David’s songs:

Gather Words For The Fire, In The Arms Of Lewes, and Til The Worm Turns all reside within  a mythical Albion, that is nonetheless only a step removed from the real world and the messiness and joys it holds. Friendships played out between the shadows of chalk giants and winding village lanes. Chasing the sounds of drumming deep within the hills…

Alison writes about:

Ireland through the years on Roar No More, and of the iconic statue, Nerano Sailor, who
guides seafarers in her hometown. There’s also a song about her love of the Leigh Folk
Festival on Old Legra and a song about choosing the right or wrong path in Lilac Haze Of Lavender. This song also produced the title of the album, a reference to the chaos caused by climate change. There are two songs about the machinations of a stalker from back in the day on Hoist The Drawbridge and You Often Hid and a Victorian era murder ballad, Viewing The Waterhen. The first song on the album, Circles And Chambers celebrates the band’s long history of exploring ancient, sacred sites whilst meandering on mini-tours.

@ Bandcamp

@ Bandcamp | Was Ist Das?

Bei diesem Kollektiv haben in den vergangenen Jahren ca. 200 Personen mitgewirkt, auf „The Return Of The Rivers“, einem auf 100 Exemplare limitierten Tape, spielt Colohan zusammen mit Dom Cooper von The Owl Service, Matt Leivers, der das kleine Label Awkward Formats betreibt sowie Gayle Brogan. Die beiden 20-minütigen Stücke sind geprägt von Streichern, die auf dem Titelstück mit einem Saxophon und auf „The Hills & Mountains Separating San Francisco Bay From The Pacific Ocean“ mit Klavier kombiniert werden, sind von einer pastoralen Stimmung durchzogen.

@ Cruel Nature Records

Kraus ist stimmlich an verschiedenen Stellen mit Shirley Collins, der Grande Dame des englischen Folks, oder mit Vashti Bunyan verglichen worden – was natürlich auf ihre klare Stimme zurückzuführen ist, die zwar vielleicht in einem ähnlichen Kosmos angesiedelt ist wie die der beiden Genannten, aber etwas so Eigenständiges hat, dass man sie aus hunderten anderer Sängerinnen heraushören könnte.

Vor zwei Jahren veröffentlichte sie mit „Pilgrim Chants and Pastoral Trails“ ein weniger songorientiertes Album, das stärker von flächigen Passagen geprägt war – schon mit Tara Burke von Fursaxa hatte Kraus ein recht experimentelles Album unter dem Projektnamen Tau Emerald eingespielt – , das aber dennoch bedingt mit ihrem jüngst erschienenen Debüt für Clay Pipe Music zu tun hat, denn die Pilgergesänge waren stark von ihrer (temporären) Rückkehr nach Wales beeinflusst: So sprach sie von der „Magie“ des Ortes, die/der sie fasziniere und „Friends and Enemies; Lovers and Strangers“ ist dann auch fast schon unweigerlich von dieser Region geprägt, von ihrer Geschichte und ihren Geschichten, genauer gesagt, von den „Mabinogi“, einer Sammlung frühe(ste)r britischer Prosa. Kraus schreibt, dass ihre Songs eine Auseinandersetzung mit diesen Geschichten waren, für sie (auch) ein Versuch verwirrende Elemente dieser zu verstehen und in eine Songform zu (b)ringen.

Kraus’ klarer Stimme wohnt immer ein Moment des Melancholischen inne, was das Eröffnungsstück des Albums „My Friend’s Enemy“ erneut zeigt: (Die von Harriet Earis gespielte) Harfe, Flöte und Kraus’ Gesang erzeugen eine Art Klagegesang und auch das darauf folgende „The Hunter“, auf dem ihr Gesang von dezent gepickter Gitarre und Flöte(n) untermalt wird, ist von der Stimmung ähnlich. Nancy Wallace (von The Owl Service) unterstützt Kraus stimmlich auf „The Birds of Rhiannon“. Wer glaubt, ein Titel wie „A Hero’s Death“ redete einer naiven Kriegs(v)erklärung ins Wort, der höre auf Zeilen wie „I’ve a talent for destruction [...]/chaos is my only fun“, um eines Besseren belehrt zu werden. Kraus hatte auch schon auf „The Prophet“ von dem auf Durtro veröffentlichten Album „The Fox’s Wedding“ gezeigt, dass ihr Kritik an Autoritäten nicht fremd ist – mystifizierendes Raunen dann schon eher. „Branwen“ zeigt deutlich, welche Konsequenzen der Krieg der Männer für die Zuhausegebliebenen hat. Dass Kraus mit ihren Songs nicht so weit von den Gedanken der Ausgangstexte entfernt ist, zeigt sich, wenn man sich Bernhard Maiers Nachwort zur deutschen Übersetzung der „Mabinogi“ anschaut: „Mit ihrer nahtlosen Verbindung von Mythos, Märchen und zeitgenössischer Wirklichkeit, ihrer Veranschaulichung abendländisch-christlicher Werte durch Gestalten der vorchristlichen Überlieferung, ihrer subtilen Kritik überkommener heroischer Ideale und ihrem impliziten Votum für Besonnenheit und Mitmenschlichkeit gehören die Vier Zweige der Mabinogi zweifellos zum Schönsten, was die mittelalterlichen keltischen Literaturen hervorgebracht haben.” Dass das auf 500 Exemplare limitierte Vinyl mit einem umfangreichen Booklet ausgestattet ist, ist dann noch das sprichwörtliche i-Tüpfelchen. (M.G.)

