Von dieser vielschichtigen Symbolik ließ sich das Santa Sangre Magazine für seine bezeichnenderweise siebte Compilation inspirieren, die vor einigen Wochen unter dem Titel “The Seventh Continent” erschienen ist. Sechsundsiebzig exklusive Beiträge unterschiedlichster Künstlerinnen und Künstler kreisen um die Idee eines imaginären Zufluchtsortes, eines inneren Kontinents, der sich den Ängsten und Zwängen der Gegenwart entzieht, wobei der Bezug zum Film je nach Beitrag von eher lose bis sehr direkt rangiert. Entstanden ist so kein thematisch eng gefasstes Konzept, sondern ein weit verzweigter Kosmos persönlicher Klangwelten, dessen stilistische Bandbreite von dunklem Ambient über experimentelle Elektronik bis hin zu Folk, Drone, Postpunk und den lärmigen Künsten reicht.

Auf sämtliche Beiträge einzugehen, würde den Rahmen dieser Rezension sprengen. Einige der Stücke sollen jedoch stellvertretend einen Eindruck von der Vielfalt der Zusammenstellung vermitteln. Die stärker elektronisch geprägten Beiträge eröffnen dabei ein faszinierendes Spektrum. Mode In Gliany überrascht mit einem tanzbaren Synthiestück an der Grenze zwischen melancholischem Elektropop und Eurodisco, deren entfernte Stimmen wie durch einen alten Telefonhörer dringen. This Morn’ Omina bleibt seinem hypnotischen Midtempo-Ansatz treu und verbindet pulsierende Elektronik mit entrückten Ambientflächen und raffinierten Klangdetails. Ganz anders nähert sich der japanische Producer Sunao Inami dem Thema: Seine filigranen, repetitiven Strukturen wirken zunächst fast beruhigend, offenbaren jedoch mit zunehmender Dauer eine feine innere Unruhe, die den harmonischen, stellenweise dubartig schimmernden Flächen eine erstaunliche Spannung verleiht. Auch Philippe Neau entwirft eine elektrifizierte Nachtlandschaft voller geheimnisvollen Klapperns, Rumpelns und kaum identifizierbarer Geräusche, als rolle irgendwo im Dunkeln langsam ein Zug vorbei. Nam-Khar beginnt mit kaum wahrnehmbaren, knarzenden Synthieflächen, die sich nach und nach zu monumentalen Klanggebilden verdichten, ehe eine unerwartet berührende melodische Ebene hinzutritt und der düsteren Architektur zusätzliche emotionale Tiefe verleiht.

Im Feld von Ambient und Drone zeigt sich die Sammlung besonders eindrucksvoll. Tho-So-Aa entwickelt aus beinahe lautlos beginnenden Soundflächen ein traumhaft schönes Mosaik halb verborgener Details voll filigraner Texturen. Ashtoreth, seit Jahren eine feste Größe im Umfeld des Santa Sangre Magazins, liefert mit dem von der indischen Mythologie inspirierten “Rudra” einen der absoluten Höhepunkte der Sammlung. Gewitter, rituelles Rasseln, psychedelische Gitarren, doomige Schwere und schamanisch anmutende Improvisationen halten ein beeindruckendes Gleichgewicht zwischen Aufruhr und Harmonie. Auch Ivo São Bento baut seinen langen Beitrag langsam zu einer mächtigen, dynamischen Klanglandschaft auf, deren schwebende Drones, kratzenden Texturen und geisterhaften Stimmsplitter eine filmische Sogwirkung entfalten. Pas Musique wiederum verbindet Chorsamples mit Donnern, metallischem Klimpern und surrealen Klangverschiebungen zu einem ebenso rätselhaften wie faszinierenden Gebilde.

