Die neuen Aufnahmen lenken einen besonderen Fokus aus die klanglichen Eigenschaften gesungener arabischer Phoneme, auch und v.a. im Zusammenhang der Gestaltung synthetisierter elektronischer Sounds. Basierend auf ihrem Forschungsprojekt Taïma’ erweiterte sie zudem den Klangbereich der Oud und kombinierte deren Sound nahtlos mit synthetisierter Elektronik. Im Begleittext heißt es: “It [...] amplifies subtle, often overlooked sounds generated during playing, such as resonances and fingerboard friction”. Zum Aufbau des Werks heißt es: “The composition is organised into five distinct stages, each contributing to a process of gradual revelation. As the tracks unfold, they strip away layers of constructed emotions and perceptions that have been intricately woven over time, to expose a space that no longer exists. Wishah is a farewell to home”. Das Album erscheint als CD und zum Download. 

“My last album opens with a piece called A Ritual. I think of this piece as a somewhat aggressive, long-form meditation on intimacy and ecstasy. There’s a reason I think about it like this. The 19 minutes that comprise the track were taken from a much longer recording; a 2 hour improvisation I performed privately for my partner, Yann Novak. Performance is always a personal experience, even when offered communally, but this particular performance was very much about a shared moment, in an environment that foregrounded the personal. The low, undulating frequencies in the piece underscore a sense of the physical for me. I’d like to think it’s a work that dwells on upon the vibrational qualities of sound, and offers a respite within its mesh of rich harmonics, pushing a listener towards the ecstatic. For Ritual Variations, I reached out to friends and artists whose work I respect and admire for various reasons. I gave these seven artists, including my partner, access to the original 2 hour recording and invited them to create new compositions using it as source material. It was a chance for them to also consider the private, intimate nature of the recording itself.” (Robert Takahashi Crouch)

Im Pressetext zum Album wird die Frage gestellt, ob es je eine bessere Zeit gegeben habe, diesen Planeten zu verlassen und sich zu den Sternen zu „verpissen“, und passenderwiese heißt das erste Stück „For The Dark Planets“. Dennoch klingt der Track von der Stimmung gar nicht so (ver)dunkel(t), wie es der Titel denken lassen mag. Man hört ein bearbeitetes Blasinstrument inmitten dronig-flächiger Passagen. Das Stück ist, wie auch der größte Teil des restlichen Albums, fortwährend in Bewegung und entwickelt eine ziemliche Dynamik. Auf „Into Burning Labyrinths (Fuse-Fire-Seed)“ hört man flirrende Sounds und Perkussion. Sucht man Vergleiche außerhalb des UnicaZürn-Kosmos könnte man vielleicht Coils „Tiny Golden Books“ als Referenzpunkt nennen. “Stems of The Shadowmind” ist für mich ein erster Höhepunkt: erneut nimmt man diese Dynamik, diese Bewegung innerhalb des Tracks wahr und dann setzt nach einer Weile Throwers Saxophonspiel ein. Vielleicht ist das Jazz für die Blade Runner-Bar. Auf „A Gulp Of Moss A Breath of Stone“ fluktuiert, oszilliert die Elektonik. Gegen Ende erklingen verfremdete, seltsame Stimmen. Der Bonustrack „Frozen Scars and Laudanum“ fällt etwas ruhiger aus als die anderen vier Tracks, die Bewegung wird zurückgenommen und das Stück hat durchaus Soundtrackqualitäten: in der Ferne flirrende Hochtöne, Pulsieren, ein Blasinstrument lässt sich erahnen.

Vor einiger Zeit sagte Thrower in einem Interview bezogen auf die Musik UnicaZürns: „We’re fond of long-form pieces, extended trips, and I see what we do as having strong psychedelic qualities, with underlying tension and a sense of the uncanny.” Das ist eine durchaus angemessene Beschreibung dessen, was man auf „Sensudistricto“ hören kann, denn „trip“ kann immer (auch) zweierlei meinen: Die (durch psychotrope Substanzen verursachte) Reinigung der „Pforten der Wahrnehmung“ (Huxley via Blake) und die daraus resultierenden Bewusstseinsverschiebungen (worauf der letzte Titel mit seinem Verweis auf flüssiges Opium hinweisen mag) und eine Reise im eigentlichen Sinne, die diese narrativen, ausufernden, psychedelischen Tracks durchaus evozieren können. (MG)

