Fursaxa hatte mit „Mycorrhizae Realm“ 2010 ein recht songorientiertes Album veröffentlicht, um letztes Jahr mit dem Nachfolger „Immured” “ein archaisches, ursprüngliches Album [aufzunehmen], wahre Ur-Musik, die in der Lage ist, Daturaträume im Hörer zu erzeugen.“ Die Esperscellistin Helena Espvall hat in den letzten Jahren mit einer Vielzahl von Künstlern zusamengearbeitet. Auf ihrem inzwischen dritten – allerdings schon 2010 und 2011 aufgenommenen- Album als Anahita, spielen Burke und Espvall eine wie aus der Zeit gefallene Musik: Auf „Catharus“ singt Burke mit einer Stimme, in der sich Getragenheit und Entrücktheit gleichermaßen widerspiegeln, während elektronischer Wind zu wehen scheint. Das instrumentale „Spirea of Ulmaria“ ist geprägt vom leicht dissonanten Zusammenspiel von Cello und Flöte. Auf dem 12-minütigen „Mabon“ erklingen Drones, das Cello kratzt, Burkes Stimme ertönt. „Nascent Wings“ ist etwas melodischer. Burke intoniert etwas, während das Cello gezupft wird, Streicher und Flöte kommen hinzu.

Beendet wird das Album auf “A Tapestry to Weave” von Cellodrones, Glöckchen und Burkes in der Ferne tönender Stimme. Vielleicht ist der Tracktitel eine geeignete Metapher, um das zu beschreiben, was Burke und Espvall auf diesem Album machen. Auf “Tourmaline” finden sich weniger Songs als Stücke, die immer so weitergehen könnten. Passagenwiese muss man an Nico auf Psilocybin statt Heroin denken. (MG)

Label: Three:four Records

„Immured“, das erste Album seit 2010, erinnert wieder etwas stärker an frühere Alben, ist –wenn man so will – weniger poppig (wobei das Adjektiv nur im sehr weitesten Sinne auf Fursaxa zutrifft). Man hört Glocken, Drones an der Grenze zur Dissonanz, Stimmen murmeln: Das das Album eröffnende „Moon in Cancer“ kann man sich in seiner Archaik auch gut auf dem Soundtrack zu Justin Kurzels „Macbeth“-Verfilmung vorstellen.Vielleicht könnte man sagen, dass hier fast schon das Verschwimmen von „foul“ und „fair“ musikalisch umgesetzt wird. “Ancient Anodyne“ wird von Burkes Klagegesang dominiert, der von Flöten und wenigen Gitarrentönen untermalt wird. “Concertina“ lässt in seiner Mischung aus Harmoniumdrones und Gesang an Charlemagne Palestine denken. Dabei setzt Burke nicht nur auf akustische Instrumente: Auf „Yksi“ wird Burkes Stimme von elektronischem Brummen untermalt. Das die erste Seite des auf 300 Exemplare limitierten Albums abschließende „Troglodytes“ ist ein Trauerlied aus sich überlagernden Stimmen, das wie eine LoFi-Version von Dead Can Dance zu Zeiten von „The Serpent’s Egg“ klingt. „Standing Stone“ lässt einen glauben, Machens „little people“ hätten Backward Masking für sich entdeckt, bevor sie mit Rasseln den großen Gott Pan anrufen. Auf „A Pomeranian Rite“ spielt Burke das Harmonium, während sie rezitiert, beschwört. Dass ihr Album an einem als „The Hestian Den“ bezeichneten Ort aufgenommen wurde, passt da sehr gut. Das Album wird von „Serpents Twisted“ beendet: Inmitten von Dröhnen und Brummen ertönt Burkes geisterhafte Stimme, die aus dem Äther zu kommen scheint, aus dem Zwielicht, das die Heide/den Heiden nur fahl beleuchtet.

„Immured“ ist ein archaisches, ursprüngliches Album, wahre Ur-Musik, die in der Lage ist, Daturaträume im Hörer zu erzeugen. (M.G.)

Label: Sloowax

Kraus ist stimmlich an verschiedenen Stellen mit Shirley Collins, der Grande Dame des englischen Folks, oder mit Vashti Bunyan verglichen worden – was natürlich auf ihre klare Stimme zurückzuführen ist, die zwar vielleicht in einem ähnlichen Kosmos angesiedelt ist wie die der beiden Genannten, aber etwas so Eigenständiges hat, dass man sie aus hunderten anderer Sängerinnen heraushören könnte.

Vor zwei Jahren veröffentlichte sie mit „Pilgrim Chants and Pastoral Trails“ ein weniger songorientiertes Album, das stärker von flächigen Passagen geprägt war – schon mit Tara Burke von Fursaxa hatte Kraus ein recht experimentelles Album unter dem Projektnamen Tau Emerald eingespielt – , das aber dennoch bedingt mit ihrem jüngst erschienenen Debüt für Clay Pipe Music zu tun hat, denn die Pilgergesänge waren stark von ihrer (temporären) Rückkehr nach Wales beeinflusst: So sprach sie von der „Magie“ des Ortes, die/der sie fasziniere und „Friends and Enemies; Lovers and Strangers“ ist dann auch fast schon unweigerlich von dieser Region geprägt, von ihrer Geschichte und ihren Geschichten, genauer gesagt, von den „Mabinogi“, einer Sammlung frühe(ste)r britischer Prosa. Kraus schreibt, dass ihre Songs eine Auseinandersetzung mit diesen Geschichten waren, für sie (auch) ein Versuch verwirrende Elemente dieser zu verstehen und in eine Songform zu (b)ringen.