Andere Beiträge schlagen leisere, organischere Töne an. Hybryds eröffnen ihren Beitrag mit ätherischem Frauengesang, ehe Atemgeräusche, perkussive Einschläge und immer neue klangliche Facetten Weite entstehen lassen. Sieben präsentiert sich elektrifiziert, ohne auf Matt Howdens unverwechselbare Verbindung aus eindringlichem Gesang, elektronischen Loops und expressiver Violine zu verzichten. Rapoon widmet seinen Beitrag den Erinnerungen an die nordenglischen Marschlandschaften seiner Kindheit, wo sich Gezeiten, Wasser, weibliche Stimmen und ferne Glockenklänge zu einer ebenso persönlichen wie universellen Meditation über Erinnerung verbinden. Cor Mortuum beginnt mit filigranem Gitarrenpicking und hellem Gesang, bevor schwere Gitarrenriffs das zunächst fragile Gefüge aufbrechen. Cosa Magnetica bleiben ihrem Postpunk- und Darkwave-Ansatz treu und erzählen in “The Vessel” von zwei Seelen, die gemeinsam einen Ort jenseits der bisherigen Wirklichkeit erreichen und diesen als dauerhafte Heimat begreifen möchten. Mike Seed und R.Loftiss a.k.a. The Winter Residence bewegt sich zwischen hypnotischem Drone Folk und einem Gesang an der Grenze zu Spoken Words, während 400 Lonely Things mit verrauschten, organischen Soundscapes eine fast geisterhafte Melancholie entfalten.

Einen besonderen Platz nehmen die folkigen Beiträge ein. Buzzard verbindet sanftes Gitarrenpicking mit berührendem Gesang zu einem hypnotischen Lied über Boten und Botschaften. Twelve Thousand Days, das gemeinsame Projekt von Martyn Bates und Alan Trench, liefert mit “Hunting The Greenland Whale” ein episches Panorama aus Field Recordings, entrücktem Gesang, Flöten, lärmenden Hintergrundgeräuschen und jener bewusst aufgerauten Ästhetik, mit der Alan Trench seine musikalische Arbeit einst treffend als den Versuch beschrieb, Tradition produktiv aus den Angeln zu heben. NIMH wiederum kontrastiert rauschendes Wasser, das stellenweise fast Harsh-Noise-Qualitäten entwickelt, mit sanftem Gitarrenpicking und erschafft daraus einen stillen instrumentalen Höhepunkt. Besonders beklemmend gerät schließlich Retarder, hinter dem Lloyd James von Naevus steht: Akustische Gitarren treffen hier auf atonales Kratzen und Quietschen und greifen damit als einer der wenigen Beiträge den Film Hanekes bereits im Titel unmittelbar auf.

Neben den hier beschriebenen Beiträgen versammelt die Compilation weitere zum Teil bekannte Namen des internationalen Underground, die da wären: Covenant of Grace, Sauljeris feat. Stephen Page, Remains Fluid, Rakshäsa, PoKrzyK, Quantum Fractal, Project Blue Book & Maxim Novikov, Sonisk Blodbad, Transcendent Visions, Simply Dead, Children Of Danu, Digard, Kryoscope, Ruptured World, Le Morte d’Abby, Avskedsrum, Ideal Father, DRESDEN7, Northr, Subverge, Philippe Blache (Day Before Us), Bang of Hearts, Maris Anguis, ma~i, Hierophania, The Black Monolith, Neosintetico, Glass Isle, Veil of Secrecy, Psychogram, Dodenskald, Vortex, Yndalongg, ElectronicDeathBlackDogs, Insectarium, Shinkiro, Esoteric Ethiopia, Stahlwerk 9, Fulci, Devil’s Breath, Nothvs Filivs Mortis, Lonsai Maïkov, Black Hair Rolled In Dried Blood, Cultura Obscura, Forez Noir x fourthousandblackbirds, Black Jerusalem, Arvo Zylo, Salò Salon, AGDISTIZ, Michael Idehall, Dawid Chrapla, Remora, {AN} EeL, Small Life Form sowie Kaarlo Herden & IT904.

