er mit verschiedenen Musikerinnen und Musikern zusammengearbeitet und sich in der europäischen Folk- und Songwriter-Szene einen festen Platz erspielt. Die Konzertreihe, die bereits bis Dezember vorgeplant ist, führt ihn durch Deutschland und die Schweiz, mit Stationen u.a. in Stuttgart, Bern, Freiburg, Essen, Dresden und Berlin. Dabei wird er sowohl in kleinen Clubs als auch an ungewöhnlichen Orten wie einer historischen Schauweberei auftreten. Burch ist offen für weitere Konzertmöglichkeiten, insbesondere Hauskonzerte.

@ Home

05.02.2025 – Galao, Stuttgart, DE
08.04.2025 – Kafi Otmar, St. Gallen, CH
09.04.2025 – Zar Bar, Bern, CH
10.04.2025 – Mundwerk, Thun, CH
11.04.2025 – Kule Knut, Freiburg, DE
12.04.2025 – Badstrasse 8, Fürth, DE
12.05.2025 – Montag Tontag, Kunsthaus, Essen, DE
18.05.2025 – Historische Schauweberei, Braunsdorf, DE
13.12.2025 – Madame Claude, Berlin, DE
19.12.2025 – Hole of Fame, Dresden, DE

Picking und Strumming auf reizvolle Weise verschwimmen, seine heisere Stimme, die bittere und bittersüße Verse über das Leben – Angst, Unsicherheit, Verlust, Verbundenheit, Hoffnung – vorbringen. Das Album erscheint fünfzigmal als manuell gestaltete CDr sowie digital. Booker aufgepasst: Burch will in der nächsten Zeit ausgiebig durch kleine und mittelgroße Venues touren, wer also einen Abend organisieren möchten kann den Künstler gerne über eine der unten verlinkten Seiten kontaktieren.

@ The Great Park

Als vor rund zehn Jahren die Sängerin Kristina Jung wie aus dem Nichts mit einem beeindruckenden Debüt auftauchte, war ich v.a. von der Subtilität angezogen, hinter der man, wie ich damals schrieb, “die Tiefe und die zum Teil abgründige Schwermut der fünf Tracks glatt überhören könnte”. Etwas Heimelig-Unheimliches umgab die Songs, in deren verhuschten Folk-Anklängen eine versteckte Dramatik durchschimmerte, die gerade deshalb so wirkungsvoll war, weil sie nicht mit dem Zaunpfahl winken musste. Seit diesen Tagen hat die nach verschiedenen Stationen heute in Freiburg im Breisgau lebende Sängerin und Musikerin eine große Wegstrecke zurückgelegt, neben ihrer Arbeit (u.a. im akademischen Bereich) und dem ebenfalls sehr arbeits- und planungsintensiven Familienleben ist die Musik nur ein Bereich, dem sie immer wieder mit einer beachtlichen Intensität nachgeangen ist. Dass sie, wie sie im folgenden Interview sagen wird, nur maximalistisch kann, ist in jeder Sekunde auf ihrem vor knapp zwei Jahren erschienenen Album “Care & Explosion” zu hören, einem vielgestaltigen Werk voll emotionaler Grenzgänge und doch bar jeder Sentimentalität, in dem man wie in einer abgedunkelten Wunderkammer oder in den abseitigeren Sammlungen eines Naturkundemuseums auf Entdeckungsreise gehen kann und geradezu hofft, sich zu verlieren. Das sie eine solche Atmosphäre ohne plakative Kontraste mit einer einnehmenden Schönheit zu verbinden weiß, ist eines der vielen Themen, um die es in unserem Interview geht.

English Version

Dein erster Longplayer “Care & Explosion” erschien vor etwas über einem Jahr und wurde – nicht nur bei uns – mit einiger Begeisterung aufgenommen. Wie stehst du heute zu der Platte? Hat sich dein Blick auf die Musik nach einiger Zeit etwas verändert?

