Hinzu kommen das rhythmisch komplexe “Black Gobi”, live eingespielt 1989 an der Arizona State University, sowie das erstmals veröffentlichte “Live Crash”, aufgezeichnet 1987 bei einer Aufführung in Phoenix. “Graverobbing in the Future”, ursprünglich als Kassette #20 der Serie erschienen, ist klanglich noch ungebundener. Die kurzen, oft abrupten Tracks bewegen sich jenseits von Genrelogik und Linearität. Sie enthalten laut Label eine Musik, die sich nicht im sprichwörtlichen Grab der Geschichte befindet, sondern wie farbiger Rauch aufsteigt und sich auflöst, bevor man sie fassen kann. Wie schon beim vorangegangenen Reissue wurde das Material sorgfältig remastert, es erscheint auf 180g-Vinyl im Stoughton-Klappcover mit seltenen Archivfotos und ist auf 1000 Exemplare limitiert. Eine digitale Einzelveröffentlichung ist nicht geplant.

“Famous Asthma” zeigt die Gruppe auf ihrer charakteristischen Gratwanderung zwischen improvisierter Dissonanz, dadaistischen Textsplittern und einer Art außerirdischem Fundamentalismus – alles in allem eine unberechenbare Mixtur aus „Zen-Agrikultur“, „Amuck-Theorie“ und „Astraler Ejakulation“, wie esim begleitenden Text des Labels heißt. “Tibetan Jazz 666″, ursprünglich 1988 auf Kassette #17 erschienen, wirkt zugleich kompromissloser und strukturierter. Die Aufnahmen variieren zwischen absurdem Sprechgesang, verfremdeten Jazzanleihen und Momenten roher, fast mechanischer Direktheit. Der Titel ist dabei so irritierend wie programmatisch: Nichts klingt hier wie etwas anderes. Die Wiederveröffentlichung erscheint remastered auf Vinyl im hochwertigen Stoughton-Gatefold-Sleeve mit bisher unveröffentlichtem Archivmaterial. Es handelt sich um eine einmalige Pressung von 1000 Stück. Digital ist das Reissue nicht separat erhältlich.

folgte auf eine Reihe an EPs setzte seinerzeit neue Standards für experimentell ausgerichteten Instrumental-Rock. Das Album, das eine Coverversion des Sun City Girls-Stücks “Space Prophet Dogon” enthält wurde in der Vergangenheit mehrfach neu aufgelegt. Nachdem diese Editionen nun länger vergriffen sind, beingen Neurot das Album in zwei verschiedenfarbigen Vinylausgaben heraus.

In den vielen kreativen Auslotungen des Fremden oder Exotischen sind besonders diejenigen Arbeiten interessant, die den fantasievollen Blick des mondofilmbegeisterten Teenagers mit einem empathischen Wissensdrang kombinieren. Oft bleibt das Fremde in diesen Werken gewahrt, man betont bewusst Verstehensbarrieren und gibt dem Inhalt auf humorvolle Art eine eigene Würde. Man findet diesen Gestus z.B. in einigen Filmen Pasolinis, in der Musik fallen einem vielleicht als erstes die Sun City Girls ein. In deren Spuren wandelt zum Teil auch das texanische Kollektiv Ak’chamel, vormals The Giver of Illness, das gerade ein neues Tape auf ArteTetra draußen hat.

Mit authentischer Lo-Fi-Dumpfheit, dem Mut zu markanten Kontrasten und einem guten Händchen nicht nur für tolle Melodien, sondern auch für ungewohnte Klangkombinationen, verbraten die anonymen Bastler etliche Versatzstücke aus mehreren Kontinenten: Amerikanische Twangs erinnern an Surfrock und Texmex und sorgen für cooles Wüstenflair, für Trost und Labsal dagegen sorgen folkige Zupfgeräte und entrückte Flöten aus Regionen von Nordafrika bis Japan. Bei manchen Tracks treiben entspannte Handdrums die Musik subtil voran, manchmal meint man, irgendwo versteckt die tiefen Seiten eines Pianos zu orten, und alles scheint irgendwie minimal elektrifiziert.