Rückzug, Sehnsucht, Erinnerung und innere Zufluchtsorte – Themen, die den Ausgangspunkt bei Haneke aufnehmen, werden auf “The Seventh Continent” zahllose individuelle Klangsprachen übersetzt und zum Gegenstand ganz unterschiedlicher musikalischer und lyrischer Reflexionen. Gerade diese stilistische Offenheit macht den besonderen Reiz der Sammlung aus, die man sich am besten in mehreren Anläufen erschießt. (U.S.)

Schon der Opener “The Witches’ Reel” versetzt den Hörer mitten in einen schattenhaften Hexentanz. Aus summendem Dröhnen schält sich hypnotisches Gitarrenpicking heraus, während Bates’ Stimme wie durch einen Schleier oder einen alten Telefonhörer dringt und den Song in eine traumhafte Unwirklichkeit taucht. “Red Queen, White Queen” entwickelt daraus mit feurigem Akustikgitarren-Strumming, elektrifizierten Details und einer nächtlich aufgeladenen Atmosphäre eine eigentümliche Verbindung aus Neofolk und dezentem Hardrock, ehe “Notes From A Ruined City”, inspiriert von einem angelsächsischen Text über die Ruinen des römischen Britanniens, lange zwischen Hörspiel, Klanginstallation und Song balanciert und sich erst allmählich zu einer beinahe orchestralen Weite öffnet.

Überhaupt lebt das Album von seinem bewusst unaufgeräumten Klangbild. Immer wieder rumpelt, knarzt, rauscht oder kreischt es im Hintergrund, als würden Bates und Trench ihre Lieder in einer dunklen Rumpelkammer voller Erinnerungen und aufgescheuchter Geister aufführen. Gerade diese scheinbar ungeordneten Details verleihen den Stücken ihre eigentümliche Tiefe und verhindern, dass der Folk jemals bloß pastoral oder nostalgisch wirkt. Besonders eindrucksvoll gelingt dies in “Heathen Dog”, das wohl auf die englische Ballade “Prince Heathen” verweist und sich aus entspanntem, leicht psychedelisch-bluesigem Folk zu einer geradezu endlos wirkenden hypnotischen Beschwörung entwickelt. “Faery Led”, nach einem Gedicht von Mary Webb, erinnert mit schimmerndem Glockenspiel, Schritten im Gras und Bates’ ungewohnt naher Stimme daran, dass die Welt der Feen keineswegs nur freundlich ist. In “Asphodel Flowers”, das Motive der griechischen Unterwelt mit einer Geschichte von Beschwörung, Mord und Wiedervereinigung verbindet, treffen die Stimmen von Bates und Trench diesmal im Duett auf feuriges Strumming und ein lärmendes, beinahe wildes Klanggewirr, das an eine nächtliche Geisterjagd denken lässt.

Nach dem schlichten, wehmütigen “Deceived” erreicht das Album mit “Upon The Blasted Heath” seinen Höhepunkt. Vor einem heterogenen Geflecht aus Dröhnen, Rumpeln und elektronischem Sirren entfaltet Bates eine der stärksten Gesangsmelodien des Albums, während Anspielungen auf Shakespeares Macbeth und die alte Hexenreligion eine elektrisierende, nahezu tranceartige Spannung erzeugen. Auch “Ghosts Of Skyriot Horses”, das auf dionysische Rituale verweist, gehört mit seinen melancholisch elektrifizierten Gitarren und den feinen, glitzernden Klangakzenten zu den nachhaltigsten Momenten der Platte. Das abschließende “Bad Apples”, eine radikale Umdeutung des Skeeters-Songs “When Will the Good Apples Fall”, entlässt den Hörer schließlich in einem langsam verglühenden Strom aus Melancholie, Dröhnen und verstreuten Glocken- und Rasselklängen.

