Auf seinen beiden Labeln Dark Holler und Hand/Eye hat er im Laufe der Jahre eine Reihe von Künstlern veröffentlicht (u.a. Robin Crutchfield, United Bible Studies, Nick Grey, In Gowan Ring). Dabei beschäftigte sich Timothy mit Folk lange bevor dieser mit dem Boom durch New Weird America hip wurde. In den letzten Jahren hat er sein Interesse an (scheinbar) Unerklärlichem in einer Reihe von Büchern und dem wöchentlichen Podcast Strange Familiars ausgelebt.

Wer also Renner unterstützen möchte, der kann es auf vielerlei Weise tun. Sein Freund Neddal Ayad (Desolation Singers, the does) hat ein paar Links zusammengestellt:

“There are several informal fundraisers going on via the FB group associated with his podcast

A more direct way to help is via the Strange Familiars Patreon

Buying his music, books, and art from Dark Holler Arts

Or buying music and merch via his Bandcamp

And finally the most direct option

 More links”

Auf ihren beiden 8″-Singles, die in 2018 und 2019 bei dem französisch-japanischen Label Mind Records herauskamen, und in ihren Performances überblenden sich Harsh Noise Wall-Einflüsse mit experimenteller Elektronik und technoiden Ansätzen. Das Resultat sind bruitistische Klangwelten aus dunklen Drones, schmerzhaftem Feedback und entmenschlichten Schreien, die eine, wie es beim Label heißt, “post-apokalyptische Atmosphäre” erzeugen. Dass auf der Compilation keine der bisherigen Acts des Labels zu finden sind, passt auf gewisse Weise zur Philosophie des Hauses, das sich auch mit der bisherigen Auswahl nie in ein schon gemachtes Nest setzte, sondern unterschlagene Geheimtipps in ein kleines Rampenlicht rückte.

Vierzehn Acts – neben Deeat Palace sind das Pillbug Junction feat. Kelso Ashby, SIKSA, The Marquis, HESS, Lili Putana, Flawed God, Iphigenia Lee, HAARGA, Black Propaganda, Accident du Travail, Techno Thriller, Innocent Heretic feat. RUIN, Marie Guilleray und Online Lipnem – tragen mit dunklen, mal ambienten, mal noisigen oder technoiden Stimmungsbildern von rauer bis geschliffener Gestaltung, sehr unterschiedlichen Produktionsweisen und kleinen Abstechern in coilige Gefilde schon allein dem Kriterium der Deiversifizierung Rechnung, ein gewisser Fokus auf geschlechtliche Identitätsfragen durchzieht die Sammlung. Sie erscheint am 28. Januar als Tape und digital.

Deeat Palace @ Discogs, Bandcamp, Facebook, Youtube

Mansplained! @ Bandcamp

Commando Vanessa @ African Paper

Teil II beinhaltet zwei längere Tracks, die unterschiedlicher nicht sein könnten, und wer auf den ersten tatsächlich Eindruck denkt, zwei verschiedene Acts zu hören, liegt genau genommen nur formal falsch. Temple Music tritt in ganz unterschiedlichen Konstellationen in Erscheinung, und auf dem von Alan Trench erstmals solo bestrittenen “Summer Dominoes” ist nicht einmal Steve Robinson vertreten – entsprechend dezent und in sich gekehrt gibt sich das Stück so auch musikalisch: Ein sachtes, hintergründiges Dröhnen kosmischer Provenienz deutet durch leichte perkussive Anschläge, geheimnisvolles Bimmeln und subtile Halleffekte immer wieder den Ausbruch an, der allerdings ausbleibt, denn hier hat v.a. das Kleine, Dezente seinen Raum.

Immer deutlicher wird die kreisende Gestalt der Dröhnung, eine berührende, leicht orientalisch anmutende Melodie windet sich ganz langsam aus dem Fundament und deutet eine mystische Entrücktheit an, und wenn irgendwann nach Momenten der systolischen Sammlung tatsächlich etwas mehr Bewegung ins Spiel kommt, ist man bei entsprechender Konzentration schon derart involviert, dass es den Fluss der Klänge nicht stört. Der Track wurde vor ein paar Jahren in Gent aufgenommen und ist ein dreilagiges Palimpsest: An der Basis schlummert Syd Barrets “Dominoes”, von dem hier nur die Orgel zu hören und die melodische Grundstruktur zu erahnen ist, darüber breitet sich als Kern des Stücks die gitarrendronige Liveversion aus, von der v.a. die Loops und Samples in den finalen Track transponiert und mit Synthies ergänzt wurden.

“Laughing in the Towers”, das vor etwa einem Jahr in einer Kirche in Gainsborough aufgenommen wurde, beginnt laut und furios und zeigt Temple Music von seiner üppigen Seite, neben Trench und Robinson sind Orchis-Sängerin Tracy Jeffery sowie Mitglieder von Language of Light und ein Kinderchor zu hören. Nach Hall und einer enormen Weite klingen die zeitweise noisigenFeedbackspuren und die gesampelten Geräusche – düstere Glocken und allerlei metallenes klappern und Rumpeln, das für Momente ein Szenario zwischen Current 93s “Dawn” und Xenakis’ “Persepolis” aufflackern lässt. Der stärkste Bruch, der in eine besinnliche Orgeldröhnung führt, wird durch lieblich Glöckchen eingeleitet, die den schönen, fast ozeanischen Charakter des restlichen Stücks einleiten. Die wellenförmig hallende Landschaft, bei der nur noch eine Ocean Drum fehlt, hat jedoch einen surrealen Twist, bei dem das Quietschen vom Gummivögeln, dunkles Gemurmel und papiernes Gefetze sind noch dessen vordergründigste Indikatoren sind. Trotz allem wirkt das Stück sehr gleitend und kontinuierlich, nur durch willkürliches Zippen bemerkt man, wie veränderlich und dynamisch das alles ist.

Mit dem zweiten Teil ist die Εποχές-Reihe nun wohl abgeschlossen, mit der Temple Music trotz einiger atmosphärischer und auch humoresker Gemeinsamkeiten demonstrieren, wie unberechenbar sie als Live-Act sein können. Selbstredent so intensiv wie ein reguläres Album. (U.S.)