Ich höre das Album recht selten. Eigentlich nur, wenn mein Mann es Gästen zeigt. Und dann freue ich mich einfach, dass ich das gemacht und geschafft habe, so ein lebendiges Album, mit all seinen Stärken und Schwächen zu schreiben und aufzunehmen.

Könntest du dir vorstellen, dass du die Platte irgendwann mal wie das Werk einer anderen Person hören könntest, schlicht weil sich mit der Zeit so viel verändert hat? Ich komme darauf, weil es mir selbst manchmal mit meinen älteren Texten so geht…

Schwer zu sagen, aber an der Platte hängen so viele Erinnerungen, Freud und Leid, kleine Siege und harte Kämpfe, da muss noch eine Menge Wasser den Bach runter, bis ich einen solchen Abstand habe.

Du hast, soweit ich weiß, eine klassische Gesangsausbildung absolviert. Wie würdest du deine Entwicklung als Sängerin beschreiben? Gab es besondere Ideen, Paradigmen und vielleicht auch Aktivitäten, bevor deine heutige Karriere als Sängerin und Songwriterin geboren wurde?

Ich hatte als Schülerin und zu Beginn meines Studiums tatsächlich viel klassischen Gesangsunterricht, aber ich habe, und das ist ein entscheidender Unterschied, nicht Gesang studiert. Opernsängerin war jedoch, als ich jünger war, ganz klar, mein Traumberuf. Doch je mehr Einblicke ich in die Opernwelt bekommen habe, desto bewusster wurde mir auch, dass ich mich immer wie ein Fremdkörper fühlen würde. Das hat sich zunächst angefühlt wie ein Scheitern, aber heute bin ich froh.

Wie kam es zu deiner Entscheidung, als Kristina Jung Musik aufzunehmen und aufzuführen?

Das war weniger eine Entscheidung als ein organischer Prozess. Jung ist der Mädchenname meiner Großmutter, unter dem Namen habe ich meine ersten Konzerte gespielt und dann blieb er einfach. Und von den ersten eigenen Liedern und Konzerten bis hin zu den ersten Aufnahmen war es dann nur ein kleiner Schritt. Letztlich hat mein Gitarrenlehrer in den USA irgendwann während der Stunde gesagt „that sounds lovely, let me grab a mic“ und dann ging’s los.

Es hieß mal, du hast dir das Studiohandwerk quasi autodidaktisch beigebracht. Stimmt das, und wenn ja, war das ein spielerischer Akt und wo lagen die größten Herausforderungen?

Ja, auch das war das Ergebnis eines Scheiterns. Ich habe 2016 meine Dissertation abgebrochen und hing dann erstmal ziemlich in der Luft. Also habe ich mir Software, ein Handbuch und günstige Mikrophone besorgt und losgelegt. Das war auf jeden Fall naiv und spielerisch und das habe ich nach all den Jahren akademischen Ernstes und Leistungsdruck auch gebraucht. Ich liebe es, aufzunehmen. Nirgendwo sonst im Leben habe ich mehr Gestaltungsfreiheit. Ich habe eigentlich nur schöne Studioerfahrungen gemacht, aber trotzdem wollte ich nicht immer auf irgendwelche Männer warten, die dann eine Vision von meiner Musik entwickeln. Ich wollte die Vision selbst umsetzen können.

Gibt es eine besondere Art, wie du gemeinhin an neue Herausforderungen herangehst?

Voller Angstlust.

Zwischen deinr Debüt-EP “Into the Light that I have Known” und der Veröffentlichung des ersten Albums lagen mehrere Jahre, in denen du außerdem eine Familie gegründet und, wenn ich da richtig informiert bin, im akademischen Bereich gearbeitet hast. Hast du dir auch wegen der anderen Prioritäten mit der Musik Zeit gelassen, oder bist du auch einfach sehr gründlich und lässt den Ideen ihre Zeit, um heranzureifen?

