Hinzu kommen das rhythmisch komplexe “Black Gobi”, live eingespielt 1989 an der Arizona State University, sowie das erstmals veröffentlichte “Live Crash”, aufgezeichnet 1987 bei einer Aufführung in Phoenix. “Graverobbing in the Future”, ursprünglich als Kassette #20 der Serie erschienen, ist klanglich noch ungebundener. Die kurzen, oft abrupten Tracks bewegen sich jenseits von Genrelogik und Linearität. Sie enthalten laut Label eine Musik, die sich nicht im sprichwörtlichen Grab der Geschichte befindet, sondern wie farbiger Rauch aufsteigt und sich auflöst, bevor man sie fassen kann. Wie schon beim vorangegangenen Reissue wurde das Material sorgfältig remastert, es erscheint auf 180g-Vinyl im Stoughton-Klappcover mit seltenen Archivfotos und ist auf 1000 Exemplare limitiert. Eine digitale Einzelveröffentlichung ist nicht geplant.

“Famous Asthma” zeigt die Gruppe auf ihrer charakteristischen Gratwanderung zwischen improvisierter Dissonanz, dadaistischen Textsplittern und einer Art außerirdischem Fundamentalismus – alles in allem eine unberechenbare Mixtur aus „Zen-Agrikultur“, „Amuck-Theorie“ und „Astraler Ejakulation“, wie esim begleitenden Text des Labels heißt. “Tibetan Jazz 666″, ursprünglich 1988 auf Kassette #17 erschienen, wirkt zugleich kompromissloser und strukturierter. Die Aufnahmen variieren zwischen absurdem Sprechgesang, verfremdeten Jazzanleihen und Momenten roher, fast mechanischer Direktheit. Der Titel ist dabei so irritierend wie programmatisch: Nichts klingt hier wie etwas anderes. Die Wiederveröffentlichung erscheint remastered auf Vinyl im hochwertigen Stoughton-Gatefold-Sleeve mit bisher unveröffentlichtem Archivmaterial. Es handelt sich um eine einmalige Pressung von 1000 Stück. Digital ist das Reissue nicht separat erhältlich.

Anlässlich des ein Jahr vorher erschienenen Debüts hieß es bei uns: “Eine Band, die aus Sam Shalabi, Alan Bishop und Maurice Louca besteht, nennt sich natürlich nur höchst ironisch Dwarfs, denn musikalisch sind die drei, die sich vor einigen Jahren eine Wohnung im Kairoer Bezirk Agouza teilten, alles andere als Zwerge. Eigentlich gab es in der Zeit gerade genug zu tun. Bishop hatte mit den Invisible Hands gerade einen würdigen Nachfolger für die Sun City Girls ins Leben gerufen, Shalabi arbeitete emsig mit dem Land of Kush-Kollektiv und Louca, der wahrscheinlich schon Ideen zu seiner künftigen Band Alif ausbrütete, hatte gerade sein Solodebüt in den Regalen stehen. Da man sich aber ohnehin bei all diesen und weiteren Unternehmungen unter die Arme griff, blieb immer wieder Zeit zum ungezwungenen Jammen, und so waren irgendwann die Dwarfs of East Agouza geboren, eine Supergroup, in der das kreative Input aller drei gleichermaßen einfließen sollte”.