Label: Sombre Sonics

Das Konzert unter dem Motto “The Moons at your Door” (der Titel ist einer eher hörspielartigen EP aus dem vorletzten Jahr sowie einer von Tibet herausgegebenen Anthologie fantastischer Erzählungen entlehnt) stand im Kontext eines größeren Rahmens, zu dem auch ein Auftritt einer weiteren Band Tibets, Hypnopazūzu, am Abend zuvor in der Musikbrauerei gehörte. Hypnopazūzu besteht im Nukleus aus Tibet und Martin Glover alias Youth, dem Bassisten von Killing Joke. Unter dem Titel “Create Christ, Sailor Boy” erschien im letzten Jahr das Debüt der beiden bei House of Mythology. Der eher elektronische und in Ansätzen orchestrale Sound der Platte, der gelegentlich mit “Island”, der Kollaboration zwischen Current 93 und Hilmar Örn Hilmarsson verglichen wurde, und Tibets Gesang, der so kraftvoll und melodisch ausfiel wie seit langem nicht mehr, wurde im Schnitt sehr positiv aufgenommen.

Eingerahmt in teils rituell ausgerichtete DJ-Sets von dem Berliner Philip Strobel (vom Label Aufnahme & Wiedergabe) und The Eternal Youth himself und eingeleitet von einer von apokalyptischen Pferdehufen zertampften Einspielung des launigen 70s-Hits “Chirpy Chirpy Cheep Cheep” präsentierten Hypnopazūzu im erweiterten Line-up eine vom Sound her organische und v.a. äußerst druckvolle Version der besten Stücke des Albums. Von den zum Teil recht jung wirkenden Musikern aus Youths Umfeld mit Drums, Synthies, Gitarre und Violine ergänzt, ergab sich ein rockiger Sound, in dem aber auch die rituell-perkussiven Elemente des Albums ihren Platz fanden. Zu den größten Momenten des Konzertes zählte „Magog At The MayPole“, bei dem ein sichtlich ergriffener und von hypnotischem Geigenspiel begleiteter David Tibet die an “A Sadness Song” erinnernden Worte „Neither coming nor going but/WAS/IS/SHALL BE“ mantrartig wiederholte, und das in einen treibenden Vanitas-Kracher verwandelte „The Crow At Play“ mit der an die sterbliche Körperhülle gerichteten Zeile „Your palace and tomb“, die Tibet minutenlang ins Publikum schrie. Ohne nennenswerte Längen war der erste Abend ein gelungener Anfang, und als sich die einzige Zugabe, eine trancehafte Version von “All the Pretty Little Horses” gegen Ende in ein lärmendes Freakout verwandelte, überzeugte auch das.

Der Tapetenwechsel vom ersten zum zweiten Tag, von der kultigenn Musikbrauerei aus den frühen Tagen der Industriearchitektur zur feierlichen Atmosphäre in der Schöneberger Apostel Paulus-Kirche hätte nicht größer sein können, einzige Konstante war eben David Tibet, der an beiden Abenden wesentlich gesetzter und konzentrierter wirkte als auf früheren Konzerten, nur wenige Ansagen zwischen den Songs machte und statt hin und wieder über die Bühne zu tanzen eher ruhig hinter seinem Mikro stand. Dass Kirchenbestuhlung immer nur in den vorderen Reihen ein ordentliches visuelles Erlebnis bietet, muss man in Kauf nehmen, und zu dem m. E. etwas übertriebenen Security Check will ich ebenso wenig Worte verlieren wie zu den etwas saftigen Preisen – insgesamt war der Event in eine anrührende, verzauberte Stimmung getaucht, einiges an Artwork Tibets aus unterschiedlichen Werkphasen wurde, meist passend zu den Songs, an die Wand des Altarraums projiziert und verlieh der protestantischen Schlichtheit des recht großen Gebäudes ein wenig ungewohnte Pracht.

Den Auftakt machte der schottische Folksänger und -Gitarrist Alasdair Roberts, der später auch in der Besetzung von Current 93 mitwirkte, wo er, wenn man so will, den Part von James Blackshaw übernahm. Mit einer Handvoll meist traditioneller Folksongs sorgte er für einen soliden, angenehm bodenständigen Einstieg, sein teilweise etwas spröder und manchmal ins Falsett kippender Gesang bildete einen interessanten Gegenpart zur eher exaltierten Gesangsart Tibets, ein Höhepunkt seines kurzen Sets bildete eine A capella-Verison der Ballade “The Cruel Mother”.

Als Current 93 dann die Bühne in Beschlag genommen hatten, war schon nach den ersten zwei Tracks klar, dass das Konzept ihres Auftritts, ob bewusst intendiert oder nicht, sich einigermaßen deutlich von den Konzerten der letzten Jahre unterscheiden sollte – in einer Besetzung, von der nur der Pianist Reinier van Houdt, die Geigerin Aloma Ruiz Boada und natürlich Andrew Liles die letzten Jahre über im Line-up aufgetaucht sind, schraubte man die wie auch immer zu kategorisierenden Art-, Psych- und Prog Rock-Elemente, die seit den späten Nullerjahren immer zumindest latent vorhanden waren, merklich herunter und betonte stattdessen sowohl die “experimentell”-soundorientierte als auch die akustische Seite des eigenen Stilspektrums. Die Tatsache, dass diesmal kein Drummer mit von der Partie war, und neben Tibet und den genannten Kollegen noch Jack Barnett von These New Puritans und eben Roberts mitwirkten, trug sicher seinen Teil zu dieser Mischung bei.

Das Konzert begann mit einem mir nicht bekannten, dem Klang nach recht alten Musicalstück, das in eine abstrakte Klanglandschaft aus dem “Moons at your Door”-Material überging. Danach begann mit “Those Flowers Grew” der eigentliche Reigen an Songs. Eine feierliche, ernste Aura und ein Hauch von Trauer umgab die Band und den Sänger schon bei diesem Stück, das beinahe das einzige des letzten Albums bleiben sollte – lediglich “I could not Shift the Shadow” wurde noch zum besten gegeben, das auf dem Album von Nick Cave rezitiert wird. Da Tibets berühmter Freund einen Tag später in Berlin gastieren sollte, munkelte man im Publikum teilweise, dass ein Gastauftritt eine nette Idee und durchaus möglich wäre, aber dazu kam es natürlich nicht. Die auf “Those Flowers Grew” folgende Songauswahl bildete mit einer Ausnahme einen ausgewogenen Querschnitt durch die letzten zwanzig Jahre der Bandgeschichte: Das immer wieder ergreifende “Niemandswasser” machte das Konzert schon recht früh für viele zu einer runden Sache, bei “Honeysuckle” vom “HoneySuckle Aeons”-Album wurde der walzerhafte Cabaret-Touch noch etwas mehr betont, “Baalstorm, Baalstorm” sorgte für Dramatik und Momente gesanglicher Entgrenzung, ein unbekannter Track namens “Redhouse” machte neugierig auf das für’s nächste Jahr angekündigte Album “Red”.

