommen werden kann. Dann kommt schließlich als Abschluss der absolute Höhepunkt des Albums: das 12-minütige „Viet Vet“, das mit schleppendem Schlagzeug und dem wuchtigen Bass an Joy Divisions „I Remember Nothing“ denken lässt. Hier wird nach dem (nur ironisch lesbaren) Ausruf „glory, glory hallelujah“ ein Tableau des Schreckens entfaltet: Der titelgebende Veteran („He’s home/He’s a twisted flyer/He’s a slimy bleeding rat/He loves his country/It’s the greatest, it’s the greatest“) ist versehrt ( „You got a bleedin’ stump/For an arm/Four Purple Hearts“), seine Frau stirbt und seine Konfrontation mit der Staatsmacht führt zur Katastrophe: „He’s a-runnin’, oh, runnin’/The cops are comin’, a-comin’/Yeah, they got him down an alleyway/He’s a-wasted, he’s a-worn, he’s destroyed/Don’t shoot“. Vega schreit, stammelt, schnaubt, um am Ende zu brüllen: „They owe me a debt“.

Es ist ganz sicher kein Zufall, dass Lydia Lunch und Marc Hurtado (mit dem Vega 2010 das Album „Sniper“ einspielte) für ihre aktuelle Tour, auf der sie die Musik von Vega und Suicide „reinkarnieren“, von Vegas reinen Soloalben gerade dieses Stück ausgewählt haben. Sein gesamtes Schaffen, neben den Texten und der Musik auch seine Bilder und Skulpturen, zeigt immer wieder die ganze Ambivalenz der Nation, die Jahrzehnte seine Heimat war.  (MG)

Label: Sacred Bones Records

Ausgangspunkte, so erfährt man im Begleittext, sind persönliche Erfahrungen, politische Reflexionen und die Landschaften des kanadischen Westens, die sich in konzentrierten Songs mit deutlicher emotionaler Spannung niederschlagen. Cogan verbindet klare, rauchige Vokalparts mit offenen Strukturen, die Raum für stete Veränderung lassen. Thematisch geht, wie es ferner heißt, es um Widerstandskraft, Verletzbarkeit und den Zusammenhalt in einer zunehmend verhärteten Gegenwart. Cogan beschreibt dies selbst als den zentralen Kern ihrer Arbeit: “It’s the most important part, the magic”.

Im Vergleich zum Vorgänger wirkt das Songwriting konzentrierter und variabler, mit klarer thematischer Linie und stärkerer Bewegung innerhalb der Stücke. Die Songs reichen von reduzierten, akustisch geprägten Momenten bis zu verzerrteren, unruhigen Passagen, ohne den inneren Zusammenhang zu verlieren. Trotz der Auseinandersetzung mit Verlust, Zerstörung und Verstrickung, so heißt es weiter, bleibt Raum für Nähe, Verbindung und vorsichtige Hoffnung. “Marathon” erscheint Ende Februar in den gängigen Formaten als LP, CD und zum Download.

Tourdaten:

07. Nov., Maastricht, Muziekgieterij
09. Nov., Arnhem, Luxor Live
17. Nov., Kopenhagen, DR Koncerthuset
18. Nov., Stockholm, Slaktkyrkan
19. Nov., Oslo, SALT art & music
20. Nov., Göteborg, Pustervik
21. Nov., Malmö, Plan B
23. Nov., Hamburg, Pop Seasons
24. Nov., Berlin, Genezarethkirche
25. Nov., Prag, MeetFactory
26. Nov., Leipzig, UT Connewitz

Textlich nimmt das Album, wie auch im Begleittext betont, eine entschlossene Haltung ein, bei der auch gesellschaftliche und politische Themen wie Fake News und der Aufstieg rechter Ideologien zur Sprache kommen. Persönliche Kämpfe und Selbstzweifel finden ebenfalls ihren Ausdruck. Anika selbst beschreibt die Songs als einen Raum, in dem sich Menschen frei fühlen und, wie sie es ausdrückt, “wieder in den eigenen Körper zurückzufinden” können. Musikalisch verweist “Abyss” u.a. auf den Geist der 90er: Sound und Rhythmik erinnern an Alternative Rock dieser Zeit, aber auch Acts wie Patti Smith oder Genesis P-Orridge werden als Inspiration genannt. Das Album erscheint in den gängigen Formaten inklusive verschiedenfarbiger Vinyl-Editionen bei Sacred Bones Records. Begleitend wird es im Verlauf des Jahres mehrere Touren geben, bei denen zum Teil Größen wie Kuunatic und Nochteff (ex-Mueran Humanos) den Auftakt übernehmen, die Daten finden sich auf ihrer Bandcampseite.