Die erste Seite von “High Tide in the Lowlands” enthält eine ausladendere Version des Opener von “Bes”, “Baka of the Future”, und auch in der hier vorliegenden Version kann man die Fusion der verschiedenen Stile, in denen die drei firm sind, geradezu physisch spüren. Formal überschneiden sich viele Details – “ein grooviger Bass, ein zeterndes Tenorsaxophon, eine von allerhand trikontinentalen Einflüssen geprägte Jazzgitarre und nordafrikanische Perkussion in allen möglichen und unmöglichen Variationen”, wie es in der Besprechung hieß – mit der Studioversion, doch ein aggressiveres Tempo und eine etwas weniger saubere Klangbeschaffenheit geben dem Song eine spürbar andere Aura, bei der die im Original starken Easy Listening-Elemente ins Hintertreffen geraten: Nach einem erwartungsvoll stimmenden Auftakt, der etwas von einem spannungsgeladenen Vorspann hat und doch mit seinem energischen Picking auf der elektrischen Gitarre gleichsam medias in res geht, und dem Einsatz einer metallischen Perkussion und etwas Dröhnendem fügt sich bald alles zu einer groovigen Mixtur zusammen, die man sich in den 70ern und bei bislang jedem Psych- oder Space Rock-Revival gewünscht hätte, und die sich als so hypnotisch erweist, dass alle in Laufe des Tracks noch aufkommenden Details – neue Muster auf der Gitarre, psychedelisches Georgel – nur noch physisch wahrnimmt. Erst ein deutlicherer Bruch, bei dem die immer elektrifizierter wirkende Perkussion nach vorn rückt und für Momente den Rest fast verstummen lässt, holt einen vor dem finalen Tempoanstieg zurück ins Hier und Jetzt.

Nach dem offenen, leicht schrägen Schluss ist das Publikum gewappnet für das mir bislang von keiner anderen Aufnahme her bekannte “The Sprouting of the 7th Entertainment”, das mit Alans leiernden Stimmbeiträgen und allerhand rasselnden Geräuschen als Kulisse für die soliden Gitarrenparts um einiges zerfledderter startet. Schnell entpuppt sich der Track als eine schwindelige Karussellfahrt, bei der seltsame Schreie, trällernde Saxophonparts, merkwürdig orgelnde Pfeifgeräusche und funky Gitarren nicht immer ganz von einander unterschiedbar sind, aber zusammen immer mal durch den Fleischwolf wagemutiger Tempospielereien gedreht werden.

Nicht erst, wenn gegen Ende ein begeistertes Publikum zu hören ist, verdeutlichen die beiden Stücke, die die Intensität der vierzig Minuten gut einfangen, wie sehr die Dwarfs auch als Live-Band überzeugen. (U.S.)

Label: Sub Rosa

In den 90ern und den Jahren nach der Jahrtausendwende waren die Climax Golden Twins ein umtriebiges Projekt, das nicht nur in Dauerschleife Musik produzierte, sondern die unterschiedlichsten musikalischen Herangehensweisen und Stilrichtungen für sich fruchtbar zu machen wusste. So heißt es in einem Überblick seitens des Labels Fire Breathing Turtle: “Climax Golden Twins is best known for the soundtrack to Session Nine (directed by Brad Anderson in 2001, OST on Milan International). In addition to this soundtrack, CGT have released ambient recordings (Lovely on Anomalous Records); compilations of rare 78rpm shellac records (the Victrola Favorites book on Dust-to-Digital); field recording, collage, and musique concrète experiments (Dream Cut Short in the Mysterious Clouds on the Japanese Meme label) and instrumental rock, noise, and improv (5 Cents A Piece on Abduction Records and Imperial Household Orchestra on Scratch Recordings)”.

Auf eine gewisse Weise verknüpfen die neuen Aufnahmen viele dieser Strukturen miteinander, und doch überwiegt ein akustisch-luftiges Klangbild und eine Eingängigkeit, die an traditionelle Stile erinnern: Akustische Gitarre, manchmal Piano und Handdrums sind wiederkehrende akustische Klangquellen der stets etwas mehr als miniaturenhaften und doch meist kompkaten Setpieces, die in ihren songhafteren Ausprägungen mal folkig eingefärgt sind, manchmal blueslastiger Americana entstprechen. Dazu passen dann bukolische Songtitel wie “Flower Vally”, “Clear Skies” oder “Campfire Season”, die das ganze endgültig in ein pastorales Setting tauchen, bei dem manch einer vielleicht einen regressiven Eskapismus wittern könnte (zudem es mit “Asleep Forever” auch den passenden Titel gäbe), wofür man aber den spielerischen, z.T. dadaistisch anmutenden Grundtenor der Szenen ignorieren müsste.

