Schon das Cover macht deutlich, wohin die Reise führt: Wie ein folkiges Mandala entfaltet sich ein vielschichtiger Kreis um einen zentralen Baum, als kreisten Erinnerung, Natur und Vergänglichkeit um einen gemeinsamen Ursprung. Genau diese Themen prägen auch das Album selbst. Entstanden unter dem Eindruck persönlicher Verluste, kreist das Werk um Abschied, Trauer und Transformation. Malkin entwickelt hier einen Klangkosmos, der primär elektronisch geprägt ist und dennoch tief in archaischen Folktraditionen verwurzelt bleibt. Der vom Label gezogene Vergleich mit Coils Moon Musick-Kosmos erscheint dabei keineswegs aus der Luft gegriffen.

“Our Mouths Are Filled With Leaves” eröffnet das Album auf eindrucksvolle Weise. Alison O’Donnells hohe, ungekünstelte A-cappella-Stimme singt beinahe beschwörend „Do not weep, do not grieve“, ehe Shruti Box, rauschende Elektronik und geheimnisvolle Signale hinzutreten, die an das tastende Suchen eines Radios zwischen zwei Sendern erinnern. Immer wieder werden Körperteile mit Naturstoffen verbunden – Erde, Blätter, Holz –, ein poetisches Motiv, das sich wie ein roter Faden durch das gesamte Album zieht und in mehreren Songtiteln wiederkehrt. Trotz aller Melancholie wohnt diesem Auftakt etwas Trostspendendes inne, beinahe die Qualität eines uralten Wiegenliedes. “From The Threshold” schlägt anschließend deutlich unheimlichere Töne an. Tremolierende, durch einen surrealen Fleischwolf gedrehte Streicher erzeugen jene schwebende Unsicherheit, die tatsächlich an manche Arbeiten von Coil denken lässt. Burnt Paws brüchiger Gesang scheint von einer Schwelle zwischen zwei Welten zu erzählen, während erneut jene flirrenden Hochfrequenzsignale auftauchen, als suche die Musik nach einer verborgenen Übertragung aus einem anderen Dasein.

“Our Limbs Are Made Of Sticks” greift die lyrischen Motive des Openers wieder auf, diesmal jedoch in deutlich nokturnalerer Gestalt. Zitternde orchestrale Elektronik, gezupfte Saiten, geheimnisvolle Holzbläser aus dem Fundus von Kitchen Cynics’ Alan Davidson und verfremdete weibliche Stimmen evozieren eine spukhafte Atmosphäre, die zugleich irritiert und fasziniert. Einen lichteren Moment bildet “One By One, The Stars Are Slowly Going Out”. Kammermusikalische Streicher, Pizzicati und helle Glockenklänge verleihen dem Stück zunächst beinahe etwas Verspieltes, bevor sich langsam kreisende elektronische Flächen darunterlegen. Irgendwo zwischen Coil, Bad Sector und den feineren Momenten der Berliner Schule entsteht hier einer der schönsten Momente des Albums: melancholisch, aber von einer stillen Wärme durchzogen.

Mit “Ripe With Blood And Barley” kehrt Alison O’Donnell zurück und singt vollständig unbegleitet. Die Zeile “fine compost are we” bringt den Grundgedanken des Albums vielleicht am prägnantesten auf den Punkt: Vergänglichkeit erscheint hier nicht als Ende, sondern als Rückkehr in natürliche Kreisläufe. Zu den bewegendsten Stücken zählt “Grant Me A Silver Ending”, dessen wehmütigen Gesang David Colohan übernimmt. Eingängige Melodien, fein gesetzte Synthies und immer wieder hereinbrechende Rauschwellen verleihen dem Stück eine eigentümliche Größe, während die Zeile, dass wir alle bald schlafen werden, gleichermaßen tröstlich wie schmerzhaft und beängstigend wirkt. “Burial Song” verzichtet vollständig auf Gesang und entwickelt stattdessen aus eiernden Tape-Anmutungen, verspielter Elektronik und flirrenden Synthies ein Instrumental, das beständig zwischen Besinnlichkeit und nervöser Bewegung schwankt.