Besonders gelungen war die Version von “Then Kill Cæsar”, bei der Aloma Ruiz Boadas Violine, die ohnehin oft als Lead-Instrument fungierte, das Cello von John Contreras ersetzte; mit einer kurzen Perkussionseinlage von Liles bekam der Song einen martialischen Ausklang. Mit den Zeilen “And how I loved the moon / And its sheet of seeds / The moon tiding in your body / The smell of your blood breathing / And its taste in the sea” wurde in dem Song auch einem geheimen Protagonisten des Abends und des Current 93-Kosmos allgemein gehuldigt, nämlich dem Mond, der in den Bildern Tibets in regelmäßigen Abständen über die Kirchenwand flog oder schwebte – ein Symbol, das im Kontext der Band in vielfältigen Bezügen (etwa zur “Moon Music” Coils und zur Person von Tibets verstorbenem Freund John Balance, aber auch zum Konsmos von “In Menstrual Night”) steht, und das diesmal besonders im Zentrum stand. Fast so etwas wie klassisches Neofolk-Feeling kam bei dem einzigen aus den 80ern stammenden Song “Hourglass for Diana” auf, bei dem Liles und Roberts elektronisch und akustisch schrammelten und Barnett und van Houdt einen wabernden Klangteppich beisteuerten. Es war auch einer der Songs, bei denen Tibet unter Beweis stellte, dass er nach wie vor mehr kann als Texte rezitieren, und dass seine exzentrische Kopfstimme immer noch zu wütendem Gekeife taugt.

Nach einigen weiteren Songs wie “The Nudes Lift Shields For war” (von der “Baalstorm, Sing Omega”) und zwei weiteren Stücken von der “HoneySuckle Aeons” endete das Konzert mit der kompletten “Birth Canal Blues”-EP, als Zugabe wurde “Sleep Has His House”, Davids berührende Hommage an seinen Vater, gespielt, und als letztes nicht wie erwartet “Lucifer Over London” oder “Oh Coal Black Smith”, sondern eine originelle, ein bisschen wie ein Shantie vorgetragene Coverversion von “Hushaby Mountain” aus dem 1969er Musical “Chitty Chitty Bang Bang”. “A gentle breeze from Hushabye Mountain / Softly blows over Lullaby Bay / It fills the sails of boats that are waiting / Waiting to sail your worries away”, heißt es da, und so endet auch der zweite Abend mit einem Schlaflied. Eine der zentralen Dichotomien im Werk von David Tibet fällt auch hier wieder ins Auge, nämlich der zwischen apokalyptischen, von rauen (Baal)-Stürmen durchtosten Szenarien, myteriösen Orten wie Niemandswasser, an denen die eigene Existenz als Staub bewusst wird, wo das Studenglas seinen seinen unerbittlichen Countdown zählt, und auf der anderen Seite kindlich-regressiven Traumwelten, in denen sich der trostspendende Schlaf wie eine zarte Decke über alles legt. Gemeinsam ist beidem das Erlöschen.

Mit dem Musical-Stück schloss sich auch der Kreis zum Beginn des Konzertes, und für viele endete sicher ein mehr als zufriendestellender Abend mit feierlichen, wehmütigen, oft schrägen und immer mal für Momente druckvollen Songs. Ein weiteres Thema im Publikum war natürlich die zum Konzert erschienene Lathe Cut, wozu sicher bald etwas von denen zu hören sein wird, die das entsprechende Kombi-Ticket erworben hatten. (U.S., Fotos: Sanja Petrov)

Hubro

Deutlich gelungener ist es, wie 5te Kraft spielen, zwei Kunststudenten, die an einem Tisch entspannt an ihren Geräten herumfummeln und die BPM changieren lassen. Das ist erfrischend, denn auf einem Klangteppich zwischen Techno und House spazierte Suzuki bisher noch nicht. Gegen Ende steigert sich die Stimmung, kommt es zu Rave-artigen Spannungen; das Publikum zelebriert den Exzess. Frenetischer Jubel, als es abrupt vorüber ist. Nur einzelne Stücke sind bei Soundcloud zu hören – wie wäre es mit einem Release?

Der dritte Akt mit Düsseldorfs Darling Ai ist der stärkste. Ohne vorher die Vorgehensweise abgesprochen zu haben, harmonieren Suzukis spontane Ausschüttungen mit der Energie des aufstrebenden, krautig getragenen Groovekollektivs. Suzuki bildet dabei CAN-kompatible Schleifen, steigt aber auch ab und an in bluesige Gesangsregister hinab. Ai gelingt die Gratwanderung, weder zu sehr nur Begleitung noch vorherrschende Stimme zu sein, also das, was CAN auch immer schon erhob – dass alle beteiligten Musiker auf einer Ebene operieren und die traditionelle Rockbanddiktatur aufgelöst ist. Neben dynamischen Teilen kommt es auch zu ruhigeren Fahrten, die ihnen nicht weniger schlecht stehen. Die Meute im Publikum goutiert beides; die Gemütslage, die 5te Kraft schufen, schwappt hinüber – auch hier tanzen sie wild. Höchste Zeit für offiziellen Output, Ai! Eine 12” mit Damo Suzuki schadete sicherlich auch nicht…

(Paul Erntges)

Im Rahmen eines von Akiko Okamoto kuratierten Abends namens „Nippon Performance” in der Theaterstätte beginnen sie ihr Konzert mit einem Gitarren-Drone, den der adrett gekleidete Gitarrist mithilfe von Effektgeräten erzeugt. Darauf stimmt ihr Knöpfchendreher ein; es zeichnet sich nun schon ab, was später noch deutlicher hervortritt: Dass Ai erprobt zusammenspielen und ein Blick genügt, um sich anzuleiten, abzusprechen. Zu besagten Musikern treten ein weiterer Keyboarder, ein Schlagzeuger und ein Bassist hinzu. Was nun folgt, ist ein Lehrstück in der Verschränkung von Krautrock, elektronischer Musik und Einflüssen, die nicht unmittelbar mit den genannten Genres assoziiert werden. Geschult am Funk steuert ihr Bassist tighte Motive bei, die am Drum-Set um Motorik-Grooves, aber auch Läufen des Drum’n'Bass ergänzt werden. Synthetisch klingen auch dubbige Rhythmen an. Was im weiteren Verlauf von einigen schweißtreibenden Momenten getragen wird, lässt wenig zu wünschen übrig. Ai verstehen etwas von einer Musik, die Anti-Rock ist, indem sie auf all die stumpfen Posen der klassischen Breitbeinigkeit verzichtet und heftig mit der Ewigkeit flirtet, wie sie Michael Rother im Sinne hatte, als er mit Neu! Maßstäbe setzte. Berechtigt vorzuwerfen ist ihnen nur die Performance ihres einzigen, bisher veröffentlichten Stücks: Um eine Gastsängerin addiert, klingt ihr lautmalerischer Beitrag leider etwas schwach, was auf der Studioaufnahme nicht der Fall ist.