Von leichten Dub-Anleihen abgesehen, die vorübergehend für luftige Entspanntheit sorgen, ist die schwüle Atmosphäre doch meist eher dunkel, die Exotik rituell. Ein bei aller Lo-Fi-Qualität beeindruckend feinsinniges Amalgam aus durchmischten Stimmen und Geräuschen eines imaginären, orientalischen Grenzlandes trägt dazu bei, und die oft dumpf in den Hintergrund gemischten Murmel-Vocals und die Loopstruktur lassen dabei sogar an Bands wie Novy Svet und Futeisha denken – das Label namedroppt an der Stelle Popol Vuh und Jean Dubuffet sowie Jodorowski, in dessen Filmen tatsächlich nicht nur die Plots und Settings, sondern auch die Musik dunkle, mystische Exotica anklingen lässt.

Wer dem Fremden weder überzuckert, noch misstrauisch, noch brottrocken begegnet, der verfügt schon über das Ak’chamel-Minimum. Wer überdies gerne das Feinsinnige im Groben sucht und v.a. auch findet, der sollte sich dieses Tape nicht entgehen lassen. (U.S.)

Label: ArteTetra

Da man sich aber ohnehin bei all diesen und weiteren Unternehmungen unter die Arme griff, bleib immer wieder Zeit zum ungezwungenen Jammen, und so waren irgendwann die Dwarfs of East Agouza geboren, eine Supergroup, in der das kreative Input aller drei gleichermaßen einfließen sollte.

Ein grooviger Bass, ein zeterndes Tenorsaxophon, eine von allerhand trikontinentalen Einflüssen geprägte Jazzgitarre und nordafrikanische Perkussion in allen möglichen und unmöglichen Variationen – wer bei diesen instrumentellen Zutaten funkige Psychedelic mit west- und nordafrikanischem Einschlag erwartet, liegt ganz richtig, doch die Musik verströmt auch den Geist leichtfüßiger Easy Listening-Musik, wie sie Mondo- und sonstige Genrefilmer in den 70ern liebten. Irgendwie passt das auch perfekt zu der titelgebenden altägyptischen Gottheit Bes, die nicht nur Beschützer der Menschen war, sondern auch ein sehr unterhaltsamer Gott mit einem Faible  – siehe Artwork – für’s Tanzen, einem Hang zur Groteske und zur Dreibeinigkeit.

Man kann „Baka of the Future“ gar nicht goutieren, ohne zumindest mit dem Fuß zu wippen, denn der repetitive Groove und die stylischen Handdrums sind so tanzbar wie das letzte Solowerk Loucas, der hier sämtliche Register seines Metiers zwischen traditionellen Rhythmen und vom Mahraganat beeinflusster Elektronik zieht. Coole Gitarrenparts und eine filmreife Mundharmonika sorgen für Kolorit, was die Musik allerdings am ehesten von jedem Easy Listening unterscheidet, ist ihre manchmal ins sperrige kippende Eindringlichkeit, wegen der man sie kaum ohne volle Aufmerksamkeit nebenbei rezipieren kann.

Bei jedem Stück und auch innerhalb jedes Stücks brechen sich neue – instrumentelle, melodische, rhythmische, harmonische – Ideen Bahn und oft leiten recht spontane Brüche neue Episoden ein. Manchmal gebärdet sich das Gitarrenspiel etwas kniedelig, just weil man es kann, dann jaulen die Saiten bluesig, weil es verdammt gut passt, dann sind arabische Einflüsse unüberhörbar, und ähnlich wie bei Shalabis Hauptband Land of Kush findet man sich in einem Kairoer Szenario wieder, das im besten Sinne einen Begriff wie polykulturell verdient. Subtile Synthietupfer und perkussive Ekstatik gehören da ebenso mit ins Bild.

Dann die zweite Scheibe: nach dem soliden Auftakt „Resinance“ das monumentale halbstündige „Museum of Stranglers“, das mit seinen Twangs und den klagenden und summenden Drones und mitreißenden Gitarrenparts so etwas wie ein Album im Album darstellt – unglaublich, denn „Bes“ wäre auch ohne dieses Finale furios gewesen. Just bei Nawa erschienen als Doppel-CD, Doppel-LP und dem obligatorischen Download. (U.S.)

Label: Nawa Recordings

Ob “The Heretic’s Bargain” ein inhaltliches Konzept zugrunde liegt, ist mir unbekannt, doch geht man nach der Musik und dem strukturellen Aufbau des Albums, so drängt sich die Vorstellung eines radikalen Auflösungsrituals geradezu auf – Bishop, Chasny und Corsano inszenieren zu Beginn einen nahezu perfekten, energiegeladenen und mitreißenden Psychedelic Rock, den sie dann Track für Track immer mehr im furiosen Rauschen, im zerfledderten Gepolter und zum Teil auch in niederdrückender Schwere auflösen.

