Wenn ein Debütalbum so unvermittelt überzeugt wie “In The Cut”, der großartige Erstling der Hamburger Band Giant Crow, stellt sich unwillkürlich die Frage, was danach kommen soll. Die meisten Combos brauchen für ein derart ausdrucksvolles Werk Jahre, um dann an ihm zu verzweifeln oder sich gemächlich zu wiederholen. Umso erfreulicher, dass Giant Crow das Gegenteil gelingt: Mit dem just bei Cosirecords erschienenen “Neodemon” legen Nikolas Kuhl und seine Mitstreiter – nach einer originellen Roky Erickson-Interpretation und einigen weiteren kleinen Lebenszeichen – ein zweites Album vor, das den eigenen dramatisch-endzeitlichen Kosmos nicht nur weiter ausbaut, sondern dichter und opulenter ausleuchtet als bisher. Auch wenn die Band ihren Sound, der Irren, Räubern und Gespenstern gefallen sollte, kaum über Genrebegriffe definiert, lässt sich die Ausgangslage benennen: Dunkle Americana und Country Noir treffen – auch wenn man die Assoziation eines Konzertbesuchers zu Metal nicht teilen muss – auf einen so kraftvollen wie sensibel anmutenden (Post-)Rock mit Spannungsbögen voll falscher Fährten, dramatischer Wendungen und wuchtiger Eruptionen. Dass all dies bei einem Album, dessen Songs über mehrere Jahre entstanden sind und dessen Songwriting, wie es heißt, eher passiert als getan wird, derart kohärent gelingt, ist beachtlich. Über dies und einiges mehr sprachen wir jüngst mit dem Sänger und Banjovirtuosen der Band. 

English Version

Ihr habt mit Giant Crow vor etwas über zwei Jahren eine neue musikalische Ära begonnen, nachdem die Vorgängerband Raindance Kid – wenn wir da richtig informiert sind – Geschichte war. Was hat euch damals dazu bewogen, diesen Wechsel zu vollziehen? Welche Elemente aus der Musik von Raindance Kid habt ihr beibehalten und was hat sich verändert?

Strenggenommen hat sich die Kernbesetzung von Raindance Kid zu einem Namenswechsel entschlossen und in Julian an den Drums und David am Klavier/Synth neue Mitstreiter gefunden. Der Auslöser für den Wechsel war, dass unser Gitarrist Justin sich als US-Amerikaner mit dem Namen Raindance Kid schon länger unwohl fühlte, weil er sich kulturelle Symbole der amerikanischen Ureinwohner aneignet. Da der Diskurs zu der Zeit auch in Deutschland lauter wurde, waren wir anderen schnell einverstanden. Nicht zuletzt, da von der Gründungsbesetzung vor über 12 Jahren nur noch Nikolas (Banjo/Gesang) übrig geblieben ist.
Der Sound von Giant Crow geht in vielerlei Hinsicht einen Schritt weiter. Wo Raindance Kid sich noch sehr stark im Denversound ala 16 Horsepower, Slim Cessna und Jay Munly verhaftet fühlte, blickt Giant Crow mutiger über den Tellerrand des Genres hinaus. Häufig entsteht ein neuer Song noch am Banjo, doch das Arrangement spinnt Fäden aus elektronischen Klängen, härteren Rockelementen und Soundmonstern, die deutlich vom Post Rock inspiriert sind.

Wie beschreibt ihr selbst euren musikalischen Ansatz jenseits verbrauchter Genre-Terminologie, und wo seht ihr euch in der aktuellen Musiklandschaft?

Wir sind alle im künstlerisch/musischen Bereich hauptberuflich tätig. Und jeder, der mit Kunst sein Geld verdient, weiß, wie viele Kompromisse damit einhergehen (okay, ein Jonathan Meese vielleicht nicht) – Giant Crow bietet uns die Möglichkeit Musik kompromisslos zu denken und herzustellen. Deswegen schenken wir der Musiklandschaft wenig Beachtung und reflektieren die eigene musikalische Identität nur wenn wir unbedingt müssen – müssen wir? Cool, danke!
Dass wir davon nicht leben können, ist ein kleiner Wermutstropfen, aber angesichts der Tatsache, dass wir die Möglichkeit haben, Platten herzustellen, vor mehr als zehn Leuten aufzutreten und die Menschen, die für und mit uns arbeiten, halbwegs anständig zu bezahlen, nur ein kleiner.

Der Name Giant Crow ist sehr kraftvoll und bildhaft. Was steckt hinter der Namenswahl, und welche Bedeutung hat die Krähe für euch? Abgesehen davon, dass es in Hamburg wahrscheinlich viele Krähen gibt…

In Hamburg gibt es ziemlich viele Krähen. Wir sind die größte. Nein, ehrlich: Es gab eine Liste mit vierzig Vorschlägen und jeder durfte 1 bis 5 Sterne vergeben. Giant Crow hat die meisten Sterne gesammelt, weil er von allen 3* bekommen hat. Soviel also zu kompromissloser Kunst! Aber hey, es ist ein super Name. Er klingt toll, hat keinen tieferen Sinn und dann kommt ja im digitalen Zeitalter auch noch ein ganz wichtiger Faktor hinzu; es gab noch keine Band die so hieß. In Zeiten von Spotify gibt man jeden neuen Bandnamen ein und stellt fest, dass auf der ganzen Welt schon zehn bis zwanzig andere Menschen die gleiche gute Idee hatten. Giant Crow gab es noch nicht. Das war uns ein Zeichen!

Euer zweites Album „Neodemon“ steht gerade in den Startlöchern. Neben vielem anderen wirkt es auch wie eine Vertiefung der musikalischen und thematischen Welt Eures Debüts „In The Cut“. Was waren die zentralen Inspirationen oder Erfahrungen, die euch dazu gebracht haben, diese düstere, opulente Atmosphäre noch weiter auszubauen?

Danke! Es ist ja irgendwie Fluch und Segen so einen charakteristischen Sound gefunden zu haben. Denn einerseits weiß man relativ genau, wo man landen will und andererseits weiß man relativ genau, wo man landen soll. Wir strapazieren Erwartungshaltungen schon ziemlich stark, oder nicht? Wenn man sich jetzt mal auf “In The Cut” die Songs “An Outlaws Tale” und “City Lights” vom Albumkontext isoliert miteinander vergleicht, dann darf man sich fragen, wie die beiden Stücke auf die gleiche Platte passen.
Das Phänomen lässt sich auf “Neodemon” auch beobachten, aber insgesamt ist die Platte konsistenter und homogener. Man könnte also behaupten, die neue Platte ist ein weiterer Schritt auf dem Weg fort vom intrinsischen Wunsch alle Klangbedürfnisse gleichzeitig zu befriedigen. Macht es das nun besser oder schlechter?

Die Texte auf beiden Alben handeln oft von Flucht, inneren Dämonen und existenzieller Suche. Gibt es ein zentrales Thema oder eine Botschaft, die euch besonders am Herzen liegt?

Man soll der Kunst ja keine Botschaft mitgeben – sonst fliegt die nicht. (B. v. Stuckrad-Barre frei zitiert). Und eine Riesen Krähe, die nicht fliegt, taugt ja wohl nicht viel.

Das Motiv der Reise, oft als Metapher für das Leben als solches, ist wahrscheinlich so alt wie das Interesse der Menschen an Erzählungen, von der Odyssee über all die Fliegenden Holländer und Lonesome Riders bis zum Roadmovie gibt es zahllose solcher Geschichten in Literatur, Musik und Film. Auch bei euch zeichnet sich ein solches Interesse in euren Texten ab. Gibt es bekannte Geschichten dieser Art, die euch inspiriert haben?

Es sind eher Gedankenwelten, die in der Tat aus Kunst, Literatur und Film stammen, aber weniger konkrete Storys, als vielmehr Stimmungen und Atmosphären sind. Eine Szenerie, eine einzige Kameraeinstellung kann sich für mich als inspirierender herausstellen, als eine dramatische Handlung – im musikalischen Sinne natürlich. Mal abgesehen von Gangsterballaden wie “An Outlaws Tale” oder “Shotgun Sally” sind daher die meisten Texte auch eher zuständliche Momentaufnahmen. Etwas, das man im Drehbuch oder der Darstellenden Kunst eher zu vermeiden sucht.

Wie geht ihr beim Songwriting vor? Entstehen die Texte vor der Musik, oder ist es von Song zu Song unterschiedlich? Ist es manchmal auch ein kollektiver Prozess? “

Meist entsteht Musik vor Text und meistens besteht die Urversion eines Songs aus Banjo/Gitarre und Gesang. Die Texte entstehen nicht zuerst auf einer Sinnebene, sondern zunächst rein aus phonetischen Gesichtspunkten. Hierzu improvisiere ich häufig mit Kauderwelsch. Im Anschluss suche ich nach Wörtern, die so ähnlich klingen und erst ganz am Ende, suche ich den Sinn darin. Meistens klappt das – aber nicht immer.
Wenn du also hier und da denkst: ‘Hä? Das ergibt doch gar keinen Sinn…!“ – Dann könnte es sein, dass du recht hast.
She is playing her violent songs on a deerskin drum with a cattlebone, while the creatures play dead.
Aber dann betrachtest du vielleicht einfach dieses Bild, hörst die Musik dazu und merkst: „Irgendwie ergibt das doch Sinn.“
Dass mein Bild irgendwas mit psychischer Gewalt in Paarbeziehungen zu tun hat, hilft dir beim Hören eigentlich wenig weiter. Vertraue dem eigenen Bild – es stimmt!
Der gemeinsame Prozess beginnt im Anschluss, wenn aus der reinen Komposition ein Giant-Crow-Song entsteht. “Wandering Star” beispielsweise ist durch die Leadgitarre, die Justin geschrieben hat, ein anderer (und interessanterer) Song geworden, als der, den ich komponiert habe. Dieses Prinzip zieht sich auf verschiedene Art und Weise durch das ganze Album.

Viele, eigentlich fast alle eurer Songs haben einen filmischen, epischen Charakter, und die Texte bieten reichlich Erzählstoff. Wenn ihr einen oder Songs verfilmen würdet, für welchen würdet ihr euch entscheiden? 