Wie schon die stärksten früheren Arbeiten von Twelve Thousand Days erzählt auch “As The Moon Draws The Tide” keine lineare Geschichte, vielmehr eröffnet das Album eine Folge geheimnisvoller Vignetten, in denen Hexen, Feen, Ruinen, Geister und archaische Rituale weniger folkloristische Staffage als archetypische Bilder einer Gegenwart voller Unsicherheit und Erinnerung werden. Gerade diese Verbindung aus Folk, Experimentierlust und visionärer Bildkraft zeigt, warum Twelve Thousand Days nach wie vor zu den interessantesten Vertretern eines musikalischen Folk Horror gehören.

Label: Final Muzik

Genauso lief es auch beim aktuellen Album “They Have All Gone Into This World Of Light” ab: Im Laufe der Zeit sammelten sich immer mehr Songs an, teils aus eigener Feder, aber auch neu arrangierte Songs anderer oder Traditionals, die um Themen von Tod und Vergänglichkeit kreisten und einen gewissen Memento Mori-Charakter aufwiesen. Als die beiden dann noch auf das Werk des aus Wales stammenden Metaphysical Poet Henry Vaughan stießen, dem dann auch der Albumtitel entlehnt wurde, zeichnete sich immer mehr die Struktur des nun vorliegenden Albums ab.

Eine nocturnale Dunkelheit, irgendwo im weitläufig labyrinthischen Grenzbereich psychedelischen Ambients und apokalyptisch eingefärbter Folkmusik, zeichnet sich gleich im ersten Stück “The Werwolf” ab, einem viel zu unbekannten Folksong der frühen 70er aus der Feder des amerikanischen Sängers Michael Hurley und zugleich der einzige Song, bei dem Alan Trenchs ungehobelte Stimme im Zentrum steht. Im Vergleich zum fast anheimelnden Original, einem dunkelbesinnlichen Walzer mit Gitarren und Violine, tendiert die 12000 Days-Version in eine nur leicht aber dennoch merklich abstrahiertere Richtung. Die Gitarren, deren metallischer Klang stellenweise fast an den Banjo erinnert, lässt Reminiszenzen an spanische und nordafrikanische Gitarren anklingen, wie man sie z.B. von Richard Bishop her kennt, und verselbstständigen sich immer wieder zu schwungvollen melodischen Ornamenten, während im Hintergrund die Violine zusammen mit einem kratzigen Sturm ein spannungsvolles Sirren erklingen lässt. “The Bitter Withy”, ein gnostisch angehauchtes englisches Traditional vermutlich aus dem 15 Jahrhundert, erzählt eine dramatische Geschichte aus dem Leben des kindlichen Jesus, wie sie im Kindheitsevangelium des Thomas überliefert ist, von dem auch der berühmte “Cherry Tree Carol” inspiriert war. Bates charakteristische Stimme, die weit ausladende Figuren auf die imaginäre Leinwand zeichnet, tritt zusammen mit einer traumverlorenen Querflöte in einen markanten Kontrast mit dem fast trocken klingenden, krautigen Klang eines Hackbretts.

Dieses spröde Moment, das normalerweise eher ein Markenzeichen von Trenchs anderem, vielleicht spontanerem Projekt Tempel Music ist, findet sich hier in einigen der Stücke wieder, so in “I’m not the stranger”, das – nicht primär wegen des Zusammenspiels von elektrischen und  akustischen Gitarren – viel von einem aufs Wesentliche reduzierten Rocksong hat mit einem bluesig angehauchten Takt, der mit Bates’ impressionistischer Stimmarbeit wunderbare Kontraste eingeht. Auch genannt werden kann hier “My golden bird the sun”, dessen akustisches Fingerspiel auch ein bisschen spröde wirkt, und gerade von dem fast schon noisig elektrifizierten Auftakt, der als stabile Grundlage während des Stücks bestehen bleibt, noch unterstützt wird. Vor diesem Hintergrund und der kratzigen E-Gitarre, die sich gelegentlich zu Wort meldet, wirkt Bates sanfte Stimme hier fast etwas aufgescheucht.