“To Melt The Moon” beginnt mit donnernden Snares, die sich bald in einen straigten Stakkaorhythmus einfinden, dem sich ein fulminantes Gitarrensolo beimischt. Corsano steht mehr denn je im Zentrum des Geschehens, während die druckvolle Musik nicht weiter entfernt sein könnte vom schöngeistigen arabesken Fingerstyle von Bishops jüngeren Alben. Bekannte Motive, die auch mal funky daher kommen können, leiten über in das ebenso starke “The Sin Eaters”, dessen leicht bluesrockiger Rhythmus schon etwas weniger auf nachvollziehbare Takte gibt, und weil der Touch von Derangiertheit so viel Spaß macht, setzen die Gitarristen dann auch gleich noch mit ätzende Riffs eins drauf.

Fast könnte man meinen, dass in “Spine Agnew” die Struktur noch mal gerettet wurde, so gut funktioniert hier das einander Zuspielen von Bishop und Chasny, so gut überzeugen v.a. auch die monumentalen Melodien, die sie ihren dröhnnden und jaulenden Saiten entlocken, doch man freue sich nicht zu früh über dieses retardierende Moment, denn spätestens auf der zweiten Seite geht jede Kohärenz flöten: In “Hard Times Befall The Door to Door Glass Shard Salesman” präsentieren sich Rangda als lupenreine Feedbacknoiser, deren Ekstase nach unkoordinieretem Rumpeln und irren Hochfrequenzen in ein verkatertes Dröhnen kippt. Verausgabung pur, und dazu ein großes zwinkerndes Auge, wie um zu demonstrieren, dass es für all dies keine großen, pathetischen Gesten und bierernsten Konzepte braucht.

Völlig dekonstruiert und zugleich das ganze Album resümierend dann das finale “Mondays Are Free At The Hermetic Museum”: Sitar, schöne Melodien und an Blackshaw erinnernde Figuren treffen auf Ausbrüche, die sich nur aufgrund der Schwere halbwegs im Zaum halten und am Ende in der erschöpften Auflösung ein Fazit ziehen, das keines weiteren mehr bedarf.

Label: Drag City

Bei dem für Jahre vergriffenen “Torch of the Mystics” handelt es sich um eines der klassischen Alben der Band, und verdient u.a. deswegen Aufmerksamkeit, weil es exemplarisch für einen Zeitraum steht, in dem die Band noch knietief in ihrem ursprünglich neoiserockigen Sound steht, gleichsam aber schon all die Seiten ihres Stils aufweist, für die der Name Sun City Girls später einmal stehen sollte: folkige Ansätze, Einflüsse aus der lateinamerikanischen und vor allem mexikanischen Populärmusik, Zitate aus arabischen und afrikanischen Spielweisen, Morriconeskes etc.

Zusammengehalten wird dies – wie im übrigens die ganze Discografie von Goucher und den Gebrüdern Bishop unabhängig vom jeweiligen stilitischen Schwerpunkt – von einem anarchischen Dada-Feeling, dass sich schon im ersten Track in nahezu allen Aspekten findet: im primitiven Punksound, im nöligen Gesang, im immer mal wieder aus dem Takt geratenden Rhythmus und dem unberechenbaren Tempo. Bei “Tarmac 23″, dessen bluesige Gitarrensoli durch den konsequenten Wackeltakt noch kunstvoller wirken, weiß man kaum, ob man den lallenden Gesang schamanisch oder infantil finden soll, aber genau das macht seinen besonderen Reiz aus. Im Verlauf des Albums differenziert sich das Stilspektrum immer mehr aus, nach dronigen Folksongs mit orientalischen Blasinstrumenten folgt coolster Texmex mit einem Falsettgesang, den man dem heutigen Richard Bishop gar nicht zutrauen würde.

Auch wenn es eine Frage des Geschmacks ist, möchte ich meine persönlichen Favoriten nicht unerwähnt lassen, namentlich das von einer orientalisch anmutenden Leadgitarre geführte “Esoterica Of Abyssynia”, das fast stonerdoomige und nicht unpassend von Grails gecoverte “Space Phrophet Dogon” und das launige “The Shining Path” mit Hirtenflöte und Ohrwurm-Melodie. Das Stück basiert auf dem Folksong “Llorando se fue” von Los Kjarkas, und wem das nichts sagt, der kennt vielleicht die unsägliche Popversion namens “Lambada”, die Kaoma einige Jahre nach den Sun City Girls daraus gezimmert hatten.