Also, ich habe während der Arbeit am Album zwei Kinder bekommen, dreimal den Wohnort gewechselt und dreimal den Beruf, ein Weiterbildung gemacht, wissenschaftlich veröffentlicht, ein Haus gebaut und, wie wir alle, eine Pandemie überstanden. Da ist einfach eine Menge Leben dazwischen. Aber ich habe eben auch gelernt, wie man ein Album macht, während ich es gemacht habe. Da brauchte es schon viel Zeit für Fehler. Außerdem habe ich Gitarre und Gesang gleichzeitig aufgenommen und ohne Click. Wenn ich es also am Ende eines tollen Takes vergurkt habe, dann konnte ich nicht einfach schneiden, sondern musste von vorne anfangen.

In einigen deiner Songs steht der Körper in seiner Ausgesetztheit, Bedrohtheit und manchmal auch Versehrtheit, mit anderen Worten als unsicherer Ort einer immer überschreitbaren Grenze, im Zentrum. Wie kam das Thema zu dir? Möchtest du mit dieser Motivwahl auch ein Zeichen gegen die immer noch starke Tendenz idealisierter Körperbilder in populärer Ästhetik setzen?

Ich glaube, das Thema war schon immer da. Das Leben ist so kostbar und wir sind so stark und so fragil zugleich, wie könnte ich da nicht drüber nachdenken? Ich glaube aber auch, dass ich keine Frau kenne, die sich ihrer Verwundbarkeit nicht voll bewusst wäre. Wir haben im Patriarchat nicht das Privileg, uns unbesiegbar zu fühlen.

Abgründiges kommt in deinen Songs oft zusammen mit einer halbverdunkelten Lieblichkeit vor. Was macht für dich den Reiz einer solchen Atmosphäre aus und gibt es da eventuell Vorbilder in anderen Medien?

Ich glaube, mich interessiert das Spannungsfeld von Schönheit und Vergänglichkeit. Vorbilder gibt es da überall, David Lynch fällt mir sofort ein, Francis Bacon, Nan Goldin, Gregory Crewdson, Hieronymus Bosch, Christian Petzold, Sofia Coppola, Marcel Proust, Robert Musil. Ich sage manchmal in meinen Konzerten, dass es mein Ziel ist, alle heulend nach Hause zu schicken. Das ist natürlich ein Witz, aber andererseits glaube ich schon, dass etwas Kathartisches in einer Trauer steckt, die ein Kunstwerk in uns ausgelöst hat.

Deine Musik ist voller Details, die man als versteckte Stör- oder zumindest heterogene Elemente begreifen könnte, und die den Songs einen besonderen Reiz geben (Beispiele wären das spukhafte Flüstern und andere Sounds in “Infant Thoughts”, eine hypnotische Spannung, die den von Schmerzlust erzählenden Text in “Domestic Bliss” begleitet, die Samples im Kontrast zur verwunschenen Melodie in “Ada”, aber oft auch die in einer subtilen Schwebe gehaltene Stimmung in vielen der Songs). Suchst du bewusst nach solchen Dingen, oder ergeben sie sich eher automatisch?

Also, wenn mir ein Lied oder eine Aufnahme zu nett geraten sind, verspüre ich schon ganz klar den Drang, dem etwas entgegen zu setzen. Mir ist Komplexität lieber als Kohärenz und da ist eben die Produktion eines Stückes der ganz entscheidende Hebel, da kann man dann eben nochmal etwas in den Hintergrund basteln, das dem Stück etwas Unheilvolles verleiht.

Als ein mit schwarzer Romantik aufgewachsener Nachtschwärmer habe ich mich vor allem in den Song “The North Water” verguckt, es ist eines meiner Favoriten auf dem Album. Was ist das für eine Geschichte, die du da erzählst?

Ja, North Water ist definitiv auch einer meiner Lieblinge. Das ist das erste Stück, das ich für das Album aufgenommen habe. Das Groninger Museum, ein Kunstmuseum in Groningen, hat mich gebeten, für eines ihrer Exponate ein Stück zu schreiben, das die Besucher*innen dann im Audioguide hören können. Sie haben mir eine Datenbank aus Exponaten geschickt und ich habe mich für einen alten, niederländischen Schinken entschieden, Segelschiffe im Sturm, der Himmel reißt auf, die Sonne kommt durch, sowas. Es geht ums Abschiednehmen und ums Zurückbleiben, um Wut und Trauer und um den Schmutz und Charme einer Hafenstadt.