Kraus’ klarer Stimme wohnt immer ein Moment des Melancholischen inne, was das Eröffnungsstück des Albums „My Friend’s Enemy“ erneut zeigt: (Die von Harriet Earis gespielte) Harfe, Flöte und Kraus’ Gesang erzeugen eine Art Klagegesang und auch das darauf folgende „The Hunter“, auf dem ihr Gesang von dezent gepickter Gitarre und Flöte(n) untermalt wird, ist von der Stimmung ähnlich. Nancy Wallace (von The Owl Service) unterstützt Kraus stimmlich auf „The Birds of Rhiannon“. Wer glaubt, ein Titel wie „A Hero’s Death“ redete einer naiven Kriegs(v)erklärung ins Wort, der höre auf Zeilen wie „I’ve a talent for destruction [...]/chaos is my only fun“, um eines Besseren belehrt zu werden. Kraus hatte auch schon auf „The Prophet“ von dem auf Durtro veröffentlichten Album „The Fox’s Wedding“ gezeigt, dass ihr Kritik an Autoritäten nicht fremd ist – mystifizierendes Raunen dann schon eher. „Branwen“ zeigt deutlich, welche Konsequenzen der Krieg der Männer für die Zuhausegebliebenen hat. Dass Kraus mit ihren Songs nicht so weit von den Gedanken der Ausgangstexte entfernt ist, zeigt sich, wenn man sich Bernhard Maiers Nachwort zur deutschen Übersetzung der „Mabinogi“ anschaut: „Mit ihrer nahtlosen Verbindung von Mythos, Märchen und zeitgenössischer Wirklichkeit, ihrer Veranschaulichung abendländisch-christlicher Werte durch Gestalten der vorchristlichen Überlieferung, ihrer subtilen Kritik überkommener heroischer Ideale und ihrem impliziten Votum für Besonnenheit und Mitmenschlichkeit gehören die Vier Zweige der Mabinogi zweifellos zum Schönsten, was die mittelalterlichen keltischen Literaturen hervorgebracht haben.” Dass das auf 500 Exemplare limitierte Vinyl mit einem umfangreichen Booklet ausgestattet ist, ist dann noch das sprichwörtliche i-Tüpfelchen. (M.G.)

Label: Clay Pipe Music

Der Werwolf ist natürlich auch immer ein Symbol für das Herausbrechen des Animalischen und des Triebhaften gewesen, das im Falle des Werwolfs allerdings weitaus mehr jenseits der bzw. bar jeder Ratio ist als im Falle Nosferatus – Stevensons Dr. Jekyll und Mr. Hyde ließe sich vielleicht als moderne, „wissenschaftliche“ Version des Mythos lesen.

Der kleine schwedische Verlag Malört, der die hervorragende Zusamenstellung „The Devil in Love“ herausgebracht hat und sich sonst auf die Veröffentlichung von Texten „about the fantastic, the numinous and the aberrant“ spezialisiert hat, interessiert sich nicht für (die) Filmwerwölfe, denn auf der aufwändig gestalteten Zusammenstellung „Werewolf Songs“ geht es um die Rolle des Werwolfs in schwedischem Brauchtum. Dabei orientierten sích die beteiligten Musiker an dem Buch Varulven i svensk folktradition der schwedischen Ethnologin Ella Odstedt – allerdings mit einer Einschränkung: Denn der Text konnte nur gelesen werden, sofern man des Schwedischen oder Deutschen mächtig ist. Diejenigen, denen eine Lektüre nicht möglich war, nutzten -wie in den Linernotes freimütig bekannt wird- den Text eher als allgemeine Inspirationsquelle, was sich zum Teil auch in den Songs widerspigelt.

Eröffnet wird das Album von Sedayne & Rapunzel, die auf „Winter: Werewolf“ eine Ich-Perspektive („I run by tooth and claw“) annehmen und somit eine Identifikation mit dem Animalischen, A-Moralischen („For all is life and self“) nahelegen. Musikalisch lassen sich in dem getragenen, von leicht dissonanten Streichern und zweistimmigem Gesang geprägten Stück die Musikwelten der Sinti und Roma entdecken. Womit wir dann doch kurz beim Film wären, denn in George Waggners The Wolf Man ist es ein Vertreter dieser Volksgruppen, der den Protagonisten anfällt und infiziert. Das instrumentale und von Wolfsheulen durchzogene „Varulvslåten“ von Hedningarna ist ungleich treibender und dynamischer und macht deutlich, dass folkloristische Elemente sich auch mit Elektronik vertragen können. Hier wird sehr klar das Vital-Ekstatische betont. Tara Burke hat sich unter dem Projektnamen Fursaxa über die Jahre mit Transformationen ganz anderer Art beschäftigt: nämlich mit denen, die Alraunen und Pilze verursachen können. Ihr Beitrag „The Wolf Month“ ist eine leicht atonale Nummer mit minimalistisch-repetetivem Gitarrenspiel, die in Dissonanz ausklingt. Vie Sinä Leena knüpfen etwas daran an, wobei die Streicher dem Stück eine melodischere Note geben. Die Faun Fables hoffen in „A Fearful Name“, dass der die Schafe reißende graue Wolf nicht gefasst wird: „May the sun find you alive“. Wie auf ihren bisherigen Alben zeigen Nils Frykdahl und Dawn McCarthy, dass sie Songs komponieren können, die eine unglaubliche Dramatik entwickeln können. KTAOABC machen auf dem verspielten „Waltz for Wolves“ deutlich, dass sogar ein Walzerrhythmus als musikalisches Mittel dem Sujet angemessen zu sein scheint. Im Gesamtkontext des Albums ist Birch Books „Werewolf’s Eyes“- ein wunderschönes langes narratives Stück, das von Bees melancholischem Gesang und dem Zusammenspiel von Akustikgitarre und Flöte geprägt ist – vielleicht mit dem stimmungsmäßig ähnlichen „Vainolainen“ von Hexvessel das melancholichste Stück. Sehr traditionell klingen die mit Maultrommel und zweistimmigem Gesang arbeitenden und ein Traditional interpretierenden Korp. Die passend betitelten Ulvens Döttrar bauen ihr Stück auf Snare, Gitarre und mehrstimmigem Frauengesang auf. Tondurakar versuchen mit dem an der schwedischen Geschichte orientierten und an der Schwelle vom 17. zum 18. Jahrhundert angesiedelten Text über den schwedischen Soldaten Anders Gråben vielleicht den ambitioniertesten Versuch sich dem Werwolfmythos zu nähern, auch wenn ihr Folkidiom etwas betulich ausfällt.

