“Elements of EBM, shoegaze and techno are reflected through arctic synth pads, ghostly reverbs and urban spleen-filled lyrics to create haunting soundscapes, but Sciences also features beat-driven lead singles that twirl space synths and rounded kicks all over the place like never before. Enhanced by the great mixing and mastering job done by scene-guiding light producer Maurizio Baggio, you’ll find balearic arpeggios and clangorous trance crescendo on Arrows, italo suggestions over groovy acid house beats on Ice, while mid-tempo synthwave marches menacingly on Turn and vibrates deeply on Fires. Typical nebulous atmospheres are now less blurry and more on point without losing a single bit of enchantingness, marking a major step-up in Hørd discography.” (Avant!)

@ Avant!

“The duo composed by Nicholas James and Stanley Fouracres have released a few singles since 2019 and we all know what happened meanwhile. It seems however that these past months of forced isolation and necessary restrictions only empowered the ability of the band to pursue their research for an evolution of pop music from the past. Plastic Estate have masterfully used this year to write ten new songs that shine a light on the duo’s impressive skills to juggle between the heritage of lost golden era and the pressing presence of the here and now, ending up sounding classic and contemporary at once. Not an easy task, if you ask me, as it is this rare to stand in the exact spot where you have a full view of the days behind you and the complete control of the moment you are in. [...] First single Divinely Impaired is the perfect example of how to dive into the imaginary mémoires of a sophisti-pop era and then resurface nowadays with a crystal clear modern sound.” (Avant!)

@ AVANT! Records

Angesichts dieser Vorgeschichte ist die musikalische Hinwendung zum Liturgischen konsequent – gemessen daran, wie umfassend sie diese Themenkomplexe in den vergangenen Jahren beackert haben dann auch die Inanspruchnahme der Gattung des Requiems für „Rising“, die aktuelle LP der verbliebenen Mitglieder Freddy Murphy und Chiara Lee, und die Entscheidung, mit diesem Werk den Kulminations- und Endpunkt ihrer Laufbahn als Band zu markieren.

Üblicherweise nimmt man es Musikern übel, wenn sie ein Album oder eine Tour als „abschließend“ ankündigen, man vermutet aufmerksamkeitsheischendes Kalkül, doch Father Murphy, die ihre eigene Totenmesse mit dem Sound gesampleter Maden und einem einsamen Glockenschlag enden lassen, nimmt man ihre Ankündigung dann doch ab. Aber von vorn, denn auch der Auftakt startet mit mysteriösen Field Recordings, gepaart mit kreisendem, tribal anmutendem Dröhnen, das direkt in das „Kyrie Eleison“ überleitet.

Ob den einzelnen songartigen Abschnitten Drones oder bis zum Lärm verfremdete Samples zugrunde liegen, ob sie eine schwermütige Trauer verraten oder dem Kampf der Verzweiflung eine Stimme geben, fast immer erweckt ein dumpfer, verrauschter oder zittriger Klang den Eindruck, einem Erlöschen beizuwohnen. Die langgezogenen Dronesounds, die Orgel und Bass entstammen, manchmal auch nach Harmonium oder Streichern klingen, zeigen stets eine gewisse impressionistische Verschwommenheit. Diverse Stimmen, meist der klare Gesang Chiaras, der mehr als zuvor im Vordergrund steht, kommen wie aus den Lautsprechern eines Grammophons oder Kassettenrekorders herübergeweht.

Ein starker Wille zur intensitätssteigernden Verfremdung ist hier ebenso herauszuhören wie die frühe Sozialisation der beiden mit Kirchenmusik. Beides spürt man deutlich in den z.T. langen, repetitiven Memento Mori-Stücken und den feurigen Interludien aufpeitschenden Prasselns. Mit Nachlässigkeit und spontaner Improvisation darf man aber die rauschende, bisweilen eiernde Gestalt der Klänge nicht verwechseln, denn Father Murphy halten sich in den meisten Stücken, auch wenn ihr Instrumentarium nur partiell klassisch ist, an Metrik und andere Strukturvorgaben der Requiem-Gattung und ihrer Texte.