Label: Clay Pipe Music

Mac Henderson of Grand Union Morris schreibt in den Linernotes: „The folk tradition does not need added layers of weirdness, it is incredibly strange in such areas with straw bear men, Jack-In-The-Green, Molly Dancing, the Cutty Wren and Mumming.” Dieses Zitat kann einerseits verstanden werden als Betonung des subversiven Potenzials von Folk, der über die Jahrhunderte immer (wieder) Formen fand, um Tabuisiertes und Geächtetes zu verbalisieren, andererseits aber auch als programmatisches Statement, das darauf hinweisen kann, dass man sich allzu großen Neuerungen und Verfremdungen verweigert.

Wie auch auf „John Barleycorn Reborn” greifen einige auf Traditionals zurück (z.B.  Magpiety, Charlotte Greig & Johan Asherton oder The Anvil, die das Titelstück auf herrlich spröde Art mit schleppender Perkussion und Feedback interpretieren), teils wird völlig auf Instrumente verzichtet und es erzählen nur die Stimmen (Mary Jane, Mac Henderson of Grand Union Morris, Magpiety, deren zweistimmige Version von „The Rolling of the Stones” beeindruckt), eine ganze Reihe Künstler verzichtet auf Selbige (novemthree, Misericordia, Steve Tyler, Far Black Furlong, Xenis Emputae Travelling Band, Wooden Spoon). Natürlich orientiert man sich (auch) an Shirley Collins, der Grande Dame des britischen Folk (Yealand Redmayne), manche nehmen das Mittelalter als Bezugspunkt (Daughters of Elven), einige der Beteiligten lösen sich von allzu klaren Songstrukturen (Sundog, Sedayne – beides Projekte von Sean Breadin). Die eigentlich relativ traditionell ausgerichteten The Owl Service überraschen mit dem Einsatz von Filmsamples, JefvTaon klingt wie eine Mischung aus Jandek und Devendra Benhart und The Big Eyes Family Players spielen einen dronelastigen Kammerfolk. Alan Trench ist mit drei Projekten vertreten: Cunnan mischen Fieldrecordings mit Akustikgitarre, Orchis’ „The Silkie“ erinnert etwas an frühe Stone Breath und  Twelve Thousand Days’ Beitrag wird von Martyn Bates’ entrücktem Gesang dominiert. Als Abschluss findet sich das leider viel zu kurze „The Old Way“ von Sunshine Coding, deren Musik in den Linernotes adäquat als „folktronica” beschrieben wird.

Diese rudimentäre, unvollständige und nicht immer ganz trennscharfe Aufzählung dürfte die Bandbreite dieses Doppelalbums verdeutlicht haben. Ein, zwei der hier Beteilgten hätte vielleicht eine kleine Daturainfusion zur Steigerung der Weirdness gutgetan, aber insgesamt ist „John Barleycorn Reborn: Rebirth“ ein Füllhorn an Kreativität.
(M.G.)

Label: Cold Spring

Kannst du uns einleitend etwas über die Hintergründe und die Entstehungsgeschichte der Band sagen?

The Owl Service war ursprünglich nur ein Studioprojekt von mir alleine, ich begann damit im Sommer 2006. Ein paar Monate später traf ich über Myspace Dom Cooper von der STRAW BEAR BAND. Er mochte, was ich bis dahin aufgenommen hatte und fragte mich, ob ich an einigen seiner Songs mitwirken wollte, und im Gegenzug sang er dann auf der ersten Owl Service EP. Er ist quasi von Anfang an so etwas wie meine rechte Hand; Songs mitschreiben, als Teil der Livebesetzung mit auf der Bühne stehen, unsere ganze visuelle Gestaltung und letztlich zusammen mit mir das Label Rif Mountain betreiben. Etwas später traf ich dann Nancy Wallace, während ich 2007 für THE MEMORY BANS Bass spielte, bei denen sie mitwirkte – sie entschieden sich gerade dann eine Bandpause einzulegen, als bei den Owls langsam mehr passierte. Deshalb machte Nancy eine Weile bei uns mit und entschied sich (dankenswerterweise), dabei zu bleiben. Unsere wichtigsten Sängerinnen, Jo Lepine und Diana Collier, kamen an Bord, als wir gerade unser erstes Album aufnahmen. Ich lernte Jo kennen, nachdem ich eine “Sängerin gesucht”-Annonce auf unserer Webseite gepostet hatte – wir trafen uns und es war sofort klar, dass sie die richtige war. Diana kannte ich schon ein bisschen, aber ich hatte anfangs keine Ahnung, dass sie auch Sängerin war. Als ich mitbekam, dass sie in einem A Capella-Trio und in einem Ensemble für frühe Musik singt, lud ich sie mit in die Band ein. Wir spielten ein paar Shows in dieser Besetzung, und im Frühjahr 2008 kamen Katie English (Flöte) und Jason Steel (Gitarre, Banjo) dazu, die beide Freunde von Freunden waren. Das ist die Kernbesetzung der Band, die meisten kannten sich also zuvor nicht.

Es heißt, dass The Owl Service aus Liebe zum britischen Fernsehen der 60er und 70er gegründet worden sind. Du sagtest auch mal, dass die Musikproduktion deiner Ansicht nach 1969 ihren Zenit erreicht habe. Was fasziniert dich so sehr an dieser Ära?