Ein Konzert ist dann gut, wenn es das Gefühl vermittelt, dass alles möglich ist. Ai erfüllen diesen Anspruch und wecken Neugier auf einen vollständigen Tonträger.

(Paul Erntges)

Bilder: Łukasz Wróbel.

Website

Mitschnitt des Konzertes auf Soundcloud

]]> https://africanpaper.com/2013/06/15/zeitlos-frei-ai-im-fft-dusseldorf-am-24-05-2013/feed/ 0 https://africanpaper.com/2013/04/27/vibrant-demons-andrew-liles-als-zeichner-der-organischen-groteske/ https://africanpaper.com/2013/04/27/vibrant-demons-andrew-liles-als-zeichner-der-organischen-groteske/#comments Sat, 27 Apr 2013 05:28:32 +0000 admin http://africanpaper.com/?p=6720 Weiterlesen →]]> Andrew Liles ist vor allem als Musiker bekannt. Schon in den 90ern ein unermüdlicher Bastler, machte er zunächst eher sporadisch mit minimalistischen Soundexperimenten von sich reden, meist in kleineren Auflagen auf CDr. Durch stetes Experimentieren vergrößerte sich sein Renommee recht bald, und die vor sechs Jahren erschienene „Vortex Vault“-Reihe ist aus der Geschichte soundorientierter Musik längst ebenso wenig wegzudenken wie seine Arbeiten mit Nurse With Wound, Liles’ wohl bekanntestem Nebenschauplatz zusammen mit Current 93. Die Zahl seiner musikalischen Kollaborationen ist groß, mit Daniel Menche, Bass Communion und Jean-Hervé Peron sind nur die bekanntesten genannt. 

Von Beginn an spielte die Tonträgergestaltung eine wichtige Rolle in Liles’ Arbeiten, und wenngleich er in den frühen Jahren ganz unterschiedliche visuelle Ausdrucksweisen ausprobierte, lassen sich in seinen meist digitalen Coverdesigns doch Schwerpunkte erkennen: Einerseit nahmen fotografierte Puppen und Figuren mit puppenhaftem Aussehen einen großen Raum ein, was sicher auch im Kontext seiner Vorliebe für Künstler wie Hans Bellmer und Jan Svankmajer zu sehen ist. Einen anderen Schwerpunkt bilden Referenzen zur Bildsprache des viktorianischen Zeitalters, die seinem Artwork einen nostalgischen, stets aber in der Überzeichnung auch ironischen Beigeschmack verliehen. Erst in den letzten Jahren wurden die visuellen Aspekte seiner Releases in der Presse stärker hervorgehoben, was sicher dem konzeptuell stringenten Artwork seiner aktuellen Reihe zu verdanken ist – einer schier endlosten Serie an Platten, Printmedien, Downloads und zahllosen Merchandise-Artikeln zum Thema „Monster“, die hoffentlich noch lange weitergeführt wird. Das digitale Design der Monster-Serie hat den Stil grostesker Comics mit schematisch gezeichneten Chimären, die trotz ihres aufgeräumt anmutenden Minimalismus und den einfachen Spielzeugfarben vor sleaziger Erotik übersprudeln und von einem Sinn für schwarzen Humor zeugen. Weniger bekannt ist, dass der passionierte Autodidakt seit einiger Zeit auch unabhängig von seinen Tonträgern als visueller Künstler aktiv ist. Auf eine Auswahl dieser Arbeiten stößt man eher beiläufig beim Stöbern auf seiner umfangreichen Webseite, wo sie unter der unscheinbaren Überschrift „Original Artwork“ aufgeführt sind. Interessant ist, dass diese Werke eine stilistisch ganz andere Seite seines Schaffens darstellen, und ohne entsprechendes Wissen kämen wohl die wenigsten darauf, dass die Arbeiten – allesamt Feder- und Buntstiftzeichnungen auf schwarzem Tonpapier – vom gleichen Künstler stammen. Verbindendes Element der seriell anmutenden Kompositionen ist ihre unheimliche, bedrohliche Austrahlung, etwas Dämonisches, das schon in manchen der Titel angedeutet ist: „Cycloped“, „The Fur Faced Boy“ und „Old Father Grime“ sind einige der Werke betitelt. Auf einer derart allgemeinen Ebene ist die Gemeinsamkeit mit dem comichaften Monster-Artwork durchaus evident, und natürlich steckt in den skurrilen Körpern und Physiognomien oder in einem Titel wie „Sprite on Coke“ manch humoresker Zug. Dennoch haben die Zeichnungen eine ganz eigene Handschrift. Wollte man dem jeweiligen Stil eine Musik zuordnen, dann lassen viele seiner Coverdesigns an eine coole, futuristiche Surfrockvariante denken, die Zeichnungen dagegen erinnern an klassische Psychedelia, an Urtümlich-Archaisches, und stilistisch stehen sie ohnehin der Folk- und Outsiderart recht nahe. Alle Bilder der Reihe gehen von einem schwarzen Hintergrund aus – in der fertigen Komposition ist dieser bei manchen Arbeiten nur noch undeutlich erkennbar, meist jedoch bildet er die Basis für ein kontrastives, leuchtendes Farbenspiel, das viel zu der gespenstischen Grundstimmung der Arbeiten beiträgt. Der flächige Eindruck der Bilder wird durch geschwungene, stark bewegte Einzellinien erzeugt, die in ihrer unüberschaubaren Vielfalt figürliche Formmuster bilden. Diese fließenden Muster lassen vielfältige Assoziationen zu, allem voran entsteht ein für Folkart typischer Eindruck des Floralen, Organischen. Aufgrund der Farben sind ebenso Assoziationen zu Feuer, zu züngelnden Flammen möglich. Die Figuren, die sich aus diesem unübersichtlichen Wulst aus im einzelnen klar konturierten Linien manifestieren, sind allerdings im Gesamtbild niemals fixierbar, sondern stets unbestimmt bewegt. Interessant ist dabei, dass die Farbgebung der Einzellinien sehr vielfältig ist; insofern wirken die Werke weniger monochrom, als dass sie vielmehr farblich vibrieren. Gleichwohl werden aber in der sich so ergebenden amorphen Figur ganz bestimmte Akzente gesetzt: Meist sind es die Augen oder andere Gesichtspartien der Figuren, die eine besondere Betonung erfahren und die mythischen Gestalten dieser urtümlichen Parallelwelt direkt mit dem Betrachter in Kontakt treten lassen. Eine größere Auswahl an Zeichnungen findet sich hier, einige neue Werke sind am 15. Juni auf dem Epicurean Escapism Festival in Berlin zu sehen.