Besonders morbide Momente finden sich zwangsläufig in der Totenklage einer allgemein als düster verstandenen Band auf sich selbst, aber es ist weniger das monotone rituelle Pochen und die aufwühlenden Detonationen, auch nicht das dunkle Bassknarren oder dumpfes Mormeln. Viel beeindruckender noch ist, dass Chiaras Gesang, der sich hier und da um Federicos Stimme windet, oft aber allein das Zentrum ausfüllt, Melodien hervorbringt, die an sanfte Schlaflieder (und dabei auch ein bisschen an Rose MacDowall) erinnern.

Nachdem Father Murphy nun zu Grabe getragen wurde, bleibt abzuwarten, in welcher Weise seine Kinder Chiara und Freddy in Zukunft von sich reden machen werden. Unzweifelhaft erscheint mir, dass dies in irgend einer Form stattfinden wird. (U.S.)

Label: Ramp Local / Avant! Records

Arbre du Ténéré ist ebenfalls der Name eines italienisches Experimental-Duos, und obwohl Maurizio Abate und Giovanni Donadini gleich ihre ganze Band nach dem Baum benannt haben, unternehmen sie nach eigener Angabe erst auf ihrem zweiten Album, das gerade auf hundert Tapes chicen erschienen ist, den Versuch, die Geschichte des Baumes in abstrakten Klanggebilden nachzuzeichnen – in improvisierten, psychedelischen Drones und dunkler Elektronik soll der Einsamkeit, dem langen, und doch vergeblichen Trotzen der Vergänglichkeit, dem banalen Ende großartiger Erzählungen und dem in Metall gegossenen Nachleben quasi ein weiteres Denkmal gesetzt werden.

Ein solches Konzept wäre lächerlich, würde man sich an einer konkreten Umsetzung dieses ohnehin recht abstrakten Stoffes versuchen, doch der Bezug ist dankenswerterweise primär konnotierende Beigabe, so dass jeder Hörer für sich entscheiden kann, inwieweit die Stimmung der Musik eventuell zum Hintergrund passen mag. Das erste der drei Stücke beginnt mit minimalen Pickings auf der elektrischen Gitarre, die von Beginn an von dezent eingesetzten schleifenden Geräuschen aus dem Repertoire des Industrial umgeben sind. Im Laufe der Zeit steigert sich die Dichte und Eindringlichkeit der Musik, spaciges analoges Blubbern kommt hinzu, und durch metallisch prasselnde Perkussion – man meint hier channelt jemand Hunting Lodge – entwickelt sich das ganze tatsächlich zu einem atmosphärischen Kracher.

In den beiden Tracks der zweiten Seite werden diese Motive im wesentlichen vaiiert, “Codice notturno” ist insgesamt elektronischer und betont – durch Hochtönendes, durch hintergründiges Glühen, durch viele fein ziselierte Beigaben – eher den Droneaspekt. Weitaus entpannter, fast schon in seiner Gesamtheit ein harmonischer Ausklang ist das von hallunterlegtem Saitenanschlag geprägte “Nuda e la via”, das streckenweise wie ein langes, dekonstruiertes Rocksolo anmutet. Natürlich kann man den narrativen Bezug an den Haaren herbeigezogen finden – begreift man die Musik aber als Score und stellt sich dazu den einsamen Schauplatz und Fragmente der Geschichte vor, mag das ganze an Atmosphärik durchaus gewinnen.

Label: Yerevan Tapes

Abgesehen von der ursprünglichen Bedeutung als Ettikett rangiert die Semantik des Begriffs “Label” zwischen Plattenfirma und Marke, und auch in weniger kommerziellen Nischen kann man viele Labels dahingehend unterscheiden, welche der beiden Bedeutungen ihnen eher entspricht. Zum einen gibt es die Labels, die innerhalb eines nicht allzu eng gefassten Spektrums eine gute Bandbreite an Acts verlegen, ohne dass es eine klar erkennbare Hausphilosophie und eine deutliche ästhetische Linie gäbe. Auf der anderen Seite gibt es solche, die durch einen wiedererkennbaren Sound, oft aber auch durch außermusikalische Kriterien wie die visuelle Gestaltung einen Rahmen schaffen, der das Image der Bands mitprägt und der Veröffentlichungsgeschichte erst ihren roten Faden gibt. So gibt es dann fraglos einen typischen 4AD-Stil, aber das selbe von PIAS zu behaupten wäre Unsinn. Auch Yerevan Tapes aus Bologna zählt klar zur zweiten Kategorie. Das Label, das erwartungsgemäß v.a. Tapes, gelegentlich aber auch Vinyl in angemessener Limitierung verlegt, wurde vor vier Jahren von AVANT!-Chef Andrea Napoli und seiner aus Armenien stammenden Partnerin Silvia Anhayt gegründet. Die Tonträger erscheinen stets in einer ebenso schönen wie irritierenden Gestaltung, die stets die gleiche Handschrift erkennen lassen. Was die Musik und die oft von Silvia selbst gestalteten Designs verbindet, ist eine Überblendung von (oft mystisch-religiöser) Tradition und einem spielerischen Popart-Gestus, dem jeder Hang zur platten Persiflage fehlt. Yerevan Tapes steht auch dafür, dass vieles möglich ist, wenn man nur die richtige DIY-Haltung an den Tag legt und einen sicheren Blick für Passendes hat. Dazu passt irgendwie auch die unkomplizierte Art, mit der die beiden ihre Arbeit im folgenden Interview vorstellen.