What peace can we make with privilege when the true cost of our comfort is not measured in dollars but in death? How can we reconcile with death when we impose the same hierarchical structures on it that we do in life? Is life worth living in the isolation of this self-imposed species loneliness?
Humans often measure worth by accumulation-money, assets, objects-mistaking this for power and influence. Western heritage dictates a hierarchy, placing humans at the top, separate from the natural world. This delusion turns bodies into objects, land into property, and people into expendable tools.
If our value were instead determined by our contribution to the ecosystem, who could claim that a human is more valuable than a maggot? Maggots recycle death into life, breaking down matter and nourishing new growth. They transform into flies, pollinating plants and sustaining the Earth’s flora. In contrast, humans pollute rather than pollinate, with a select few profiting from exploitation at the expense of biodiversity and the well-being of many.
In grappling with grief and loss on both personal and global scales, Margaret sought solace in the idea of rebirth through death, celebrating the beauty of regeneration through decay. However, she had to confront the stark reality of the disconnection from the earth under oppressive systems. Pharmakon is here imagining a path where the final act is to give back what was received from creation, offering our lives and deaths to sustain existence.

once I slough
off this human skin
I will find my home
and ancestral kin…
in the coffin-birth
of my cadaver’s ecosystem “

Das Album erscheint als CD, Kassette, in verschiedenen Vinylversionen und als Download.

@ Sacred Bones

“Belarusian post-punk / synth pop group Molchat Doma have always exuded the kind of brutalist aesthetic of the architecture that adorns their album art. It’s cold, gray, imposing, industrial—and yet there are human hearts beating within those foundations. In the wake of their breakthrough success in 2020, the trio endured a polarity of experiences, from the nadir of an uprooted life and forced relocation away from their native Minsk to the apex of head-lining massive shows across the world. It was in this headspace that the band settled into their new home of Los Angeles to finish writing their fourth album Belaya Polosa, a testament to change in difficult times, a love letter to the digital pulse of the ‘90s, and a technicolor reinvention of the band’s somber dance floor anthems (Sacred Bones).

For Cellophane Memories, the two have traveled through different portals. Fittingly, many of the songs are set in fairytale forests, mountain peaks, swimming holes, crepus-cular highways and darkened bedrooms. These are the abodes of both loneliness and romance, the sorts of sublime landscapes where people often travel alone in search of a wayward lover. But they are also shapeless atmospheres—of color, weather and breath: blue and white skies, red roses, darkening thunderheads, swirling winds and summer perfumes, which quickly immerse the traveler in the supernatural sensations of other worlds.

Time is a mercurial creature in Chrystabell and David’s songs. The characters are little more than oblique sketches of time’s quotidian melodramas: people arrive and depart as strangers, strangers fall into despair and love, lovers part at the crossroads and re-unite in a dream. In this quantum matinee of everyday life, each character is both a star and a background extra. Elisions in time reappear over and over within Chrystabell’s vocals, which emerge and dissolve and loop back in layers of harmony and history. They are mantled by David’s, and late composer Angelo Badalamenti’s, orchestra of waldeinsamkeit-inspired strings, oneiric guitar glissandi and clouds of reverb, whose melodies are like the sensation of time pausing for a first kiss.

As with much of Chrystabell and David’s work from the past, Cellophane Memories returns us to a central question: what is a mystery? Alas, the riddle remains unanswered. But all mystery contains slivers of those conceits and feelings described above: the departing and the coming-back, the landscape, atmosphere and breath, the topsy turvy mechanisms of time, memories of the bygone, a distant light radiating from darkness, music within silence, love.“

Das Video zu “Sublime Eternal Love” lässt dann mit seinem flackernden Licht und der in Semidunkelheit singenden Chystabell Erinnerungen an Lynchs Arbeit mit Julee Cruise denken.

@ Sacred Bones Records