Das ganze Album ist – soviel sollte deutlich geworden sein – weit entfernt vom Klischee und dürfte wahrscheinlich weder Freunde bei „Art of Dark“-Kunden noch bei verklemmten Lönsverehrern finden – aber das sollte kaum gegen diese sowohl optisch als auch musikalisch hervorragende Zusamenstellung sprechen.

(M.G.)

Label: Malört

William Shakespeare, Rome and Juliet, II.3

Tara Burke gehört zu denen, die seit Jahren abseits des Mainstreams eine ganz eigene Klangwelt erschaffen, die experimenteller Musik vielleicht genauso viel schuldet wie Folk, die an die Schwere von Nico erinnert, in der organische Drones Platz neben Akustikgitarre und Harfe haben und in der der Barock neben dem 21. Jahrhundert stehen kann. Ob sie alleine als Fursaxa oder zusammen mit Sharron Kraus (als Tau Emerald) oder Helena Espvall (als Anahita) aufnimmt, immer erwarten den Hörer Klänge, die es ihm nicht zu einfach machen, die Erwartungen unterlaufen, Beliebigkeit und Kitsch vermeiden und damit weit von der Biedermeierhaftigkeit mancher Formen akustischer Musik entfernt sind. Auf ihrem jüngsten auf ATP Recordings veröffentlichten Album “Mycorrhizae Realm” findet sich jetzt eine stärkere Fokussierung auf den Song. Die Gründe dafür legt Tara im folgenden Interview dar, ebenso wie die Relevanz von Pflanzen für ihre Musik.

Ich denke, dass die meisten deine Musik als eine Art Folk bezeichnen würden. Viele Folkmusiker von heute werden mit dem Folkrevival der 60er/70er verglichen und sehen sich selbst als von dieser Generation beeinflusst. Denkst du, dass deine Musik Teil von all dem ist und was ist deine Meinung zum Folk von heute im Allgemeinen?

Ich würde sagen, dass der Folk der 60er/70er meine Musik beeinflusst hat, aber mehr bezogen auf den Gegensatz von Gesang und Instrumenten. Ich bin ganz sicher von Sängerinnen wie Sandy Denny, Jacqui McShee, Joni Mitchell, Buffy Sainte-Marie beeinflusst – um nur ein paar zu nennen. Ich benutze viele traditionelle Folkinstrumente in meiner Musik, aber spiele sie nicht auf traditionelle Weise, insofern ist meine Musik in diesem Sinne kein „Folk“. Mir ist es lieber, meine Musik eher als experimentell als als Folk zu bezeichnen und ich denke, dass mich andere Genres mehr als Folk beeinflusst haben.

Ursprünglich war eine der Funktionen von Folk Wissen zu bewahren. Sicherlich hat sich das während des letzten Jahrhunderts geändert. Worin siehst du die Funktion von zeitgenössischem Folk und was würdest du denen sagen, die Folk konservativ schimpfen?

Wenn du sagst, dass eine der Funktionen von Folk das Bewahren von Wissen ist, nehme ich an, dass du dich auf die Texte beziehst und auf die Geschichten, die erzählt werden. Ich denke, dass die Texte von Folksongs auch von Liebe und Verlust und den Problemen des Alltags handelten, und ich bin mir sicher, dass es da auch in aktueller Folkmusik Beispiele gibt. Ich denke, die heutige Funktion ist Ausdruck von Kreativität und eine Möglichkeit diese kreative Energie herauszulassen. Was das Konservative anbelangt, hängt das wohl von der Musik ab, auf die du dich speziell beziehst.

Diese Frage hängt mit der letzten zusammen: Wenn du dich auf Nachschattengewächse beziehst, auf Alraunen und Pilze, machst du das, weil sie für dich eine verborgene Wahrheit oder ein uraltes Wissen symbolisieren? Woher stammt dein Interesse an all diesen Pflanzen und was hältst du von so genannter “Ethnobotanik”?