Zu deiner Musik wurde u.a. gesagt, dass sie Folkeinflüsse ohne romantisches Idyll umsetzt. Ich würde das auch sagen, aber in meiner Wahrnehmung gab es auch in der Vergangenheit immer desillusionierende Brüche in derartiger Musik, und Folktraditionen entwickelten sich ja selten ohne andere musikalische Einflüsse. Gibt es Musik mit derartiger Ambiguität, die deine Hörgewohnheiten und deine eigene Kreativität besonders geprägt hat?

Ja, na klar, das habe ich nicht erfunden, das gibt’s immer schon und überall. Bei Schubert und Schuman, Chopin, Mahler, da findet man diese Diskrepanz zwischen schöner Oberfläche und Abgrund ja auch. Während ich das Album aufgenommen habe, habe ich eine Menge Sorten Musik gehört. Viel Alt-J, Beyoncé, Ghostpoet, Madrugada, Massive Attack, Radiohead, Sevdaliza, und Marika Hackman. Alles sehr unterschiedlich Musiken mit der Gemeinsamkeit, dass sie schöne Melodien haben. Das ist mir wichtig.

Das Album wurde zum Teil während deiner Schwangerschaft geschrieben. Würdest du sagen, dass es – auf wie auch immer verquere Weise – ein mütterliches Album geworden ist?

Geschrieben war es eigentlich schon davor, aber aufgenommen habe ich es unter anderem auch während der Schwangerschaften oder mit Baby auf dem Rücken. Aber da ich mich vor den Kindern bereits ganz ausführlich mit Mutterschaft auseinandergesetzt habe und das auch in den Liedern thematisiere, ist es auf eine Art, wie du sagst, „verquer mütterlich“.

Ich hatte “Care & Explosion” in meiner Besprechung als “großes” Album bezeichnet und wollte damit – neben der musikalischen Qualität – auf die Fülle an Ideen, Themen und musikalischen Motiven hinweisen, vielleicht auch auf die große Bereitschaft zu einem so umfassenden Ausdruck. Würdest du bei einem kommenden Album wieder etwas reduktiver zu Werke gehen oder wäre das zu sehr geplant?

Ich befürchte, ich kann nur maximalistisch. Sonst würde es schneller gehen.

Sind dir die Stücke auf „Into the Light that I have Known“ immer noch nah, oder ist es für dich eher eine Platte aus der Vergangenheit? Wir finden, es hat großartige Momente…

Danke! Ich höre wie gesagt nie rein, in beide Veröffentlichungen nicht. Mir geht’s ums Machen, was danach kommt, ist mir nicht so wichtig.

Worin unterscheiden sich die beiden Releases deiner Meinung nach besonders, auch hinsichtlich der Entstehungsprozesse?

Bei „Into the light that I have known” wollte ich alles richtig machen. Bei „Care and Explosion“ nicht.

Wie wir gehört haben, nimmst du bald an einer Tribute-Compilation zum Werk Roky Ericksons und der 13th Floor Elevators teil. Was für einen Song hast du ausgewählt und was können wir da erwarten?

Ich habe mich für „Cold Night for Alligators“ entschieden. Mein Mann hat mal eine Compilation für Autofahrten gemacht, die so hieß, und auf der der Song auch drauf ist. Daher liegt er mir am Herzen. Außerdem lässt er sich gut singen und „Night of the Vampire“ war schon vergeben. Ich habe das Lied sehr verlangsamt und versucht, eher eine Hommage an Rokys besondere innere Verfassung zu machen als ein Cover. Das Stück ist also voller Perspektivwechsel und Brüche, ich habe eher filmisch gedacht als musikalisch. Aber am Ende ist es natürlich Musik.