Einer der Höhepunkte ist zweifellos “Our Eyes They Spill With Silver”. Monumentale Perkussion, Chorfragmente, Alan Davidsons Holzbläser und Speculum Bunnys gehauchter Gesang verschmelzen mit jener nervös vibrierenden Elektronik, die inzwischen längst zu einem Markenzeichen des Albums geworden ist. Die Wucht des Arrangements erinnert stellenweise tatsächlich an frühe Coil-Arbeiten der “Horse Rotorvator”-Phase, entwickelt aber zugleich eine ganz eigene, filmische Größe. Noch stärker verfremdet erscheint Grey Malkins eigene Stimme in “Our Homes Are Made Of Stone”, wo sie fast zombifiziert aus einer kratzigen Drone-Landschaft hervortritt und den tröstenden Worten „Do not despair“ eine irritierende Doppelbödigkeit verleiht. Das folgende, über zehnminütige “Bone Mother“ gehört schließlich zu den atmosphärisch dichtesten Kompositionen des Albums. Amanda Vottas Gesang, Alan Davidsons Holzbläser und schwebende Streicher erschaffen zunächst eine beinahe verwunschene Welt, ehe immer neue Spannungsmomente die scheinbare Harmonie aufbrechen.

Den Abschluss bildet “All This World Is But A Faint Ghost” – ein Titel, der aus einer Shakespeare-Tragödie stammen könnte. Streicherensemble und Elektronik verschmelzen hier zu einem wehmütigen, zugleich aber fast unmerklich hoffnungsvollen Finale, welches das Album nicht mit einem endgültigen Schlussstrich, sondern mit einem offenen Nachhall beendet.

Grey Malkin gelingt mit diesem Album ein Werk, das elektronische Klangkunst, britischen Folk Horror und eine rituelle Atmosphäre auf bemerkenswert organische Weise zusammenführt. Es ist ein Album über Verlust und Endlichkeit, das seine Trostkraft gerade daraus bezieht, den Menschen konsequent als Teil der Natur zu begreifen – vergänglich, verletzlich und doch eingebunden in einen größeren Kreislauf. Vielleicht ist dies tatsächlich das persönlichste und zugleich geschlossenste Werk, das Grey Malkin bislang veröffentlicht hat. (U.S.)

Label: Fenny Coompton

David’s songs:

Gather Words For The Fire, In The Arms Of Lewes, and Til The Worm Turns all reside within  a mythical Albion, that is nonetheless only a step removed from the real world and the messiness and joys it holds. Friendships played out between the shadows of chalk giants and winding village lanes. Chasing the sounds of drumming deep within the hills…

Alison writes about:

Ireland through the years on Roar No More, and of the iconic statue, Nerano Sailor, who
guides seafarers in her hometown. There’s also a song about her love of the Leigh Folk
Festival on Old Legra and a song about choosing the right or wrong path in Lilac Haze Of Lavender. This song also produced the title of the album, a reference to the chaos caused by climate change. There are two songs about the machinations of a stalker from back in the day on Hoist The Drawbridge and You Often Hid and a Victorian era murder ballad, Viewing The Waterhen. The first song on the album, Circles And Chambers celebrates the band’s long history of exploring ancient, sacred sites whilst meandering on mini-tours.

@ Bandcamp

Schon der Titel des Albums weckt Assoziationen – er erinnert an das persische mystische Epos A Conference of the Birds, das ebenfalls in musikalischen Kontexten, etwa bei der Band OM, als Inspiration diente. Die Musik von O’Donnell und Brogan jedoch greift nicht nur spirituelle Motive auf, sondern vermittelt ebenso die enge Verbindung zwischen Naturbeobachtung und menschlicher Vorstellungskraft. Viele der Stücke entfalten sich schrittweise und lassen organische Strukturen entstehen, in denen sich akustische Instrumente mit subtil eingesetzter Elektronik verweben – eine Seite des Albums, die auch durch die Mitwirkung illustrer Gäste, namentlich Alan Davidson (Kitchen Cynics), Grey Malkin (Brogans Kollaborateur in Medaowsilver) und David Colohan, gewinnt.