Seit jeher scheitert die erste Riege an Filmemachern daran Blood Meridian (Cormac McCarthy) zu verfilmen. Falls diese Millennium-Problem des Kinos irgendwann mal gelöst wird, können wir es ja mit einem Giant Crow Song versuchen.

Songs wie „Midnight Sun“ oder „Breaking the Waves“ erzählen von mythischen, fast archaischen Figuren und Schauplätzen. Gibt es auf dem Album eigentlich eine übergeordnete Erzählung oder eine konzeptuelle Klammer, oder sind es eher lose verbundene Geschichten? 

Leider nein, aber das liegt gar nicht in der Unlust an Konzept begründet, sondern einfach daran, dass Songwriting eher passiert als getan wird. Zwischen dem ältesten Song des Albums und dem jüngsten liegen mindestens drei Jahre. Drei Jahre in denen mein erstes Kind auf die Welt kam, ich das neue Slipknot-Album nicht so gut, das Mogwai-Album aber großartig fand, ich mir eine neue Gitarre gekauft, das beste Livekonzert meines Lebens gesehen (Lucy Kruger & the Lost Boys), drei Romane geschrieben habe und so weiter. Da passt einfach kein Konzept drüber. Aber in den drei Jahren habe ich auch auf der Dokumenta 15 einen iranischen Kurzfilm gesehen, in denen eine Reiterin auf einem grauen Pferd besungen wurde. Daraus wurde der Text zu “Midnight Sun”.

“Shotgun Sally” erzählt eine Geschichte, die hoffentlich nicht das Leben schrieb, und die Balance aus Andeutungshaftigkeit und Drastik ist beeindruckend. Wie entstehen bei euch die Ideen zu solchen Erzählungen? 

Das passiert gar nicht absichtlich, aber irgendwie landet auf jedem Album eine solche Räuberpistole oder Gangster-Ballade. Wer den animierten Kurzfilm zu “Shotgun Sally” gesehen und über das entsprechende Kino-Wissen verfügt, dem wird spätestens dann auffallen, dass die Story des Song ziemlich nahe an der Erzählung des kinematografischen Zeitdokuments Natural Born Killers (Oliver Stone) ist. Wobei dabei gar nicht die grotesk überzeichnete Gewalt, sondern die Ikonographie dieses Schlüsselwerks der 90er Jahre das Zentrum der Referenz bildet – wenn mans einmal weiß, isses klar, oder?

„In The Cut“ wurde oft mit dem sogenannten Denver Sound bestimmter amerikanischer Alternative Country-Bands verglichen, auch auf „Neodemon“ klingt diese Tradition mit an. Manchmal entstehen solche stilistischen Parallelen auch durch Zufall, aber ich vermute mal, dass ihr diese Musik kennt. Falls ja, welche Qualitäten findet ihr an ihr inspirierend?

Good artists copy, great artists steal (P. Picasso) kommt ja nicht von ungefähr, sondern beschreibt eigentlich den beinahe allgemeingültigen Prozess der Künstler-Werdung. In meinem Fall (Nikolas) ist das nicht viel anders. David Eugene Edwards von 16HP/Wovehand hat mich zum Banjo gebracht und dieser Art Musik zu schreiben massiv geprägt. Die Emanzipation kommt im Laufe der Jahre von selbst. Ich wage zu behaupten, dass auch bei mir etwas Eigenes, Autarkes entstanden ist, aber die Herkunft lässt sich nicht verleugnen. Diese ganze apokalyptische Rauch-und-Schwefel-Gedankenwelt hat in meiner katholisch sozialisierten Gothic-Jugend den perfekten Nährboden gefunden.

David Kuhl ist neu als Keyboarder, Gitarrist und Produzent dabei. Wie hat seine Mitwirkung den Sound von „Neodemon“ geprägt? Gab es konkrete Ideen oder Ansätze, die er eingebracht hat? Dem Familiennamen nach vermute ich mal, dass ihr euch auch außerhalb der Musik nahe steht..

Mittlerweile ist die halbe Band Familie, schon lustig. David ist mein (Nikolas’) kleiner Bruder, immerhin fünfzehn Jahre jünger. Wir sind musikalisch durch unser Elternhaus relativ ähnlich musikalisch sozialisiert und verstehen uns deswegen schnell und mit wenigen Worten, wenn es um Musik geht. Das ist ungemein praktisch im Herstellungsprozess. Ich als Songwriter, David als Produzent, das ist ein ziemlich explosives Gemisch – im positiven Sinne. Auf jeden Fall besser als umgekehrt – David kann im Gegensatz zu mir nämlich beides – im Ernst, hört euch unbedingt seine Band Giantess an. Dann kann sich jeder selbst aussuchen, ob er konkreten Einfluss hört, oder nicht.

Wie wählt ihr eigentlich bei den Songs eure jeweilige Instrumentierung und deren Arrangements? Sind das bewusste Entscheidungen, um einen bestimmten Sound zu erzeugen, oder entsteht das eher intuitiv? 

Sowohl als auch. Der Weg zu einem hervorragenden Song führt ja häufig über den Sound. Selten ist eine gute Textstelle oder eine Melodie jene Karotte, die einen zwingt, an einem Stück zu arbeiten. Meistens ist es doch ein Sound, dem irgendeine beinahe übernatürlich anmutende Kraft zugrunde liegt, ein scheinbar zufälliges musikalisches Momentum, von dem man gar nicht so genau sagen kann, wie es eigentlich entstanden ist. Oder wie eine alte Gamer-Weisheit besagt: „Skill ist, wenn Luck zur Gewohnheit wird.“

Auf beiden Alben gibt gab es viele Momente, in denen das Banjo, zumindest unserer Meinung nach, als fast heiterer (oder zumindest leichterer, flinker) Gegenpol zu den dunklen Gitarren und Streichern wirkt, vielleicht ist diese Dynamik auf “Neodemon” sogar noch ausgeprägter. Habt ihr euch bewusst für diese Art des Zusammenspiels entschieden? 

Das Banjo ist ja eines der in der Gegenwart missverstandensten Instrumente – vor allem im europäischen Raum, wo das Banjo am ehesten mit einer heiteren Verfolgungsjagd assoziiert wird. Die wenigsten wissen, dass das Banjo ein Instrument zur Geisterbeschwörung ist – schon Mary Lincoln hat in den Séancen zur Kontaktaufnahme mit ihrem verstorbenen Sohn Banjos spielen lassen. Ob ihr Geister und Dämonen heiter und leicht findet – tja, das überlasse ich dann mal euch.

Ihr seid aus Hamburg, einer Stadt, die vielleicht nicht unbedingt für Country oder Folk bekannt ist. Wie beeinflusst euer Umfeld eure Musik, und wie wird sie in der lokalen Szene aufgenommen?

Natürlich haben wir eine gewissen Aufmerksamkeit aus der (gar nicht mal so kleinen) Oldtime- und Bluegrass Szene in Hamburg erhalten – das bleibt ja bei der Instrumentierung gar nicht aus. Wir freuen uns aber, dass wir bereits früh auch aus den härteren Szenen viel Zuspruch bekommen haben. Auf einem der allerersten Raindance Kid Konzerten sagte mal ein Besucher: „Schon irgendwie Country, aber für mich ist das Heavy Metal!“ Das hat uns eine ganze Weile beinahe als Leitsatz zum Selbstverständnis gedient. Mittlerweile würden wir sagen, dass uns in der Alternativeszene Hamburgs ein ganz gutes Standing erspielt haben und freuen uns, wenn die Banjo-Fans und die Metalheads sich bei unseren Konzerten auf die Füße treten.

Wie wichtig ist euch der emotionale Austausch mit euren Zuhörern? Habt ihr das Gefühl, dass euer Publikum die Geschichten und Gefühle, die ihr vermittelt, an sich heranlässt? 

Die Frage ist ja fast eine universelle … Das höchste Ziel unserer Musik ist es natürlich, dass das Publikum ähnliche intensive Gefühle beim Hören erlebt, wie wir beim Musizieren. Leider beobachte ich auch bei mir selbst, dass diese Form des Sich-Hingebens häufig den sehr ausgewählten Bands der Jugend vorbehalten ist und man gerade in der lokalen Szene Musik eher in einem distanzierten, analytischen Modus rezipiert. Fast als wäre das Etikett „lokale Szene“ bereits eine Einladung, sich anders mit der Musik auseinanderzusetzen, als man sich beispielsweise mit Taylor Swift auseinandersetzt. Schade eigentlich und mindestens eine verlorene Chance.
Wenn ich allerdings unter dem YouTube Video zu „All about her“ lese: I feel like I just listened to the greatest song about grief I’ve ever witnessed“ oder ein Mensch aus Prag nach Hamburg anreist, um unser Konzert zu besuchen, dann stelle ich erleichtert fest, dass andere Menschen das besser können als ich.

Interview: U.S. & A. Kaudaht, Fotos: Lia Laukant

Giant Crow @ YouTube | Instagram | Facebook

When a debut album makes an impact as immediate and compelling as “In The Cut”—the magnificent first release from the Hamburg-based band Giant Crow—one inevitably wonders what could possibly follow. Most groups take years to craft such an expressive work, only to find themselves either struggling to live up to it later or settling into a comfortable, repetitive pattern. It is all the more gratifying, then, that Giant Crow has achieved the exact opposite: with “Neodemon”—just released via Cosirecords—Nikolas Kuhl and his bandmates present a second album that not only expands upon their dramatic, apocalyptic cosmos but illuminates it with greater density and opulence than ever before. While the band—whose sound might well appeal to madmen, outlaws, and ghosts alike—hardly defines itself through genre labels, one can certainly identify the starting point: dark Americana and “country noir” collide with a brand of (post-)rock that is as powerful as it is sensitive—a style defined by narrative arcs full of red herrings, dramatic twists, and forceful eruptions. It is truly remarkable that the album—composed of songs written over several years, in a process described as something that “happens” rather than something that is “done”—manages to sound so remarkably coherent. We recently spoke with the band’s singer and banjo virtuoso about this and much more.