English version

Soweit ich weiß habt ihr in Bands wie z.B. His Electro Blue Voice gespielt und eine Hälfte von euch betreibt das Label Avant! Records. Später habt ihr dann Yerevan gegründet. Wie kam es dazu, dass ihr euch neben der eigenen Musik auch für die Labelaktivität entschieden habt?

Genau genommen war nur Andrea in His Electro Blue Voice involviert, und zwar als Drummer vom ersten Tag bis zum 2013er Full Length-Album auf Sub Pop. Avant! Records macht er seit 2007. Wir haben Yerevan Tapes zusammen 2011 ins Leben gerufen mit der Intention, neue, bisher unerhörte Sounds zu erforschen.

Wo lagen eure musikalischen Wurzeln? Gab es eine Art Musikszene, der ihr angehörtet?

Wir mögen unterschiedliche musikalische Hintergründe haben, aber nach mehreren Jahren des gemeinsamen Hörens brauchten wir beide etwas neues, etwas, das tiefer, künstlerischer und spirituell fordernder ist. Genau da liegt das Fundament, auf dem Yereven Tapes seine ersten Schritte unternahm.

Ich habe den Eindrucke, dass die Labels, v.a. Yerevan, mehr ein eigenes Kunstprojekt als ein Unternehmen ist. Sehr ihr das ähnlich?

Meinstens entstehen Indielabels ja aus Leidenschaft, oft noch mit einen gewöhnlichen Job nebenbei, um etwas Geld einzubringen. So etwas lässt genügend Raum, um eine spezielle Identität entstehen zu lassen und die notwendige Freiheit, um die besten Inhalte zu wählen. Im Falle von Yerevan ging es uns darum, etwas mit einer starken Identität aufzubauen, wo Musik, Gestaltung und die symbolische Kommunikation eins sind.

Wenn ihr ie ästhetische Vision von Yerevan Tapes skizzieren sollten, wie würdet ihr die auf den Punkt bringen?

Wie unser Motto sagt, sind wir ein “Kassetten- und Vinyl-Label für heilige Klänge”. Das heißt wir sind auf der Suche nach Musikprojekten, die ihre eigene Vision des Heiligen einbringen, ihre Weltanschauung, ganz egal, auf welche Art. Wenn man sich unseren Katalog anschaut, fallen einem vielleicht mehr die Unterschiede zwischen den Künstlern als die Ähnlichkeiten ins Auge, aber sie alle verbindet ein gemeinsames Ziel.

Eure beiden Labels unterscheiden sich nicht nur im Hinblick auf das Medium (Avant! meist Vinyl, Yerevan meist Tape), sondern auch ein Stückweit im Hinblick auf die Stilauswahl, denn Avant! hat einen starken Fokus auf Post-Punk/Dark-Pop, während auf Yerevan im weitesten Sinne experimentelle und psychedelische Musik erscheint. Hat sich das eher ergeben oder denkt ihr, dass die Musikarten und die Tonträgermedien gerade so zusammenpassen?

Das Tape ist ein fast schon natürliches Medium für experimentelle Musik seit den 70ern, wenn nicht schon länger. So ist es keine Überraschung, dass es bei YT unsere erte Wahl war. Es ist preiswerter, es ist leichter weltweit zu vertreiben und es gibt dir die Möglichkeit, Material von obskuren Künstlern herauszubringen, ohne dich mit den Schwierigkeiten einer Vinl-Produktion herumschlagen zu müssen. Gleichzeitig, ebenso wie in der Post-Punk/Dark-Pop-Welt, ist das Tape seit einiger Zeit als Medium zurückgekehrt. Bislang haben wir drei Vinylveröffentlichungen gemacht und planen noch mehr in der nächsten Zeit.