Ganz anders, viel offener emotional, gestalten sich Songs wie das sanfte T.Rex-Cover “Evenings of Damask”, aus dessen Sixtiessound ein a capella eingeleitetes, bimmelnd rituelles Interludium wird, oder das auf die Sagenwelt Lincolnshires verweisende “Five and six and seven”, zu dessen Folksound mit Gitarre und Akkordeon noch eine erdende Orgel hinzukommt. Ein Höhepunkt an melancholischer Wehmut ist der auf den besagten Dichter zurückgehende Titeltrack, der sich aus einem gebündelten Ambientstrahl erhebt, in dessen himmelhohe Töne bald Dunkles hineinbricht.

In den finalen Minuten des Albums, in der wieder rockig angehauchten Grummeligkeit von “Your beauty” und mehr noch in dem heiteren “The Green Wood”, kommt wieder mehr Bewegung ins Bild. Das Album endet mit griechischen Instrumenten und einer rasseligen Feier der Welt des Pan, wie um zu demonstrieren, dass das Sterben nicht das einzige ist, auf das man vorbereitet sein sollte. Übrigens haben die Spatzen von den Dächern gepfiffen, dass “They Have All Gone Into This World Of Light” bereits den Embryo eines neuen Temple Music-Albums oder zumindest eines Teils davon enthält. Mehr dazu natürlich, wenn alles spruchreif ist. (U.S.)

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durchmischte Stilpanorama, bei dem Bates’ ornamentaler und nicht selten weltentrückt anmutender Gesang und die traumhafte Atmosphäre der Tracks immer wieder andere musikalische Gewandungen – von synthiedominierten Wavestücken über basslastigen Postpunk bis hin zu experimentierfreudigen Kompositionen und ersten Ansätzen der später so wichtigen folkigen Tendenzen – anlegen. Verstärkt wird diese Qualität durch einzelne Gastbeiträge und den gelegentlich zu hörenden Gesang 8Elisabeth S. Auf diese Weise gibt die Compilation auch einen guten Einblick in die Bandbreite der ersten Abschnitte der Bandkarriere. “Orange Ice & Wax Crayons” ist über die Plattformen der Band erhältlich.

Auf “The Boatman On The Downs”, das geografisch auf ein Marschland im Süden Englands referiert, inszenieren Martyn Bates und Alan Trench eine geheimnisvolle, initiatisch wirkende Reise durch die Nacht, bei der einem bei dunklen Folkklängen Gefühle des Begehrens, aber auch der Trauer und das besondere Lebensgefühl am Übergang vom Frühling zum Sommer auf eine ganz ungewohnte Weise bewusst werden.

Mit “Comely” startet das Album in einer verzaubert märchenhaften Abendstunde und lässt Bates mit mit seiner unverkennbar feierlichen Stimme vor einer glitzernden Ambientkulisse etwas Geliebtes beschwören und damit zugleich den Frühling mit all seinen Düften. Tiefer in der Nacht spielt die Handlung von “A Frankish Casket”, das in einer von Efeu umrankten und nach Weihrauch duftenden Szenerie, in der die Eule schreit und eine Orgel für Feierlichkeit sorgt, die Geschichte von Wieland dem Schmied und dem bleichen Gott zum neuen Leben erweckt.