German Version

You started a new musical era with Giant Crow a little over two years ago, after your previous band, Raindance Kid, had – if we’re correctly informed – come to an end. What motivated you to make this change? Which elements of Raindance Kid’s music did you retain, and what changed?

Strictly speaking, the core members of Raindance Kid decided to change their name and found new bandmates in Julian on drums and David on piano/synth. The trigger for the change was that our guitarist Justin, as an American, had long felt uncomfortable with the name Raindance Kid because it appropriated cultural symbols of Native Americans. Since the discussion was also becoming more heated in Germany at the time, the rest of us quickly agreed. Not least because only Nikolas (banjo/vocals) remained from the original lineup of over 12 years ago.
Giant Crow’s sound takes things a step further in many respects. Where Raindance Kid felt very much rooted in the Denver sound à la 16 Horsepower, Slim Cessna, and Jay Munly, Giant Crow looks more boldly beyond the boundaries of the genre. Often, a new song still originates on the banjo, but the arrangement weaves threads of electronic sounds, harder rock elements, and sonic monsters clearly inspired by post-rock.

How would you describe your musical approach beyond overused genre terminology, and where do you see yourselves in the current music landscape?

We all work full-time in the arts/music field. And anyone who earns a living with art knows how many compromises are involved (okay, maybe not Jonathan Meese) – Giant Crow gives us the opportunity to think about and create music without compromise. That’s why we pay little attention to the music scene and only reflect on our own musical identity when we absolutely have to – do we really have to? Cool, thanks!
The fact that we can’t live off it is a minor disappointment, but considering that we have the opportunity to produce records, perform in front of more than ten people, and pay the people who work for and with us a reasonably decent wage, it’s only a small one.

The name Giant Crow is very powerful and evocative. What’s the story behind the name choice, and what significance does the crow hold for you? Aside from the fact that there are probably a lot of crows in Hamburg…

There are quite a few crows in Hamburg. We’re the biggest. No, seriously: there was a list of forty suggestions, and everyone could give it one to five stars. Giant Crow got the most stars because it received three from everyone. So much for uncompromising art! But hey, it’s a great name. It sounds fantastic, has no deeper meaning, and then, in the digital age, there’s another crucial factor: there wasn’t a band with that name yet. In the age of Spotify, you enter every new band name and find that ten to twenty other people around the world have already had the same brilliant idea. Giant Crow didn’t exist yet. That was a sign for us!

Your second album, “Neodemon,” is about to be released. Among many other things, it also seems like a deepening of the musical and thematic world of your debut, “In The Cut.” What were the key inspirations or experiences that led you to further develop this dark, opulent atmosphere?

Thanks! It’s a bit of a blessing and a curse to have found such a distinctive sound. On the one hand, you know pretty much exactly where you want to end up, and on the other hand, you know pretty much exactly where you’re supposed to end up. We really push expectations to their limits, don’t we? If you compare the songs “An Outlaws Tale” and “City Lights” on *In The Cut* in isolation from the album’s context, you might wonder how the two tracks even fit on the same record.
This phenomenon can also be observed on *Neodemon*, but overall, the album is more consistent and homogeneous. So, you could argue that the new album is another step away from the intrinsic desire to satisfy all sonic needs simultaneously. Does that make it better or worse?

The lyrics on both albums often deal with escape, inner demons, and existential searching. Is there a central theme or message that is particularly close to your hearts?

You shouldn’t give art a message – otherwise it won’t fly. (B. v. Stuckrad-Barre, freely quoted). And a giant crow that doesn’t fly isn’t worth much, is it?

The motif of travel, often used as a metaphor for life itself, is probably as old as humankind’s interest in storytelling. From the Odyssey to the Flying Dutchman and Lonesome Riders, to road movies, there are countless such stories in literature, music, and film. This same interest is evident in your lyrics. Are there any well-known stories of this kind that have inspired you?

They are more like mental worlds, indeed drawn from art, literature, and film, but less concrete stories and more moods and atmospheres. A scene, a single camera shot, can prove more inspiring to me than a dramatic plot—in a musical sense, of course. Aside from gangster ballads like “Outlaws Tale” or “Shotgun Sally,” most of the lyrics are therefore more like snapshots of a particular moment. Something one tends to avoid in screenwriting or the performing arts.

What’s your songwriting process like? Do the lyrics come before the music, or does it vary from song to song? Is it sometimes a collective process? 

Music usually precedes lyrics, and the original version of a song typically consists of banjo/guitar and vocals. The lyrics don’t initially develop on a semantic level, but rather purely from a phonetic perspective. I often improvise with gibberish for this. Then I search for words that sound similar, and only at the very end do I look for the meaning. This usually works—but not always. So,
if you’re thinking, “Huh? That doesn’t make any sense at all…!”—you might be right.
She is playing her violent songs on a deerskin drum with a cattle bone, while the creatures play dead.
But then you might simply look at this image, listen to the music, and realize: “Somehow, this does make sense.”
The fact that my image has something to do with psychological abuse in relationships doesn’t really help you much when listening. Trust your own image—it’s accurate!
The collaborative process begins afterward, when a Giant Crow song emerges from the pure composition. For example, “Wandering Star” became a different (and more interesting) song than the one I composed because of the lead guitar work Justin wrote. This principle runs through the entire album in various ways.

Many, in fact almost all, of your songs have a cinematic, epic quality, and the lyrics offer plenty of narrative material. If you were to make a film out of one or more of your songs, which one would you choose? 

The first rank of filmmakers has always failed to adapt Blood Meridian (Cormac McCarthy). If this millennium problem of cinema is ever solved, perhaps we can try a Giant Crow Song.

Songs like “Midnight Sun” or “Breaking the Waves” tell of mythical, almost archaic figures and settings. Is there actually an overarching narrative or conceptual framework on the album, or are they more loosely connected stories? 

Unfortunately not, but that’s not due to a lack of interest in a concept, but simply because songwriting happens rather than is done. There are at least three years between the oldest song on the album and the newest. Three years in which my first child was born, I didn’t think much of the new Slipknot album but loved the Mogwai album, I bought a new guitar, saw the best live concert of my life (Lucy Kruger & the Lost Boys), wrote three novels, and so on. There’s just no way to fit a concept into all that. But during those three years, I also saw an Iranian short film at Documenta 15 that featured a song about a woman riding a gray horse. That became the inspiration for the lyrics to “Midnight Sun.”

“Shotgun Sally” tells a story that hopefully didn’t happen in real life, and the balance between suggestion and graphic detail is impressive. How do you come up with the ideas for stories like this? 

It doesn’t happen intentionally, but somehow every album ends up with a tall tale or gangster ballad like this. Anyone who’s seen the animated short film for Shotgun Sally and has some cinematic knowledge will notice that the song’s story is quite close to the narrative of the cinematic time capsule Natural Born Killers (Oliver Stone). The reference isn’t so much in the grotesquely exaggerated violence, but rather in the iconography of this key work of the 90s – once you know that, it’s obvious, right?

“In The Cut” has often been compared to the so-called Denver Sound of certain American alternative country bands, and this tradition is also reflected on “Neodemon.” Sometimes such stylistic parallels arise by chance, but I suspect you’re familiar with this music. If so, what qualities do you find inspiring about it?

“Good artists copy, great artists steal” (P. Picasso) isn’t just a random quote; it actually describes the almost universal process of becoming an artist. In my case (Nikolas), it’s not much different. David Eugene Edwards of 16HP/Wovehand introduced me to the banjo and massively influenced this style of music writing. Emancipation comes naturally over the years. I dare say that something unique and independent has emerged in my work, but my origins are undeniable. This whole apocalyptic, smoke-and-sulfur worldview found the perfect breeding ground in my Catholic-raised, Gothic youth.

David Kuhl is a new addition as keyboardist, guitarist, and producer. How has his involvement shaped the sound of “Neodemon”? Were there any specific ideas or approaches he brought to the table? Judging by your surname, I’m guessing you’re close outside of music as well…

Half the band is practically family now, which is funny. David is my (Nikolas’) little brother, fifteen years younger than me. We’re musically quite similar, having grown up in a similar musical environment, so we understand each other quickly and easily when it comes to music. That’s incredibly helpful in the production process. Me as a songwriter, David as a producer—it’s a pretty explosive mix, in a good way. Definitely better than the other way around—David, unlike me, can do both. Seriously, you absolutely have to check out his band “Giantess.” Then everyone can decide for themselves whether they hear a clear influence or not.

How do you actually choose your instrumentation and arrangements for your songs? Are these conscious decisions to create a specific sound, or does it happen more intuitively? 

Both. The path to an outstanding song often leads through the sound. Rarely is a good lyric or a melody the carrot that compels you to work on a piece. Most of the time, it’s a sound that’s driven by some almost supernatural force, a seemingly random musical momentum whose origin is difficult to pinpoint. Or, as an old gamer adage goes: “Skill is when luck becomes a habit.”

On both albums, there were many moments where the banjo, at least in our opinion, acted as an almost cheerful (or at least lighter, more nimble) counterpoint to the dark guitars and strings; perhaps this dynamic is even more pronounced on “Neodemon.” Did you consciously choose this kind of interplay? 

The banjo is one of the most misunderstood instruments of our time – especially in Europe, where it’s most often associated with a lighthearted chase. Few people know that the banjo is also used for summoning spirits – even Mary Lincoln had banjos played during séances to contact her deceased son. Whether you find ghosts and demons lighthearted and cheerful – well, I’ll leave that up to you.

You’re from Hamburg, a city that might not be known for country or folk music. How does your environment influence your music, and how is it received in the local scene?

Of course, we’ve received a certain amount of attention from the (not insignificant) old-time and bluegrass scene in Hamburg – that’s inevitable with our instrumentation. But we’re also pleased that we received a lot of support from the heavier scenes early on. At one of the very first Raindance Kid concerts, an audience member said: “It’s kind of country, but to me it’s heavy metal!” That served as our guiding principle for quite some time. These days, we’d say we’ve earned a pretty good reputation in Hamburg’s alternative scene, and we’re happy when banjo fans and metalheads are practically bumping into each other at our shows.

How important is the emotional exchange with your listeners to you? Do you feel that your audience connects with the stories and emotions you convey? 

