Maris Stella – Stern des Meeres – ist einer der ältesten Ehrennamen der Jungfrau Maria. Seit Jahrhunderten steht dieses Bild für Orientierung in der Dunkelheit, für Hoffnung in Zeiten der Verlassenheit und für einen Leitstern auf den oft unruhigen Gewässern des Lebens. Die italienische Combo Tristan da Cunha, deren Werke sich zwischen Drone, Neoklassik und minimalistischer Klangkunst bewegen, greift diese Symbolik auf und formt daraus ein Album von beeindruckender Tiefe.

Dabei entfaltet sich “Maris Stella” weniger als Sammlung einzelner Kompositionen denn als geschlossener musikalischer Fluss. Minimale Strukturen, Dröhnung, neoklassische Elemente und in einem Stück sakral anmutende Choräle gehen organisch ineinander über, während das Ensemble seine Instrumente nahezu orchestral einsetzt: Gitarren übernehmen eine Funktion, die in einem Orchester weit ausgreifenden Streicherparts zukämen, die Viola wird zur tragenden Stimme, das Schlagzeug ist weniger Taktgeber als vielmehr ein subtiler Gestalter von Dynamik und Spannung, während dunkle Bassfundamente das gesamte Geschehen erden.

Schon das “Preludio” eröffnet die Reise mit einer kratzigen, wellenförmig atmenden Szene. Lang gezogene Saintenstriche verdichten sich allmählich zu einer an Minimal Music erinnernden Bewegung, bis ein hypnotischer Puls einsetzt und das Stück langsam in ruhigere Gefilde überführt, ohne seine unterschwellige Spannung je preiszugeben. Der Titeltrack schlägt anschließend einen melancholischen Grundton an: Warme, dunkle Saitenklänge entfalten eine herbstliche Atmosphäre voller stiller Wehmut, als würde sich das Licht bereits hinter den Horizont zurückziehen. Besonders eindrucksvoll gelingt “A Tidal Wave Will Push Them To The Light”, dessen schleppende, beinahe doomhafte Gravitation den Eindruck vermittelt, dass unter der Oberfläche etwas Neues, Ungekanntes geboren wird. Die Musik verweilt nie in bloßer Dunkelheit, sondern scheint stets auf einen kaum greifbaren Wandel hinzuarbeiten. Zwischen den beiden Interludien bildet “Womb” ein emotionales Herzstück des Albums: Unter den berührenden Ornamenten der Streicher wächst eine zunächst kaum wahrnehmbare Unruhe, die sich über Becken, Schlagwerk und fein dosierte Rhythmik immer weiter ausbreitet und selbst die hohen Saitenlinien zu erfassen scheint.

Auf “Wound” wird diese Spannung noch deutlicher. Die klagenden Streicher zeichnen – falls ein bisschen Interpretation erlaubt ist – den im Titel implizierten Schmerz in langen Bögen wie in einer Arie nach, während sich aus dem dröhnenden Untergrund langsam eine schwerfällige rhythmische Bewegung erhebt, die beinahe den Eindruck einer langsamen Heilung vermittelt. Mit “The Veil” erreicht das Album schließlich seinen entrücktesten Moment, in welchem schwebende Chorflächen einen in den Hall einer gotischen Kathedrale versetzen. Bemerkenswert ist schließlich, dass das Werk nicht mit einem wirklichen Finale schließt, sondern mit “Continuum”, das Fortsetzung impliziert. Rhythmisch beweglicher als die vorangegangenen Stücke entwickelt sich das Stück aus einem reinen Schlagzeugauftakt zu einer weit ausgreifenden Landschaft, deren kleine eruptive Momente die Spannung eher vertiefen als entladen.

“Maris Stella” entwirft eine außergewöhnlich dichte, spirituell aufgeladene Welt. Zwischen sakraler Feierlichkeit, minimalistischer Beharrlichkeit und orchestraler Schöngeistigkeit entsteht ein Werk von emotionaler Tiefe, das seine Wirkung nicht durch große Gesten erzielt, sondern durch behutsame, kontinuierliche Verwandlung. (U.S.)

Label: Boring Machines