Es ist wirklich schwer zu sagen – ich wuchs auf mit alten britischen Horrorfilmen und Kult-Serien der späten 60er und frühen 70er. Hammer-Films liefen immer wieder im Fernsehen, und ich liebte diese TV-Serien wie “Children of the Stones” und “Armchair Thriller”. Etwas später, als ich so achtzehn Jahre alt war, hörte ich eine Menge an Progressive Rock und Psychedelia aus der gleichen Ära, bis ich dann kurz darauf zum britischen Folk vorgedrungen bin. Auf gewisse Weise passten diese Aufnahmen perfekt zu den Bildern, die ich an den Filmen und Fernsehsendungen aus dieser Zeit liebte. Die Hauptantriebskraft hinter The Owl Service bin also ich, wie ich das Gefühl von Filmen wie “Blood on Satan’s Claw” und “The Wicker Man” wiederzubeleben versuche. (Anm. d. Red.: “Children of the Stones” ist eine englische Serie, die man formal zu den Vorläufern heutiger Mystery-Serien zählen kann. Der Plot kreist um heidnische Mysterien – dies und die Mischung aus typischem 70er-Jahre-Stil und englischem Lokalkolorit machen den Kultstatus aus, den die Serie in Fankreisen genießt. Bei „Armchair Thriller“ handelt es sich um eine Episodenfolge der späten 70er, in denen Detektivgeschichten mit vereinzelten übernatürlichen Elementen verknüpft worden sind)

In den letzten zehn Jahren gab es wieder einen Boom für Folk und folkinspirierte Musik. Was denkst du, sind die typischsten Qualitäten des heutigen Folk, auch gerade im Vergleich zu seinen Vorläufern aus früheren Jahrzehnten?

Nun, ein großer Vorteil, den wir heutzutage im Vergleich zum Folk-Revival der Sechziger haben, besteht in dem großen Informationsschatz, der uns zur Verfügung steht. Mitte der Sechziger mussten die Sänger direkt von der Quelle lernen; entweder mussten sie erfahrenere Sänger ausfindig machen, die ihnen Songs beibrachten, oder sie mussten in einer Bibliothek wie der im Cecil Sharp House nach Material suchen. Und die Tendenz damals war, dass man die Auftritte authentisch und “real” hielt, deswegen konnten es die Schlüsselfiguren des 60ies-Revivals wirklich schaffen – sie mussten oder sie hätten nie die Runde durch die Folkclubs der damaligen Zeit überlebt. Sie waren wirklich unvergleichbare Sänger und Virtuosen. Ich denke, dass sich die Schwerpunkte etwas verschoben haben – ganz sicher ist das auf jeden Fall in den Psych oder Acid Folk-Subgenres so. Die Schwierigkeit, mit der ein heutiger Folkkünstler konfrontiert ist, hat wohl vor allem mit dem Finden einer eigenen Stimme zu tun – alles ist schon mal von irgendwem gemacht worden, jeder traditionelle Song, den du auswählen magst, ist schon dutzende Male aufgenommen worden. Für meinen Geschmack sind diejenigen zeitgenössischen Folkmusiker die besten, die immer noch fesselnde Aufnahmen machen, die alles enthalten, was ich vom besten 60er- und 70er-Jahre-Folk mag.

Heutzutage sind Musik-”Projekte“ fast üblicher als Bands mit einer festen Besetzung. Du sagtest ja bereits, dass es bei euch einen festen Kern gibt. Mich würde interessieren, wie die Kommunikation innerhalb der Gruppe abläuft – wie entwickeln sich die Songs aus den Ideen der einzelnen Mitglieder?

Wir treffen uns nicht so regelmäßig mit der ganzen Band – die sieben Hauptleute treffen sich eigentlich fast immer dann, wenn irgendwelche Shows, Aufnahmen oder Proben anstehen. Ich sehe für gewöhnlich Dom und Jason am häufigsten, und die meisten Ideen kommen schon von uns dreien, wenn wir uns unsere Einfälle wie Bälle hin und her werfen. Die besten Ideen finden dann auch die Zustimmung der anderen Mitglieder. Manchmal gehe ich auch her und schichte im Alleingang zuhause ein paar Spuren übereinander, woraus ebenfalls Songs entstehen können. Dann kann es auch vorkommen, dass wir bei einer Bandprobe ganz neue Sachen spielen. Jedes Mitglied bringt irgendwelche Songs auf den Tisch – die Sängerinnen haben oft Lieblingsstücke, die sie gerne singen wollen. Die Aufnahmearbeiten beginnen meistens in meinem Heimstudio, und die anderen kommen vorbei, um ihre Sachen beizusteuern, oder sie nehmen selbst zuhause auf und schicken mir die Files, damit ich alles zusammenbasteln kann.

Ihr benutzt eine große Zahl an Instrumenten – seid ihr akademisch ausgebildete Musiker oder eher Autodidakten? Welche eurer Instrumente sind besonders schwer zu lernen, und wie wichtig ist generell das Handwerkliche für euch?

Katie hat eine Ausbildung und unterrichtet auch Musik, ebenso Nancy und Diana. Wir anderen sind autodidaktische Stümper! Die Sitar kann ganz schön trickreich sein, aber wir sind alle halbwegs kompetent an unseren jeweiligen Instrumenten. Ich kümmere mich ehrlich gesagt nicht so sehr um das Handwerkliche – wir alle wollen so gute Musiker wie möglich sein, aber ganz sicher nicht bis zu dem Punkt, an dem es seelenlos wird. Und wenn ich einen speziellen Klang auf einer Aufnahme haben will, dann schaue ich erst mal, ob irgendwer von der Band das spielen mag, bevor ich nach Session-Musikern Ausschau halte. Obwohl wir beim letzten Album die Ehre hatten, Magnus Dearness mit ein paar wunderbaren Posaunenparts dabei zu haben, und Joolie Wood mit Violine, Klarinette und Blockflöte. Sie gehören aber mittlerweile sowieso beide schon zur erweiterten Owls-Familie.