The question is almost universal… The ultimate goal of our music is, of course, for the audience to experience similarly intense emotions while listening as we do while playing. Unfortunately, I also observe in myself that this kind of surrender is often reserved for the very select bands of young people, and that music, especially in the local scene, is received in a more detached, analytical mode. Almost as if the label “local scene” is already an invitation to engage with the music differently than, say, with Taylor Swift. It’s a shame, really, and at the very least a missed opportunity.
However, when I read comments under the YouTube video for “All About Her,” such as “I feel like I just listened to the greatest song about grief I’ve ever witnessed,” or when someone travels from Prague to Hamburg to attend our concert, I’m relieved to realize that other people are better at this than I am.

Interview: U.S. & A. Kaudaht, Fotos: Lia Laukant

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Dass Erickson bis heute eine solche Projektionsfläche darstellt, liegt nicht allein an seiner Rolle als Frontmann der 13th Floor Elevators, die in den Sechzigern entscheidend an der Herausbildung dessen beteiligt waren, was bald Psychedelic Rock heißen sollte. Es liegt ebenso an der seltsamen Spannung seiner Musik selbst: Diese Songs wirkten oft zunächst wie energiegeladener Garage Rock oder angeblueste, rhythmusbetonte Beatmusik, bis sich in ihnen langsam etwas Fremdes, Verstörtes und Visionäres bemerkbar machte. Tremolierende Gitarren, fiebrige Dröhnungen, surreale Texte und Ericksons zwischen Euphorie und Zusammenbruch schwankende Stimme verliehen dem Ganzen eine Intensität, die selbst Jahrzehnte später kaum an Wirkung verloren hat. Gerade das Solowerk mit seinen Monstern, Geistern, Aliens, Vampiren und metaphysischen Liebesvisionen bleibt ein Faszinosum zwischen Horrorfilm, Outsider-Kunst und zutiefst menschlicher Verletzlichkeit. Im Kontext des ersten teils schrieb ich noch mehr dazu.

Bereits der Auftakt dieser neuen Anthologie macht klar, dass es auch hier nicht um museale Ehrfurcht geht. The Creeping Candies eröffnen die Sammlung mit “Fire in My Bones” schwülheiß und dreckig. Die Augsburger Garage Blues-Veteranen, einst von Nikki Sudden gefördert, bewegen sich zwar relativ nah am Original, doch die leicht klarere Produktion legt andere Schichten frei: quiekende Gitarrensoli, ein bluesiger, taumelnder Rhythmus und verwegene Vocals voller Tradition im Gepäck. Es klingt bisweilen, als würden The Cramps und The Raymen nachts gemeinsam durch zähes Öl waten. Das genaue Gegenteil folgt mit L’Eglise du Mouvement Péristaltique Inversé und ihrer Version von “White Faces”, hier “Visages Blancs” genannt und vollständig auf Französisch gesungen. Nick Grey und Charles Pietri verwandeln den Song vom Soloalbum “The Evil One” in eine geisterhafte Cold Wave-Meditation. Der halb geflüsterte Gesang, die eleganten Synthesizerlinien und die latent cembaloartigen Klangfarben erzeugen eine seltsam feierliche Abgründigkeit und sorgen für einen der frühen Höhepunkte der Sammlung.

Weltraumservice gehen mit “Splash 1″ noch stärker in Richtung Auflösung und Traumlogik. Gitarrenpickings tauchen aus verrauschtem Rumoren auf und werden davon beinahe verschluckt, ehe elektronische Rhythmen allmählich Struktur hineinbringen. Der fragile Tenorgesang und die weiblichen Backing Vocals verleihen dem Stück eine empfindsame Schwerelosigkeit. Aus dem ohnehin schon entrückten Elevators-Original wird hier ein schimmernder Schwebezustand zwischen kosmischem Folk und zerfledderter Erinnerung. Ganz anders wiederum Eklipse beziehungsweise Maline Zickow und Justin, die “You Don’t Love Me Yet” in ein melancholisches Kammerstück überführt. Wo das Original noch deutlicher in hippiesker Songwriter-Tradition verwurzelt war, dominieren nun kratzige Streicher, verrauschte Texturen und eine eigentümliche Eleganz. Dass das Ganze instrumental bleibt, verstärkt die Wehmut zusätzlich. Das Stück wirkt wie ein kurzer Blick in ein verlassenes Theater kurz nach Mitternacht.

Mit Crayon Moon wird es wieder laut und exzessiv. “The Wind and More” bleibt recht dicht am Original von “The Evil One”, doch die belgischen Musiker um Aldo Struyf – der unter anderem mit Mark Lanegan und Masters of Reality gearbeitet hat – verwandeln den Song in ein derbes Nachtstück psychedelischen Hardrocks. Besonders eindrucksvoll ist die Stimme des Sängers mit ihrer deutlichen Patina – die trägt eine unterschwellige Paranoia in sich, die sich hinter der Ekstase verbirgt und dadurch umso stärker wirkt. Der aus Brooklyn stammende Komponist Kyle Acheson, der inzwischen viel Musik für Film und Theater schreibt, macht aus “Anthem (I Promise)” eine der originellsten Neuinterpretationen des Albums. Das schmissige Strumming und die heulenden Vocals des Originals verschwinden hinter Staubwolken aus Synthesizer-Glissandi und verträumter Distanz. Zweieinhalb Minuten lang scheint man durch eine surreale Traumlandschaft zu schweben, halb romantisch, halb verloren.

Auch Heron & Crane bleiben vergleichsweise nah an Ericksons Vorlage von “I Had to Tell You”, versehen den Song aber mit subtilen räumlichen Verschiebungen. Das psychedelisch-elektronische Minimalisten-Duo erzeugt eine leicht schwindelerregende Tiefenwirkung, als würde man – auch die Liner Notes legen das nah – alte Science-Fiction-Literatur in einem langsam rotierenden Planetarium lesen. Ein weiteres Highlight folgt mit Santa Maria Death Trip und ihrer Interpretation von “Reverberation”. Tremolierende Gitarren, ein insgesamt vibrierender Sound und Emmanuelle Dayons starke Stimme machen aus dem Klassiker vom 1966er Elevators-Debüt ein rauschhaftes Psych-Stück voller nächtlicher Energie. Zwar geht dabei etwas von der subtilen Nervosität des Originals verloren, doch dafür entsteht ein hypnotischer, beinahe euphorischer Sog, in dem irgendwo auch Klapperschlangen mitrasseln.

Das lose Hamburger Kollektiv Dreaming Strange Pedal Steel Orchestra verwandelt “Be and Bring Me Home” anschließend fast vollständig. Nach einem kurzen Auftakt mit weiblichem Gesang (wohl solo, gleichwohl es an Mehrstimmigkeit erinnert) übernimmt die Pedal Steel das Kommando und zieht das Stück in verträumte Americana-Weiten. Aus dem schrammeligen, hypnotischen Original wird eine sehnsüchtige instrumentale Meditation über Sehnsucht und Trost. Mit Jeff Gallagher a.k.a. Jeff, Unfortunately und Kryssi B. wird es deutlich folkiger. “For You” erscheint hier als verschlafene, verstaubte Ballade mit Akustikgitarre und Mundharmonika. Alles klingt gedämpft, als läge eine Filzdecke über den Mikrofonen, und gerade diese Müdigkeit verleiht dem kindlich-direkten Liebesbekenntnis des Originals jedoch eine eigentümliche Zerbrechlichkeit.

Besonders faszinierend gerät Clay Cameros Version von “She Lives (In a Time of Her Own)”. Field Recordings von Schritten und aufgewühlten Vögeln eröffnen das Stück, ehe sich helle Droneflächen darunter schieben. Darüber liegen wehmütige Pianoparts und somnambule Vocals an der Grenze zum Flüstern. Ericksons Text über eine Frau, die gleichsam außerhalb der linearen Zeit existiert und Liebe als eine spirituelle Kraft verkörpert, erhält dadurch etwas geisterhaft Intimes. Später brechen plötzlich kratzigere Psychrock-Elemente und ein tänzelnder Beat herein, als würde die ganze Szenerie unbewusst in eine nächtliche Clublandschaft kippen. Die Griechin Ren Water, hauptberuflich Frontfrau bei Echo Train, liefert mit “Burn the Flames” schließlich einen hochdramatischen Beitrag. Ihre eindringliche Stimme wechselt zwischen leidenschaftlichem Gesang, Sprechpassagen und dem dämonischem Lachen, das auch durch das Original spukt, begleitet von psychedelischer Orgel, griffigen Gitarren und Klängen, die wie Theremin oder singende Säge wirken. Der Song, dessen Original in The Return of the Living Dead zu hören war, entfaltet hier erneut seine vampirische Bildwelt aus Dunkelheit und nie verlöschenden Flammen.

Mit Sarg Usuk und Dispens erreicht die Sammlung ihren vielleicht hypnotischsten Moment. Ihre fast achtminütige Version von “Slip Inside This House” baut sich langsam aus verrauschten Klanglandschaften, Fingerpicking-Motiven und orientalisch anmutenden Arabesken auf. Das Original wird nur noch geisterhaft angedeutet; man meint seine melodischen Konturen eher zu erinnern als tatsächlich zu hören. Die geflüsterten Lyrics im letzten Drittel wirken wie Botschaften aus einer postapokalyptischen Traumwelt. Den Abschluss bildet Karen Zanes mit “Unforced Peace”. Orgelartige Synthies, rasselnde Percussion und ein entrückter Gesang verschmelzen beinahe vollständig miteinander. Nach all den Nachtstücken, Geistererscheinungen und psychedelischen Umwegen wirkt dieses Finale wie ein leiser, hoffnungsvoller Ausblick – ein ruhiger Nachhall inmitten des so kurzweiligen wie abgründigen Roky-Universums.

Im Vergleich zu “I Think Of Demons” wirkt “Alien I Creator” insgesamt etwas geschlossener. Der erste Teil, auf dem einige unserem Leserinnen und Lesern vertraute Gestalten wie Allysen Callery, Violet Nox, Walker Phillips und Caira Paravel, Giant Crow und nicht zuletzt Trappist Afterland vertreten waren, setzte stärker auf stilistische Sprünge zwischen Acid Folk, Synth-Wave, Doom, Garagenrock und elektronischer Psychedelia, während Vol. II die nokturnale Traumlogik und das Somnambule deutlicher zusammenführt. Elektronische Elemente bleiben zwar wichtig, treten diesmal aber subtiler in Erscheinung, stattdessen dominieren verrauschte Nachtstimmungen, tremolierende Gitarren, geisterhafte Stimmen und eine eigentümliche Form von sehnsüchtiger Introspektion.