Letzterer findet sich dann vielleicht am deutlichsten in den Anschnitten mit Textrezitation, bei der Repetitionen und allerhand Überzeichnungen den brechtschen Imperativ “Glotzt nicht so romantisch” einfordern. Ein guter Teil der Stücke sind ohnehin von sounscpaiger, bisweilen hörspielhafter Machart. Da lugt dann schon mal ein sogenannter Doomjazz um die Ecke, surreale Alptraumlandschaften ergeben sich in tremolierende Delirien, und bisweilen rüttelt einen heftige Freakouts aus aus den letzten Resten des entspannten Wohlseins.

Label: Fire Breathing Turtle

Da man sich aber ohnehin bei all diesen und weiteren Unternehmungen unter die Arme griff, bleib immer wieder Zeit zum ungezwungenen Jammen, und so waren irgendwann die Dwarfs of East Agouza geboren, eine Supergroup, in der das kreative Input aller drei gleichermaßen einfließen sollte.

Ein grooviger Bass, ein zeterndes Tenorsaxophon, eine von allerhand trikontinentalen Einflüssen geprägte Jazzgitarre und nordafrikanische Perkussion in allen möglichen und unmöglichen Variationen – wer bei diesen instrumentellen Zutaten funkige Psychedelic mit west- und nordafrikanischem Einschlag erwartet, liegt ganz richtig, doch die Musik verströmt auch den Geist leichtfüßiger Easy Listening-Musik, wie sie Mondo- und sonstige Genrefilmer in den 70ern liebten. Irgendwie passt das auch perfekt zu der titelgebenden altägyptischen Gottheit Bes, die nicht nur Beschützer der Menschen war, sondern auch ein sehr unterhaltsamer Gott mit einem Faible  – siehe Artwork – für’s Tanzen, einem Hang zur Groteske und zur Dreibeinigkeit.

Man kann „Baka of the Future“ gar nicht goutieren, ohne zumindest mit dem Fuß zu wippen, denn der repetitive Groove und die stylischen Handdrums sind so tanzbar wie das letzte Solowerk Loucas, der hier sämtliche Register seines Metiers zwischen traditionellen Rhythmen und vom Mahraganat beeinflusster Elektronik zieht. Coole Gitarrenparts und eine filmreife Mundharmonika sorgen für Kolorit, was die Musik allerdings am ehesten von jedem Easy Listening unterscheidet, ist ihre manchmal ins sperrige kippende Eindringlichkeit, wegen der man sie kaum ohne volle Aufmerksamkeit nebenbei rezipieren kann.

Bei jedem Stück und auch innerhalb jedes Stücks brechen sich neue – instrumentelle, melodische, rhythmische, harmonische – Ideen Bahn und oft leiten recht spontane Brüche neue Episoden ein. Manchmal gebärdet sich das Gitarrenspiel etwas kniedelig, just weil man es kann, dann jaulen die Saiten bluesig, weil es verdammt gut passt, dann sind arabische Einflüsse unüberhörbar, und ähnlich wie bei Shalabis Hauptband Land of Kush findet man sich in einem Kairoer Szenario wieder, das im besten Sinne einen Begriff wie polykulturell verdient. Subtile Synthietupfer und perkussive Ekstatik gehören da ebenso mit ins Bild.

Dann die zweite Scheibe: nach dem soliden Auftakt „Resinance“ das monumentale halbstündige „Museum of Stranglers“, das mit seinen Twangs und den klagenden und summenden Drones und mitreißenden Gitarrenparts so etwas wie ein Album im Album darstellt – unglaublich, denn „Bes“ wäre auch ohne dieses Finale furios gewesen. Just bei Nawa erschienen als Doppel-CD, Doppel-LP und dem obligatorischen Download. (U.S.)