Gibt es weitere Pläne, mit denen du in den Startlöchern stehst? Natürlich sind wir gespannt, wann es wieder Zeit für ein neues Album ist?

Das wäre schön. Aber de facto ist es in Deutschland praktisch unmöglich, Eltern zu sein, zu arbeiten und gleichzeitig noch künstlerische Ambitionen zu hegen, ich zumindest kenne kaum Eltern kleiner Kinder, die das unter einen Hut kriegen. Die Öffnungszeiten unserer Kita decken nicht mal unsere Arbeitszeiten ab, also ist schon der Arbeitsalltag eine absurde Jonglage zwischen Kita, uns als Paar und den Großeltern. Das Roky Erickson Cover konnte ich nur machen, weil ich so viele Überstunden angesammelt hatte, dass ich mehrere Wochen freinehmen konnte. Dieses Interview kann ich nur beantworten, weil ich krank daheim liege. Und mir fehlt etwas ganz Entscheidendes im Leben, und das ist Langeweile und Alleinsein. Das heißt nicht, dass ich aufgebe. Aber schon das letzte Album war ein unglaublicher Kraftakt für alle Beteiligten, meinen Mann, meine Eltern, meine beste Freundin und nicht zuletzt unsere Tochter, die eben viel auf mich und uns verzichten musste. Und auch ich musste im Anschluss erstmal sehr lange Pause machen.

Ich schätze, es ist überflüssig zu betonen, dass das Problem vor allem die Mütter betrifft. Während die meisten Väter auch nach Geburt der Kinder Hobbys behalten, beginnen die Mütter ihre Freizeit um die Familie herum zu organisieren. Freizeit ist dann, einen Osterstrauch zu basteln, Kleidung für die Kinder zu nähen, all sowas. Ich mache das so gut es geht nicht, zu dem Preis, dass es halt keine Osterdeko gibt und die Kinder nicht daheim Eier bemalen. Aber der Gewinn ist eben, dass ich einem recht ambitionierten Beruf nachgehen kann und es gelegentlich auch noch ans Klavier schaffe. Die Lösung ist politisch und sozial: Ohne mehr und bessere Betreuungsplätze und ohne eine gesellschaftliche Neubewertung von Mutterschaft und Vaterschaft werden wir immer an den Punkt kommen, an dem Frauen ab dem ersten Kind zunehmend unsichtbar werden in allem, außer eben der Tatsache, dass sie Mutter sind.

Interview: U.S. und A. Kaudaht

Fotos © Frank Bale

Kristina Jung @ Bandcamp | Soundcloud | Facebook

When singer Kristina Jung appeared out of nowhere with an impressive debut around ten years ago, I was particularly attracted by the subtlety behind which, as I wrote at the time, “you could easily ignore the depth and sometimes profound melancholy of the five tracks”. There was something homely and at the same time eerie about the songs, in whose faint folk echoes a hidden drama shone through, which was so effective precisely because it didn’t have to wave with the fence post. Since those days, the singer and musician, who now lives in Freiburg im Breisgau, has come a long way. In addition to her (partly academic) work and her family life, which also keeps her more than busy all the time, music is just one area that she pursues with considerable intensity. The fact that, as she will say in the following interview, she can only be maximalist, can be heard in every second of her album “Care & Explosion”, which was released almost two years ago. It’s a diverse work full of emotional intensity and yet devoid of any sentimentality, in which one can go on a journey of discovery in a darkened cabinet of curiosities or in the weirder collections of a natural history museum and almost hope to lose oneself. The fact that she knows how to combine such an atmosphere with an engaging beauty without striking contrasts is one of the many topics that our interview is about.

German Version

Your first long player “Care & Explosion” was released a little over a year ago and was received with quite some enthusiasm – not just by us. How do you feel about the record today? Has your view of it’s music changed a bit after some time?

I rarely listen to the album. Actually only when my husband shows it to guests. And then I’m just happy that I did that and managed to write and record such a lively album, with all its strengths and weaknesses.