Der eröffnende Titel “Nocturnal Raptor in Silent Flight” macht gleich deutlich, worum es über weite Strecken des Albums geht: Die beiden Stimmen – forsch, heiter und aufgeweckt – setzen a cappella ein, bevor sich Gitarrenfiguren und weitere Instrumente hinzugesellen. Die Texte erzählen von Vögeln als Zeichenleser und Vermittler verborgener Botschaften. “Egg on a Silver Platter” hebt sich, nach dem besinnlicheren “Superior Upon The Air” durch die warme, dröhnende Klangfläche eines Harmoniums hervor, über welcher der von einem anrührenden lockenspiel akzentuierte Gesang, wie in einigen weiteren Passagen, fast musicalhaft erscheint, jedoch ohne jede Künstlichkeit. Und wie in vielen der Lyrics wird hier in kleinen Szenen eine Welt eschrieben, die oft übersehen wird. Besonders hypnotisch gelingt “The Blessed Stain”, das mit einem flirrenden Flötenton verzaubert, in den sich bald ein mehrstimmiger, fast chorartiger Gesang fügt und eine entrückt, beinahe trancehafte Atmosphäre mit viel Kolorit entstehen lässt. Ähnlich eindrücklich und eindringliche ist das bereits vorab veröffentlichte “In May You Sing All Day”, das sich um den Kuckuck und seine symbolische Bedeutung dreht. Die Melodie wirkt verträumt und überweltlich, während der Text ein altes Kinderreim-Schema aufgreift, das den zyklischen Jahresverlauf des Vogels nachzeichnet.

Mit “Life Within the Cold Shell’s Exterior” nimmt das Album eine unerwartete Wendung. Hier steht die Elektronik stärker im Vordergrund, der Gesang wird von Brogan zunächst allein getragen, bevor sich beide Stimmen kunstvoll wie ein Zopf ineinander verschlingen. Streicher verstärken die melancholische Aura des Songs. „The Pages of St Bride“, eines der Stücke, die eine Seefahrerthematik anklingen lassen, kombiniert trillernde Effekte mit Gitarren und sanftem Keyboard-Fundament, was eine filmische Wirkung entfaltet und einen der Höhepunkte des Albums entstehen lässt. Auch „Raised By Toad and Frog“ folgt einem eher spielerischen, theatralischen Ansatz, bleibt dabei aber im typisch cinematischen Klangbild verhaftet. Gegen Ende wird es noch einmal vielschichtig: “Winged Sages” setzt einen ruhigen, liebevollen Akzent, während der Text düstere Vorzeichen beschreibt. “Crow Before the Lowering of the Sun” erzählt vom Schicksal eines Hahns zum St. Martinstag und wird von wogenden Harmoniumklängen getragen, aus der krautige Elektronik spriest. Den Abschluss bildet “The Lonely Cry of Lost Souls at Sea”, ein melancholisches, aber tröstendes Seefahrerlied mit eleganter Gitarrenbegleitung. Hier treten erstmals auch die männlichen Gastmusiker gesanglich in Erscheinung, wodurch das Album mit einer sanften, vielstimmigen Note ausklingt.

„A Colloquy of Birds“ ist ein in seiner Vielschichtigkeit beeindruckendes Werk, das sich seinem Thema auf poetische Weise nähert und zwischen archaischen Klängen und feinsinniger Klanggestaltung oszilliert. Die Kombination aus traditionellen Folkelementen, experimentellen Arrangements und einer erlesenen Instrumentierung macht es zu einem eindrucksvollen, atmosphärischen Album, das mit jedem Hören neue Facetten entdekcen lässt. (U.S.)