(T.M. & U.S.)

Abbildungen: 1. Pripanic, 2. Elongongated, 3. Hypnophantasmo, 4. Cycloped.

andrewliles.com

Für viele, die in den letzten Jahren ein paar Informationsfetzen zu dem Thema aufschnappen konnten, ist Tinkebell (eigentlich mit Punkt am Ende) lediglich die verrückte Holländerin, die aus den sterblichen Überresten ihres Katers eine Handtasche bastelte. „My dearest cat Pinkeltje“ heißt diese als Kunstaktion verstandene und bildreich dokumentierte Untat, und man muss hinzufügen, dass Fräulein Simonse ihrem Kater eigenhändig den Hals umdrehte. Er war alt und krank, außerdem depressiv, und vor dem Tierarzt, der ihn einschläfern sollte, hatte er panische Angst. In den Feuilletons und einigen Ethik-Foren löste der Fall durchaus ergiebige Diskussionen über unser Verhältnis zu Haustieren aus, zu den Normen und Gewohnheiten, die (trotz oder vielleicht auch gerade wegen einer Tendenz zur Vermenschlichung) ein Outsourcing des Tötens begünstigen und jeden Normbruch grausam erscheinen lassen, selbst dann, wenn es sich im Hinblick auf das Tierleid nicht unterscheidet. Tinkebell sieht sich im Grunde als Tierrechtlerin, die radikal mit Konventionen einer in ihren Augen sentimentalen und projektiven Tierliebe bricht. Einige Tierethiker unterstellen ihr krude Methoden bei guter Absicht, und unabhängig davon, ob man dieser Beurteilung zustimmt, kann man konstatieren, dass Tinkebell, deren Lieblingsfarbe Pink ist, nicht um jeden Preis gemocht werden will und radikal mit der immer noch gepflegten Vorstellung bricht, ein “gesellschaftskritischer” Künstler sei unser aller Freund und Sympathieträger. Dennoch und zugleich deshalb provoziert sie stets fruchtbare Streitereien und Reflexionen. Die Idee mit der ästhetischen Verwertung Pinkeltjes als Alternative zur Dekomposition im Erdboden kam ihr, wie sie sagt, erst später – womit zugleich Fragen nach Konventionen des Andenkens aufgeworfen wurden.

Bei weniger privaten Aktionen der Künstlerin trat der konzeptuelle Charakter noch deutlicher in den Vordergrund. So beispielsweise bei einer Kurzfilmreihe, bei der sie in mädchenhafter Aufmachung mit einem Haustier in Peking oder Beverly Hills flanieren geht oder sich im Cabrio durch filmreife Kulissen chauffieren lässt. So weit, so nichtssagend, bis auf die kleine Nebensächlichkeit, dass die Tiere, die sogar mit Namen vorgestellt werden, bereits tot und präpariert sind. Interessanter vielleicht als der offenkundige Tabubruch, der sich in der sichtbaren Irritation vieler Passanten zeigte, ist, dass die Aufnahmen wie Ausschnitte aus einer fremdartigen Kultur anmuten – einer Welt, in der Menschen ihre Haustiere betrauern, indem sie ihre Körper in Objekte von „unvergänglicher“ Schönheit verwandeln. Dass auch unserer Kultur die ästhetische Verwertung toter Tiere nicht fremd ist, muss nicht extra betont werden. Aber ähneln nicht selbst unsere lebenden Haustiere hin und wieder den präparierten Begleitern und pelzigen Skulpturen der Künstlerin? Wiederholt verwies sie auf die gängige Konvention, Haustiere zu Objekten, zu perfekt in eine gestylte Umgebung eingepassten Designobjekten zu machen. Der frisierte Pudel, der Terrier mit Schlaufe, der um Luft ringende Mops mit Kindchenschema, der Chihuahua auf dem pelzumschmeichelten Schoß eines dummen amerikanischen It-Girls – nur ein paar vertraute Beispiele für eine Tierliebe, die sich häufig als stilfixierte Objektliebe entpuppt.

Konsultiert man gängige Suchdienste im Netz, so begegnen einem eine ganze Reihe an Abbildungen von Skulpturen, die Tinkebell aus den Körpern toter Haustiere hergestellt hat. „John Doe, a Love Story“: Eine Spieluhr, versteckt im flauschigen Körper eines toten Kükens. „The White Rabbit“: Ein vormals lebendiges, nun ferngesteuertes Kaninchen, das merkwürdige Quietschgeräusche von sich gibt. „Fifi“: ein verblichener Yorkshire Terrier auf Rädern. „Balthazar“: ein Puzzle aus pelzigen Würfeln, das auch in seiner kubistischen Formgebung noch sehr gut an den Kater erinnert, aus dem seine Teile hervorgegangen sind. „Wouter“: sein präparierter Artgenosse mit Skateboard. Makabre Spielsachen, aber eigentlich auch ganz schön und vor allem haben sie Namen – welcher Rothirsch, dessen Kopf über einem gutbürgerlichen Türsims hängt, kann da schon mithalten?