Mein Interesse an Pflanzen ist in ihrem Potential für Heilung als auch Schädigung begründet. Sie haben eine wundervolle magische Macht. Wenn man sich meine Texte und Songtitel näher anschaut, wird man feststellen, dass ich nicht nur über die potentiell giftigen Nachtschattengewächse, Alraunen und Pilze spreche, sondern dass ich mich auch auf Heilpflanzen wie Kamille, Schafgarbe und Hahnenkamm beziehe. Eines meiner Hauptinteressen ist das Anbauen von Pflanzen. Ich baue viele medizinische Kräuter und einheimische Wildblumen hier bei meinem Haus an. Für mich spenden Pflanzen Schönheit, Heilung und sind eine Möglichkeit ein Habitat für Insekten und andere Tiere zu schaffen.

Viele deiner Kompositionen sind auf der Oberfläche simpel, da sie repetitive Strukturen verwenden. Was hältst du von den psychologischen (oder magischen) Wirkungen, die das haben kann? Was bedeutet dir der (ewige) Drone?

Musik, Kunst, Literatur und Film sind alles Arten, die ich wähle, um dieser Welt zu “entfliehen”. Ich benutze Wiederholungen als eine Möglichkeit, es anderen – wie auch mir selbst – zu erlauben sich zu entspannen und den Stress des Alltags zu vergessen. Für mich ist Wiederholung ein inhärenter Prozess, den ich benutze um zu versuchen Hörer in andere Regionen zu transportieren. Drone ist die ultimative Wiederholung.

Wenn man deine letzte Veröffentlichung mit Alben wie “Kobold Moon“ oder “Alone in the dark wood” vergleicht, dann scheint “Mycorrhizae Realm” etwas weniger von Drones, vom Singen ohne Worte beeinflusst. Es scheint so etwas wie dein “Songalbum“ zu sein, wenn das der richtige Begriff dafür ist. Siehst du das ähnlich?

Ja, ich würde dir zustimmen, dass es mein “Songalbum” ist. Die Art des Komponierens war anders als sonst. Da ich in einem Studio aufnahm, wollte ich einige Songs/Demos haben, bevor ich ins Studio ging. Wenn ich zuhause aufnehme, nehme ich ein oder zwei Tracks auf und lege sie dann übereinander, wenn die Ideen zu mir kommen (manchmal kommen sie ein Jahr später) und schließlich ist das Album empfangen. Ein paar der Songs des neuen Albums hatte ich mindestens ein Jahr, bevor ich sie aufnahm, live gespielt. Für mich ist das sehr ungewöhnlich. Normalerweise komponiere ich und spiele die Stücke dann live. Und zwei der Lieder habe ich mit Mary Lattimore (die auf dem Album Harfe spielt) geschrieben, wir hatten also die dezidierte Absicht ein paar Songs zusammen zu schreiben.

Würdest du sagen, dass der eigentliche Aufnahmeprozess deines neuen Albums sich von anderen unterscheidet, da es das erste Album ist, das in einem “richtigen” Studio aufgenommen wurde? Welche Rolle hat Greg Weeks bei den Aufnahmen gespielt?

Na, ich glaube, dass ich einiges schon in meiner letzten Antwort beantwortet habe. Ich denke, für mich war das Schwerste bei der Arbeit im Studio, die Zeit, in der ich plötzlich kreativ sein musste. An manchen Tagen bin ich einfach nicht inspiriert um Musik zu machen, aber wenn man im Studio ist, hat man keine große Wahl. Zum Glück war Greg sehr geduldig mit mir und erlaubte mir nach Hause zu gehen und darüber nachzugrübeln, was ich gemacht hatte und zu sehen, in welche Richtung es dann gehen sollte, weil es einige Tage gab, wo ich den Eindruck hatte, dass ich gerade “festsaß“. Was Gregs Rolle anbelangt, denke ich, dass er viele gute Ideen beisteuerte und natürlich hat er das Album sowohl aufgenommen als auch abgemischt. Ich bin sehr glücklich mit dem Ergebnis und glaube, dass er einen guten Job gemacht hat!

Du hast Alben auf einer Reihe von verschiedenen Labeln veröffentlicht. Denkst du, dass es manchmal nötig ist, verschiedene “Heimstätten” zu haben?

Wenn ich gefragt werde, ob ich eine Veröffentlichung für ein Label machen möchte, das ich bewundere, dann tue ich es für gewöhnlich – besonders dann, wenn das Album auf Vinyl veröffentlicht wird.

Du bist auch ein Teil von The Valerie Project gewesen, eine Art Supergruppe, die gegründet wurde um einen neuen Soundtrack für Jaromil Jireš’ Film “Valerie and Her Week of Wonders” aufzunehmen. Was kannst du uns über deine Erfahrungen sagen, die du während der Aufnahmen und später bei der Aufführung des neuen Soundtracks gemacht hast?

Ich war sehr aufgeregt darüber, ein Teil von The Valerie Project zu sein, da es eine Chance war, Musik und Film zusammen zu bringen: eine Verbindung des Visuellen und Auditivem. Ich denke, dass das Projekt mir besonders dabei geholfen hat, zu lernen mit anderen Musikern zu arbeiten und dadurch wurde auch das Fundament für die Aufnahmen von „Mycorrhizae Realm“ mit Greg, Mary und Helena gelegt, da ich mit denen allen in The Valerie Project gespielt hatte. Ich dachte, es würde mich langweilen, den Film immer und immer wieder zu sehen, aber das ist nicht passiert. Die 35mm-Rolle, zu der wir spielten, war so exzellent. Es wurde nie öde.