Label: Nawa Recordings

Bei dem für Jahre vergriffenen “Torch of the Mystics” handelt es sich um eines der klassischen Alben der Band, und verdient u.a. deswegen Aufmerksamkeit, weil es exemplarisch für einen Zeitraum steht, in dem die Band noch knietief in ihrem ursprünglich neoiserockigen Sound steht, gleichsam aber schon all die Seiten ihres Stils aufweist, für die der Name Sun City Girls später einmal stehen sollte: folkige Ansätze, Einflüsse aus der lateinamerikanischen und vor allem mexikanischen Populärmusik, Zitate aus arabischen und afrikanischen Spielweisen, Morriconeskes etc.

Zusammengehalten wird dies – wie im übrigens die ganze Discografie von Goucher und den Gebrüdern Bishop unabhängig vom jeweiligen stilitischen Schwerpunkt – von einem anarchischen Dada-Feeling, dass sich schon im ersten Track in nahezu allen Aspekten findet: im primitiven Punksound, im nöligen Gesang, im immer mal wieder aus dem Takt geratenden Rhythmus und dem unberechenbaren Tempo. Bei “Tarmac 23″, dessen bluesige Gitarrensoli durch den konsequenten Wackeltakt noch kunstvoller wirken, weiß man kaum, ob man den lallenden Gesang schamanisch oder infantil finden soll, aber genau das macht seinen besonderen Reiz aus. Im Verlauf des Albums differenziert sich das Stilspektrum immer mehr aus, nach dronigen Folksongs mit orientalischen Blasinstrumenten folgt coolster Texmex mit einem Falsettgesang, den man dem heutigen Richard Bishop gar nicht zutrauen würde.

Auch wenn es eine Frage des Geschmacks ist, möchte ich meine persönlichen Favoriten nicht unerwähnt lassen, namentlich das von einer orientalisch anmutenden Leadgitarre geführte “Esoterica Of Abyssynia”, das fast stonerdoomige und nicht unpassend von Grails gecoverte “Space Phrophet Dogon” und das launige “The Shining Path” mit Hirtenflöte und Ohrwurm-Melodie. Das Stück basiert auf dem Folksong “Llorando se fue” von Los Kjarkas, und wem das nichts sagt, der kennt vielleicht die unsägliche Popversion namens “Lambada”, die Kaoma einige Jahre nach den Sun City Girls daraus gezimmert hatten.

Label: Abduction

Vor kurzem legte Bishop mit seiner aktuellen Band The Invisible Hands sein bis dato vielleicht eingängigstes Werk vor. „Teslam“ wurde wie schon das Banddebüt in Bishops Wahlheimat Kairo eingespielt, zusammen mit lokalen Musikern, deren harter Kern längst mit dem Frontmann zu einer festen Gruppe verwachsen ist. Wer beim Lineup (und auch angesichts der auf Sublime Frequencies dokumentierten Passion Bishops sowohl für „seriöse“ traditionelle Musik als auch für schräge Exotica) Orientalisches erwartet, könnte nun einmal mehr überrascht sein über den regionenübergreifenden Sound der Platte. Zwar sind regionale Instrumente zu hören, doch diese sind recht sparsam in ein Klangbild integriert, das eine große Leidenschaft für Rock, Beat und einen Songwriter-Machismo der alten Schule offenbart.

„Slaughterhouse“, das mit einem vuvuzelaartigen Dröhnen beginnt und in einen kernigen Midtemporocksong mündet, klingt sehr amerikanisch und channelt einen Sound, für den man Bands wie The Red Krayola liebt. Wie in dem satten Hardrock von „Weasel Down“, der Schweineorgel in „Places“ und dem schrammeligen Rock’n'Roll vieler Stücke zeigt Bishop hier, dass er eine Qualität aus Sun City Girls-Zeiten bis heute bewart hat, nämlich den Mut zum gewagten Aneignen von Stilzitaten und eine dreiste Unerschrockenheit gegenüber abgenudelten musikalischen Schablonen, die stets mit Witz angegangen werden und von der Überzeugung künden, dass vieles eben tatsächlich früher besser war, und daran ändern auch keine noch so banalen Revivals etwas, und der Zahn der Zeit schon gar nicht. In dem Sinne sind die unsichtbaren Hände allenfalls Meta-Retro, und nirgendwo zeigt sich das so gut wie in Bishops stimmungsvollen Duettpasagen mit der Sängerin Aya Hemeda, bei denen man um keine Gainsbourg/Birkin-Vergleiche herumkommt.