Wer in den Besitz toter Tierkörper gelangen will, dem sollte das gelingen: durch Förster, Tierärzte, Landwirte etc. So ist es wohl auch in Tinkebells Fall gewesen. Ob das Gerücht, sie hätte für ihre Skulpturen lebende Tiere um die Ecke gebracht, mit Absicht oder im Stille Post-Verfahren in die Welt gesetzt wurde, ist unklar. Es löste allerdings eine Lawine an Empörung aus, die im routinehaften Kunstbetrieb nicht alltäglich ist. Vor circa drei Jahren erschien ihr Buch „Dearest Tinkebell“, in dem sie auf siebenhundert Seiten tausend eingegangene Hassmails dokumentierte, zusammen mit Fotos und zum Teil Adressen der Absender, die sie dank Social Media und einer speziellen Suchmaschine ausfindig gemacht hatte. Natürlich ist das gesetzwidrig, aber Morddrohungen ebenso, und Tinkebell entgegnete darauf angesprochen nur kaltschnäuzig mit dem Hinweis, dass sie im Ernstfall, der nie stattfand, wohl die besseren Anwälte habe. Sieht man sich die einzelnen Nachrichten und ihre Absender an, so läuft man Gefahr, in einen Strudel aus wild gewordener Normalität gerissen zu werden, aus dem es kaum ein Entrinnen gibt. Gelangweilte Schüler, frustrierte Tippsen, pseudoesoterische Lebensberaterinnen, gestresste Hausfrauen und Mütter (ja, es waren überwiegend Frauen) erfreuten sich des Freibriefes, nun endlich einmal jemandem nach Herzenslust einen qualvollen Tod mit allen appetitlichen Details zu wünschen, und dabei noch auf der Seite des Guten zu sein, denn bei ihrem Hassobjekt handelt es sich ja quasi um eine öffentlich gebrandmarkte Perverse, die sich am Kuschelobjekt schlechthin, dem Haustier, vergreift. Erst vor wenigen Monaten wiederholte sich das Spektakel in Form eines virtuellen Flashmob (oder zeitgemäßer: Shitstorm) auf ihrer Facebook-Seite, der vermutlich von einer lateinamerikanischen Internetseite losgetreten wurde. In einem Interview wurde sie irgendwann auch mal direkt gefragt, ob sie tatsächlich Tiere für ihre Kunst tötet, was sie ohne viel Aufhebens verneinte. Welchen Grund hätte sie auch dazu? An dem Ruf, den sie vermutlich genau so provozieren wollte, änderte das natürlich nicht viel, denn je größer die Vorurteile, desto geringer bekanntlich die Bereitschaft, sich zu informieren. Moderate Kritiker unterstellen ihr gelegentlich, ein attention seeker zu sein – nun, damit wird sie leben können, aber was man ihr nie vorhalten könnte, wäre, dass sich sich wie viele andere selbsternannte Provokateure in einer eitlen Opfer- und Märtyrerrolle suhlt.

Was für ein Befreiungsschlag diese weltweiten Email- und Gästebuchpogrome anscheinend für die Absender darstellten, überrascht allerdings, da die spontan mobilisierten Anwälte der Tiere ja auch sonst genug zu tun haben müssten: Zum Beispiel neunzig Prozent ihrer Nachbarn, Kollegen und Verwandten beschimpfen und bedrohen, weil diese durch Konsum eine Lebensmittel- und Bekleidungsindustrie am Leben halten, die seit Jahrzehnten schiere Massen an überzüchteten Lebewesen auf einen reinen Rohstoff reduziert und dabei nicht gerade gut behandelt. Aus dem gleichen Anlass im nächsten Supermarkt randalieren, vorm Schnellrestaurant, im Schuhgeschäft, auf dem vom stylischen Modelabel gesponsorten Charity Event. Der Verdacht, dass sich entsprechende Gemüter generell eher am (tatsächlichen oder vermeintlichen) Fehlverhalten Einzelner erhitzen als an allgemein akzeptierten Fragwürdigheiten größeren Ausmaßes, drängt sich nicht nur auf – er ließe sich vermutlich sogar statistisch belegen. Auch in allgemeineren Foren über Tierquälerei wecken Postings über „gestörte“ Einzeltäter meist mehr Entrüstung als solche über den alltäglichen Tiermissbrauch in Industriezweigen, die unsere Gesellschaft nach wie vor wie selbstverständlich trägt. Ob eine Jonathan S. Foer-Lektüre da Abhilfe schafft, ist schwer zu sagen, eine Empfehlung ist sein Buch über den Tierverzehr allemal, und Eiligen empfehle ich zumindest das Kapitel über Schweinescheiße.

In Tinkebells Fall wirken die Beschimpfungen chaotisch, spontan, unüberlegt, und weisen dennoch Strukturen auf, die Schwerpunkte erkennen lassen und bekannten Mustern entsprechen. Neben banalen Pejorativen aus der Welt der Sexalität, der Fäkalien und interessanterweise auch der Tiere, wird sich auffallend stark im biologistischen Begriffsrepertoire der Krankheiten und Handicaps bedient, Euthanasie und Sippenhaft gefordert u.s.w. – die ganze Palette, die die Kehrseite unserer von Diskurstheorien geprägten Intellektuellensprache, die leisetreterisch und für Außenstehende oft reizlos ist, zu bieten hat. Eine Kehrseite, die man nicht für voll nimmt, die aber dennoch einiges über die Art der Hegemonie in breiten Gesellschaftsschichten aussagt.