Label: Sonido Polifonico

Der erste, die A-Seite füllende Titel startet als schwebender, fast sakraler Klangteppich. Synthesizerklänge formen weiche, chorähnliche Flächen, die sich wie hohe Stimmen anhören, während Streicher die Szenerie subtil ausmalen. Statt traditionellem Gesang trägt ein rezitatives, fast künstliches Vocal-Arrangement die wenigen, doch eindringlichen Zeilen vor: “Through me, you pass/Through you, I see/When we resurface/It won’t be just to breathe”. Ryan Shirlows Stimme verleiht dem Text Tiefe und Ernsthaftigkeit, präsentiert sich ergriffen, aber ohne pathosbeladene Überhöhung. Die Lyrics wirken wie eine Meditation über Verbindung und Transformation, wobei das angesprochene Du im Raum der Interpretation schwebt: Ist es der Mond? Ein Mensch? Oder die Welt selbst?

Die zweite Seite nimmt uns mit in eine ganz andere klangliche Szenerie. Der anfängliche Ambientcharakter ist dunkler, rauer, mit flirrenden Streicherklängen, paukenartige Percussion und gezupfte Banjosaiten verleihen dem Stück eine folksonghafte Qualität, die nach und nach immer lebendiger wird. Die Streicher jauchzen freudig und bittersüß, während das Stück sich zu einem ausgelassenen Finale hin entwickelt. Der Chor kehrt zurück, diesmal euphorisch, jedoch mit einem Hauch von Wehmut, bevor Gitarrenstrumming den Track in einem feierlichen Abschluss erdet.

Während der erste Track introspektiv und meditativ bleibt, explodiert der zweite in einer Art musikalischen Feier und schafft so eine Balance zwischen nachdenklicher Tiefe und lebhafter Energie. Eine Bandcamp-Nutzerin beschreibt treffend: “The music exudes distance and grace of motion. Guitars, synthesizers, strings, banjo, some spoken word, and also choir vocals create a sense of mystery, wonder, and awe”.

Das kleine Release ist eine beeindruckende, vielschichtige Komposition, die gekonnt zwischen Ambient, Folk und einer hörspielartigen Dimension changiert. Die Musiker greifen die Ästhetik einer Mondfinsternis auf und übersetzen sie in eine musikalische Reflexion über Verbundenheit und Erneuerung, die sowohl als kontemplatives Hörerlebnis als auch als Einladung zur Ausgelassenheit zu begeistern weiß.

Label: Fenny Compton

Künstler selbst heißt es: “A sargasso sky shimmers above a twilit American shoreline, slipping in & out of time. Via a way slowed down take on jazz fusion, limpid pools catch its reflection, ebbing & flowing with the soon to come stars… The cover images taken at Marblehead, Massachusetts depict something of the aura of an area that H.P. Lovecraft considered life-changing. Step into the sea & sky….”. Gleichwohl sich viel bewegt in der Musik, die auch im Rezipienten viel zu bewegen vermag, ist sie primär eine Musik des Verweilens. Colohan hat bereits einige Solo-Veröffentlichungen auf Labels wie Cruel Nature oder Was Ist Das? herausgebraht, unseren Lesern ist er auch durch seine Mitwirkung bei Gruppen wie United Bible Studies und Embertides her bekannt. Das Album ist auch digital erhältlich.

ungewöhnlichen Formen des Metal und darüber hinaus ab. Der Erlös der Veröffentlichung geht dem Toby Henderson Trust zu, die sich für die Belange von Menschen aus dem Austismusspektrum und deren Bertreuern im Nordosten Englands einsetzt. Steve Strode, der Gründer des Labels betont auch seinn persönlichen Bezug zu diesem Anliegen: “As the father of a son with autism, I see first-hand the effort community charities such as TTHT give to enrich the lives and wellbeing of neurodiverse individuals, along with the vital support services provided to families and carers”. Die Compilation erscheint als Doppel-Tape und zum Download.