Gerade dadurch gelingt Gruselthon erneut weit mehr als eine bloße Tribute-Compilation: Diese Anthologie zeigt, wie lebendig, wandelbar und inspirierend Roky Ericksons Werk geblieben ist – und wie viele verborgene Türen in diesen Songs auch heute noch darauf warten, geöffnet zu werden. Und übrigens besticht die Veröffentlichung auch diesmal wieder durch tolles Bonusmaterial – neben einem Sticker, einem stylischen Pop Art-Poster zwischen Pharaonenkult und extraterrestrischem Fiebertraum ist auch ein Bastelspaß für die ganze Familie dabei. (U.S.)

Label: Gruselthon

Mit seinem lange überfälligen ersten Longplayer “To Go”, gerade erschienen beim bereits genannten Qualitätslabel, legt Donkmeister ein monumentales Werk vor, das, auch was die enigmatischen Referenzen der Tracktitel angeht, seine unverkennbare Handschrift trägt. Zwischen den Türmen analoger Synthies und historischen Klangerzeugern entstand ein Album, das nicht nur von technischer Opulenz, sondern auch von kreativer Kühnheit geprägt ist. Die sechs Stücke führen durch barock anmutende und gleichsam futuristische Parallelwelten, durch Spiegelkabinette voll hypnotischer Klangschleifen und dekonstruktive Soundlabore.

Der Opener „Isolationsfehler“, der die Atmosphäre der mittleren 80er atmet, beginnt mit einem einfachen Takt, zu dem sich rumorende Synthies gesellen. Die zunächst semi-minimalistische Bewegung wächst zu einem eleganten Tanz, der sich auf einem imaginären Laufsteg durch eine dunkle Halle bewegt. Raue, brattelnde Synth-Riffs schrecken für Momente aus der hypnotischen Verzückung, bevor sich die zombiehaft tänzelnde Dynamik fortsetzt. Mit „Samadhi Tank Rafting“ betritt Donkmeister episches Terrain. Das über zwanzigminütige Stück dreht sich um ein rasendes Cembalo-Motiv, dessen tranceinduzierender Wirkung man sich kaum zu entziehen vermag. Obwohl der Titel meditative Stille suggeriert, entfaltet der Track eine fiebrige Intensität, die immer wieder durch schillernde, obertönige Klangillusionen gekrönt wird. Fremdartige Sounds, entrückte Synthie-Melodien aus der Asservatenkammer klassischer Horrorfilme und mysteriöse, fast geisterhaft versteckte Vocals (ein aus fernen Dimensionen herbeigewehter Frauenchor, ein krächzender, grummeliger Geselle?) sorgen für eine surreale Cinematik, die sich perfekt als Score für einen Sci-Fi-Film mit subtilen Gothic-Anklängen eignen würde. Irgendwann scheint sich wie Rauchwolken eine gewisse Zerfleddertheit über die Musik zu legen, die davon immer mehr geschluckt wird, während sarkastische Fanfaren das ganze begleiten.

„Doubtmills“ spielt mit verspielt-trunkener Leichtigkeit. Es klappert, fiept und brummt wie in einem nostalgischen Computerspiel-Soundtrack, bevor barock anmutende Hochtöner gegen Ende die Szenerie immer mehr beherrschen – ein faszinierender Kontrast zur hymnischen Kürze von „Fanfare For The Corona Mn“, das sich mit entrücktem Synth-Pathos aufbaut, nur um in seiner Mitte bereits leise zu verblassen: Hier bekommt der Antiklimax seine ganz eigene Hymne. Das darauf folgende großartige Vanitasstück, dessen Titel so lange wie das Vaterunser ist, fasziniert durch sein düsteres Brummen, das von einer fast jauchzenden Orgel durchbrochen wird. Die psychedelischen Effekte, die versteckten rhythmischen Ansätze und hohen Synthie-Fanfaren, die sich irgendwann zu tremolierenden Ornamenten steigern, schaffen eine ständige Spannung zwischen Aufbruch und Zurückhaltung. Immer wieder scheint es, als würde das Stück lospreschen, doch die Orgel hält es in der Struktur einer Ouvertüre gefangen.

Das Finale „Hopelucination“, dessen Titel eine mehrkwürdig zirkuläre Brücke zum Opener schlägt und die versteckte Melancholie des Albums für den Augenblick eines Augenblicks deutlich aufblitzen lässt, führt in ruhigere Gefilde, zumindest auf den ersten Eindruck. Verrauscht und verträumt entfaltet es sich subtil, zieht bei genauerem Hinhören aber noch einmal alle Register, lässt Fanfaren trällern, hohe Synthie-Ornamente erzittern und Orgelsounds brummen. So fährt das Stück, das immer wieder für Momente an das Titelthema eines ungekannten Thrillers erinnert, noch einmal hoch, bevor es dann endgültig zerfällt, flankiert von einem stilvollen Huster.

Dass “To Go” formell gesehen ein Debüt ist, glaubt man kaum, denn seine zum Teil monumentale Opulenz, hinter der man eine feinsinnige Ironie vermuten darf, und mehr noch sein Ideenreichtum lassen schon auf den ersten Eindruck auf den Erfahrungsschatz eines vermutlich schon immer kompromisslos Verspielten schließen, der schlicht wenig Drang verspürt, die Aufmerksamkeit eines größeren Publikums zu suchen und selbst zu diesem ersten Soloalbum wahrscheinlich noch genötigt werden musste. Dass dieses dem Titel entsprechend auch en passant goutiert werden kann, ist dank seiner Eingängigkeit durchaus richtig, doch verpasst man dabei manch tiefere Ebene, die sich einem erst vollends erschließt, wenn man die vielen falschen Fährten, die Stockungen, Richtungswechsel und ungeahten Brücke angemessen wahrnimmt, die im markanten Pathos von “To Go” versteckt sind. Und genau deshalb empfehle ich die CD Gelegenheitshörern und deep Listeners zugleich als Score für die anstehende kalte Zeit. (U.S.)

Label: Gruselthon

Erickson zählte mit besagter Combo zu den maßgeblichen Begründern dessen, was als Psychedelic Rock in die Annalen der Musikgeschichte eingehen sollte. Viele der auf den drei regulären Alben, v.a. aber auf dem bahnbrechenden Debüt “The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators” vertretenen Songs muten für ein paar Sekunden wie angenehm hörbare, mit viel Rhythm & Blues-eingefärbte Beatmusik an, bis die kleinen Störfaktoren, für die der eine oder andere schon das passende Ohr haben mag, die bei vielen aber noch für einige Momente der Verdrängung anheimfallen, immer deutlicher werden und bald unüberhörbar an die Oberfläche dringen. Garagige Omen eines schnoddrigen Protopunk, zerfletterte Kompositionsstrukturen, trippiges Tremolo allenthalben, schwindelerregende dionysische Dröhnung, die u.a. dem basswummernden Einsatz eines elektrifizierten Jug zu verdanken war, und vor allem die Signatur eines Getriebenen in den intensiven, wandlungsvollen Vocals des Frontmannes erhoben die 13th Floor Elevators von Beginn an über die Doors und Jefferson Airplanes dieser Welt und machten ihren Konsum für viele zu einer reizvoll riskanten Angelegenheit.

Auch wenn neunmalkluge Berufsdenker den Autor an sich seit Jahrzehnten bereits für tot zu erklären versuchen, kann man die Abgründigkeit der musikalischen Trips dieser Band nicht ohne die Persönlichkeit ihres Sängers und Chefideologen betrachten. Erickson war wahrscheinlich das, was man heute eine hochsensible Persönlichkeit nennen würde, und sein schonungsloser Umgang mit den Potenzialen seines Geistes und recht bald auch mit Substanzen aller Art brachten ihn über kurz oder lang an die Grenze zur Psychose und zeitweise wohl ein paar Schritte darüber hinaus. So verbrachte er dann auch immer wieder gewisse Zeiten in Kliniken und Besserungsanstalten und vor allem auch für Jahre in relativer Zurückgezogenheit, in der nur seine fürsorgliche Mutter und einige wenige Freunde persönlichen Zugang zu ihm hatten.

Für seine Musik hatten diese Persönlichkeitszüge gute und schlechte Auswirkungen, die zu beurteilen auch immer von den Geschmacksfragen des jeweiligen Publikums abhängen. Oft kam es mit seinen Kollegen zu getrennten Wegen und gerade in Zeiten nach den Elevators gab es zahlreiche stilistische Brüche. In weniger erschöpften Zuständen hätte es vielleicht noch mehr Musik gegeben, doch die Abgründigkeit und fantasievolle Natur seiner Musik profitierten in jedem Fall von den Richtungen, die sein Leben nahm (während ein anderer Bandkollege musikalisch verstummte und später Karriere bei Scientology machte, doch das ist freilich eine andere Story). Die unberechenbaren Stimmen und Nachtgesichte in seinem Kopf flossen in reichhaltigen Bildern in die Texte gerade seines Solowerks, dabei bediente er sich eines Arsenals an Figuren, die er Filmen und Büchern entlehnte: Vampire, Dämonen, Geister, Teufel, Aliens, hybride Kreaturen und Mutanten, und dann der immer wieder gefühlt im Minutentakt zwischen Himmel und Hölle hin und her springende Hop Scotch des vielleicht mysteriösesten aller Bewusstseinszustände, nämlich der Liebe, die oft fälschlicherweise als Gefühl bezeichnet wird.