Ich seid gerade dabei, eine Serie von Veröffentlichungen unter dem Reihentitel „The Pattern Beneath The Plough“ herauszubringen, zu der ja auch das aktuelle Album gehört – welche Art von Muster gibt es unter dem Pflug und der Erde, und welcher Art sind die wichtigsten Motive und Motivationen hinter der Serie?

Der Titel ist mehr ein Hinweis darauf, dass wir näher ins Zentrum der englischen Folktradition kommen wollen. Mein anfängliches Interesse an Folk gründete sich auf ein paar FAIRPORT CONVENTION-Alben, die mir gefielen und mit der Zeit hat sich das langsam intensiviert. Aber dann waren die ersten Owls-Aufnahmen unter einem Mantel des Seltsamen begraben und den meisten erschienen wir als eine Psych-Folkband, die wir – so denke ich – nie wirklich waren. Die Idee dieser Serie war, dass man allen zu großen Ballast abwirft, wir unsere eigene gemeinsame Stimme finden und versuchen uns weniger auf einen psychedelischen Klang zu verlassen. Im Grunde, um eine bei weitem ehrlichere und ernstere Platte zu machen. Unsere Motivation ist einfach unsere Liebe zur britischen Folktradition. Es ist ein bodenloser Brunnen, den wir versuchen auszugraben und es ist unendlich faszinierend.

Die Liner Notes zu den einzelnen Songs auf eurem letzten Album haben uns sehr gefallen. Findest du es essenziell, den Lesern zum besseren Verständnis der Songs ein paar Kontexte zu übermitteln?

Vielleicht nicht essenziell, aber ich denke, es ist wichtig, hauptsächlich auch weil wir wissen, dass viele unserer Hörer keine „Dyed-in-the-wool Folkies“ sind und so auch kaum vertraut sind mit den ganzen Hintergründen zu den einzelnen Songs. Wir hoffen immer, dass es Leute gibt, die gerne mehr über die Lieder wissen wollen, und für die sind die Informationen gedacht.

Auf “Willie O’ Winsbury (reprise)” bezeihst du dich auf “The Wicker Man” und du schreibst, dass dein “Leben als Musiker unerbittlich mit diesem Film verbunden“ ist. Was glaubst du, warum dieser Film solch einen großen Einfluss auf Künstler ausgeübt hat? (nur eine kleine Anekdote: Ich erinnere mich, dass ich in Camden ein Buch über “The Wicker Man” kaufte und der Buchhändler – der Schotte war – zu mir meinte: Keine Sorge. Schottland ist eigentlich ein netter Ort. Normalerweise opfern wir keine Menschen.)

The Wicker Man war meine allererste Einführung in die Welt der Folkmusik, und obwohl ich dachte, ich wäre ein Einzelfall, merke ich immer mehr, dass es anscheinend eine ganze Generation von Männern in ihren 30ern aus allen Ländern gibt, die eine ganz ähnliche Erfahrung gemacht hatten. Mit der 1998 erschienenen Trunk Records-Wiederveröffentlichung des WM-Soundtracks hat das ganze Psych-Folk-Revival des letzten Jahrzehnts begonnen. Die Musik ist fantastisch und verbunden mit den eindrucksvollen Bildern des Films nimmt sie ein ganz eigenes Leben an. Ich habe keine Probleme damit zuzugeben, dass ich davon total besessen bin und – wie ich vorhin schon gesagt habe – bin ich da nicht allein.

In eurer CD verwendet ihr das Zitat “He on the ground lay dying, and his blood there lying”. Weist Folk immer auch auf Dinge hin, die sich irgendwo in der Dunkelheit verstecken und macht Folk es möglich, Situationen/Themen in Worte (und Musik) zu fassen, die sonst verborgen sind?

Nun, eine Menge britischer Folksongs sind sicher sehr düster, und viele Hörer (mich eingeschlossen) bevorzugen auch die dunkle Seite des Folk. Ich schätze, es ist wie bei Horrorfilmen – auch wenn sie dich ängstigen, du willst sie sehen. Die Leute scheinen von den grausameren und makaberen Dingen im Leben innerlich fasziniert zu sein,

Würdest du sagen, dass Folksongs archetypische Situationen reflektieren?

Nicht in erster Linie – viele traditionelle Folksongs haben ihre Wurzeln in einer Zeit vor der industriellen Revolution, in der es eine riesige Veränderung gab, wie die Menschen leben, und das Großbritannien des 21. Jahrhunderts ist sicher wie eine andere Welt verglichen mit derjenigen, die in den meisten traditionellen Folksongs porträtiert wird. Ich denke, dass gemeinsame Gefühle in Folksongs widergespiegelt werden, auch wenn das nicht bei Situationen der Fall ist.

Ihr habt auch an der Compilation “John Barleycorn reborn” mitgewirkt. Inwiefern geht es auch in eurem eigenen Werk um Tod und Wiedergeburt/Erneuerung?

Wir sind nicht wirklich mit von der Partie, was die ganzen Sachen mit dem Heidentum betrifft – einige unserer Songs mögen heidnische Themen transportieren, aber es gibt dahingehend keine wirklichen Intentionen. Ich sehe Folkmusik weniger als Wiedergeburt, eher als eine Art Weiterführung.

Würdest du sagen, dass das Geschichtenerzählen im Rahmen von Musik und Songwriting im Zeitalter moderner Medien zurückgegangen oder zumindest abstrakter geworden ist?

Es ist vermutlich zurück gegangen – ich denke, dass heutzutage generell weniger Kunstfertigkeit im Songwriting zu finden ist, und es braucht einen bestimmten Grad an Können, um einen guten „Story Song“ zu schreiben.