“Combining four EPs from the lockdown era into a double cassette double album, the students were knee deep (or deeper) in forest folk. Beautiful singing meets haunting dirge on a small boat hugging the bygone shores of Summerilse. Eerie. Eloquent. All may not be what it seems. Bang the witch drum now. Those who took delight in either “West Kennet Ascension” from their “Cave Hill” trilogy or Alison O’Donnell’s “Hark The Voice…” solo album will find welcome faces and recurring themes here. If indeed those Pagan masks are discarded before the burning finale.” (Pariah Child)

@ Pariah Child

Auf ihrem bisher einzigen Album “Between Trees & Starlike” (Cursed Monk 2019) entstand so eine spukhafte, verwunschene Musik, deren Vermischung aus Ambient, Avantgarde und dem, was man gerne vereinfacht Neoklassik nennt, mit folkiger Spiritualität Vergleiche zu Tangerine Dream, Popol Vuh und den späten Coil nach sich zog.

Die gerade über Future Grave/Reverb Worship erschienene neue Lathe Cut-7″ scheint die elektronische Ausrichtung zunächst noch stärker zu betonen, könnte der Auftakt von “A Thousand Dead Stars” doch glatt ein Clubtrack von Yerevan Tapes einleiten. Über kreisenden Synthies, hoch in der Luft schwebt ein gehauchter, wortloser Folksopran wie man ihn von Daughters of Grief her kennt, mit der Zeit scheint alles in eine ambientere Form überzugehen, doch die aufgeweckten Synthies kehren wie alles in dem Track periodisch wieder. Erst nach einer gewissen Zeit registriert man weitere Details wie streicherartige Elektronik und orchestrale Bläser, die mehr und mehr einen großen Raum ausfüllen, bis alles im erhabenen Panorama eines Gegenzooms endet. Das die zweite Seite füllende “The House of Hidden Light” kommt getragener daher, und da die (diesmal nicht wortlosen) Vocals etwas an einen Choral erinnern, mag man beim Titel vielleicht an die gnostische Vorstellung des Menschen denken. Wie süße Staubpartikel scheint alles – Stimme und elektronik – im Raum zu schweben, und ab und an tauchen piepende Sounds wie aus einem Spielautomaten auf und stören die anmutige Szenerie. Aber nur für kurz.

Ausgesprochen erfreulich, dass die beiteiligten Musiker, die alle mit ihren Hauptprojekten umtriebig sind, auch für Embertides wieder Zeit gefunden haben. Ich denke, man kann durchaus auf ein neues Album hoffen und vermute, dass dieses dann extrovertierter als das Debüt ausfallen wird. (U.S.)

Label: Future Grave / Reverb Worship

Jüngst kündigte Cole, der neben dem Gesang für zahlreiche Instrumente zuständig ist, das Ende des Projektes an, und da er keineswegs zur Schwätzerfraktion zählt, scheint es Trappist Afterland nun tatsächlich nicht mehr lange zu geben. Natürlich raten ihm viele Fans davon ab, verständlicherweise, weshalb ich mich da auch ohne Umschweife anschließe. Trappist Afterland sind jedoch derart aktiv gewesen in den letzten Jahren, dass man keine Sekunde an einem würdigen Nachleben zweifeln sollte – und das ist bei allem Bedauern besser als ein künstlich aktiv gehaltenes Projekt, das sich schwer tut, an früher Größe anzuknüpfen und doch nicht aufhören will.

Zu einem solchen Abschluss oder Übergang gehört m. E. auch so etwas wie eine Summa oder ein Opus Magnum, das noch einmal im großen Rahmen alle Besonderheiten einer Band in sich vereint und all den Dingen Ausdruck verleiht, die noch gesagt werden sollten. Etwas in der Art liegt jetzt mit “Seaside Ghost Tales” vor, das mit sechzehn auf zwei LPs verteilten Songs das bislang umfangreichste Trappist-Album geworden ist. In der Tat enthält das Werk (vielleicht ungewollt) einige Reminiszenzen an unterschiedliche Phasen der letzten zehn Jahre und bewahrt mit einem mehr als soliden Instrumentarium (u.v.a. Gitarren, Oud, Dulcitar, Tanpura, Bozouki, Bodhran, Harmonium, Mellotron, Flöten, Piano, Glöckchen) eine geschickte Balance zwischen eingängigen und herausfordernden Momenten.