Während Oud-Klänge und nordafrikanische Rhythmen zwischen all den Gitarrentwangs, den progressiven Orgelteppichen und dem Popappeal von Bishops Gesang eher gut dosiert zum Zuge kommen, ist das Kairo der letzten Jahre in den Texten allgegenwärtig. Jeder der Songs verströmt den Geist einer Metropole, die in der jüngeren Vergangenheit zwei politische Paradigmenwechsel durchlebt hat und letztlich in einer vielleicht noch Jahre andauernden Schwellensituation vor sich hinbrodeln wird, die man als Auswärtiger nur schwer einzuschätzen vermag. Die Invisible Hands vertonen aber viel mehr die kleinen alltäglichen slices of life, die zwischen den epochalen Ereignissen stattfinden, und gehen diese mit einer Menge an skurrilem Humor und slapstickhafter Ironie an. Der rebellische Geist, der darin spürbar ist, schlägt dann auch die Brücke zum Bandnamen, der nicht auf die ökonomische Heilslehre eines Adam Smith, sondern auf obskure Kairoer Street Artists verweist, die durch kryptische Symbole das Tagesgeschehen kommentieren und dabei nicht ganz einflusslos sind.

Ob es diese Stehaufmentalität ist, die zusammen mit der Frische der unverquasten Musik den Titel „Teslam“ passend erscheinen ließ? Das arabische Wort bedeutet Segen, allerdings im weniger mystischen Sinne wie das ähnlich übersetztbare Wort „Baraka“, es deutet darauf hin, das etwas unter einem guten Stern steht. So jedenfalls klingt die Musik, und das ist in jedem Fall eine gute Voraussetzung für die sich immer fester formierende Band.

Label: Abduction

Wer eine Ahnung von Loucas musikalischen Interessen hat und seine Bandbreite von Psychedelik über experimentell-elektronisches bis zu traditionell nordafrikanischen Musikarten kennt, rechnet bei dem Vorhaben mit der Quadratur des Kreises, und mag sich beim ersten Hörversuch sogar bestätigt fühlen: Wie eine von Detonationen durcheinandergeschüttelte Wunderkammer an diversen Klangzitaten scheint die Mixtur, die man hier recht verschwommen durch trunkene Augen erblickt. Die perkussive Grundierung aller acht Tracks stiftet am ehesten Kohärenz und bewahrt die Musik davor, nach allen möglichen und unmöglichen Richtungen auseinander zu driften. Eine perfekte Symbiose aus orientalischen Rhythmen und Zitaten aus dem Warenhaus elektronischer Beats, die ein Kollege treffend mit maschineller Straßenmusik assoziierte, zieht sich durch das Album, stets begleitet von groovigen Basslinien, für die gleich drei Virtuosen ins Boot geholt wurden. Der Gruß an den Papagei ist eine ausgesprochen tanzbare Sache, die mal grindigen, mal forsch-aufgeweckten Vocals des Kairoer MC Alaa 50 wirken dem keineswegs entgegen. Wenn Gastmusiker Alan Bishop (Sun City Girls, Invisible Hands – zusammen mit Sam Shalabi aus dem Land of Kush wohl der auch im Westen bekannteste Beitragende) sein Saxophon verschwommen über die unruhige Szenerie streichen lässt, entsteht v.a. urbanes Kolorit. Nur ein Trottel stellt die CD ins Weltmusik-Regal, denn sie hat soviel mit Orientalismus ungefähr so viel zu tun wie Krautrock mit deutscher Folklore.