Der Wire-Journalist Rob Young hat gerade sein Buch “Electric Eden” über den britischen Folk veröffentlicht. In einer Review im Wire hieß es, dass er argumentiere, “Folk music […] is perennially a type of time travel, a magically effected montage rather than a coherent tradition.” Würdest du das unterschreiben?

Ich verstehe, was Rob sagt und ich denke, letztlich kommt es darauf an, auf welcher Seite des Zauns man sich befindet. Ebenso wie Rob habe ich keinen Folkbackground und war zu jung um das letzte zentrale Folkrevival Mitte der 60er mitzuerleben. Für Angehörige unserer Generation hat das viel mit Mythologisieren zu tun und ich nehme an, wir neigen dazu, eine Art Montage aus unserer eigenen Herangehensweise an Folk und was Folk für uns bedeutet herzustellen. Wenn man zum Lager der Puristen gehört, denke ich, dass man Rob widersprechen müsste – es gibt immer noch eine Menge Leute, die eine direkte Verbindung mit der Folktradition haben, Leute wie THE COPPER FAMILY, und ich gehe davon aus, dass sie seinen Behauptungen, dass das, was sie machen, nicht einer klaren und kohärenten Linie der Tradition folgt, vehement widersprechen würden.

Was kannst du uns über den “Ghosts from the Basement”-Event erzählen, an dem ihr (und viele anderen, u.a. Rob Young) teilgenommen hattet?

Der „Ghosts“-Gig war eine Ganztags-Feier des Village Thing-Labels, und wurde diesen Monat vor 40 Jahren von Ian A. Anderson ins Leben gerufen (Anm. d. Red.: Anderson ist Musiker und Publizist, und nicht identisch mit seinem Beinahe-Namensvetter von der Band JETHRO TULL). Das Label arbeitete außerhalb der Hauptsrömungen der frühen 70er und war eine wirklich kleine Sache. Sie nahmen ihre eigenen Alben auf, das ganze Graphic Design wurde im eigenen Haus gemacht, und sie betrieben zudem sogar noch eine Konzertagentur. Wir sind alle Fans von verschiedenen Leuten, die ihre Musik auf Village Thing herausgebracht hatten (Dave Evans, Wizz Jones, Sun Also Rises) und Ian erkannte, dass das was wir mit unserem Label Rif Mountain machen ziemlich in die gleiche Kerbe zielt wie VT. Deshalb fragte er uns, ob wir bei dem Konzert mitmachen wollten. Ich organisierte das Nachmittags-Programm und konnte ein paar Psych Folk-Legenden dazu bewegen, mit uns aufzutreten. Wir hatten Alison O’Donnell von MELLOW CANDLE, Dennis Holmes von SYNANTHESIA sowie Mark Fry. Es war wirklich ein ganz besonderer Tag.

Eine Zeitlang betrachteten die Mainstreammedien (Weird-, Freak- etc.) Folk als das nächste große Ding, bevor sie sich wieder auf andere Genres konzentrierten. Ich habe den Eindruck, dass ihr Folk ohne irgendein Präfix spielt (und vielleicht bevorzugt?). Fühlst du trotzdem eine gewisse Verbundenheit mit Künstlern, die unter Weird Folk eingeordnet werden?

Wir versuchen es wirklich eher straight zu spielen und mir wäre es lieber, wir würden nicht als Psych-Folkband betrachtet. Ich würde sagen, dass wir eine Folkband mit Psych- und Rockeinflüssen sind, hauptsächlich, weil wir primär traditionelle Musik spielen. Dennoch schulden wir vielen Psych-Folkbands sehr viel: Wir sind massiv von Comus, Mellow Candle, COB, Pearls Before Swine, Forest etc. beeinflusst worden.

Was würdest du denn sagen, was eure Musik in Ansätzen “psychedelisch” macht?

Es ist alles in der Instrumentierung zu finden – Ausbrüche von Fuzzgitarren, trippy, eine stark verhallte Sitar, dichte, seltsam gestimmte Akustikgitarren. Mir gefällt die Vorstellung, dass wir das alles äußerst geschmackvoll verwenden, aber ich habe kein Problem damit, wenn Leute das Wort psychedelisch verwenden, um uns zu beschreiben – es ist ein großer Teil dessen, das wir machen.

Englischer und amerikanischer Folk existiert nun schon sehr lange parallel, und sicher wissen einige über den Einfluss englischer Musik auf Americana. Wie beurteilst du die umgekehrte „Rück“-Beeinflussung, und gibt es bestimmte amerikanische Musiker, die ihre Spuren bei euch hinterlassen haben?

Ich denke, sowohl das Folk Revival der 60er als auch das gegenwärtige schulden der amerikanischen Folkmusik eine Menge. Dylan und The Band waren sehr einflussreich darin, die englischen Musiker dazu zu bringen, sich von ihrer eigenen Tradition beeinflussen zu lassen. Und dann darf man nicht vergessen, dass Fairport Convention anfangs noch eher wie eine Band von Haight-Ashbury klangen. Dreißig Jahre im Schnelldurchgang nach vorn begegnen uns ESPERS, Ben Chasny, FERN KNIGHT etc., die eine ganze Generation britischer Musiker dazu inspirieren, neue und faszinierende Folkmusik zu machen. Was US-Künstler betrifft, die uns direkt beeinflusst haben, ganz sicher PEARLS BEFORE SWINE und Ben Chasny, ebenfalls Perry Leopold, THE TREES COMMUNITY und Gwydion Pendderwen.

Jetzt haben wir so viel über Folk gesprochen – welche anderen Arten von Musik hört ihr sonst noch gerne?