Dominierten in den ersten Tracks eher leicht angefolkte Ambientklänge, setzen die für Twelve Thousand Days typischen Akustikgitarren in dem bekannten irischen Folksong “Arthur McBride” ein. Das zunächst ebenfalls mit einem erwartungsvoll spannenden Dröhnen beginnende Stück beschreibt einen angstgeplagten Fiebertraum, in welchem die beklemmende Furcht vor diffusen Gefahren Regie führt. Im Hintergrund rumort es bedrohlich, Gerumpel und Trenchs typische E-Gitarre verschlucken die Stimme fast und geben dem Song etwas zerfleddertes. “Tale from a Silver City”, das auf einem Text von John Masefield basiert, findet ebenfalls in einer somnambulen Traumrealität statt, doch die von pastoralem Gitarrenpicking und einem gelegentlichen Glöckchenanschlag begleitete Geschichte einer Heiligen Stadt hat diesmal etwas hell kristallines. Doch die vermeintlich heile Welt täuscht hier, denn auch dieser Song entpuppt sich im weiteren Verlauf als Diskurs über die Vergänglichkeit, und das ganze Leben am Ende als die Geschichte eines Reisenden in einem Traum.

Eine wahre Sinnenfeier ist “The Summer Tree”, von dessen Entwurf Bates wohl anfangs gar nicht so begeistert war, doch Trench bestand darauf diesen Song mit auf das Album zu nehmen und lud sogar den griechischen Kontrabassisten Petros Lampridis mit ins Studio. Hier riecht man geradezu den harzig-verrauchten Duft von Birkenteer, wenn man wie mit einer Drohnenkamerafahrt durch die nächtlichen Downs fährt und die von anfangs pastoralen, später energischen Akustikgitarren und dem erdenden Bass begleitete Geschichte hört, die nur wenig mehr als ein impressionistisches Stillleben ist. Der leicht experimentelle Grundton, der sich schon länger dezent andeutet, entfaltet sich vollends in dem von unerhörten Wundern kündenden “The Emerald Tablet”: dieses Stück, das auch auf ein Temple Music-Album gepasst hätte, klingt wie nach links gedreht mit seinen verdrehten Stimmen und seinen im Hintergrund tobenden Gitarren und anderen klingelnden Objekten.

Die dunkelsten Momente ereignen sich wie so oft in den Abschnitten kurz vor dem Licht am Ende des Tunnels. “Under What Scars” ist die melodisch rauschende, kratzende und dröhnende Hommage an einen verstorbenen Freund und hat trotz der einfachen, fast spröden Gitarrenarbeit etwas feierliches, das auch zu einem Weihnachtslied gepasst hätte. Dann “The Boatman”: So spannend und endzeitlich ist kein Moment dieses Albums, auch wenn sich die dunklen Motive, bei denen sich Lieblichkeit und düsteres Rauschen und Rumpeln die Hand geben, in der einen oder anderen Art durch das Album ziehen. Etwas, dass an eine Jahrmarktsorgel erinnert und schreiende Möven beenden diesen Song. Dann ist Zeit für die morgendliche Sonne und das Licht des Frühlings, für das auf einem aus Lesbos stammenden A Capella-Song basierende “As the Sun”, in dessen mediterranes Setting ganz geschickt das Kinderlied “Early One Morning” verwoben ist – und letztlich für die erwachenden “Brides of May”, die diesmal von Alans Gesang in einem idyllischen Tableau beschworen werden, dessen entspannte Euphorie durch das unaufgeräumte Instrumentenspiel genau den richtigen Grad an Tiefe erlangt und auch beim harmonischen Schluss nicht in die Falle des nur noch Schönen tappt.

“The Boatman on the Downs” ist ein Album mit doppeltem Boden: Es enthält einige Stücke, die als Ideen oder manchmal auch Entwürfe schon eine Weile in den Schubladen von Bates und Trench lagen und klingt doch vergleichsweise wie aus einem Guss. In seiner Bildlichkeit der Schwelle und des nächtlich unternommenen Transits in eine morbide Unterwelt stellt es düsteres in Aussicht, das durchaus nicht auf sich warten lässt. Trotzdem ist die frühlingshafte Sinnlichkeit ebenso greifbar. Eindeutig ist, dass es die beinahe perfekte Platte für die aktuelle Jahreszeit ist.