Label: Touch

Auf dem neuen Album des aus dem Improvisationsprojekt The Amal Gamal Ensemble hervorgegangenen Duos, das sich nach der Schriftstellerin und Zeichnerin Unica Zürn benannt hat, befinden sich erneut zwei lange Tracks: Auf „Breathe the Snake“ meint man Möwenschreie und Wellenrauschen zu hören. Der Track ist fortwährend in Bewegung, die einzelnen Klangschichten scheinen ineinander überzugehen, und wenn nach drei Minuten melodische Flächen langsam einsetzen, muss man unweigerlich an Ebbe und Flut denken. „Breathe the Snake” ist ein in verdichtetes und dichtes Stück, das nach zehn Minuten hektischer wird. Bleibt man bei der am Anfang thematisierten Bildlichkeit, dann hat es etwas Strudelhafttes, eine gewsse Unruhe, die an den Sturz in den Maelstrom denken lässt.

„Pale Salt Seam“, auf ein Gedicht Frederico García Lorcas anspielend (ein Autor, nach dem der jüngst verstorbene Leonard Cohen seine Tochter benannte), klingt weniger unruhig, es beginnt mit einzelnen Tönen, die von sphärischen flächigen Klängen untermalt werden. Die Elektronica scheint hier weniger auf das Meer zu verweisen als auf andere Weiten, denn die Synthesizermotive lassen „kosmische“ Assoziationen aufkommen. Von der Stimmung wird hier fast schon ein paradiesisches Geborgensein im Hörer erzeugt. Nach etwa zehn Minuten setzt ein Mellotron ein und man fühlt sich, als wohne man einem Sonnenaufgang auf einem fernen Planeten bei. Großartig. (MG)

Label: Touch

Auf “Dark Matter” verwendet Williams ausschließlich zwischen 1993 und 2003 zusammengetragene Aufnahmen kosmologischer Aktivitäten (Strahlung, Quasare etc.) als Ausgangsmaterial. Schon auf dem Album „Trans Plutonian Transmissions“, das unter dem Projektnamen Arecibo 1994 veröffentlicht worden war, wurde auf solche Aufnahmen zurückgegriffen. Verglichen mit jenem Album ist „Dark Matter“ – ein Album, das schon lange geplant war – allerdings wesentlich reduzierter, minimal(istisch)er. In einem 2001 veröffentlichten Interview sprach Williams davon, er plane “a long-delayed very minimal Lustmord ambient album to be called “Dark Matter”, which will only utilize recordings of deep space and interstellar activity that I’ve collected over the years” zu veröffentlichen.

Williams hatte in den letzten Jahren immer wieder das Klangspektrum erweitert, ob etwa durch den Einsatz von Keyboards auf „Metavoid“ (die dazu beitrugen, dass sich das Album partiell Filmmusik annäherte), die Verwendung von Gitarren auf „Other“ oder aber dadurch, dass er Stimme(n) auf dem 2013 veröffentlichten „The Word As Power“ ins Zentrum rückte. Die auf „Other“ basierenden sehr reduzierten Alben „[Beyond]“ und „[The Dark Places of the Earth]“ mit „extended ambient remixes“ wirkten dagegen fast wie eine kleine Korrektur, denn auch wenn man eine allzu puristische Herangehensweise vielleicht ablehnt (da Hybride oftmals spannender sind bzw. sein können), so waren die fast schon außerweltlich klingenden tiefen Bassfrequenzen, die das Werk des gebürtigen Walisers prägen, wesentlich besser geeignet, Musik zu erzeugen, die den Hörer in einen Raum außerhalb unserer Erde beförderte, wohingegen konventionelle(re) Instrumente den Klang letztlich doch (manchmal allzu sehr) auf dem Boden der Welt verankerten.

„Dark Matter“ besteht aus drei langen Tracks: „Subspace“ beginnt mit einem melodischen Ton, bevor die typischen tiefen Basssounds einsetzen. Auf „Astronomicon“ scheint Wind zu wehen, der an Stärke zunimmt und auch „Black Static“ wird von einem dunklen Brummen dominiert, ganz so, als solle die im Booklet als Umkehrung des biblischen Schöpfungsmythos abgedruckte Behauptung „The Universe began of darkness, not of light“ unterstrichen werden. Nach 70 Minuten tiefster Schwärzer ist der Hörer sicherlich soweit, das zu glauben. (MG)

Label: Touch

Das vor gut 25 Jahren bei Touch erschienene „Aurore“ ist vielleicht das bekannteste der überwiegend auf bearbeiteten Feldaufnahmen basierenden Alben, die die ursprünglich aus Marokko stammenden Franzosen v.a. in den frühen 90ern herausbrachten. Zu seinen besonderen Stärken zählt die Balance, in der organisch und elektronisch klingende Komponenten, natürliches und künstliches, sich stets die Waage halten. Feuer und Wasser sind die Hauptkomponenten des Klangmaterials, das in unterschiedlichen Graden der Verfremdung vorliegt und insgesamt in eine eher ambiente Form von plastischer Gestalt und meist auch übersichtlicher Struktur gebracht wird.