Was denkst du sind die Hauptqualitäten des Films, die dazu geführt haben, dass er für viele solch ein Kultfilm geworden ist?

Es gibt Vampire und lüsterne Priester und es ist ziemlich frevlerisch. Und wie ich schon vorhin gesagt habe, ist es (meiner Ansicht nach) ein visuelles Kunstwerk.

Wir haben den Eindruck, dass es in Philadelphia eine lebhafte alternative Musikszene um Hexham Head, Language of Stone etc. gibt und dass Leute wie du, Greg Weeks, Helena Espvall und andere wie ein Teil einer großen kreativen Familie oder zumindest eines (gegen-)kulturellen Netzwerks sind. Wie würdest du diese Szene beschreiben?

Es gibt immer noch eine Gemeinschaft von Musikern in Philadelphia, der ich mich zugehörig fühle, aber Tatsache ist, dass es nicht mehr so ist, wie es früher einmal war. Für mich hat der Tod von Jack Rose eine große “Lücke“ in dieser Gemeinschaft hinterlassen. Auch gibt es Hexham Head nicht mehr, da Greg sein Equipment verkaufen musste. Und er ist gerade Vater geworden, und ich bin mir sicher, dass ihn das auch ziemlich beschäftigen wird. Ich lebe nicht mehr in Phily…Ich bin vor etwa vier Jahren weggezogen und lebe jetzt zwei Stunden nördlich der Stadt. Aber es gibt dort noch immer Musiker, mit denen ich befreundet bin und ich versuche, in die Stadt zu fahren, wenn ich kann. Alles in allem passiert musikalisch noch immer viel in Phily, ich denke, ich fühle mich etwas außen vor, weil ich augenblicklich nicht dort wohne.

Mit Sharron Kraus hast du Tau Emerald gegründet. Kannst du unseren Lesern etwas über die Idee dahinter und wie es entstanden ist erzählen? Gibt es Pläne für ein zweites Album?

Nun, Sharron und ich hatten zusammen gespielt, aber nie viel aufgenommen. Das “Travellers Two“-Album entstand, als wir zusammen nach Finnland gehen wollten, aber unseren Flug verpassten und uns entschieden in der Woche stattdessen ein Album aufzunehmen. Ich denke, es war Schicksal, da ich noch nie zuvor in meinem Leben einen Flug verpasst habe! Das war auch eine Übung mit vorgegebener kreativer Zeit, aber irgendwie habe ich es geschafft. Vielleicht hat mich die englische Landschaft inspiriert. Ich denke, die Tatsache, dass wir vorher zusammen gespielt hatten, hat geholfen, da wir beide ähnliche Ideen bezüglich Instrumentierung etc. hatten. Wir beschlossen auch beide, dass wir Spaziergänge um Oxford herum und andere Ausflüge machen würden um dazu inspiriert zu werden, das Album zu machen. Es ist also ein Album, das von alten heiligen Bäumen, Grabhügeln und natürlich englischem Bier inspiriert ist. Wir haben darüber gesprochen, ein weiteres Album aufzunehmen, aber es gibt bislang keine konkreten Pläne.

Dein Gesang erinert mich oft an Singen in einem “klassischen” Kontext. Was für eine Art von Gesangstraining hast du? Gibt es spezielle Werke klassischer Musik, die dich inspieriert und dein Werk beeinflusst haben?

Ich habe keine Gesangsausbildung, ich habe mir alles selbst beigebracht. Ich höre mir klassische Musik an, aber besitze nicht viele klassische Platten und höre mir Klassik meistens nur im Radio an.

Dies ist noch eine Frage zu deiner Stimme. Einige Rezensenten sehen Parallelen zu Nico. Hat sie dich in irgendeiner Weise beeinflusst?

Na ja, ich bin ein großer Nicofan. Ich nehme an, dass mein Gesang irgendwie von ihr beeinflusst ist. “Desert Shore” und “Marble Index” sind meine Favoriten.

Man sagt, (der) Heide (heathen) käme von Heide (heath), d.h. einem Ort weit entfernt vom Licht der Stadt, ein Ort, der nicht erleuchtet ist. Ist das für dich ein Ort, an dem du dich gerne aufhalten möchtest? Kann es manchmal eine intensive Erfahrung sein “allein in den dunklen Wäldern“ zu sein?

Ich weiß, dass “pagan“ vom lateinischen “paganus“ abgeleitet ist und das bezeichnet jemandem, der auf dem Land lebt und da “pagan“ und “heathen“ synonym sind, würde das Sinn machen. Und na ja, ich denke, dass ich da wohne. Ich lebe in den Wäldern am Fuß der Appalachen in Pennsylvania. Ich lebe jetzt hier seit vier Jahren und davor habe ich 15 Jahre lang in Philadelphia gelebt. Ich lebe gerne hier, da ich der Natur nahe sein will und ich habe nicht den Wunsch wieder in der Stadt zu leben. Gleichzeitig merke ich aber, dass ich Städte besuchen muss, da ich andernfalls zu unaufgeklärt und engstirnig werde.

- M.G., U.S. -

fursaxa.net

(M.G.)