Mit dem Tribute “I Think of Demons”, das den hoffnungsfroh stimmenden Zusatz “Vol. 1″ trägt, setzt Gruselton dem Genie dieses Musikers ein kreatives Denkmal, welches darüber hinaus auch einige der wichtigsten musikalischen Acts aus dem Umfeld des Labels zusammenbringt – plus einige Künstler, deren Werk Landmann bisher aus der Ferne bewunderte. Das Resultat ist beachtlich, und eine der Qualitäten, die gleich in den ersten Minuten des ersten Hördurchgangs auffallen, ist die Bandbreite hinsichtlich der Entscheidungen, wie nah bzw. fern sich die beteiligten Acts an dem Originalmaterial bewegen wollten. Die folgende, gezielt auf Abwechslung setzende Anordnung der einzelnen Beiträge leistet diesem Eindruck freilich Vorschub.

Das mir bislang unbekannte Projekt BAR eröffnet die Sammlung gleich mit einem Gassenhauer, nämlich dem Titeltrack des Mitte der 80er erschienenen Soloalbums “Clear Night for Love”, und schaltet bei dem sehr eingängigen beschwingten Stück mit seinen vulnerablen Untertönen ein oder zwei Gänge herunter – der Song könnte in der Version wunderbar den Abspann eines Films untermalen. Eher auf Transformation setzen die vielen unserer Leser wohl bekannten Bostoner Violet Nox: Wie interessanterweise die meisten Beteiligten wählten die futuristischen Psych-Elektroniker mit “Stand for the Fire Demon” einen Song des ebenfalls aus den 80ern stammenden Roky Erickson and the Aliens-Albums “The Evil One”, dessen von Ericksons gepresster Stimme und einem zünftigen Hardrocksound geprägten Stil sie in eine ergreifend sehnsuchtsvolle Synthienummer verwandeln, die wie aus einem verhallten,  nebelverhangenen Club herübergeweht scheint und dabei das Nokturnale unangetastet lässt. Würde man das Original nicht kennen, könnte man den Song glatt für einen ihrer eigenen halten, und sollte jemals jemand die Zeitmaschine erfinden, so sollte man die Version wie sie ist in die besten Clubs der 80er verpflanzen, sie wäre ein Höhepunkt in jeder dunklen Tanzveranstaltung.

Während sich Los Buerlecitiños wieder recht nah am Original bewegen, und einem der bekanntesten Klassiker der Elevators, dem ratternden, wusseligen und von Verzweiflung getriebenen Abgesang auf eine unbalancierte Liebe “You’re gonna miss me” ein Denkmal setzen, überführt Allysen Callery das in seinem akustischen Strumming und der endlos anmutenden Repetition des Titels beschwöhrend anmutende 86er Solostück “I am” in das Dämmerlicht eines spukhaften Neuengland, wo der Teufel sich zwischen dem sanften Finger Style und dem traumwandlerischen Gesang gerade so gut zu verstecken weiß wie er will. Birds That Change Colour nehmen sich mit “Don’t Fall Down” einen Elevatorsklassiker vor und heben dessen exzentrische Details noch deutlicher hervor, Fenton Weills dagegen spielen das unglaublich aufwühlende “Roller Coaster” vom Debüt etwas dumpfer, kauziger und zugleich introvertierter, besonders stark wirkt hier der Kontrast zwischen federleichten Takten und kernigem Saitenspiel. Die Nürnberger Garage Psych-Rocker Shiney Gnomes wissen besonders die Melancholie aus dem 69er “May the Circle Remain Unbroken” mit seinem sensiblen Gesang vor zerfleddderter Klangkulisse herauszukitzeln.

Weiter geht’s mit zwei weiteren Stücken vom “The Evil One”-Album. Mit berührenden Streichern, ätzenden Saiten, einem aufgeweckt klingelnden Banjo und vor allem dem feierlichen Pathos eines stark in den Vordergrund gemischten Gesangs demonstrieren die Hamburger Newcomer Giant Crow, wie viel Drama in dem Song “If you have Ghosts” mit seinen im Original kraftvollen Rockriffs steckt, einem eindringlichen Stück über den Reichtum der Besessenheit – kein schlechtes Thema für all jene, die sich wie der Verfasser dieser Zeilen für eine hanseatische Antwort auf den sogenannten Denver Sound begeistern können. Die Cosmic Kangaroos, bei denen ein Frosch, eine bewaffnete Gangsterbraut und einer der Marx Brothers am Werk sind, haben sich “Creature with the Atom Brain” vorgenommen, im Original ein Paradebeispiel für den abgründigen nächtlichen Bikerrock des Erickson der 80er. Ohne sich allzu stark von diesem zu entfernen, schlagen die Kängurus in ihrer Interpretation die Brücke zum klassischen Elevators-Feeling, in dem sie den Song besonders psychedelisch kratzen, piepen, orgeln, jaulen und klingeln lassen.

Im finalen Drittel der Sammlung dominieren – abgesehen von Aeon Crypt mit ihrer staubig schleppenden und dennoch die klanglichen Kontraste stark konturierenden Doom-Stoner-Hardrock-Version von “Two Headed Dog”– die filigraneren Töne und lassen wahrscheinlich viele Leser unseres Magazins besonders auf ihre Kosten kommen. Da wäre zum einen die originelle Interpretation des (ebenfalls wieder vom besagten 80er Album stammenden) “Night of the Vampire” von keinen Geringeren als Walker Philips und Caira Paraval, die privat ein Paar sind und neben ihren Soloarbeiten noch zusammen in der Band Tabernacle spielen. Im Gegensatz zu ihrem ansonsten eher akustisch dominierten Acid Folk gehen die beiden hier mit nostalgischen Synthies zu Werke. Griffige kreisende Klangflächen, unterschwellige Dröhnung, Eispickelbeats, männlich-weiblicher Gesang und markerschütternde Schreie, die direkt aus einem Film von Mario Bava gefallen sein könnten, machen hier aus der energischen Rocknummer ein ganz anderes Stück. Ein weiteres besonderes Highlight ist Kristine Jungs originelle Interpretation des kraftvollen Nachtstücks “Cold Night For Alligators”, dem sie mit fragilem Gesang, Kinderstimmen, einer versteckten instrumentellen Opulenz und v.a. einer leisen, unprätentiösen Beiläufigkeit gerade eine besondere Intensität verleiht.

Den Abspann bestreitet dann Adam Geoffrey Cole alias Trappist Afterland, dessen neues Album bald in den Startlöchern stehen wird. Und da sich für ein gutes Finale kaum etwas besser eignet als ein Song, der mit wenigen Mitteln ganz großes sagt, hat er “Mighty is our Love” vom den 87er “Holiday Inn”-Tapes. Dem fisselig-improvisiert wirkenden Strumming aus locker gespannten Saiten und dem berührenden Text stellt er zusätzlich auch durch seinen sensibel tremolierenden Stimmeinsatz eine versöhnende Note zur Seite, die niemanden kalt lassen sollte. Mein Fazit ist kurz und besagt, dass diese gelungene Anthologie – mit Vorfreude auf Teil 2 – ein wunderbarer Anlass ist, den Ericksonkosmos kennen zu lernen und obendrein mehr als zwei Handvoll Acts, deren Oeuvres einen mehr als soliden Kern einer “neopsychedelischen” Plattensammlung bilden können. (U.S.)

Label: Gruselthon

Als vor rund zehn Jahren die Sängerin Kristina Jung wie aus dem Nichts mit einem beeindruckenden Debüt auftauchte, war ich v.a. von der Subtilität angezogen, hinter der man, wie ich damals schrieb, “die Tiefe und die zum Teil abgründige Schwermut der fünf Tracks glatt überhören könnte”. Etwas Heimelig-Unheimliches umgab die Songs, in deren verhuschten Folk-Anklängen eine versteckte Dramatik durchschimmerte, die gerade deshalb so wirkungsvoll war, weil sie nicht mit dem Zaunpfahl winken musste. Seit diesen Tagen hat die nach verschiedenen Stationen heute in Freiburg im Breisgau lebende Sängerin und Musikerin eine große Wegstrecke zurückgelegt, neben ihrer Arbeit (u.a. im akademischen Bereich) und dem ebenfalls sehr arbeits- und planungsintensiven Familienleben ist die Musik nur ein Bereich, dem sie immer wieder mit einer beachtlichen Intensität nachgeangen ist. Dass sie, wie sie im folgenden Interview sagen wird, nur maximalistisch kann, ist in jeder Sekunde auf ihrem vor knapp zwei Jahren erschienenen Album “Care & Explosion” zu hören, einem vielgestaltigen Werk voll emotionaler Grenzgänge und doch bar jeder Sentimentalität, in dem man wie in einer abgedunkelten Wunderkammer oder in den abseitigeren Sammlungen eines Naturkundemuseums auf Entdeckungsreise gehen kann und geradezu hofft, sich zu verlieren. Das sie eine solche Atmosphäre ohne plakative Kontraste mit einer einnehmenden Schönheit zu verbinden weiß, ist eines der vielen Themen, um die es in unserem Interview geht.

English Version

Dein erster Longplayer “Care & Explosion” erschien vor etwas über einem Jahr und wurde – nicht nur bei uns – mit einiger Begeisterung aufgenommen. Wie stehst du heute zu der Platte? Hat sich dein Blick auf die Musik nach einiger Zeit etwas verändert?

Ich höre das Album recht selten. Eigentlich nur, wenn mein Mann es Gästen zeigt. Und dann freue ich mich einfach, dass ich das gemacht und geschafft habe, so ein lebendiges Album, mit all seinen Stärken und Schwächen zu schreiben und aufzunehmen.

Könntest du dir vorstellen, dass du die Platte irgendwann mal wie das Werk einer anderen Person hören könntest, schlicht weil sich mit der Zeit so viel verändert hat? Ich komme darauf, weil es mir selbst manchmal mit meinen älteren Texten so geht…

Schwer zu sagen, aber an der Platte hängen so viele Erinnerungen, Freud und Leid, kleine Siege und harte Kämpfe, da muss noch eine Menge Wasser den Bach runter, bis ich einen solchen Abstand habe.

Du hast, soweit ich weiß, eine klassische Gesangsausbildung absolviert. Wie würdest du deine Entwicklung als Sängerin beschreiben? Gab es besondere Ideen, Paradigmen und vielleicht auch Aktivitäten, bevor deine heutige Karriere als Sängerin und Songwriterin geboren wurde?