In besonders beeindruckenden Momenten fühlt man sich an das Summen von Insekten erinnert, denkt vielleicht an Aufnahmen von Dave Phillips oder klassische Aube-Arbeiten. Mit diesen Klängen verstehen es Étant Donnés, Spannung aufzubauen – einerseits durch die sich langsam, mit einigen retardierenden Momenten, steigernde Dynamik, die oft einen rhythmischen Einschlag bekommt und doch ohne echte Beats auskommt, zum anderen durch die spukhaften Vocals, deren Abgründigkeit durch simple Raumklangeffekte und plötzliches Variieren der Lautstärke an Intensität gewinnt.

Im zweiten der unbetitelten Stücke wird die Rhythmik aus einem Gewittersample gezaubert, das einen anfangs noch heimelig anmutenden Regenschauer übertönt, zusammen mit den geflüsterten Text, der sich gekonnt in den Takt des Donner(n)s einfügt, entsteht eine ausgesprochen düstere Atmosphäre, die ähnlich wie beim Glockenläuten in einem weiteren Stück an die Stimmung europäischer Gothic Horror-Filme erinnert.

Nachdem das Album jahrelang vergriffen war, sind nun 500 schwarze Vinylscheiben erschienen. Zwei weitere Alben aus dieser Ära sollen ebenfalls noch in diesem Jahr folgen.

Label: Penultimate Press

Mit Soziologie hat Watsons neuestes Projekt allenfalls am Rande zu tun, vielmehr ging es in dem von der Durham University finanzierten Auftrag darum, die klangliche Atmosphäre der nordenglischen Insel Lindisfarne möglichst in Abwesenheit zivilisatorischer Klangquellen aufzunehmen und zu dokumentieren. Lindisfarne, das so nahe an der Küste gelegen ist, dass man es bei Ebbe auch per Auto erreichen kann, ist ein für die Geschichte Großbritanniens wichtiger Ort. Im 7. Jh. ließen sich dort schottische Mönche nieder, primär in der Absicht, von dort aus den nicht keltisch geprägten und aus christlicher Perspektive rückständigen Teil der Britischen Inseln zu missionieren. Bald entstand auf der „Holy Island“ das zeitweise wichtigste Kloster dieser Bewegung, die unabhängig und z.T. im offenen Widerspruch zu Rom agierte und erst gut zwei Jahrhunderter später durch Wikingerüberfälle zuende ging. Das wichtigste bis heute erhaltene Erzeugnis aus dieser Zeit sind die Lindisfarne Gospels, eine pergamentene Evangelien-Ausgabe von beeindruckender künstlerischer Virtuosität. Über all dies kann man sich in dem aufwendigen Booklet informieren, das auch optisch – Stichwort Jon Wostencroft – den bekannten Touch-Standards entspricht.

Vom Kloster der frühen Missionare sind heute nur noch Ruinen erhalten, ebenso von der späteren Benediktinerabtei und der in der Neuzeit errichteten Wehrburg. Dass die Insel heute primär Vogelschutzgebiet ist, fällt bei den Aufnahmen, die jeweils eine Jahreszeit dokumentieren, am deutlichsten ins Auge, denn neben der Brandung und den Geräuschen von Wind und Regen sind vor allem Vögel zu hören – ihre Stimmen, ihre Bewegungen in Luft und Wasser. Monoton und eindimensional ist das keinesfalls: Im „Winter“-Teil hat das Schnattern der Gänse und Enten einen fast rhythmischen Charakter, so dass man für Momente an der fehlenden Bearbeitung zweifeln mag, das An- und Abschwellen ihrer Stimmen über dem konstanten Dröhnen der Brandung erfolgt zwar in Intervallen, die allerdings sind in Länge, Dichte und Klangfarbe stets unberechenbar. In den weiteren Jahreszeiten „Lencten“, „Sumor“ und „Haerfest“ kommen weitere Vogelarten hinzu, Schwalben, Möwen und etliche mehr, die im Booklet akribisch aufgeführt sind, und es muss Spaß machen, dies alles auseinanderhalten zu können. Der Frühling mit seinem helleren, luftigeren Klang und seinen sanften Wellen klingt insgesamt maritimer, im Sommer gerät die Brandung zu wahrem Lärm und im Winter gesellen sich Robben hinzu. Unerklärlich das Klingeln (von einem Schiff?) und die gruseligen Tierstimmen im zweiten Teil, die sich wie menschliche Stimmen anhören.