Wie schon gesagt, liebe ich Prog und Psychedelic der 60s und 70s lange bevor ich Folk für mich entdeckte, und ich höre immer noch am meisten solche Sachen. Noch älter ist meine Vorliebe für Heavy Metal, den ich immer noch gerne höre – meistens die gleichen Bands wie damals (Slayer, Metallica, Celtic Frost etc), aber ein paar neuere Metal-Sachen mag ich ebenfalls.

(M.G & U.S.)

Nach einer EP namens „The Burn Comes Down“ ist „The View Fron A Hill“ der offizielle Nachfolger des Debütalbums „A Garland of Songs“ und zugleich der zweite Teil einer Reihe namens „The Pattern Beneath The Plough“, die mit einer 7” und einer weiteren EP zum Abschluss kommen soll. „The View…“ enthält ausschließlich Neuinterpretationen traditioneller englischer Songs, die bereits im besagten Folkrevival vor rund vierzig Jahren ihre Umsetzung fanden. Doch wenngleich die musikalischen Referenzen auf diese Zeit ebenso stark sind wie auf dem Debüt, fällt doch ein weniger süßlicher und angenehm unverkitschter Ton auf. Insgesamt lebt das Album sehr stark vom Spannungsgefüge aus sauberer Produktion und einer dennoch urigen Atmosphäre, welche die sieben Engländer und ihre Helfer (neben O’Donell u.a. Joolie Wood) ihrem üppigen Instrumentarium aus Streich-, Zupf-, Blas- und Perkussionsgeräten zu entlocken wissen.

Auf der einen Seite gibt es kraftvolle, beinahe feierliche Stücke, bei denen Sängerin Nancy Wallace klare Stimme besonders zur Geltung kommt. Sie rufen die Aufbruchstimmung in Erinnerung, die das große Folkrevival damals begleitet haben muss. Teilweise haben sie cineastische Qualitäten, wie beispielsweise das eröffnende „Polly on the Shore“, das die Sammlung mit erdigem Cello, Trommelrollen und erwartungsvoll stimmenden Rasseln einleitet, oder „Willy O’Winsbury“, das in zwei Versionen vorhanden ist, von denen man eine von Paul Giovannis Interpretation aus dem „Wiccer Man“-Film kennt. Andere Stücke weisen eine eher spröde Urigkeit auf, wie das sarkastische a capella-Stück „Sorry the Day I was Married“, ein vermutlich irisches Traditional über die Leiden und Monotonien der Zweisamkeit. Oder „Ladies, Don’t Go A-Thieving“, das viele Eigenschaften hat, die man gerne dem amerikanischen Folk der Apallachian-Tradition zuschreibt ohne zu ahnen, wie englisch sie eigentlich sind. Mit „The Loyal Lover“ gibt es jedoch auch Songs, die mit klarer Stimme und betörender Melodik an die harmonischen Highlights der ersten Stunde anknüpfen, an „North Country Maid“ oder ihre Version von „The Rolling of the Stones“. Mit „The Bold Poachers“ ist sogar so etwas wie eine Rockballade mit im Programm. In dieser Vielgestaltigkeit sollte „The View…“ ein reizvoller Anlass sein, in die Welt des englischen Folk einzutauchen. Gerade das schön gestaltete und informative Booklet machen die Platte vor allem als physischen Tonträger besitzenswert.

The Owl Service spielen eine Variante des Folk, die heutzutage über den reinen Hörgenuss hinausgehend auch eine stark bewahrende Funktion hat, allerdings nicht als Selbtzweck, denn die Ausdrucksstärke einer solchen Musik und ihre Fähigkeit, auch in neue Kontexte zu passen, ist auf “The View..” allerorts evident. Lobenswert daran ist zudem die angenehm unprogrammatische Umsetzung, die weder eine projektive Vergangenheit idealisiert, noch einem allzu verkitschten Scheinidyll erliegt. Das ist freilich noch lange nichts für Fachleute, für die die Brechung das Maß aller Dinge ist. Schön, dass Mojo und einige andere da eine Ausnahme bilden. (U.S.)

Im Small Talk bzw. in der Selbstrubrizierung in gängigen Netzportalen reicht meistens schon ein fehlender Schrammelfaktor und das Vermeiden betulich-nostalgischer Stimmungen, um Folkmusik mit dem Attribut „psychedelisch“ zu versehen. Und bei Erzeugnissen neueren Datums muss die Assoziation möglich sein, dass solche Musik auch schon irgendwie in der Zeit um 1970 funktioniert hätte, das Stichwort lautet „hippiesk“. Bei der Frage, wie melancholisch der oftmals traumwandlerisch anmutende Psych Folk sein darf, scheiden sich die Geister, was vielleicht daran liegt, dass sich unter seinen Anhängern auch manch abtrünniger Darkfolker findet. Für die meisten gilt psychedelische Musik wohl eher nicht als „schöne Kunst der Kopfhängerei“ (U. Horstmann), ihr Fokus liegt schon eher auf ekstatischen Glücksmomenten ohne allzu wehmütige Töne – was Vertreter wie BIRCH BOOK dann zu interessanten Grenzfällen macht. Soweit zur Klischeekiste, etwas konkreter wird es, wenn man auf das häufige Integrieren von Instrumenten und Spielweisen sogenannter Weltmusik in das westliche Rahmeninstrumentarium verweist, auf Zithar, Oud oder auf die Kompositionsweisen indischer Klassik. Auf entrückt anmutenden Gesang, den repetitiven Aufbau und die dröhnende Sogwirkung der oftmals langen Stücke, deren Texte und visuelle Begleiterscheinungen häufig um spirituelle Themen kreisen. Und am Ende sollte einem klar sein, dass es bei solchen Fachsimpeleien nicht um Normativismus gehen darf, sondern um den Versuch, inflationäres Termdropping zu vermeiden.