Trotz bauchtanzkompatiblen Rhythmen, trotz alter Streich- und Blasinstrumenten, trotz des fantasievollen Farbenrausches im Artwork von Maha Maamoun ist “Benhayyi Al-Baghbaghan” eher Mahlstrom als Idyll, dafür sorgen nicht nur schräge Computersounds und gelegentliches Feedbackgetöse, sondern ebenso die zahlreichen Brüche und Wendungen, die weder Hörer noch Tänzer zur Ruhe kommen lassen. So klingt er wohl noch am ehesten, der Big Mango am Nil, falls man ihn denn überhaupt in ein musikalisches Konzept pressen kann. (U.S.)

Label: Nawa Recordings

Wer mit der enormen Diskografie des Trios vertraut ist, hat wohl ohnehin nicht geglaubt, dass die Reihe im vorigen Jahr mit „Napoleon & Josephine“ abgeschlossen sei, und in der Tat gaben die Archive Stoff für einen weiteren Teil. „Eye Mohani“ deckt primär den Zeitraum der Jahre um 1990 ab, als die Band bereits über die Anfangsphase hinaus war, der Sound jedoch so rau wie eh und je und vor allem Alan Bishops Reisen im afrikanischen und asiatischen Raum der Musik den Stempel des „Ethnischen“ einbrachten. Was mit einer halbminütigen Jazzcore-Kakophonie beginnt, entpuppt sich ein weiteres Mal als vielfältiges Mosaik an Assoziationen, die einem wie Sand durch die Finger gleiten, sobald man sie festzuhalten und zu definieren versucht: Weird Folk, aber von der Art, die niemals zu einem Pop-Phänomen hätte werden können. Nurse With Wound, doch ohne jeglichen Bezug zur Industrial Culture. Texmex als kleine Referenz an die Heimat der Band in Arizona. Jede Menge Fake-Orientalismus und -Afrikanismus, der weder die Originale zu kopieren, noch der Exotismusfalle durch allzu platte Ironie und allzu bemühte Verfremdung zu entfliehen versucht und dabei überraschend ehrlich wirkt.

Obwohl all dies quer durch die ganze Sammlung versteut ist, offenbaren sich in jedem Song andere Schwerpunkte. Die eigenwillige Country- und Latino-Mixtur gerät in „Smile“, dessen Lyrics anscheinend im Turm zu Babel geschrieben wurden, zu dezentem Rock, verwandeln sich in „Rose Room“ in einen tanzbaren Ragtime. Immer wieder kristallisieren sich tolle Melodien aus den improvisierten Strukturen heraus, beim hispanisch anmutenden Ohrwurm „Borungku si Derita“ ist aus all dem Schöngeistigen doch stets Dada und Surrealismus herauszuhören, andere Stücke wie der Titelsong steigern sich zum Ekstatischen und schlagen die Brücke zu punkigen Traditionals, bei denen der Gitarrist wie ein Maghreb-Hendrix klingt, oder zum atonalen Freejazz-Abgrund von „Abydos“. Tanzbare Nummern fernab weltmusikalischer Klischees bilden das Raga „Lemur’s Urin“ oder „Carousel Tapsel“ mit seinem beschwörenden Flamenco-Rhythmus.

Dass die Bishop-Brüder das Vermächtnis ihrer Band hegen und pflegen ist schon insofern ehrenhaft, da sie sich keineswegs auf alten Meriten ausruhen – Sir Richard betreibt mit Ben Chasny das Duo Rangda, Alan ist mit seiner Kairoer Band The Invisible Hands vielbeschäftigt, auch ist seine Arbeit als Protegee obskurer Geheimtipps nie auf das Niveau einer schalen Routine herabgekommen. Ehrenwert ist die retrospektive Arbeit aber auch deshalb, weil sie kaum redundant ist, auch wenn einige der Songs schon auf früheren (heute vergriffenen) Samplern vertreten waren. (U.S.)