Bands wie Father Murphy, Bird People, G.G. Rosacroce oder German Army machen etwas sehr verschiedenes, aber ihr sagtet ja bereits, dass es auch eine Art Verbindung gibt. Worin, denkt ihr, liegt die?

Wie gesagt haben sie sicher sehr unterschiedliche Stile, und doch ist es gar nicht so schwer zu sehen,w as sie zusammenhält. Ihre Suche nach unterirdischen Klängen mag in unterschiedlichen künstlerischen Resultaten enden, aber was sie antreibt, scheint das gleiche zu sein: der Drang nach einer spirituellen Suche.

Gibt es irgendwelche Begrenzugen in eurem Spektrum an Stilrichtungen, gibt es eine musikalische No Go-Area, oder würdet ihr prinzipiell Musik aus allen Genres herausbringen?

Natürlich gibt es Grenzen, wir würden zum Beispiel nicht Punkrock oder Heavy Metal veröffentlichen, zugleich geht es aber nicht streng nach Musikstilen, da es mehr darum geht, ob etwas zu dem passt, was wir mit YT ausdrücken möchten. So lange wir das gefühl haben, dass es an das anknüpft, was wir machen, ziehen wir es in Betracht.

Gibt es für euch eine Lieblingsveröffentlichung auf Yerevan, die eine besondere Bedeutung für euch hat?

So rhetorisch sich das anhört, wir haben keine Lieblingsveröffentlichung, da jede ihre eigene Identität und ihre spezielle Geschichte hat. Hinter jeder Aufnahme, die wir herausbringen, gibt es eine Verbindung, die so persönlich wie möglich ist, eine Verbindung zur Musik, aber auch zu den Künstlern, die sie geschaffen haben. Aus verschiedenen Gründen sind wir bislang von allen begeistert.

Artwork spielt eine große Rolle nicht nur in der Gestaltung der Tapes, sondern auch auf euren Webseiten, und es gibt dort immer eine Menge religiöser und ritueller Symbole aus verschiedenen Kulturen zu sehen. Woher kommt dieses Interesse?

Obwohl wir Einflüsse aus religiösen und künstlerischen Ausdrucksweisen verschiedener Orte und Zeiten sammeln, haben wir ein besonderes Auge für die cinematischen Resultate, die armenische Filmemacher aus der Sowietzeit erreicht hatten. Die Tatsache, dass Silvia einen Abschluss in Kulturanthropologie hat, spielt sicher eine starke Rolle in Yerevan Tapes’ ästhetischer Suche.

Könntet ihr ein paar armenische Filme nennen, die euch besonders beeindruckt haben?

Sicher. Die Kassettencover auf Yerevan kommen direkt aus einem bestimmte räumlich-zeitlichen Kontext. Und es sind nicht nur armenische Filme, auch manchmal georgische oder ukrainische; der Punkt ist, dass sie alle aus einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Zusammenhang kommen: Die sowietischen länder der späten Siebziger und deren spezifische Kosmogonien. In der Art, wie sie die Welt präsentieren, ist etwas, das eine starke Verbindung zu unserem Label hat. Um eine Vorstellung davon zu vermitteln, nenne ich nur einige wenige, neben dem ziemlich bekannten Sergej Paradžanov und seiner großartigen Filmografie (all seine Filme sind perfekte Juwelen in einer ganz eigenen Art, v.a. “Shadows of Forgotten Ancestors” (1964) den ich sehr liebe), ich kann außerdem “Wishing Tree” (1976) von Tengiz Abuladze empfehlen sowie zwei Kurzfilme von Artavazd Pelešjan: “Inhabitants” (1970) und “Seasons” (1975).

So beantwortet sich auch schon die Frage, die ich euch als nächstes gestellt hätte. Der Name der armenischen Hauptstadt wurde nicht nur aus “exotischen” Gründen gewählt…

Wie gesagt resutierte eine erste Schwärmerei aus Silvias akademischen Studien armenischer Kultur, Sprache und vor allem Geschichte. Wir denken, der gewählte Name steht für etwas, das eine Brücke zwischen hier und dort bauen kann. Es hätte nicht zwangsläufig Yerevan sein müssen, aber in jedem Fall ein Toponym, denn wir finden, dass Ortsnamen starke und weitreichende Begriffe sind.