Ich hatte als Schülerin und zu Beginn meines Studiums tatsächlich viel klassischen Gesangsunterricht, aber ich habe, und das ist ein entscheidender Unterschied, nicht Gesang studiert. Opernsängerin war jedoch, als ich jünger war, ganz klar, mein Traumberuf. Doch je mehr Einblicke ich in die Opernwelt bekommen habe, desto bewusster wurde mir auch, dass ich mich immer wie ein Fremdkörper fühlen würde. Das hat sich zunächst angefühlt wie ein Scheitern, aber heute bin ich froh.

Wie kam es zu deiner Entscheidung, als Kristina Jung Musik aufzunehmen und aufzuführen?

Das war weniger eine Entscheidung als ein organischer Prozess. Jung ist der Mädchenname meiner Großmutter, unter dem Namen habe ich meine ersten Konzerte gespielt und dann blieb er einfach. Und von den ersten eigenen Liedern und Konzerten bis hin zu den ersten Aufnahmen war es dann nur ein kleiner Schritt. Letztlich hat mein Gitarrenlehrer in den USA irgendwann während der Stunde gesagt „that sounds lovely, let me grab a mic“ und dann ging’s los.

Es hieß mal, du hast dir das Studiohandwerk quasi autodidaktisch beigebracht. Stimmt das, und wenn ja, war das ein spielerischer Akt und wo lagen die größten Herausforderungen?

Ja, auch das war das Ergebnis eines Scheiterns. Ich habe 2016 meine Dissertation abgebrochen und hing dann erstmal ziemlich in der Luft. Also habe ich mir Software, ein Handbuch und günstige Mikrophone besorgt und losgelegt. Das war auf jeden Fall naiv und spielerisch und das habe ich nach all den Jahren akademischen Ernstes und Leistungsdruck auch gebraucht. Ich liebe es, aufzunehmen. Nirgendwo sonst im Leben habe ich mehr Gestaltungsfreiheit. Ich habe eigentlich nur schöne Studioerfahrungen gemacht, aber trotzdem wollte ich nicht immer auf irgendwelche Männer warten, die dann eine Vision von meiner Musik entwickeln. Ich wollte die Vision selbst umsetzen können.

Gibt es eine besondere Art, wie du gemeinhin an neue Herausforderungen herangehst?

Voller Angstlust.

Zwischen deinr Debüt-EP “Into the Light that I have Known” und der Veröffentlichung des ersten Albums lagen mehrere Jahre, in denen du außerdem eine Familie gegründet und, wenn ich da richtig informiert bin, im akademischen Bereich gearbeitet hast. Hast du dir auch wegen der anderen Prioritäten mit der Musik Zeit gelassen, oder bist du auch einfach sehr gründlich und lässt den Ideen ihre Zeit, um heranzureifen?

Also, ich habe während der Arbeit am Album zwei Kinder bekommen, dreimal den Wohnort gewechselt und dreimal den Beruf, ein Weiterbildung gemacht, wissenschaftlich veröffentlicht, ein Haus gebaut und, wie wir alle, eine Pandemie überstanden. Da ist einfach eine Menge Leben dazwischen. Aber ich habe eben auch gelernt, wie man ein Album macht, während ich es gemacht habe. Da brauchte es schon viel Zeit für Fehler. Außerdem habe ich Gitarre und Gesang gleichzeitig aufgenommen und ohne Click. Wenn ich es also am Ende eines tollen Takes vergurkt habe, dann konnte ich nicht einfach schneiden, sondern musste von vorne anfangen.

In einigen deiner Songs steht der Körper in seiner Ausgesetztheit, Bedrohtheit und manchmal auch Versehrtheit, mit anderen Worten als unsicherer Ort einer immer überschreitbaren Grenze, im Zentrum. Wie kam das Thema zu dir? Möchtest du mit dieser Motivwahl auch ein Zeichen gegen die immer noch starke Tendenz idealisierter Körperbilder in populärer Ästhetik setzen?

Ich glaube, das Thema war schon immer da. Das Leben ist so kostbar und wir sind so stark und so fragil zugleich, wie könnte ich da nicht drüber nachdenken? Ich glaube aber auch, dass ich keine Frau kenne, die sich ihrer Verwundbarkeit nicht voll bewusst wäre. Wir haben im Patriarchat nicht das Privileg, uns unbesiegbar zu fühlen.

Abgründiges kommt in deinen Songs oft zusammen mit einer halbverdunkelten Lieblichkeit vor. Was macht für dich den Reiz einer solchen Atmosphäre aus und gibt es da eventuell Vorbilder in anderen Medien?

Ich glaube, mich interessiert das Spannungsfeld von Schönheit und Vergänglichkeit. Vorbilder gibt es da überall, David Lynch fällt mir sofort ein, Francis Bacon, Nan Goldin, Gregory Crewdson, Hieronymus Bosch, Christian Petzold, Sofia Coppola, Marcel Proust, Robert Musil. Ich sage manchmal in meinen Konzerten, dass es mein Ziel ist, alle heulend nach Hause zu schicken. Das ist natürlich ein Witz, aber andererseits glaube ich schon, dass etwas Kathartisches in einer Trauer steckt, die ein Kunstwerk in uns ausgelöst hat.

Deine Musik ist voller Details, die man als versteckte Stör- oder zumindest heterogene Elemente begreifen könnte, und die den Songs einen besonderen Reiz geben (Beispiele wären das spukhafte Flüstern und andere Sounds in “Infant Thoughts”, eine hypnotische Spannung, die den von Schmerzlust erzählenden Text in “Domestic Bliss” begleitet, die Samples im Kontrast zur verwunschenen Melodie in “Ada”, aber oft auch die in einer subtilen Schwebe gehaltene Stimmung in vielen der Songs). Suchst du bewusst nach solchen Dingen, oder ergeben sie sich eher automatisch?

Also, wenn mir ein Lied oder eine Aufnahme zu nett geraten sind, verspüre ich schon ganz klar den Drang, dem etwas entgegen zu setzen. Mir ist Komplexität lieber als Kohärenz und da ist eben die Produktion eines Stückes der ganz entscheidende Hebel, da kann man dann eben nochmal etwas in den Hintergrund basteln, das dem Stück etwas Unheilvolles verleiht.

Als ein mit schwarzer Romantik aufgewachsener Nachtschwärmer habe ich mich vor allem in den Song “The North Water” verguckt, es ist eines meiner Favoriten auf dem Album. Was ist das für eine Geschichte, die du da erzählst?

Ja, North Water ist definitiv auch einer meiner Lieblinge. Das ist das erste Stück, das ich für das Album aufgenommen habe. Das Groninger Museum, ein Kunstmuseum in Groningen, hat mich gebeten, für eines ihrer Exponate ein Stück zu schreiben, das die Besucher*innen dann im Audioguide hören können. Sie haben mir eine Datenbank aus Exponaten geschickt und ich habe mich für einen alten, niederländischen Schinken entschieden, Segelschiffe im Sturm, der Himmel reißt auf, die Sonne kommt durch, sowas. Es geht ums Abschiednehmen und ums Zurückbleiben, um Wut und Trauer und um den Schmutz und Charme einer Hafenstadt.

Zu deiner Musik wurde u.a. gesagt, dass sie Folkeinflüsse ohne romantisches Idyll umsetzt. Ich würde das auch sagen, aber in meiner Wahrnehmung gab es auch in der Vergangenheit immer desillusionierende Brüche in derartiger Musik, und Folktraditionen entwickelten sich ja selten ohne andere musikalische Einflüsse. Gibt es Musik mit derartiger Ambiguität, die deine Hörgewohnheiten und deine eigene Kreativität besonders geprägt hat?

Ja, na klar, das habe ich nicht erfunden, das gibt’s immer schon und überall. Bei Schubert und Schuman, Chopin, Mahler, da findet man diese Diskrepanz zwischen schöner Oberfläche und Abgrund ja auch. Während ich das Album aufgenommen habe, habe ich eine Menge Sorten Musik gehört. Viel Alt-J, Beyoncé, Ghostpoet, Madrugada, Massive Attack, Radiohead, Sevdaliza, und Marika Hackman. Alles sehr unterschiedlich Musiken mit der Gemeinsamkeit, dass sie schöne Melodien haben. Das ist mir wichtig.

Das Album wurde zum Teil während deiner Schwangerschaft geschrieben. Würdest du sagen, dass es – auf wie auch immer verquere Weise – ein mütterliches Album geworden ist?

Geschrieben war es eigentlich schon davor, aber aufgenommen habe ich es unter anderem auch während der Schwangerschaften oder mit Baby auf dem Rücken. Aber da ich mich vor den Kindern bereits ganz ausführlich mit Mutterschaft auseinandergesetzt habe und das auch in den Liedern thematisiere, ist es auf eine Art, wie du sagst, „verquer mütterlich“.

Ich hatte “Care & Explosion” in meiner Besprechung als “großes” Album bezeichnet und wollte damit – neben der musikalischen Qualität – auf die Fülle an Ideen, Themen und musikalischen Motiven hinweisen, vielleicht auch auf die große Bereitschaft zu einem so umfassenden Ausdruck. Würdest du bei einem kommenden Album wieder etwas reduktiver zu Werke gehen oder wäre das zu sehr geplant?

Ich befürchte, ich kann nur maximalistisch. Sonst würde es schneller gehen.

Sind dir die Stücke auf „Into the Light that I have Known“ immer noch nah, oder ist es für dich eher eine Platte aus der Vergangenheit? Wir finden, es hat großartige Momente…

Danke! Ich höre wie gesagt nie rein, in beide Veröffentlichungen nicht. Mir geht’s ums Machen, was danach kommt, ist mir nicht so wichtig.

Worin unterscheiden sich die beiden Releases deiner Meinung nach besonders, auch hinsichtlich der Entstehungsprozesse?

Bei „Into the light that I have known” wollte ich alles richtig machen. Bei „Care and Explosion“ nicht.

Wie wir gehört haben, nimmst du bald an einer Tribute-Compilation zum Werk Roky Ericksons und der 13th Floor Elevators teil. Was für einen Song hast du ausgewählt und was können wir da erwarten?