Could you imagine that at some point you could hear the record as if it was someone else’s work, simply because so much has changed over time? I come to this because I sometimes feel that way myself with my older texts…

It’s hard to say, but there are so many memories attached to the record, joys and sorrows, small victories and hard battles, there’s still a lot of water that has to go down the drain before I can get that distance.

As far as I know, you took classical singing lessons. How would you describe your development as a singer? Were there any particular ideas, paradigms and perhaps activities before your current career as a singer and songwriter was born?

I actually had a lot of classical singing lessons as a student and at the beginning of my studies, but – and this is a crucial difference – I didn’t study singing. However, when I was younger, being an opera singer was clearly my dream job. But the more insights I got into the opera world, the more I became aware that I would always feel like a foreign body. At first it felt like a failure, but today I’m happy.

How did you decide to record and perform music as Kristina Jung?

This was less of a decision and more of an organic process. Jung is my grandmother’s maiden name, I played my first concerts under that name and then it just stayed. And from the first songs and concerts to the first recordings it was only a small step. Ultimately, at some point during the lesson, my guitar teacher in the USA said “that sounds lovely, let me grab a mic” and then we started.

It was once said that you basically taught yourself the studio work. Is that true, and if so, was it a playful act and what were the biggest challenges?

Yes, that too was the result of failure. I stopped my dissertation in 2016 and was left in limbo for the time being. So I got some software, a manual and cheap microphones and got started. That was definitely naive and playful and that’s what I needed after all these years of academic seriousness and pressure to perform. I love recording. Nowhere else in life do I have more creative freedom. I actually only had nice studio experiences, but I still didn’t want to always wait for men to develop a vision for my music. I wanted to be able to implement the vision myself.

Is there a particular way you generally approach new challenges?

Full of fearlust.

There were several years between your debut EP “Into the Light that I have Known” and the release of your first album, during which you also started a family and, if I understand correctly, worked in academia. Did you take your time with the music because of your other priorities, or are you just very thorough and give the ideas time to mature?

So, while working on the album, I had two children, changed residence three times, changed careers three times, completed further training, published academically, built a house and, like all of us, survived a pandemic. There’s just a lot of life in between. But I also learned how to make an album while I was making it. It took a lot of time for mistakes. I also recorded guitar and vocals at the same time and without clicking. So if I messed it up at the end of a great take, I couldn’t just cut it, I had to start over.

In some of your songs, the focus is on the body in its exposed, threatened and sometimes damaged state, in other words as an unsafe place with a limit that can always be crossed. How did the topic come to you? Would you like to use this choice of motif to make a statement against the still strong tendency towards idealized body images in popular aesthetics?

I think the theme has always been there. Life is so precious and we are so strong and so fragile at the same time, how could I not think about it? But I also think that I don’t know any woman who isn’t fully aware of her vulnerability. We do not have the privilege of feeling invincible in patriarchy.

In your songs, something mysterious often appears together with a half-darkened sweetness. What makes such an atmosphere so appealing to you and are there any role models in other media?

I think I’m interested in the tension between beauty and transience. There are role models everywhere, David Lynch immediately comes to mind, Francis Bacon, Nan Goldin, Gregory Crewdson, Hieronymus Bosch, Christian Petzold, Sofia Coppola, Marcel Proust, Robert Musil. I sometimes say in my concerts that my goal is to send everyone home crying. This is of course a joke, but on the other hand I do believe that there is something cathartic in the sadness that a work of art has triggered in us.

Your music is full of sometimes hidden details that could be understood as disturbing or at least heterogeneous elements, and which give the songs a special charm (examples would be the spooky whispers and other sounds in “Infant Thoughts”, a hypnotic tension that resembles the desire for pain in the lyrics of “Domestic Bliss”, the samples in contrast to the enchanted melody in “Ada”, but often also the subtly suspended mood in many of the songs). Do you consciously look for things like this, or do they come about automatically?