Experimentelle oder als psychedelisch bezeichnete Musikarten gibt es schon lange. Was denkt ihr zeichnet gerade heutige Vertreter solcher Genres aus, und was könnte der Grund sein, dass solche Musik wieder populärer geworden ist?

Vielleicht ist der starke mystische Reiz psychedelischer Musik einer der Gründe, warum sie sich nach so vielen Jahren immer noch hält. Trommeln auf tribale Art und tiefe Drones üben eine unmittelbare Macht auf unsere Seelen aus. Musikmoden kommen und gehen, aber es wird immer Raum geben, mit Klängen zu experimentieren.

Viele jüngere Psychbands beschäftigen sich heute mit esoterischen und okkulten Dingen, aber oft in Kombination mit einer spielerischen oder auch ironischen Note. Bei vielen schlägt dann gleich der Hipsteralarm, aber denkt ihr, dass solche Themen vielleicht sogar vitaler daherkommen, wenn sie nicht zu ernst angegangen werden?

Wir möchten nicht gerne als zu ernst wahrgenommen werden, aber gleichzeitig denken wir nicht, dass wir sehr ironisch mit unserer Ikonografie umgehen. Wir verbinden religiöse Symbole gerne mit zeitgenössischem Artwork, aber das ist nicht witzig gemeint. Wir suchen nur nach einem neuen Kontext für diese zeitlosen Bilder.

Wie denkt ihr über eine tag wie Italian Occult Psychedelia, der in der Presse teilweise auch für Bands von eurem Label verwendet wird?

Wir denken, dass es sich als sehr gutes Schlagwort erwiesen hat, um unterschiedliche Bands aus unterschiedlichen Stilrichtungen unter einen Hut zu bringen. Wie bei allem ist der Begriff kein perfektes Mittel, aber war sicher hilfreich dabei, den italienischen Sound von heute zu exportieren.

Hierzulande wurde immer nur punktuell über italienische Musik berichtet, auch wenn es schon immer zahlreiche Veröffentlichungen gegben hat. In den letzten Jahren hat sich das ein wenig gewandelt und die Leute bekommen Wind von der Vielzahl italienischer Musik. Habt ihr eine Idee, wie es zu diesem Wandel gekommen sein könnte?

Wir denken nur, dass das, was du sagst, unseren Standpunkt trifft. Manchmal braucht es kleine Strategien, damit Sachen besser funktionieren.

Ihr habt zuletzt ein Tape der Electronica-Producer Zone Demersale veröffentlicht. Was steht sonst noch bei Yerevan Tapes auf dem Plan? Irgendwelche neuen Entdeckungen?

Gerade vor diesem Interview haben wir eine brandneue Vinyl-12” EP namens “Porta” von dem aus der Toskana stammenden Trio Umanzuki herausgebracht. Dies ist unser letztes Release vor dem Sommer, aber wir kommen zurück mit mehr Tapes und Vinyl, nicht nur vonitalienischen Künstlern und auch mehr elektronisch orientiert.

Vielen Dank für das Interview.

(U.S.)

Yerevan Tapes

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Actually only Andrea used to be involved in His Electro Blue Voice, having been drummer in the band from day one until 2013‘s full-length album on Sub Pop. He also runs Avant! Records since 2007. Together we started Yerevan Tapes in 2011 with the intent to explore new sounds previously unexperienced.

Where have your music roots been? Was there some sort of a subcultural scene you were part of?

We may come from different musical background but after several years of listenings we both felt we needed something new, something deeper more artistically and spiritually engaging. That’s exactly the kind of ground Yereven Tapes took its first steps from.

I have the impression that the labels, Yerevan even more, is rather some art concept of its own than a business. Would you agree?

Most of indie labels come out of passion, often with an ordinary job on the side to bring some money in. This leaves enough room to grow a specific identity and the necessary freedom to choose the best contents.Speaking of Yerevan, we felt the need to build something with a strong aesthetical identity where music, medias and symbolic communication were one.

If you had to scetch the artistic vision you follow with Yerevan, how would you express it?

As our motto states, we are a “cassette and vinyl record label for sacred sounds”. It means we’re chasing those music projects who can deliver their own vision of the sacred, their Weltanschauung, no matter how. When one takes a look at our catalogue he might feel the differences rather than the similarities between the artists, but they all share a common aim.