Gerade in den ersten Stücken des Albums fühlt man sich auf merkwürdige Art an die experimentelleren Songs früher Aufnahmen erinnert, ebenso an die Tatsache, dass Coles musikalische Wurzeln zum Teil im Rock liegen. Das eröffnende “Serpent’s Isle” lässt mit orientalischen Klängen und raschelnden Becken einen spannungsgeladenen Fatalismus entstehen, der sich trotz Coles fragilem und zugleich leidenschaftlichem Gesang über die ersten Abschnitte hinweg hält – so beim darauffolgenden “Calling of the Quarters”, bei dem schmerzhaft bohrende Dröhnung den Hintergrund abgibt für ein gnostisches Gebet, bei dem Alan Davidson von Kitchen Cynics die Erzengel beschwört. Seine Rezitation wird leitmotivisch wiederkehren, doch zunächst leiten unruhige Ambientsounds in den ersten Folk-Ohrwurm “Paperboats” über. Hier begegnet einem erstmals wieder die entrückte Melodik, die in den letzten Jahren so viele Current 93- und In Gowan Ring-Fans von Trappist Afterland einnahm. Auch das Traditional “The Unquiet Grave” im Duett mit Lucy Roleff ist trotz Titel und Thema eher angenehm “cocooning”.

Gerade viele Stücke der zweiten Scheibe docken an die eingängigen Strukturen der letzten Jahre an, was das Album streckenweise wie eine Reise durch die Geschichte der Band anmuten lässt: Das auf einer apokryphen Geschichte basierende “Twelve Sparrows (In the Infancy of God)” ist schon der erste Höhepunkt von Coles immer märchenhaft anmutender gnostischer Erzählkunst, bei der Tiefe und eine gewisse Leichtigkeit in traumhafter Entrücktheit einen eigentümlichen Bund eingehen, Tracks wie das schon von einer 7″ her bekannte “Sacred Geometry”, “The Man Who Beded Time” oder “Travellers in the Mind of God” stehen dem in nichts nach. Dass sich dieses Stimmungsgemisch auch in der Musik spiegelt, tritt vielleicht am deutlichsten zutage, wenn die verspielte Melancholie in Adam Coles Gesang und Gitarrenspiel in Anthony Cornishs etwas schwererem Harmoniumspiel ihren geerdeten Gegenpart findet. Das dronige, asiatisch beeinflusste “Last Trip to the Sun”, das direkt aus einer hippiesken Folkplatte der 70er gefallen sein könnte, ist da vielleicht das beste Beispiel.

Dass das Album einen Ort und die Geister im Titel hat, scheint mir nicht zufällig gewählt, denn in den Songtexten, die sich stark um Fragen der Verbundenheit, um das Halten und Loslassen von Liebgewonnenem drehen, scheinen vertraute Orte, aber auch deren Geister eine große Rolle zu spielen. “Death Becomes Gold” kündet von dem Glauben an Transzendenz und liefert mit seinen hochtönenden Gesangspassagen und dem anrührenden Banjostrumming ganz nebenbei einen der Höhepunkte des Albums. Das schon erwähnte “The Man Who Bended Time”, das wehmütige “How Ricky Got His Wings” und v.a. das wunderschöne “God is a Black Dog” geben diesen Motiven eine noch persönlichere Dimension. Von Dankbarkeit durchdrungene Geisterarbeit bestimmt auch das ältere und aus der Feder Neil Sweeneys stammende “Golden Neighborhood Closing”, das der Liebe zu einem Ort ein wenig kitschiges, sondern ein eher gebrochenes Denkmal setzt.