So when a song or a recording seems too nice for me, I definitely feel the urge to do something about it. I prefer complexity to coherence and the production of a piece is the crucial lever; you can then create something in the background that gives the piece something ominous.

As a night owl raised on dark romance, I particularly fell in love with the song “The North Water”, it is one of my favorites on the album. What kind of story are you telling?

Yes, North Water is definitely one of my favorites too. This is the first piece I recorded for the album. The Groninger Museum, an art museum in Groningen, asked me to write a piece for one of their exhibits, which visitors can then hear in the audio guide. They sent me a database of exhibits and I chose an old Dutch painting, sailing ships in a storm, the sky opens up, the sun comes through, something like that. It’s about saying goodbye and staying behind, about anger and sadness and about the dirt and charm of a port city.

One thing that has been said about your music is that it incorporates folk influences without a romantic idyll. I would say that too, but in my opinion there have always been disillusioning breaks in such music in the past, and folk traditions rarely developed without other musical influences. Is there music with such ambiguity that has particularly influenced your listening habits and your own creativity?

Yes, of course, I didn’t invent that, it’s always been around and everywhere. With Schubert and Schuman, Chopin, Mahler, you also find this discrepancy between the beautiful surface and the abyss. While I was recording the album I listened to a lot of different types of music. Lots of Alt-J, Beyoncé, Ghostpoet, Madrugada, Massive Attack, Radiohead, Sevdaliza, and Marika Hackman. All very different music with the commonality that they have beautiful melodies. That’s important to me.

The album was partly written during your pregnancy. Would you say that it was – in whatever twisted way – a maternal album?

It was actually written before that, but I also recorded it while I was pregnant or with a baby on my back. But since I had already dealt with motherhood in great detail before I had children and also discussed it in the songs, it is, as you say, “strangely maternal” in a way.

In my review, I described “Care & Explosion” as a “big” album and wanted to point out – in addition to the musical quality – the plethora of ideas, themes and musical motifs, and perhaps also the great willingness for such a comprehensive expression. Would you go a little more reductive on an upcoming album or would that be too much planned?

I’m afraid I can only be maximalist. Otherwise it would go faster.

Are the songs on “Into the Light that I have Known” still close to you, or is it more of a record from the past for you? We think it has great moments…

Thanks! As I said, I never listen to either release. For me it’s about doing what comes next, so it isn’t that important to me.

What do you think are the main differences between the two releases, including in terms of the creation processes?

With “Into the light that I have known” I wanted to do everything right. Not with “Care and Explosion”.

We’ve heard that you’re soon taking part in a tribute compilation to the work of Roky Erickson and the 13th Floor Elevators. What song did you choose and what can we expect from it?

I chose “Cold Night for Alligators.” My husband once made a compilation for car rides with this title and it also has the song on it. That’s why it’s close to my heart. He also sings great, and “Night of the Vampire” was already taken. I slowed the song down a lot and tried to make it more of a homage to Roky’s particular inner state than a cover. The piece is full of changes in perspective and breaks; I thought more in terms of film than music. But in the end, of course, it’s music.

Are there any other plans you have in the starting blocks? Of course we are curious when it will be time for a new album?

That would be nice. But in fact, in Germany it is practically impossible to be a parent, to work and to have artistic ambitions at the same time. At least I hardly know any parents of small children who can manage that. The opening times of our daycare center don’t even cover our working hours, so everyday work is an absurd juggling act between the daycare center, us as a couple and the grandparents. I was only able to do the Roky Erickson cover because I had accumulated so much overtime that I was able to take several weeks off. I can only answer this interview because I am sick at home. And I’m missing something crucial in life, and that’s boredom and being alone. That doesn’t mean I’m giving up. But the last album was already an incredible feat of strength for everyone involved, my husband, my parents, my best friend and, last but not least, our daughter, who had to do without a lot of me and us. And I also had to take a very long break afterwards.