All dies bloßzulegen ist eine zentrale Errungenschaft Tinkebells. Zu den wichtigsten roten Fäden ihres Werks zählt die Definition unserer Kultur als Alibi-Kultur, in der Verdrängung zu den wichtigsten Identitätsstrategien zählt. Das Verhältnis zwischen Mensch und Tier ist dabei nur eine besondere Fundgrube für Indizien. Die gewohnheitsmäßige Unterscheidung von Nutz- und Haustieren, die unhinterfragte Naturalisierung einer solchen kulturellen Zuweisung, ist vielleicht das bekannteste und allgemeinste Beispiel. Die Tatsache, dass es in vielen Milleus nicht ungewöhnlich ist, Pelzprodukte zu tragen und zugleich “pelzige” Haustiere zu mögen, wirkt zurecht widersinnig – noch bezeichnender ist jedoch die Beobachtung, dass Pelz, der eben noch stark nach Tier aussieht, oft verpönter ist als Fleisch oder Leder. Es gab in den Jahren nach ihrer ersten Schlagzeile eine ganze Reihe von Aktionen, die auf den Aspekt des Verdrängens gemünzt waren: Im Rahmen der Installation “Save the Males” befasste sie sich mit dem vielleicht gewöhnlichsten aller Vögel, dessen Dasein selten ein natürliches Ende nimmt. Im Zentrum der Aktion stand ein großes Becken mit hundert männlichen Küken, direkt eingeliefert aus der Legefabrik eines großen Eierlieferanten. Am Ende der Show sollten die einen Tag alten Jungtiere von Tinkebell persönlich durch einen Schredder gejagt und entsorgt werden. Jeder Besucher der Show konnte nun für 15 € ein Küken erwerben und dabei so viele Tiere befreien, wie das Portemonnaie zuließ. Eine handvoll Tiere wurden natürlich gekauft, aber als der Rest dann geschreddert werden sollte, regte sich Tumult, woraufhin das Museumsteam den Schredder vorsorglich entfernte. Als Tinkebell dann die Flucht nach vorn ergriff und die aus der traditionellen Landwirtschaft bekannte Methode des An die Wand-Werfens in Betracht zog, regte sich bereits so viel Unmut, dass die Security Stellung beziehen musste. Letztlich kaufte der Veranstalter die restlichen Tiere und brachte sie zur Legefabrik zurück, in der vermutlich alles seinen gewohnten Gang ging. Die schlechte Publicity der Aktion in einer Gesellschaft, die Eier konsumiert und in der Regel weiß, was mit dem männlichen Nachwuchst geschieht, ist mehr bezeichnend als verwunderlich.

Bei ihrer derzeitigen Aktionsreihe „Save The World“ geht es nur zum Teil um Tiere. Jede Aktion findet in einem anderen Land statt und entlarvt den naiven Paternalismus des Westlers, der in Probleme anderer Gesellschaften eingreift um zu helfen, ohne dabei die Projektionen seiner eigenen Wertvorstellungen zu erkennen und zu hinterfragen. Das Perfide und zugleich Geniale an ihrem Rollenspiel ist, dass bei den einzelnen Aktionen Ironie und ernst gemeinte Wohltätigkeit oft Hand in Hand gehen und kaum auseinander zu halten sind. Neben der Lust am Verwirrungstiften trägt dies sicher auch der Tatsache Rechnung, dass nicht jede Einmischung gleichermaßen irrelevant und anmaßend sein muss – bloß sollte man sich seines stets begrenzten Empathievermögens in kulturell fremde Situationen bewusst sein. Dass dies meist nicht der Fall ist, wenn die Welt “according to Dutch norms” gerettet werden soll, ist Gegenstand einer großangelegten Persiflage, bei der Tinkebell gerne in die Rolle des Ignoranten schlüpft. Denkt man an Straßenhunde aus West-Afrika, hat man wahrscheinlich keine allzu heimeligen Assoziationen. Tinkebell hat bei einer Aktion einen Hund gerettet – er wurde zuvor vom Tierarzt gründlich untersucht, denn die Rettung sollte sich schließlich lohnen. Nachdem ein einheimischer Tierarzt zunächst einen Hund für gesund erklärte, der dann doch starb, konsultierte sie beim nächsten Versuch lieber gleich einen weißen mit westlichem Knowhow. Dass der Hund nach seiner Ankunft in Europa (zumindest der Fotostrecke nach) hinter Tierheimgittern landete, durchkreuzt jedes idyllische Happy End, bei dem man sich bequem in die Rolle des Retters hineinträumen könnte. Ein solcher Schluss hätte gewiss weniger diffuse Fragen aufgeworfen über die mitunter romantischen Projektionen, die unsere Vorstellungen vom guten Tierleben bestimmen, oder darüber, ob man verwilderte Rudel in Afrika und überfüllte Tierheime und verantwortungslose Züchter in Europa gegeneinander aufrechnen kann. In „Save The Family“ hat sie einer Familie in Ghana geholfen, in dem sie ihr nach europäischen Konventionen ärmliches Zuhause mit quietschbunten Ikeamöbeln für Kinder einrichtete und sich danach feiern ließ. Die Favela Rímac im peruanischen Lima erlöste sie von ihrer Trostlosigkeit, in dem sie die Dächer so streichen ließ, dass man von Weitem ein pinkes Herz sehen kann. Womit die Reputation des Viertels gerettet wäre. Bei allem Hohn, den sie über dem naiven Paternalismus des pseudosozialen Heldentums ausgießt, scheint es ihr v.a. darum zu gehen, dass man bei der Frage nach Einmischung in Probleme fremder Kulturen nicht pauschalisieren sollte, und dass man sich im Fall einer Einmischung von missionarischer Selbstgerechtigkeit und pädagogischer Überheblichkeit frei machen sollte. Unter der Vorausetzung ist Tinkebell durchaus ernsthaft Weltverbesserer, so wie man Aufklärer sein kann, und dennoch die Kehrseiten der Aufklärung und ihre Folgen bloßstellt. Nie reden ihre Aktionen einer platten neoliberalen Coolness das Wort, im Gegenteil, und das Interesse derer, die Provokation primär als eine Chance zur Kompensation eigener Bedeutungslosigkeit sehen, dürften schon nach einer kurzlebigen Sympathiebekundung erlahmen.

Warum nun dieser ganze Aufriss ausgerechnet jetzt? Ganz einfach: Wer Tinkebells Aktionen unterstützen will oder sie auf den hier gezeigten Fotos vielleicht ganz hübsch findet, der kann sich für 25 € ihren gerade erschienenen „Nude Calendar“ für 2013 ordern, in welchem sie in zwölf verschiedenen Aktposen zu sehen ist. Der Kalender ist Teil ihrer jüngsten Aktion „Save The Girls“, die diesmal auf den Philippinen stattfindet, einem Land, das sich neben Clankriegen mit zahlreichen Folgen neokolonialer Entwurzelung und internationaler Sparpolitik herumschlägt. Im Zentrum stehen zwei junge Nachtclub-Tänzerinnen aus Manila, denen Tinkebell mit dem Erlös des Kalenders neue berufliche Perspektiven eröffnen will. Unter anderem steht ein Straßenverkaufsstand für nichts Geringeres als Fleisch zur Diskussion – immer noch besser, als seinen leicht bekleideten Körper zur Schau zu stellen, nicht wahr? Als nächstes erscheint übrigens Tinkebells Autobiographie “Die Deutschen sind behindert”.