Natürlich werden einige monieren, dass auf der CD „nur“ Vogelstimmen und andere Naturgeräusche zu hören sind und behaupten, die Idee sei besser als das Resultat. Aber das wäre nur ein Indiz für Desinteresse, denn das Resultat lebt von der Idee, und beansprucht keineswegs zur Hintergrundbeschallung gehört zu werden. Watson dokumentiert die Klänge einer Insel, wie sie vor der Ankunft der ersten Mönche geklungen haben mag und wie sie auch heute wieder klingt, ohne Gebete, Gesänge und Glocken. Wer hat nun den Sieg davon getragen, die christliche Religion oder die ewigen Rhythmen des Jahres und der Gezeiten? Bedenkt man die beeindruckenden Ruinen und die Seiten der Lindisfarne Gospels, dann sollte klar werden, dass dies keine Frage von entweder/oder ist. (U.S.)

Label: Touch

Auf deutsch bedeutete der Titel „Leyfðu Ljósinu“ sinngemäß das Erlauben oder Zulassen des Lichtes. Mit diesem Titel im Hinterkopf begab sich die Künstlerin Anfang des Jahres ins Music Research Centre der University of York, um dort im Rahmen eines Workshops ein rund vierzigminütiges Set einzuspielen und aufzunehmen. Zur Verfügung standen ihr das Cello, ihre Stimme, drei Mikrophone und ein rudimentäres Set an Effektgeräten wie etwa das obligatorische Looppedal. Live im Studio einer musikwissenschaftlichen Veranstaltung, das klingt erst einmal nach improvisiert und theorielastig, erfreulicherweise ist aber beides nicht der Fall.

Das Ergebnis ihres Experiments ist ein langes, in sich abgerundetes Stück mit deutlicher Spannnungskurve, sowie ein kurzes einleitendes Vorspiel, welches die einzigen Momente enthält, denen man den improvisierten Charakter der Darbietung noch anhört. Es klingt wie ein vorbereitendes Warmspielen, überwiegend auf den tiefen Saiten mit ihrem warmen Klang, den man so gerne mit dem Cello assoziiert. Doch das Stück stimmt den Hörer nicht nur ein, es enthält auch bereits einen Großteil des Rohmaterials, das im Hauptstück verwendet wird. Dieses beginnt zunächst ruhig und unaufgeregt, im Vordergrund steht zu Beginn, was ungewohnt ist, ihre Stimme. Auf der Basis tiefer Klänge wiederholt sie den Titel in schlichter und zugleich sakral anmutender Weise, wie ein Mantra, das sich irgendwann in den verwunschenen Klangwelten verliert. Dem Klischee nach ist „Leyfðu Ljósinu“ aller Lichtmetaphorik zum Trotz Musik für den Herbst. Die impressionistische Verschwommenheit, die Hildurs Musik so sehr von den klareren Kompositionen Julia Kents unterscheidet, hat eine verwunschene Natur und eine triste Färbung, auch wenn sie durchaus Freude zulässt von der Art, die nach William Blake „nicht lacht“. Im Großen mag die anfangs noch etwas mäandernde Musik in einem stetigen Fluss begriffen sein, auf den vielen kleinen Binnenebenen jedoch wird das dramatische Ringen und die vielen kleinen Rückschläge angedeutet, welche das Hereinlassen des Hellen mit sich bringt: Momente reiner Statik, kurze Verzerrungen, bedrohliches Dröhnen, kleine schrille Ekstasen und durch perkussive Striche erzeugte Stakkatos.

Was für einen spirituellen Vorgang Hildur auch immer mit der Lichtmetapher umschreiben mag, es handelt sich dabei keineswegs um eine einfache, belanglose Gratiserleuchtung, wie sie vermutlich zahllose Buchcover aus der Esoecke suggerieren, sondern um eine innere Auseinandersetzung, deren Dramatik offenkundig wird, sobald man Zugang zu den Klängen gefunden hat. Nur Antony konnte etwas Themennahes mit „Daylight and the Sun“ ähnlich kraftvoll ausdrücken, und in beiden Fällen kommt die Offenheit, der Andeutungscharakter des Motivs dem Charisma der Musik zugute.

Label: Touch