I guess it’s needless to emphasize that the problem mainly affects mothers. While most fathers keep hobbies even after the children are born, mothers begin to organize their free time around the family. Free time is then making an Easter bush, sewing clothes for the children, all that sort of thing. I don’t do it as best as I can, at the price that there are no Easter decorations and the children don’t paint eggs at home. But the advantage is that I can pursue a fairly ambitious job and occasionally even manage to play the piano. The solution is political and social: Without more and better childcare places and without a social reassessment of motherhood and fatherhood, we will always reach the point where women, from the moment they have their first child, become increasingly invisible in everything except the fact that they are mothers.

Interview: U.S. und A. Kaudaht

Fotos © Frank Bale

Kristina Jung @ Bandcamp | Soundcloud | Facebook

dunkler Folksong-Manier, eindringlichem Gesang mit poetischen, oftmals beklemmenden Texten und gelegentlichem Einsatz von Percussion, Telecaster, Melodica und Keyboard – alles von Mastermind Stephen Burch im Alleingang an zwei Orten eingespielt. Ein besonderer Höhepunkt des Albums ist der schon als Single erschienene Ohrwurm “The Bedlam Boys Are Bonny”, das auf dem 1720 erschienenen Gedicht “Mad Maudlin’s Search” basiert und Fee Reega als Duettpartnerin mit im Boot hat. Das Album ist auch digital erhältlich.

sanfte Gitarren- und Banjospiel der Musikerin stehen – begleitet von hauchdünn dröhnender Elektronik und verrauschten Samples. In der Vergangenheit gab es in den meist begeisterten Kommentaren von Fans und Kritikern immer wieder Vergleiche zu populären Folkacts wie Bon Iver. Die Hardcover-Edition mit dem aus alten Landkarten gefertigten Packaging ist auf 50 Exemplare limitiert, darüber hinaus ist die EP natürlich auch digital erhältlich. 

Der Song ist eine originelle angefolkte Interpretation des aus dem 18. Jahrhundert stammenden und für seine morbide Schrägheit berüchtigten Gedichtes “Mad Maudlin’s Search”. Das dazugehörige Video enthält Ausschnitte aus ‘Alice in Wonderland’ (1903) von Cecil Hepworth und Percy Stow sowie verschiedene Aufnahmen von Loie Fuller.

Dresden, Hamburg, Kiel und Lübeck @ Facebook

Rauere Momente wie in “First Thought Best Thought”, das es auch als Video gibt, wechseln sich ab mit einer altbekannten Schwermut, die in die DNA einger herausragender Songs eingeschrieben ist – so z.B. im bereits auf einer EP enthaltenen und ebenfalls als Video ausgekoppelten “Look Out Kids” oder in “So Long Away From”, das sich für einige als Highight des Albums erweisen könnte. Die geistreichen und mitunter schonunglosen Texte, die z.T. durch ein subtiles Referenzsystem miteinander vernetzt sind, bilden einen von merheren roten Fäden, die “Leave Well Alone” zusammenhalten. Das Album ist im Download und als CDr im typisch handgefertigten Packaging über Woodland Recordings erhältlich.

@ Bandcamp

soundbasierte Arbeiten in Eigenregie – Hörspiele, Soundkollagen, Rezitationen und einiges mehr. Auf den hier versammelten Hörstücken “Sammle alle Hunde”, “Meine Welt ist meine Welt” und “Die Besuche”, die alle um die zwanzig Minuten lang sind, überblendet die Künstlerin Stimmperformance, eigens produzierte Musik und verschiedene Samples zu spannungsgeladenen Einheiten, die keineswegs darunter leiden, dass die Stücke zur Aufführung konzipiert sind.

Von musikalischer Seite gibt es einige Gastauftritte, zu hören sind u.a. Gemma Williams (Woodpecker Wooliams, Becky Becky), Johny Lamb (Thirty Pounds of Bone), Felix Förster und Preslav Literary School. Die Tonkonserve entstand in Zusammenarbeit des Labels Woodland Recordings mit dem Independent-Verlag Marina Hefte.

@ Mina Reischer | Woodland Recordings | Marina Hefte