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Die Vielgestaltigkeit des Resultats kam auch für Bates eher überraschend: “Turned out to feel pretty psychedelic, pretty damn folk-punky, overall. Also, to my surprise all this music, and all these melodies, they came out a lot ‘richer’, the whole thing presenting itself as quite the expressive/romantic animal throughout”. Die Diskrepanzen zwischen der inneren und der äußeren Welt sind ein wesentlichen Thema, das sich auch in den Texten der Songs niederschlägt. “Listening back, I can also see that both music & lyrics could well be said to be about the will, the actualizing of events & energies. It would seem to be all about FOCUS/fixing the picture, making good the reality: leaning to know/learning to become conversant with & learn something essential about the self”.

Auch zusammenfassend äußert er seine eigene Überraschung: “Altogether I have to say – this music is a hell of a lot gentler than I imagined it be when I was writing & recording the thing. Yes, that’s it: this is an album offering SONGS & SOUNDS of unashamedly LOW-FI, INDUSTRIAL-PSYCHEDELIC SOUNDSCAPING – with a whole other thing happening as well”. Es erscheint am 6. Januar auf CD und im Download bin Hive-Arc Recordings.

In der Vergangenheit haben Alan Trench und Steve Robinson immer wieder spontane Wandlungen vollzogen, brachten deftige Space Rock-Alben heraus, Werke von beinahe hörspielartiger Abstraktion, rituelle Dröhnung, rumpeligen Postpunk und verdrehte Psychedelic-Alben, die vielleicht am ehesten zwischen all diesen Extremen verortbar sind. Dass einem mit der Zeit auch Verbindendes auffällt, seien es ein immer wieder rituell-esoterischer Schwerpunkt, eine mal deutlichere, mal weniger manifeste folkige Schlagseite oder letztlich Alans unverkennbare, auch von Orchis und anderen Projekten her bekannte elektrifizierte Gitarrensounds, steht freilich auf einem anderen Blatt.

All diese Wechselseitigkeit verdankt sich sicher auch den vielfachen Interessen der beiden, was man besonders an den Hintergründen des bereits vor einigen Monaten herausgekommen und nach wie vor aktuellen Albums “Primitive Mercenaries” sehen kann. Hier waren laut eigener Angabe weibliche Rembetika-Sängerinnen aus Alans griechischer Wahlheimat, die Ideen des Vortizismus und ein Gemälde des diesem einmal nachegestandenden Duncan Grant sowie Robinsons ebenfalls vortizistisch inspirierter Lieblingsplatte “Hex Enduction Hour” von The Fall einflussgebend – ein für Uneingeweihte wahrscheinlich eher diffuser Mix, der aber zumindest durch eine kämpferische Protesthaltung verbunden ist.

Recht diffus und offen wirkt auch der Auftakt des Openers “Politissa”, in dessen dumpf-verrauschter Textur Gitarren und eine säuselnde Frauenstimme zu hören sind. Bei dieser handelt es sich vermutlich um ein Sample der titelgebenden Sängerin, die im Athen der zwanziger und dreißiger Jahre als Protestsängerin berühmt war und bürgerlich Marika Frantzeskopoulou hieß. In diesem Track passiert einiges, das man zunächst nur verschwommen wahrnimmt, doch irgendwann scheint sich eine Tür zu einem Raum zu öffnen, in dem man klarer sieht: Lautes, beschwörendes Geflüster erscheint auf der Bildfläche und eine ekstatische Perkussion. Der Track gibt sich mehr und mehr kraftvoll und tageslichttauglich, und bleibt doch so unkalkulierbar wie zu Beginn.