Your two labels differ not only in terms of the medium (Avant! mostly vinyl, Yerevan mostly tape), but also bit in terms of styles, as Avant! has some focus on post punk/dark pop and Yerevan is more into the experimental and psychedelic in the broadest sense of the words. Did this just happen or do you think, style and medium fit for some reason?

The tape is some sort of natural media for experimental music since the 70s, if not earlier. So it comes as no surprise that we felt it as our primal support as YT. It’s cheaper, it’s easier to distribute worldwide, it gives you the opportunity to release material from obscure artists without having to face the difficulties of a vinyl record production. At the same time, just as in the post punk/dark pop realm the tape has recently came back as music medium, we on our end have done 3 vinyl releases already and we are planning to have more for the near future.

Bands like Father Murphy, Bird People, La Piramide or German Army play quite different styles, but do you think there’s a read thread, some artistic or spiritual element that combines them?

As we said above, they surely have different styles but at the same time, we think it is kind of easy to see what connects them together. Their search for subterranean sounds may end in different artistic solutions but what moves them seems to be the same: a quest for spiritual inquiry.

Are there any limits in the range of styles, is there kind of a stylistic no go area, or would you potentially release music from any genre?

Of course there are boundaries, as we will not release punk rock or heavy metal music for instance, at the same time is not strictly a matter of pure musical style performed while it is about how much it does fit within what we are looking to express with YT. As long as we think it bonds with what we are doing we may consider it.

Is there something like a favourite release that has a special meaning to you?

As rhetorical as this may sound, we have no favourite release as each one has its own identity and particular history. Behind every records we put out there is a connection as much personal as possible, with the music and the artist who created it. For different reason we are exited about every one of them so far.

Artwork plays a stong role not only in the tape design but also on your web spaces, and there is a lot of religious and ritualist symbols from all over the world. How is your interest in this, and where is the relation to your concept and the music?

While we may collect influence from religious and artistic expressions from different places and times, we have a special eye for the kind of cinematic results that Soviet Armenia directors achieved. The fact that Silvia graduated in Cultural Anthropology surely played a strong role within the YT quest for aesthetics.

Could you give us an example or two for Armenian movies that have influenced you?

Surely. The Yerevan cassette-tape covers come straight from a particular time and space. And not only Armenian movies, sometimes Georgian or Ukrainian ones too; the point is that they all belong to a specific period and context: the soviet lands between sixties and late seventies and its cosmogony. There’s something in the way they represent the world that somehow has a strong link to us as label. In a very concise list just to get the idea, besides the well-known Sergej Paradžanov and his marvellous filmography (all his movies are perfect gems in their own way, especially Shadows of Forgotten Ancestors (1964) which I’m particularly fond of), I can recommend Wishing Tree (1976) by Tengiz Abuladze, and two short movies by Artavazd Pelešjan: Inhabitants (1970) and Seasons (1975).

So this already answers my next question – you didn’t chose the name of the Armenian capital for mere exotic reasons…

Like we just said, a first infatuation came from Silvia’s University studies, one on Armenian culture, language and history in particular. We think the name we chose stands for something able to build bridges between Here and There. It might not have been Yerevan, but it would have been a toponym in any case as we think toponyms are thick and widespread words.

Several psychedelic and experimental music styles exist now for a long time. What do you think are the main qualities of such music today, and what could be the reason that it became a bit more popular again?

Probably it’s the strong mystical appeal that psychedelic music hosts that managed to make it last through all these years. Tribal approach to the drumming and deep drones always have a direct power on our souls. Music fashions come and go, but there’s always room for experimenting in sounds.

A lot of younger psych bands today deal with esoteric and occult motifs, but often combined with some playful or ironic note. Some people would say that this is a sign of hipster stuff, but do you think that such topics are more vital when they are not too serious?

We don’t wish to be looked as too serious but at the same time we don’t think we are much ironic about our iconography. We like to blend religious symbols with contemporary artwork, but we do not mean it in a funny way. We just look to create a new context for those everlasting icons.

What is your opinion on a tag like Italian Occult Psychedelia, which is somehow also applied to bands of your label by the music press?

We think it has proved itself to be a great tag to gather different bands with different styles under one common vessel. As with everything it‘s no perfect tool, but it surely has been helpful to export the current Italian sound abroad.