Label: Abduction

Vergleichen mit seinem letzten Album „The Freak of Araby“, das einen opulenten Bandsound pflegte, und der dronigen All Star-Combo Rangda mit Ben Chasny und Chris Corsano schlägt Bishop auf „Tangier Sessions“ die Brücke zu seinen frühen Soloalben noch weit in Zeiten der Girls – allem voran „Improvika“ und „Fingering the Devil“, auf denen ebenfalls nur akustische Gitarrensaiten zu hören waren, oder zum ganz frühen „Salvador Kali“ bei dem er traditionelle Spielweisen aus vier Kontinenten kombinierte oder eher noch ihren roten Faden hervorhob.

Diese Beobachtung drängt sich auch bei „Tangier Sessions“ auf, dessen sieben Stücke trotz der harmonischen und melodischen Vielfalt eine gelungene atmosphärische Einheit bilden. Schon so gesehen ist es stimmig, das Werk nach einem Ort zu benennen, denn man unternimmt hier keine Weltreise, noch betrachtet man ein ausladendes Panorama, sondern betritt einen – vielleicht nicht einmal fiktiven – Ort, an dem all diese Dinge gleichsam vorhanden sind und sich weder abstoßen, noch sich bei der Berührung zu einem einheitlichen Brei auflösen.

Was das Album auch in Bishops Diskografie heraushebt, ist das Filigrane jenseits allen Muckertums, das auch komplizierte Fingerpickings elegant anmuten lässt – fingering the devil once more. Ebenso souverän weiß der Gitarrist Afrikanisches und Vorderasiatisches mit Blues und Flammenco-Akkorden vom anderen Ufer der Straße von Gibraltar zu überblenden, ohne dass es artifiziell wirken würde, dafür aber streckenweise derart intim, dass man meint, den Meister in Echtzeit beim Improvisieren zu erleben.

Im allerweitesten Sinne hat Bishops Geflecht aus Motiven auch eine politische Komponente, verstanden als Ausruck einer vernünftigen Transkulturalität, die das Gegenteil aller Klischees der Assimilation, des Multikults und des identitären Stumpfsinns darstellt. In einer Zeit, in der allerhand absurde und weniger absurde Interessenkämpfe das Zusammenspiel von Kultur(en) unterbinden, ist ein derart virtuoses Festival traditioneller Echos ein gutes Statement.

A. Kaudaht

Label: Drag City

Vor kurzem legte Bishop mit seiner aktuellen Band The Invisible Hands sein bis dato vielleicht eingängigstes Werk vor. „Teslam“ wurde wie schon das Banddebüt in Bishops Wahlheimat Kairo eingespielt, zusammen mit lokalen Musikern, deren harter Kern längst mit dem Frontmann zu einer festen Gruppe verwachsen ist. Wer beim Lineup (und auch angesichts der auf Sublime Frequencies dokumentierten Passion Bishops sowohl für „seriöse“ traditionelle Musik als auch für schräge Exotica) Orientalisches erwartet, könnte nun einmal mehr überrascht sein über den regionenübergreifenden Sound der Platte. Zwar sind regionale Instrumente zu hören, doch diese sind recht sparsam in ein Klangbild integriert, das eine große Leidenschaft für Rock, Beat und einen Songwriter-Machismo der alten Schule offenbart.

„Slaughterhouse“, das mit einem vuvuzelaartigen Dröhnen beginnt und in einen kernigen Midtemporocksong mündet, klingt sehr amerikanisch und channelt einen Sound, für den man Bands wie The Red Krayola liebt. Wie in dem satten Hardrock von „Weasel Down“, der Schweineorgel in „Places“ und dem schrammeligen Rock’n'Roll vieler Stücke zeigt Bishop hier, dass er eine Qualität aus Sun City Girls-Zeiten bis heute bewart hat, nämlich den Mut zum gewagten Aneignen von Stilzitaten und eine dreiste Unerschrockenheit gegenüber abgenudelten musikalischen Schablonen, die stets mit Witz angegangen werden und von der Überzeugung künden, dass vieles eben tatsächlich früher besser war, und daran ändern auch keine noch so banalen Revivals etwas, und der Zahn der Zeit schon gar nicht. In dem Sinne sind die unsichtbaren Hände allenfalls Meta-Retro, und nirgendwo zeigt sich das so gut wie in Bishops stimmungsvollen Duettpasagen mit der Sängerin Aya Hemeda, bei denen man um keine Gainsbourg/Birkin-Vergleiche herumkommt.