Im Verlauf des Albums setzt sich eine mitunter einfach gestrickte akustische “Folk”-Struktur durch. In “Yellow Eye” interagiert eine sanfte Akustikgitarre mit einem strömenden Harmonium, einer trillenden Flöte und der typisch langgezogenen E-Gitarre Alan Trenchs. Die Entrücktheit, die hier entsteht, lässt immer auch Raum für Chaos und Entgrenzung. Alans kräftiger Gesang, der in vielen seiner Releases eher im Hintergrund bleibt, verwandelt das anfangs eher rituelle und leicht asiatisch angehauchte “Bitter Bud” mit seinen filigranen Metallsounds in eine Art soliden Neofolksong – das wäre ähnlich wie der ausladende Titelsong eine Art proglastiger Dark Folk mit verrauschten Sounds, der in den späten 80ern vielleicht ein paar räudigere Pfade eingeschlagen und somit eine etwas sprödere, unverkitschtere Richtung durchgesetzt hätte.

Natürlich ist die Musik viel zu unberechenbar für solche klaren stilistischen Strukturen, und der Song “Nets” bringt all diese Überlegungen endgültig an ihre Grenzen – mit rauen Noiserockgitarren, die sich über das freundliche Picking layern und hektischen Beats aus der Asservatenkammer eines hybriden Crossovers. Alans vom Wind herangewehter Gesang bleibt in seiner melancholisch eingefärbten Space Rock-Attitüde von all dem unberührt. Noch mehr aufgelöst in Winden hoch am Firmament ist das abschließende “Dialogue in a Harem”, das all die melodischen und rhythmischen Strukturen des Albums, seine revoltierenden Stimmungen und seinen Hauch von Mystizismus in ein großes, mehrfarbiges Dröhnen auflöst, in welchem auch die Stimme einer weiteren klassischen Rembetissa - Kyria Koula – zu hören ist.

“Primitive Mercenaries” ist ein Album, das auf verschiedenen Ebenen rezipiert werden kann. Es ist reich an historischen Bezügen, die weit über das rein Musikalische hinausgehen. Dass die meisten dieser Referenzen aber eher andeutungshaft in der Luft hängen und für viele wahrscheinlich nur vage erkennbar sind, tut dem ganzen keinen Abbruch, denn die Songs funktionieren alle auch aufgrund ihrer unmittelbaren Attraktivität. Zudem zeigt “Primitive Mercenaries” erneut, dass man bei Temple Music immer wieder auf Überraschungen gespannt sein darf. (U.S.)

Die acht Stücke, zu denen ein beinahe a capella intonierten Intro und ein Reprise zählen, basieren auf eigens eingespielten Piano-, Orgel- und Bassparts und dem Einsatz einer hawaiianischen Gitarre und offenbaren auch in ihren monumentaleren Momenten stets Spuren des Folk, Tony Dale zog in seiner Besprechung in Ptolomaic Terrascope Vergleiche zu überwiegend weiblichen Acts der vorausgegangenen Generation: Martin Carthy, June Tabor, Anne Briggs, Shirley Collins. Weitere Spuren hinterlassen seine langjährige Gefährtin Elisabeth S., die auf zwei Stücken zusätzliche Vocals beisteuert, sein Weggefährte aus Eyeless in Gaza-Zeiten Peter Becker, der im Studio zur Hand war, sowie James Joyce, aus dessen Lyrik zitiert wird. Ganz im Zentrum allerdings steht Bates’ aufwühlend deklamatorischer Gesang, der in diesen Songs wie so oft bereits nach wenigen Versen die volle Aufmerksamkeit der Hörer auf sich zieht. Das Album ist über Bandcamp erhältlich.

Besprechungen, unterirdischster Art allerdings, gab es im deutschsprachigen Raum interessanterweise v.a. im Metalbereich, wo u.a. stand, Bates’ Gesang klänge wie jeder andere beliebige Sänger – und weitere Unbegründbarkeiten, bei denen den Experten nicht klar zu sein schien, dass sie sich auf ungewohnten Terrain befanden (bei Interesse bitte selbst recherchieren). Ab “The Devil In The Grain” war klar, dass Twelve Thousand Days kein kurzlebiges Seitenprojekt sein sollten, sondern dabei waren, sich als feste Band zu etablieren. Ihr neues Album “The Boatman on the Downs” wird in den nächsten Wochen erscheinen.