Trotz dieser Fülle und des abschließenden Charakters haben sich Trappist Afterland mit “Seaside Ghost Tales” kein eigenes Denkmal gesetzt, sondern ein unprätentiöses Werk geschaffen, dass so lebendig wirkt, dass man auf künftige Arbeiten Coles nur gespannt sein kann. Mehr dazu bald im Interview. (U.S.)

Label: Sunstone Records

“Insects in Amber” knüpft musikalisch an die Alben der letzten Jahre, an die etwas eingängigere Phase seit “Afterlander” oder spätestens “God’s Good Earth” an und verknüpft einmal mehr ein meist folkiges Instrumentarium aus verschiedenen Kontinenten, verspielte Experimente und entrückten Gesang mit eingängigen Melodien, die jeden Psych- oder Dark Folk-Freund in Verzückung versetzten wird. Neben der Vielzahl an Instrumenten, die Bandchef Adam Cole selbst eingespielt hat, kommen schon bekannte Mitstreiter wie David Colohan und Anthony Cornish, dessen Frau Jodie, Neulinge im Trappist-Kosmos wie Ricky French, sowie Alan Davidson von den schottischen Kitchen Cynics zu Wort, der u.a. den Eingangsmonolog rezitiert.

In “God’s Dream”, dessen ekstatisches Strumming auf der giechischen Bouzouki und der gewohnt zisselige Trappistsound, v.a. aber die wunderbar melancholische Geangsmelodie es zu einem der mitreißendsten Stücke des Albums machen, wird die Welt in gnostischer Manier als Traum Gottes und der Akt des Träumens als Schöpfung dargestellt – ein Motivkomplex, der in einigen Stücken zur Sprache kommt: In “God’s Food”, in der über einer Klanggestalt, die fast ein wenige Velvet Underground anklingen lässt, die Frage nach der Manifestation von Wirklichkeit gestellt wird. Ebenfalls in diesen Bereich geht “Within a Dream”, das auf einem berühmten Edgar Allan Poe-Gedicht basiert. Wenn alles nur ein Traum in einem Traum ist, ist dann auch Vergänglickeit und Verlust weniger real und weniger schwer? fragt Cole mit Poe und lässt mit seinen mollastigen Vocals und dem entrückten Bouzoukispiel eine wehmütige Frage im Raum stehen. Der Sand jedenfalls rinnt aus der Hand und ist nicht aufzuhalten. In “I Will Not Ask” aus der Feder eines Mar Thomas, wird in Gebetform fast so etwas wie eine Theorie des Betens selbst aufgestellt, das als Dank und nicht als Bitte wirkungsvoll ist. Manch einen mag wundern, wie nah das gnostische Christentum z.T. an Vorstellungen ist, die man vielleicht mit dem Buddhismus und anderen außereuropäischen Arten der Spiritualität verbindet. Den Song mit dem säuselnden Sound der indischen Tanbura, einem sitarartigen Instrument, zu untermalen, mag auch dazu passen.

Einmal mehr lassen sich die Songs auch ohne den mystischen Überbau genießen, vorausgesetzt ist allerdings ein Faible für Mandolinen, Oud und Dulcitar, für Harmonium, Mellotron und Melodica und überhaupt für dunkeln, psychedelischen Folksound, der beispielsweise in dem bildreichen “Crippled Cross” auch mit rückwärtsgespielten Passagen und anderen verspielten Experimenten aufwartet oder das mit einem Gebet eingeleitete “Bishop of Arnagh” über den irischen Nationalheiligen St. Patrick. Ferner “GodDog”, das in fast unbekümmerter Spielweise die Empathie besingt, die sich zwischen Mensch und Tier abspielt und nach dem berührenden “Song for Sundog” für einen Neubeginn steht. “Song of the Pipis (A Jar of Mystics part 2)” entführt einen erneut an den zwischen Canberra und Sydney gelegenen Minnamurra oder Mystic’s Beach inmitten des Killalea Park, seine Glöckchen und der andächtige Gesang leiten über in den harmonischen Ausklang “Heirlooms in the Mist”. (U.S.)

Label: Sugarbush / Reverb Worship