In our country, the media dealt only punctually with Italian music, yet there was a huge output of releases for a long time. In the last years, this changed a bit and people become aware of the variety of Italian stuff. Do you have an idea about this change?

We only can think that what you say proves our point. Some times it takes a little stratagem to make things work properly.

Your newest release is a tape by electronica producers Zone Demersale. What are your plans for Yerevan in the nearer future? Any new explorations?

Right as we speak we have put out a brand new vinyl record, the 12” EP Porta by Tuscany-based trio Umanzuki. This is our last release before the summer, after which we will be back with more tape and vinyls, not only by Italian artists and also more electronics-oriented.

(U.S. & A.K.)

Yerevan Tapes

YT @ Bandcamp

YT @ Soundcloud

YT @ Facebook

Pablo, Kopf des galizischen Quintetts Sangre de Muerdago, hat seine Wurzeln im Crustcore, was man aber in den schöngeistigen Kopfhängerballaden, die gewiss von volkstümlichen Märchen und Sagen der iberischen Halbinsel handeln, kaum heraushört. Schon die Flötenklänge und die gemütsreichen Streicher lassen Archetypisches anklingen, das durch die hellen, hippiesken Saitenanschläge keine allzu nostalgische Manifestation erhält. Das Galizische, das die ausdrucksstarken Gesangsmelodien mit Inhalt füllt und sich auch für unkundige Ohren merklich vom Spanischen unterscheidet, mag in dem Kontext ungewohnt klingen, und hätte sicher auch mit etwas weniger Pathos seine Wirkung gezeigt.

Novemthree aus dem Nordwesten der Vereinigten Staaten wissen ihre naturverbundenen Klänge in einem recht breiten Stilspektrum zu verorten, welches sie selbst – vermutlich der Stimmung wegen, wenn auch sicher etwas ironisch – als Blues bezeichnen. Innerhalb der Stücke kann sich die Gestalt schon mal von gelösten, besinnlichen Klimpern auf Gitarre oder Piano in kraftvollen, fast martialischen Darkfolk wandeln, mit Bodhran, Geschrammel und hymnischem Chorgesang. Eine solch druckvolle Gesangsart scheint dem Sänger eher zu liegen als das melancholische-betuliche Gegenprogramm, da in den ruhigeren Passagen allzu deutlich wird, dass an ihm kein B’ee verloren gegangen ist.

Folkfreunde, eine gewisse Leidensfähigkeit für Pathos vorausgesetzt, können sich bei „Braided Paths“ davon überzeugen, wie international solche Musik heute ist, wer zudem auf naive Folk Art steht, findet in dem schön gestalteten Klappcover einen zusätzlichen Anreiz.

A. Kaudaht

Label: Avant! Records/Boue/Música Máxica/Sick Man Getting Sick

Woodchuck, wie ich sie hier der Einfachheit halber nenne, haben bislang eher mit Konzerten und kleineren Veröffentlichungen auf sich aufmerksam gemacht. Die größte Beachtung wurde ihrem ebenso introvertierten wie intensiven Dronefolk vermutlich auf der Split 7” mit Father Murphy oder auf der CD zum letztjährigen “Occulto”-Magazin zuteil. Potential für ein größeres Release besteht seit Jahren, weshalb die vorliegende LP auch längst überfällig war.

Die Grundelemente der sechs Stücke, die sich stets an der Schnittstelle von Songs und Soundscapes bewegen, sind schnell benannt: Eine akustische Gitarre und zirkuläres Finger Picking, das eine derart stilvoll phlegmatische Doom-Stimmung verbreitet, das sich lichtere Momente ebenso deutlich abzeichnen wie minimale Veränderungen der Akkordfolgen und des Tempos. Dazu eine leichte Verzerrung, die zwar nur gelegentlich in Lärm umkippt, die jedoch auch in minimaleren Ansätzen jedem düsteren Schönklang entgegenwirkt. Und nicht zuletzt eine tiefe, raue Stimme, deren Murmeln mal ins Singen, mal in lyrischen Vortrag kippt. Das Labelinfo führt zum Vergleich klassische World Serpent-Acts an, wobei ich in dem Kontext am ehesten an die Hank Williams-Interpretationen von Bryin Dall denken muss, vom Gesang her außerdem an Karl Blake. Mit etwas Fantasie klingt „Joy and Rebellion“, als hätten Shock Headed Peters den Verstärker entstöpselt und den Score zu einem Sam Packinpah-Western eingespielt – zwischen den desolaten Akkorden erwartet man regelrecht das Rasseln einer Klapperschlange. Das bleibt zwar leider aus, aber schamlos zweckentfremdete Surf-Twangs entschädigen voll und ganz.