Seit einigen Jahren veröffentlicht die Britin Sharron Kraus solo oder mit anderen Tonträger, die verschiedenste Facetten des Folk ausloten. Ihre Stimme und die Stimmung ihrer Alben mögen manchmal an die Grande Dame des britischen Folk – Shirley Collins – erinnern (deren Einfluss auch von ihr selbst genannt wird), aber Sharron Kraus verleiht jeder Aufnahme etwas Eigenes, Unverwechselbares. Auf ihrer myspace-Seite spricht sie von

Jüngst hat sie auf David Tibets Durto-Label ihr reguläres drittes Soloalbum veröffentlicht, auf dem erneut deutlich wird, dass Sharron Kraus’ Eigenkompositionen textlich wie musikalisch uralt zu sein scheinen und gleichzeitig nicht einzuordnen sind und nie wie eskapistische Anachronismen wirken.

In einem Interview im Dream Magazine hast du über deine Goth-Anfänge gesprochen. Denkst du, dass deine aktuelle(n) musikalische(n) Ausrichtung(en) in irgendeiner Weise davon beeinflusst (worden) sind?

Ich habe schon immer Musik mit dunklerer Thematik gehört, habe Schauerromane gelesen und diese Themen sind seit jeher in meine Musik eingeflossen, egal ob ich nun E-Gitarre spiele oder Banjo.

Inzwischen ist das Substantiv Folk mit zahllosen Präfixen versehen worden. Fühlst du dich mit irgendeiner der Bezeichnungen wohl?

Da Folk so ein weites Feld ist, denke ich, dass es ganz hilfreich sein kann, diese Präfixe zu haben. Ich fühle mich ganz wohl mit “dark“, “wyrd“, “psych“ etc., wenn diese in einem losen Sinn gebraucht werden. Letztlich wird jede Bezeichnung die Leute entweder dazu ermutigen, sich die Musik anzuhören oder nicht und wenn sie sich die Musik anhören, nennen sie sie so, wie sie wollen.

Beim Surfen im Internet bin ich über eine Band namens THE IDITAROD gestolpert, die mir sehr gut gefallen hat. Es hat sich dann herausgestellt, dass du mit ihnen getourt bist und auch mit ihnen aufgenommen hast. Vor einigen Monaten habe ich Timothy Renner interviewt, mit dem du auch schon aufgetreten bist. Dein neues Album ist auf David Tibets Label Durtro erschienen. Ich könnte jetzt noch weitere Verbindungen zwischen dir und anderen Musikern nennen. Das führt mich zu zwei Fragen: Denkst du, dass ein loses Netzwerk von gleichgesinnten Menschen wichtig für dich im Besonderen und für Musiker im Allgemeinen ist?

Zur ersten Frage: Ja. Diese Gemeinschaft oder dieses Netzwerk ist mir sehr wichtig. Es ist eine Freude zu reisen und andere Musiker zu treffen, zusammen auf Tour zu gehen, zusammen aufzunehmen etc. Ich bin zuerst durch Tony Dale von Camera Obscura mit THE IDITAROD in Berührung gekommen, als er mein erstes Album veröffentlicht hat. Ich hatte Interesse daran, in den USA zu touren und THE  IDITAROD waren gerade dabei, eine Tour zu planen und haben mich dazu eingeladen. Wir hatten solch eine tolle Zeit und wurden gute Freunde und dann beschlossen wir, zusammen aufzunehmen. Durch sie traf ich Brooke, Greg und Meg von ESPERS und blieb mit ihnen in Philly und schließlich zog ich dorthin. Dann traf ich Tara Burke (FURSAXA) und Gillian Chadwick (EX REVERIE) und mit beiden arbeite ich jetzt zusammen. Es dauerte länger sich einem Netzwerk Gleichgesinnter in Großbritannien anzuschließen, aber das geht jetzt los und ich verbringe mehr Zeit hier und die Netzwerke überqueren Länder und führen zu weiteren Reisen und dem Treffen mit neuen Bands – es ist ein endloses Abenteuer!

Zur zweiten Frage: Ich kann mir nicht vorstellen, nicht Teil eines Netzwerkes von Musikern zu sein – für mich hat Musik damit zu tun, dass man mit anderen zusammenspielt und dass man Freunde hat, mit denen man endlos über Musik sprechen kann und denen man Platten vorspielen kann, aber nicht alle Musiker arbeiten so: Nimm z.B. Jandek. Einige Musiker verlangen nach Isolation und schaffen ein Werk, das aufgrund dieser Isolation so einzigartig ist.

Diese Frage hängt eng mit der letzten zusammen. Sind Zusammenarbeiten notwendig um eine zu große Isolierung zu vermeiden? Sind Impulse anderer essentiell um die eigene Kreativität am Kochen zu halten? Was kannst du auf diesen Veröffentlichungen machen, was dir allein unmöglich wäre?

Ich denke, dass Isolation gut ist, aber Zusammenarbeiten sind auch gut. Wenn ich viel Zeit mit Musikerfreunden verbringe, kommt es einfach zu Zusammenarbeiten – es ist unmöglich nicht zusammen zu spielen! Und das Schöne ist, dass dabei Dinge passieren, sich Ideen entwickeln, die den einzelnen Personen für sich nie passiert wären. Es tritt das hervor, was William Burroughs als ‘third mind’ bezeichnet hat: Eine Wesensheit, die größer als die Summe der einzelnen Verstände der Menschen ist, die zusammenarbeiten.