Während Oud-Klänge und nordafrikanische Rhythmen zwischen all den Gitarrentwangs, den progressiven Orgelteppichen und dem Popappeal von Bishops Gesang eher gut dosiert zum Zuge kommen, ist das Kairo der letzten Jahre in den Texten allgegenwärtig. Jeder der Songs verströmt den Geist einer Metropole, die in der jüngeren Vergangenheit zwei politische Paradigmenwechsel durchlebt hat und letztlich in einer vielleicht noch Jahre andauernden Schwellensituation vor sich hinbrodeln wird, die man als Auswärtiger nur schwer einzuschätzen vermag. Die Invisible Hands vertonen aber viel mehr die kleinen alltäglichen slices of life, die zwischen den epochalen Ereignissen stattfinden, und gehen diese mit einer Menge an skurrilem Humor und slapstickhafter Ironie an. Der rebellische Geist, der darin spürbar ist, schlägt dann auch die Brücke zum Bandnamen, der nicht auf die ökonomische Heilslehre eines Adam Smith, sondern auf obskure Kairoer Street Artists verweist, die durch kryptische Symbole das Tagesgeschehen kommentieren und dabei nicht ganz einflusslos sind.

Ob es diese Stehaufmentalität ist, die zusammen mit der Frische der unverquasten Musik den Titel „Teslam“ passend erscheinen ließ? Das arabische Wort bedeutet Segen, allerdings im weniger mystischen Sinne wie das ähnlich übersetztbare Wort „Baraka“, es deutet darauf hin, das etwas unter einem guten Stern steht. So jedenfalls klingt die Musik, und das ist in jedem Fall eine gute Voraussetzung für die sich immer fester formierende Band.

Label: Abduction

Wer eine Ahnung von Loucas musikalischen Interessen hat und seine Bandbreite von Psychedelik über experimentell-elektronisches bis zu traditionell nordafrikanischen Musikarten kennt, rechnet bei dem Vorhaben mit der Quadratur des Kreises, und mag sich beim ersten Hörversuch sogar bestätigt fühlen: Wie eine von Detonationen durcheinandergeschüttelte Wunderkammer an diversen Klangzitaten scheint die Mixtur, die man hier recht verschwommen durch trunkene Augen erblickt. Die perkussive Grundierung aller acht Tracks stiftet am ehesten Kohärenz und bewahrt die Musik davor, nach allen möglichen und unmöglichen Richtungen auseinander zu driften. Eine perfekte Symbiose aus orientalischen Rhythmen und Zitaten aus dem Warenhaus elektronischer Beats, die ein Kollege treffend mit maschineller Straßenmusik assoziierte, zieht sich durch das Album, stets begleitet von groovigen Basslinien, für die gleich drei Virtuosen ins Boot geholt wurden. Der Gruß an den Papagei ist eine ausgesprochen tanzbare Sache, die mal grindigen, mal forsch-aufgeweckten Vocals des Kairoer MC Alaa 50 wirken dem keineswegs entgegen. Wenn Gastmusiker Alan Bishop (Sun City Girls, Invisible Hands – zusammen mit Sam Shalabi aus dem Land of Kush wohl der auch im Westen bekannteste Beitragende) sein Saxophon verschwommen über die unruhige Szenerie streichen lässt, entsteht v.a. urbanes Kolorit. Nur ein Trottel stellt die CD ins Weltmusik-Regal, denn sie hat soviel mit Orientalismus ungefähr so viel zu tun wie Krautrock mit deutscher Folklore.

Trotz bauchtanzkompatiblen Rhythmen, trotz alter Streich- und Blasinstrumenten, trotz des fantasievollen Farbenrausches im Artwork von Maha Maamoun ist “Benhayyi Al-Baghbaghan” eher Mahlstrom als Idyll, dafür sorgen nicht nur schräge Computersounds und gelegentliches Feedbackgetöse, sondern ebenso die zahlreichen Brüche und Wendungen, die weder Hörer noch Tänzer zur Ruhe kommen lassen. So klingt er wohl noch am ehesten, der Big Mango am Nil, falls man ihn denn überhaupt in ein musikalisches Konzept pressen kann. (U.S.)

Label: Nawa Recordings