Homepage: LoooveTinkebell

Verlag: Ideabooks

Mailorder: Libris

Was Künstler wie Zedd, Richard Kern, Tessa Hughes-Freeland, Casandra Stark und andere mit zum Teil gestohlenen Kameras auf schlichten (meist monochromen) Super8-Film bannten, rangiert unter der etwas abgedroschenen Bezeichnung Underground-Film, was in ihrem Fall sowohl auf einen Bruch mit gängigen Moden als auch auf ihre bevorzugten Sujets gemünzt ist. Wie die meisten Sezzessionsbewegungen zelebrierten auch die Künstler um Kern eine Abgrenzung gegenüber akademischen Konventionen. In ihrer Radikalität war sie den Aufbruchsparolen des Futurismus ebenbürtig: „We openly renounce and reject the entrenched academic snobbery which erected a monument to lazyness known as „structuralism“ and proceeded to look out those film makers who posessed the vision to see through this charade“, schreibt Nick Zedd in seinem „Cinema of Transgression Manifesto“, das zunächst ohne Verfasserangabe im Underground Film Bulletin erschienen ist. Und selbstredend ging es nicht nur um ästhetische Fragen, denn die beteiligten Filmer wollten unvermittelt auf die Situation in New York reagieren, die von enormen sozialen Problemen und zunehmender Angst geprägt war. Der seinerzeit grassierende HIV-Virus war eines der Themen, die man aufgriff, und die im etablierteren Experimentalkino bis dato unterrepräsentiert waren. Während man gängigen Traditionslinien des Kunstfilms eine Absage erteilte, ist eine Nähe zu zeitgenössischen Musikbewegungen offenkundig. Im New Yorker Kontext beerbte man gewissermaßen die gerade im Niedergang begriffene No Wave-Welle und avancierte zu einem Parallelphänomen gerade entstehender Bands wie Swans oder Sonic Youth, deren „Death Vally 69“-Video zu Kerns bekanntesten Arbeiten zählt und u.a. in der Berliner Ausstellung zu sehen ist. Aus dem Umfeld von Hughes-Freeland gingen wiederum Musikprojekte wie Backworld hervor. Viele der meist zwischen zehn und dreißig Minuten langen Filme erscheinen wie längere Musikclips, oder zumindest spielt Musik eine große Rolle und füllt oft die ganze Tonspur aus. Lydia Lunch wirkt in Filmen Kerns mit, zu den Soundtrack-Komponisten zählt Jim Thirlwell a.k.a. Foetus und in einem Fall sogar SPK, deren auf Sprachsamples und exzessive Wiederholungsfiguren gebaute Aufnahmen dieser Zeit typisch für die im Cinema of Transgression verwendete Musik sind. Eine thematische Nähe zum Industrial besteht ohnehin.

Vom Sujet her dreht sich nahezu alles um psychische Extremzustände und Abgründe von Sex und Gewalt, und dass ein Cinema of Transgression genanntes Phänomen durch und durch plakativ ist, überrascht wohl niemanden. Die Filmer wollten provozieren, schockieren und konfrontieren und sahen sich im direkten Kontrast zu den etablierten Werten eines Amerika nach dem conservative turn im Zuge der Präsidentschaft Reagans, der für diese Art Kino eine ähnliche Rolle spielte wie Margarete Thatcher für Crass und den britischen Anarcho Punk. Traditionellen familiären Werten geht es in Kerns farbenprächtigem „You Killed Me First“, nach dem die Gesamtschau benannt ist, nicht nur durch Gewalt an den Kragen, sondern auch durch einen Humor, der an Hershell Gordon Lewis erinnert. „We propose that a sense of humor is an essential element disgarded by the doddering academics and further, that any film which doesn’t shock isn’t worth looking at“, heißt es bei Zedd. Tessa Hughes-Freelands „Nymphomania“, der jüngste aber auch zugleich am ehesten hippieske Film der Auswahl, zeigt untermalt von Debussy das anfangs neckische, später dann gewaltsame Liebesspiel zwischen einer Nymphe und einem Faun, und ist über weite Strecken sogar auf recht konventionelle Art komisch, ebenso das groteske Mienenspiel in Kerns „Stray Dogs“. Doch auch im exzessiven Gebrauch von Splattereffekten, in der plakativen Darstellung sexueller Abgründe und im schamlos bejahten Dilettantismus der Arbeiten steckt stets dieses humoreske Moment, eine Komik der Übertreibung, die beinahe zwangsläufig jeden Zuschauer zum Lachen bringen muss, der sich nicht aus Angst, Scham, Ekel oder moralischer Brüskiertheit abwendet.

Während einige Filme dabei eine groteske Heiterkeit versprühen, die durchaus so etwas wie comic relief in die Szenarien bringt, sind andere verstörend genug, dass auch dem eingeweihten Zuschauer das Lachen im Hals stecken bleibt. Bei Kerns „Fingered“, einem Road Movie mit Lydia Lunch, ist es nicht nur die hemmungslose (und sehr real wirkende) Gewalt, die verstört – es ist einer der wenigen Filme der Auswahl, die statt eines dominanten Musicscore realistische Dialoge aufweisen, und wie nahezu alle gezeigten Arbeiten verfügt er über einen simplen und durchaus schlüssigen Plot. „Rat Trap“ von Tessa Hugh-Freeland und Tommy Turner verstört durch den grafischen Einsatz toter Tierkörper und die lärmigen Gitarrenfeedbacks von Jimi Hendrix. „Where Evil Dwells“ (in dem der Maler Joe Coleman zu sehen ist) dagegen durch übertriebenen Gothic-Kitsch und eine äußerst unruhige Bildsprache. Der Anspruch, den die Künstler mit ihren gewalttätigen, sexualisierten Stoffen verfolgten, liest sich fast schon sympathisch naiv: „We propose transformation through transgression – to convert, transfigure and transmute into a higher plane of existence in order to approach freedom in a world full of unknowing slaves“. Auch die experimentelle Ästhetik unmittelbar nach Punk und Industrial hatte ihre Utopien – ihre Postulate wirken bis heute und sind auch in ihrem fast musealen Status nach wie vor starke Gesten des Widerspruchs. Die alles durchdringende Governmentalität im Geiste der Reagans dieser Welt konnten sie freilich nicht außer Kraft setzen.

„You Killed Me First“ ist bis 09.04.2012 auf vier Etagen des KW Institute of Contemporary Art, Auguststraße 69,10117 Berlin zu sehen, in den nächsten Wochen gibt es Lesungen und Gesprächsrunden mit Kern, Zedd, Hughes-Freeland und Lunch.

KW Institute of Contemporary Art

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