Was kannst du über das demnächst erscheinende Album von RUSALNAIA auf Camera Obscura sagen?

RUSALNAIA ist ein Duo zusammen mit Gillian Chadwick, die in Philadelphia direkt neben mir wohnte und in einer Indie-Glamrockband namens GOLDEN BALL spielt und ein Gothic-Pop-Soloprojekt namens EX REVERIE hat. Wir begonnen damit, Songs zu schreiben, als ich dort lebte und wussten nicht, ob das funktionieren würde, da unsere Einflüsse und Projekte so verschieden waren. Aber die Songs, die wir schrieben, waren großartig und wir kamen gut miteinander klar und wurden enge Freunde. Wir hatten bei den Aufnahmen viel Spaß – wir haben in Greg Weeks’ Hexham Head Studio aufgenommen – und ich bin auf die fertige Platte sehr stolz. ”Rusalnaia“ ist der Name eines slavischen Festivals der Rusalki (bösartige Wassernymphen) und das schien die Energie und Bildlichkeit unserer Musik zu erfassen.

Wenn du ein Album aufnimmst, wie wichtig sind Details für dich?

Ich bin sehr sorgfältig und möchte die Sachen richtig machen, aber es ist meistens eher eine Frage des Gefühls als der Technik. Ich habe lieber eine Aufnahme, in der ein paar Fehler sind, die mir aber ein gutes Gefühl gibt als eine technisch perfekte, die emotional flach ist.

Auf “Leaves From Off The Tree” gibt es “The Derry Dems Of Arrow”, ein Lied, das seine Ursprünge in Schottland hat, aber in die USA gebracht wurde und zu etwas Neuem wurde. Du hast einige Zeit in den USA verbracht. Denkst du, dass die Folkszene dort anders als in Großbritannien ist? Würdest du bezogen auf “The Derry Dems Of Arrow” sagen, dass du es magst, wenn solche Transformationen geschehen?

Einige der Traditionals, die von Großbritannien aus in die USA gelangt sind, sind in Großbritannien ausgestorben und die einzigen Versionen, die wir noch haben, sind die amerikanischen. Die englische Folksongtradition profitiert sehr davon, dass sie sich bei den amerikanischen Sängern und ihren Versionen der Lieder bedienen kann. Ein gutes Beispiel dafür ist Shirley Collins, die mit Alan Lomax Lieder sammeln ging und dann ihre Versionen der Lieder aufnahm. Und heutzutage geschieht die gleiche Art des gegenseitigen Fruchtbarmachens. Als ich anfing aufzutreten und aufzunehmen waren meine musikalisch verwandten Geister hauptsächlich in den USA. Jetzt, da amerikanische Musiker wie ESPERS, Devendra Benhart, Joanna Newsom in den Medien präsent sind, wird die Folkszene in Großbritannien weiter verzweigt.

Wie wichtig ist Tradition für dich? Würdest du bezogen auf die letzte Frage sagen, dass Veränderung sehr notwendig ist?

Tradition um ihrer selbst willen und Widerstand Veränderung gegenüber ist keine gute Sache, aber Wiederholung und Zyklen sind für unsere Psyche wichtig. Die Lieder, die wir wiederholen und weitergeben, die Rituale, die wir aufführen, um das Vergehen der Zeit oder den Wechsel der Jahreszeiten zu markieren, sind wichtig. Zu sehen, wie jeden Frühling die Blumen aus dem Boden sprießen, bereitet mir große Freude. Ebenso als wenn ein neuer Sänger ein altes Lied auf seine ganz eigene Weise singt.

Warum hast du eigene Songs für “Right Wantonly A-Mumming” geschrieben? Hast du jemals daran gedacht “einfach” nur vorhandene Traditionals zu nehmen?

Ich singe viele Traditionals, die sich auf die Jahreszeiten beziehen, aber das Projekt, das ich im Kopf hatte und aus dem “Right Wantonly..“ wurde, hätte nicht mit Traditionals funktioniert. Ich wollte einen Songzyklus, der alle Jahreszeiten umfasste, nicht nur den Mai, die Ernte und Weihnachten – darauf beschränken sich englische Traditionals nämlich hauptsächlich. Außerdem wollte ich Lieder, die eher heidnisch als christlich waren und viele Traditionals verweisen auf Gott oder Jesus – selbst die Mailieder, bei denen es ums Herumwandern und um das Sammeln von Zweigen geht, beziehen sich auf “das Werk von Gottes Händen“! Deshalb musste ich meine eigenen Songs schreiben. Ich hoffe, dass die Menschen sie zusammen mit Traditionals singen. Hier im Oxford stehen die Folksänger am ersten Mai im Morgengrauen auf und singen Lieder um den Sommer zu begrüßen. Wir machen damit den ganzen Morgen weiter, darum ist Platz für viele Lieder – einige traditionell, andere etwas jüngeren Datums.

Deine Songs scheinen stark von traditionellen Texten beeinflusst zu sein (bezogen auf Thematik, Metaphorik etc.). Hast du den Eindruck, dass in solchen Texten all das steht, das im menschlichen Leben wichtig ist (Liebe, Geburt, Tod etc.)?