Zur Mitte der Nullerjahre war Folk jedweder Art eine zeitlang mal wieder richtig in – zumindest in urbanen, bohèmehaften Kreisen, denn mich würde es stark wundern, wenn in meinem 300seelen-Geburtsort irgendwer Notiz genommen hätte selbst von einer Vorzeigefigur wie Devendra Banhart. Was immer man vom Folk als Modephänomen halten wollte, kommerzielle Zugpferde Marke CocoNewsom ebneten sicher auch „kleineren“ Künstlern und Labels nachhaltig manche Wege. Dass die Kulturindustrie sich nach zwei, drei Jahren anderen Gebieten zuwenden würde, war abzusehen, und der Bruch vom Hype zum Schnee von gestern lässt sich ganz passend an einem recht uncharmanten Alela Diane- und Marissa Nadler-Verriss aufzeigen, der vor zwei Jahren in einem bekannten Magazin für Popkultur erschien, in welchem er ein/zwei Jahre zuvor kaum denkbar gewesen wäre. Dort verwies der Verfasser – nicht ohne Ausnahmen zu benennen – in einem polemischen Rundumschlag auf die Spießigkeit weiter Teile der Folkcommunity und markierte so in wohl unfreiwillig symbolischer Handlung das Ende einer medialen Kleinstepoche (Exkurs: Der Vorwurf des „nur Netten“ bei beiden Sängerinnen ist natürlich legitim, wenngleich Nadlers vordergründige Bravheit von einer leisen, eigenbrötlerischen, mitunter spukhaften Exzentrik ist, die man allerdings mögen muss, um sie recht zu erkennen). Mittlerweile, nach dem Abebben des Booms, fallen verstärkt epigonale Erzeugnisse ins Auge, auf der anderen Seite behaupten manche Taktiker, eigentlich niemals Folk gemacht zu haben und berufen sich auf ein recht enges Genreverständnis. Der übliche Lauf der Dinge eben, den man nicht aufhalten kann und wohl auch nicht sollte. Im Ganzen ist Folk heute schlicht Teil eines musikalischen Gesamtspektrums und aus diesem nicht mehr wegzudenken, und somit wirkt die Folkausgabe der Rough Trade-Reihe (deren Nummerierung auf die Jahreszahl verweist) nicht nur als Appetitmacher auf aktuelle Alben, sondern auch wie ein kleiner rückblickender Kanon zur Erinnerung an ein gar nicht mal so unergiebiges Revival.

Die Sammlung enthält einundzwanzig Songs aus den letzten zwei Jahren, meist von Künstlern, die selbst über Rough Trade vertrieben werden – man muss nicht auf alle Stücke eingehen, aber einige besonders repräsentative Perlen sollten pflichtbewusst hervorgehoben werden. Den eröffnenden Part übernimmt gleich eine der renommiertesten Hauptfiguren amerikanischer Folklore: JACK ROSE, dessen früher Tod vor einigen Monaten eine große Lücke hinterließ, ebenso wie den berechtigten Verweis vieler Kollegen auf die Unsterblichkeit seiner Musik. Sein „Moon In The Gutter“ vom „Luck in the Vally“-Album ist ein so simples wie rauschhaftes Zusammenspiel auf Banjo und hypnotischer Steelgitarre, das keiner Worte bedarf. Wer an der Bedeutung von Country Blues und Rootsmusik im traditionellen Americana Folk interessiert ist, bekommt hier ein repräsentatives Beispiel geboten. Eine von Modefolkern oft unterschätzte graue Eminenz ist GREG WEEKS aus Philadelphia, der sich seit Jahren als Musiker, Produzent und Verleger verdient gemacht hat. Sein wohl beliebtestes Projekt ESPERS ist mit „I Can’t See Clear“ vom leider etwas untergegangenen Album „III“ vertreten, einem fast poppigen Song mit kräftigen Gitarren, heller und weniger „subterranian“ als frühere Werke. Die Engländer von THE OWL SERVICE wären für diese Compilation sicher zu romantisch-pittoresk, hätten sie einen Song ihres bisher erfolgreichsten Albums „A Garland of Songs“ beigesteuert. „Ladies Don’t Go A-Thieving“ wirkt verspielter, aber zugleich trockener und unverkitschter, und macht auf das neue Album „A View From A Hill“ gespannt. Zum Pflichtprogramm zählt Laura Naurikonnen alias LAU NAU mit ihrem kindlich-verzückten Gesang, bei dem man nie so richtig weiß, ob er sich des Finnischen oder einer Fantasiesprache bedient. Das zwei Jahre alte „Pacific Siren“ von ZAK RILES ist einer der Höhepunkte der Sammlung: Das gelassene Gitarrenpicking und die westernartige Stimmung sind hier weniger psychedelisch als sein rockigeres (und bekannteres) Bandprojekt GRAILS, deren „Stray Dogs“ aus der fantastischen „Black Tar Prophecies“-Reihe sich hier nahtlos eingefügt hätte.