Insgesamt ist die Band jedoch um allzu konkrete Vergleiche erhaben, und bei mehrmaligem Hören entfalten die einzelnen Stücke allen roten Fäden zum Trotz ihr jeweiliges Eigenleben. Mich beeindrucken gerade die etwas unscheinbareren Songs der zweiten Seite: “Oh Dark“, ein cooler Downer mit einem Touch von Bluesrock, v.a. aber „The Rock“, eine atmosphärische T.S. Eliot-Lesung auf der Basis eines zittrigen Drones.

Die drei Turiner mit ihrem urigen Akustiksound sind Teil einer kleinen, aber bemerkenswerten musikgeschichtlichen Verschiebung, die sich seit Jahren ohne viel Marktgeschrei in Italien ereignet. Bands wie Woodchuck (und ebenso die genannten Father Murphy, Heroin in Tahiti, La Piramide di Sangue etc.) docken an zahllose Traditionen an, gestalten die Landkarte italienischer Musik neu und lassen vieles hinter sich, was man hier so über die klassischen Industrial-Labels mit italienischem Underground assoziiert. Ob das am Ende etwas regionalspezifisches ist oder einfach nur gut, wird die Zukunft zeigen.

Label: Avant!/Boring Machines

Kritzler spielt bereits seit ein paar Jahren Gitarre in einer im australischen Brisbane gegründeten Band namens Slug Guts, die letztes Jahr sogar eine LP auf Sacred Bones herausbrachte. Als er mit Tara, kurz bevor die beiden sich für einige Zeit in Richtung Deutschland verabschiedeten, White Hex ins Leben rief, wohnten sie gerade in einem heruntergekommenen Haus, das ansonsten von „neighborhood criminals, junkies, scumbags and teenagers“ bewohnt war, was nach eigenen Angaben einen guten Teil zur fiebrig-drückenden Atmosphäre der acht Songs beigetragen hat. Mit etwas Fantasie kann man sich das Haus und seine Umgebung als Schauplatz unheimlicher Geschichten vorstellen, wie sie sich in einem Film wie Abel Ferraras „The Addiction“ abspielen, einem postmodernen Vampirfilm, in dem archetypische Blutsauger auf die Realität des Junkie-Alltags, den täglichen Sozialdarwinismus der Straße treffen, versinnbildlicht in einem Diavortrag über die Entgleisungen des Vietnam-Krieges.

Schöngeister sind die beiden natürlich dennoch, aber man muss die Musik etwas länger auf sich wirken lassen, um das vollends zu registrieren – zwischen den monotonen Akkorden und den parataktischen Textzeilen, die Tara mal dumpf und verhallt, mal im lasziven Alt einer abgetakelten Bardame, aber stets kühl und distanziert aus den Boxen dringen lässt. Dass das ganze doch irgendwie von einer Patina des Traditionalismus überzogen ist, macht ihren verhaltenen Ästhetizismus aus. Da wäre der leicht verrauschte Klangnebel, der den Migräne verursachenden Beat des ätzenden Drumcomputers wie eine süßliche Dopewolke umhüllt, aber auch die geheimnisvollen Twangs, die dem ganzen eine verdrehte Surf-Atmosphäre geben und alte Scheiben von Gun Club oder von Landsleuten wie Cave und Howard in Erinnerung rufen. Und eine Brücke zu dem Sound, mit dem Earth berühmt geworden sind, gibt es ebenso – Cowboypathos oder was man sich darunter vorstellt, zusammen mit doomiger Schwere.

Graveyard Blues heißt es da, und das Duo weiß eine derartige Düsterromantik gekonnt mit Gitarrenlärm zu kombinieren, der immer mal für Momente in die reine Soundorgie kippt (Kritzler ist übrigens wohl großer Whitehouse-Fan), und an manchen Stellen fragte ich mich, wie gut dieser Musik eventuell eine noch größere Derangiertheit zu Gesicht stehen könnte, die den Song völlig hinter sich lässt. Aber das kann ja noch kommen, und sollte es für erste bei dem dreckingen Punk’n'Wave im Midtempo bleiben, könnte ich gut damit leben.

Label: AVANT! Records