Mir ist es wichtig, dass meine Lieder ganz tief in die Psyche hineinreichen und hoffentlich die gleiche Wirkung auf den Hörer haben. Deshalb beziehe ich mich auf andere Texte oder Dinge, die die gleiche Wirkung auf mich haben: traditionelle Balladen, Märchen, epische Lyrik, Kinderbücher, surrealistische Kunst, magische Techniken, Drogen, Sex…

Du hast einmal gesagt, dass du “nicht etwas singen kann]st], wenn ich auf einer tieferen Ebene keinen Bezug dazu habe”. Gab es schon einmal ein Lied, das dich musikalisch, aber nicht textlich angesprochen hat – oder umgekehrt?

Da gibt es viele: Ein Beispiel ist, dass ich die Melodien und die Energie vieler religiöser Lieder mag – z.B. Gospels, Shape Note-Singen–, aber mir fällt es schwer Lieder zu singen, die einen Gott loben, an den ich nicht glaube und den ich nicht mag.

Kann ein Lied wie “The Prophet” auf deinem neuen Album auch in einem vagen politischen Sinn verstanden werden oder geht es einfach nur darum zu zeigen, dass jeder an sich selbst glauben sollte?

Hoffentlich kann dieses Lied – ebenso wie die anderen – auf verschiedene Weise verstanden werden!

“The Fox’s Wedding” scheint (musikalisch wie textlich) etwas intimer als “Songs of Love and Loss” zu sein. Siehst du das auch so?

Ich war mir nicht bewusst, intimere Songs zu schreiben, deshalb weiß ich nicht, ob das Album textlich intimer ist, aber die Aufnahmen entstanden während eines längeren Zeitraums in Michael Tanners Wohnzimmer und seine Katze lief darin herum und klingelte mit ihrem Halsband, während wir aufnahmen. Ich denke, dass das Ergebnis ein intimerer Klang ist

Du hast mir erzählt, dass du A.S. Byatt sehr schätzt. Fühlst du dich ihr verbunden, weil sich in ihren Werken auch Verweise auf Mythologie und Märchen finden?

Ich denke, dass all meine Lieblingserzähler sich des Mythos bedienen oder Märchenlandschaften bewohnen: Byatt, Angela Carter, John Fowles, Iris Murdoch, Herman Hesse, etc. Wenn ich ihre Werke lese,  wird mir der Boden unter den Füßen weggerissen und alles verändert sich leicht. Farben verändern ihre Schattierung und werden intensiver – das Leben ist bis zum Rand voll mit unentdeckter Bedeutung. Ich denke, das ist, was Kunst, Fiktion, Musik tun sollte.

Noch etwas bezüglich A.S. Byatt: Im Dream Magazine hast du über Leute gesprochen, die an Gott oder das Übernatürliche glauben um Trost zu empfinden und du hast gesagt, es sei besser sie lebten im Hier und Jetzt. Es gibt eine Passage (ich glaube aus “Babel Tower” und ich bin ziemlich sicher, dass die Worte von Jude Mason gesprochen werden), in der eine Figur sagt, dass es  natürlich sei, dass Menschen Geschichten erzählen und Mächte erfinden. Er fügt dann an, dass er eine unnatürliche Anstrengung unternehme. Er blicke in die Dunkelheit und enthalte sich jedweder Vorstellung. Schließlich sagt er, dass es ein destruktiver Weg und die Belohnung karg sei. Denkst du, es liegt etwas Wahrheit in diesen Worten?

Ich denke, dass die Welt ein öder und böser Ort sein kann und dass es wichtig ist, dem Bösen und der Öde ins Gesicht zu blicken und ihre Existenz zu akzeptieren, man sollte es nicht nötig haben, die Lücke mit einem tröstenden Gott auszufüllen oder einer Art spiritueller Sicherheitsdecke. Aber diese Wahrheit zeigt nur die eine Hälfte des Bildes: Die Welt enthält Wunder und wenn wir lieben und geliebt werden, Schönheit um uns herum wahrnehmen können, in Wellen der Freude hochgeworfen werden, dann kann das Leben wundervoll sein.

Wie oft (wenn überhaupt) gibt es Übereinstimmungen zwischen Autorin und Sprecher?

Es muss etwas Überschneidung geben, aber diese kann winzig sein. Es gibt etwas Überschneidung zwischen mir als Autorin und meinen Figuren, aber sie sind nicht ich. Ich neige dazu, die Wahrheit etwas umzustellen und eine Geschichte zu erfinden, die im Kern noch etwas Wahres hat, aber sich in den Details unterscheidet. Andernfalls ist das langweilig und zumindest potentiell problematisch für die Menschen, über die man schreibt.

Ich fand es ganz nett, als du in den Linernotes zu “Fortune my foe” geschrieben hast, dass das Lied schon seit einigen Jahrhunderten existiert und dass du es im Internet gefunden hast. War es deine Absicht diesen Kontrast zwischen einem sehr alten Lied und einem recht neuen Medium zu verdeutlichen?

Ich habe da keine so ernsthafte Aussage gemacht, ich dachte nur, dass der Kontrast lustig sei!

Deine Veröffentlichungen haben in der Presse viel Lob erfahren. Wie stehst du Rezensionen gegenüber?

Ich mag ehrliche Rückmeldungen, egal ob gut oder schlecht.

Wie sieht es mit deinen Zukunftsplänen aus? Gibt es eine Chance, dich in Deutschland zu sehen?

Ich beginne gerade damit, eine Tour für Europa und die USA zu planen und würde gerne in Deutschland spielen, man kann also hoffen!

M.G., D.L., S.L.