Label: Abduction

Die Sun City Girls hatten, nicht nur was Improvisation und Offenheit betraf, ein an Surrealismus und Krautrock geschultes Moment. Auch der absurde Humor, der in Titeln, Texten und Artwork zum Ausdruck kam, brach mit bis heute gängigen Konventionen von Eindeutigkeit und ließ die Band wie ein Americana-Pendant zu Nurse With Wound erscheinen. Vieles davon führte Bishop in seinem Soloprojekt Alvarius B weiter, mit dem er vor zwei Jahren James Bond-Songs und Bob Dylan-Klassiker neu interpretierte – wohl als ironische Hommage an die verdrehten Ideale unserer Zeit. Von all dem findet sich auch viel in seinem jüngsten Projekt The Invisible Hands, das er in seiner Wahlheimat Kairo mit einheimischen Musikern betreibt und das im Nahen und Mittleren Osten ausschließlich unter dem Namen El Ayadi El Khafeyya bekannt ist.

Das Album, entstanden in chaotichen Umbruchszeiten, steht ganz im Zeichen deutlicher Kontraste. Das Zusammenspiel traditionell sehr unterschiedlicher Klänge und Tonalitäten muss nicht als erstes genannt werden, denn solche Übungen sind längst Routine, zumal Oud und weitere Instrumente in dem folkigen Gitarrenpop auch etwas kurz kommen. Vollkommen in Balance dagegen ist die Sprache, wobei die Trennung derart rigoros vollzogen wurde, dass man den Bandnamen entsprechend entweder eine arabische oder die mir vorliegende englische Version in der Hand hält. Die markantesten Brüche ereignen sich im Rahmen der Stimmung und in den Lyrics, denn nichts ist greifbar, jeder Song scheint den vorherigen atmosphärisch zu negieren, und in der Aussage gehen Ernst und schwarzer Humor Hand in Hand. Bissige Popstücke mit sonnigen Melodien, die auch auf einer jüngeren Ariel Pink-Veröffentlichung gepasst hätten („Soma“) finden sich neben romantischen Klavierpassagen („Summer Rain“) und psychedelischen Horrorscores („Dream Machine“, „Hitman Boy“). Wild zusammengewürfelt wirkt das trotzdem nicht. In fröhlichen Beatsongs reimt sich „Water“ auf „Daughter“ und „Slaughter“, und überhaupt ist Bishop ein Meister darin, aus poetischen Phrasen die Luft heraus zu lassen: „So many people on fire/ So many people on ice/So many of them want my money/ The rest of all think i’m nice“, holpert es flapsig in „Soma“.

Bishop ist als Texter ein Meister falscher Illusionen, und dabei durchaus nicht nur an Kabarett und Dada interessiert. „I heard they saw his Papa“, könntet man in „Black Blood“ verstehen, doch es heißt „sawed“ und geht weiter :„in half, right in front of his eyes“. „And out came birds that fly“, heißt es in der nächsten Strophe, doch der aufmerksame Hörer weiß längst, dass es hier um den Schädel eines Freundes geht. „Black Blood“ ist der schockierende Gedankenstrom eines Gefangenen im „War of Civilization“, der gerade eine demokratische Verhörmethode über sich ergehen lässt – und lügt, dass sich die Gitter des Knastfensters biegen. Eine toller Song und zugleich eine schallende Replik auf alle selbstgerechten Ausreden, wie sie zuletzt beim angeblich untendenziösen Zero Dark Thirty-Machwerk, zu dem Slavoj Žižek alles Wesentliche gesagt hat, in die Welt gesetzt wurden.

The Invisible Hands/ El Ayadi El Khafeyya werden hoffentlich noch weiter zusammenarbeiten. In einem etwas kauzigen Interview erwähnte Bishop, die Lyrics seien schon Jahre vor der Bandgründung verfasst worden. Vielleicht stimmt das, und eventuell hat er ja noch mehr davon in der Schublade. Geplant ist als nächstes eine Box, in der beide Versionen enthalten sind. (U.S.)

Label: Abduction