Einigen Blacklesern wird natürlich auch die starke Präsenz der erweiterten CURRENT 93-Familie auffallen, hier vertreten durch das Zusammenspiel von Sopran und Schlagwerk bei TREMBLING BELLS, von Falsett und Acidriffs bei HUSH ARBORS und von krachigem Soundwall und chorartigem Gesang bei SIX ORGANS OF ADMITTANCE – gerade die beiden letztgenannten Gruppen verkörpern meines Erachtens in Reinkultur, was man heute unter Psych Folk versteht, v.a. diejenigen Six Organs-Scheiben, die Ben Chasny auf Drag City herausbringt, zählen zum Eingängigsten des Genres, ohne im geringsten nach trendigem Hype zu riechen. Alex Neilsons Trembling Bells-Projekt wiederum demonstriert, dass ein Revival des klassischen PENTANGLE- und FAIRPORT CONVENTION-Sounds keineswegs wie ein reines Fanprojekt klingen muss. Doch all das ist wie gesagt nur eine repräsentative Auswahl, Steven R. Smith von den dronigen ULAAN KHOL und der diesmal Blues- und Ragtime-inspirierte ALASDAIR ROBERTS bleiben ebenso im Ohr, andere würden vielleicht SLEEPY SUN, WOODS oder KATH BLOOM hervorheben.

Um es kurz zu machen, „Psych Folk 10“ fasst nicht willkürlich ein paar hippe Bands mit Akustikgitarre unter einem Schlagwort zusammen, um ein paar Jahre nach „Golden Apples Of The Sun“ noch ein bisschen Kohle zu scheffeln. Da die CD irgendwie auch Vertriebsschau ist, erübrigt sich das Lamento, warum etwa NICK CASTRO, die FAUN FABLES und welche Lieblingsband auch immer nicht mit von der Partie sind, wobei der Labelfaktor und der recht allgemein gehaltene Titel sicher nicht ganz so gut zusammen passen. Natürlich wären auch ein paar mehr Finnen und der eine oder andere Totengräber aus Benelux wünschenswert gewesen. Vielleicht dann bei einer späteren Fortsetzung. (U.S.)

Es mag eines der am häufigsten interpretierten Traditionals sein (von TRAFFIC und STEELEYE SPAN bis zu FIRE AND ICE und STONE BREATH). Im Konzept, das im Booklet ansatzweise dargelegt wird, wird betont, dass das auf den ersten Blick seltsam (anachronistisch) anmutende Adjektiv “dark“ nicht musikalisch zu verstehen sei, sondern in einer ähnlichen Weise, wie in “Dark Ages“ (mit dem in etwa der Zeitraum des frühes Mittelalters beschrieben wird), also eine Zeit, über die verhältnismäßig wenig bekannt ist, ebenso wie ­– wie postuliert wird – über die hier vorgestellte Musik der Künstler, die bisher noch nicht so sehr vom Folk-Revival haben profitieren können. Man findet Musik, die versucht, ursprüngliche Traditionslinien zu erkunden, aber gleichzeitig auch experimentelle Elemente integriert. Das Projekt ist also  – um ein inflationär gebrauchtes Wort zu gebrauchen – “ambitioniert“. Das der Compilation den Titel gebende Lied wird insgesamt dreimal vertont. Ansonsten orientieren sich eine Vielzahl der Künstler an traditionellem Material (MARY JANE interpretieren z.B. “Twa Corbies“, Traditionals werden ebenfalls u.a. von Charlotte Greig & Johan Ashterton, PUMAJAW oder VENEREUM ARVUM vertont), andere der Beteiligten verwenden eigene Texte (z.B. THE STORY oder Tony Wakefords von M.R. James beeinflusste THE TRIPLE TREE), man hört Folk Rock von MARY JANE, von Drehleier getragene Stücke, die sich dem Drone annähern (DROHNE), Melancholisches (SAND SNOWMAN), Experimentelleres (XENIS EMPUTAE TRAVELLING BAND, ENGLISH HERETIC), melodischen Folk (z.B. von der großartigen Sharron Kraus) und auch Unerwartetes (wie z.B. von Martyn Bates, der sich ja schon vor langem auf den drei Alben mit Mick Harris “Murder Ballads“ widmete und dessen Stimme normalerweise unverkennbar in ihrer Fragilität und Entrücktheit ist, aber auf seinem Beitrag hier nur eine einsame Flöte erklingen lässt).  Weitere Beteiligte sind z.B. der ehemalige DEAD CAN DANCE-Mitstreiter Peter Ulrich, QUICKTHORN (bei denen STONE BREATH-Mitglied Prydwyn mitsingt). Manches ist  etwas arg rückwärtsgewandt (THE OWL SERVICE, DAMH THE BARD, der vielleicht unfreiwillig komisch wirkt), aber alles in allem ist das eine gerade wegen ihrer Heterogenität innerhalb gewisser Konstanten tolle nie langweilende Veröffentlichung. Auch wenn die Rezension leicht enumerativen Charakter hat (das mag in der Natur dieser Veröffentlichung liegen), sollte dennoch (oder gerade deswegen) deutlich geworden sein, dass innerhalb der Gattung Folk  eine Menge möglich ist. Rob Young schreibt im WIRE (bezogen auf den Folk, der Anfang der 70er virulent wurde) sinngemäß, dass der Terminus British Psychedelic Folk am besten dazu geeignet sei, das Spannungsfeld zwischen Bewahrung und Fortschreiten, Land und Stadt, Akustischem und Elektrischem, Selbstgesponnenem und Visionären zu beschreiben. Diese Reibung zwischen diesen (vermeintlichen) Gegensatzpaaren zeigt sich auch auf “John Barleycorn Reborn“ und das ist durchaus als Lob zu verstehen.

Wer im sonst informativen Booklet Informationen zu den Künstlern und einzelnen Tracks vermisst, kann sich ein mehrseitiges pdf-file als Ergänzung von der eigens eingerichteten Website herunterladen – ebenso wie einen dritten Teil, auf dem weitere 33 (!) Tracks zu finden sind (soviel wie auf den ersten beiden CDs zusammen – ein erneuter Verweis auf das Zyklische?).

(M.G.)