Ich habe mich für „Cold Night for Alligators“ entschieden. Mein Mann hat mal eine Compilation für Autofahrten gemacht, die so hieß, und auf der der Song auch drauf ist. Daher liegt er mir am Herzen. Außerdem lässt er sich gut singen und „Night of the Vampire“ war schon vergeben. Ich habe das Lied sehr verlangsamt und versucht, eher eine Hommage an Rokys besondere innere Verfassung zu machen als ein Cover. Das Stück ist also voller Perspektivwechsel und Brüche, ich habe eher filmisch gedacht als musikalisch. Aber am Ende ist es natürlich Musik.

Gibt es weitere Pläne, mit denen du in den Startlöchern stehst? Natürlich sind wir gespannt, wann es wieder Zeit für ein neues Album ist?

Das wäre schön. Aber de facto ist es in Deutschland praktisch unmöglich, Eltern zu sein, zu arbeiten und gleichzeitig noch künstlerische Ambitionen zu hegen, ich zumindest kenne kaum Eltern kleiner Kinder, die das unter einen Hut kriegen. Die Öffnungszeiten unserer Kita decken nicht mal unsere Arbeitszeiten ab, also ist schon der Arbeitsalltag eine absurde Jonglage zwischen Kita, uns als Paar und den Großeltern. Das Roky Erickson Cover konnte ich nur machen, weil ich so viele Überstunden angesammelt hatte, dass ich mehrere Wochen freinehmen konnte. Dieses Interview kann ich nur beantworten, weil ich krank daheim liege. Und mir fehlt etwas ganz Entscheidendes im Leben, und das ist Langeweile und Alleinsein. Das heißt nicht, dass ich aufgebe. Aber schon das letzte Album war ein unglaublicher Kraftakt für alle Beteiligten, meinen Mann, meine Eltern, meine beste Freundin und nicht zuletzt unsere Tochter, die eben viel auf mich und uns verzichten musste. Und auch ich musste im Anschluss erstmal sehr lange Pause machen.

Ich schätze, es ist überflüssig zu betonen, dass das Problem vor allem die Mütter betrifft. Während die meisten Väter auch nach Geburt der Kinder Hobbys behalten, beginnen die Mütter ihre Freizeit um die Familie herum zu organisieren. Freizeit ist dann, einen Osterstrauch zu basteln, Kleidung für die Kinder zu nähen, all sowas. Ich mache das so gut es geht nicht, zu dem Preis, dass es halt keine Osterdeko gibt und die Kinder nicht daheim Eier bemalen. Aber der Gewinn ist eben, dass ich einem recht ambitionierten Beruf nachgehen kann und es gelegentlich auch noch ans Klavier schaffe. Die Lösung ist politisch und sozial: Ohne mehr und bessere Betreuungsplätze und ohne eine gesellschaftliche Neubewertung von Mutterschaft und Vaterschaft werden wir immer an den Punkt kommen, an dem Frauen ab dem ersten Kind zunehmend unsichtbar werden in allem, außer eben der Tatsache, dass sie Mutter sind.

Interview: U.S. und A. Kaudaht

Fotos © Frank Bale

Kristina Jung @ Bandcamp | Soundcloud | Facebook

When singer Kristina Jung appeared out of nowhere with an impressive debut around ten years ago, I was particularly attracted by the subtlety behind which, as I wrote at the time, “you could easily ignore the depth and sometimes profound melancholy of the five tracks”. There was something homely and at the same time eerie about the songs, in whose faint folk echoes a hidden drama shone through, which was so effective precisely because it didn’t have to wave with the fence post. Since those days, the singer and musician, who now lives in Freiburg im Breisgau, has come a long way. In addition to her (partly academic) work and her family life, which also keeps her more than busy all the time, music is just one area that she pursues with considerable intensity. The fact that, as she will say in the following interview, she can only be maximalist, can be heard in every second of her album “Care & Explosion”, which was released almost two years ago. It’s a diverse work full of emotional intensity and yet devoid of any sentimentality, in which one can go on a journey of discovery in a darkened cabinet of curiosities or in the weirder collections of a natural history museum and almost hope to lose oneself. The fact that she knows how to combine such an atmosphere with an engaging beauty without striking contrasts is one of the many topics that our interview is about.

German Version

Your first long player “Care & Explosion” was released a little over a year ago and was received with quite some enthusiasm – not just by us. How do you feel about the record today? Has your view of it’s music changed a bit after some time?

I rarely listen to the album. Actually only when my husband shows it to guests. And then I’m just happy that I did that and managed to write and record such a lively album, with all its strengths and weaknesses.

Could you imagine that at some point you could hear the record as if it was someone else’s work, simply because so much has changed over time? I come to this because I sometimes feel that way myself with my older texts…

It’s hard to say, but there are so many memories attached to the record, joys and sorrows, small victories and hard battles, there’s still a lot of water that has to go down the drain before I can get that distance.

As far as I know, you took classical singing lessons. How would you describe your development as a singer? Were there any particular ideas, paradigms and perhaps activities before your current career as a singer and songwriter was born?

I actually had a lot of classical singing lessons as a student and at the beginning of my studies, but – and this is a crucial difference – I didn’t study singing. However, when I was younger, being an opera singer was clearly my dream job. But the more insights I got into the opera world, the more I became aware that I would always feel like a foreign body. At first it felt like a failure, but today I’m happy.

How did you decide to record and perform music as Kristina Jung?

This was less of a decision and more of an organic process. Jung is my grandmother’s maiden name, I played my first concerts under that name and then it just stayed. And from the first songs and concerts to the first recordings it was only a small step. Ultimately, at some point during the lesson, my guitar teacher in the USA said “that sounds lovely, let me grab a mic” and then we started.

It was once said that you basically taught yourself the studio work. Is that true, and if so, was it a playful act and what were the biggest challenges?

Yes, that too was the result of failure. I stopped my dissertation in 2016 and was left in limbo for the time being. So I got some software, a manual and cheap microphones and got started. That was definitely naive and playful and that’s what I needed after all these years of academic seriousness and pressure to perform. I love recording. Nowhere else in life do I have more creative freedom. I actually only had nice studio experiences, but I still didn’t want to always wait for men to develop a vision for my music. I wanted to be able to implement the vision myself.

Is there a particular way you generally approach new challenges?

Full of fearlust.

There were several years between your debut EP “Into the Light that I have Known” and the release of your first album, during which you also started a family and, if I understand correctly, worked in academia. Did you take your time with the music because of your other priorities, or are you just very thorough and give the ideas time to mature?

So, while working on the album, I had two children, changed residence three times, changed careers three times, completed further training, published academically, built a house and, like all of us, survived a pandemic. There’s just a lot of life in between. But I also learned how to make an album while I was making it. It took a lot of time for mistakes. I also recorded guitar and vocals at the same time and without clicking. So if I messed it up at the end of a great take, I couldn’t just cut it, I had to start over.

In some of your songs, the focus is on the body in its exposed, threatened and sometimes damaged state, in other words as an unsafe place with a limit that can always be crossed. How did the topic come to you? Would you like to use this choice of motif to make a statement against the still strong tendency towards idealized body images in popular aesthetics?

I think the theme has always been there. Life is so precious and we are so strong and so fragile at the same time, how could I not think about it? But I also think that I don’t know any woman who isn’t fully aware of her vulnerability. We do not have the privilege of feeling invincible in patriarchy.

In your songs, something mysterious often appears together with a half-darkened sweetness. What makes such an atmosphere so appealing to you and are there any role models in other media?

I think I’m interested in the tension between beauty and transience. There are role models everywhere, David Lynch immediately comes to mind, Francis Bacon, Nan Goldin, Gregory Crewdson, Hieronymus Bosch, Christian Petzold, Sofia Coppola, Marcel Proust, Robert Musil. I sometimes say in my concerts that my goal is to send everyone home crying. This is of course a joke, but on the other hand I do believe that there is something cathartic in the sadness that a work of art has triggered in us.

Your music is full of sometimes hidden details that could be understood as disturbing or at least heterogeneous elements, and which give the songs a special charm (examples would be the spooky whispers and other sounds in “Infant Thoughts”, a hypnotic tension that resembles the desire for pain in the lyrics of “Domestic Bliss”, the samples in contrast to the enchanted melody in “Ada”, but often also the subtly suspended mood in many of the songs). Do you consciously look for things like this, or do they come about automatically?

So when a song or a recording seems too nice for me, I definitely feel the urge to do something about it. I prefer complexity to coherence and the production of a piece is the crucial lever; you can then create something in the background that gives the piece something ominous.

As a night owl raised on dark romance, I particularly fell in love with the song “The North Water”, it is one of my favorites on the album. What kind of story are you telling?

Yes, North Water is definitely one of my favorites too. This is the first piece I recorded for the album. The Groninger Museum, an art museum in Groningen, asked me to write a piece for one of their exhibits, which visitors can then hear in the audio guide. They sent me a database of exhibits and I chose an old Dutch painting, sailing ships in a storm, the sky opens up, the sun comes through, something like that. It’s about saying goodbye and staying behind, about anger and sadness and about the dirt and charm of a port city.

One thing that has been said about your music is that it incorporates folk influences without a romantic idyll. I would say that too, but in my opinion there have always been disillusioning breaks in such music in the past, and folk traditions rarely developed without other musical influences. Is there music with such ambiguity that has particularly influenced your listening habits and your own creativity?

Yes, of course, I didn’t invent that, it’s always been around and everywhere. With Schubert and Schuman, Chopin, Mahler, you also find this discrepancy between the beautiful surface and the abyss. While I was recording the album I listened to a lot of different types of music. Lots of Alt-J, Beyoncé, Ghostpoet, Madrugada, Massive Attack, Radiohead, Sevdaliza, and Marika Hackman. All very different music with the commonality that they have beautiful melodies. That’s important to me.

The album was partly written during your pregnancy. Would you say that it was – in whatever twisted way – a maternal album?

It was actually written before that, but I also recorded it while I was pregnant or with a baby on my back. But since I had already dealt with motherhood in great detail before I had children and also discussed it in the songs, it is, as you say, “strangely maternal” in a way.

In my review, I described “Care & Explosion” as a “big” album and wanted to point out – in addition to the musical quality – the plethora of ideas, themes and musical motifs, and perhaps also the great willingness for such a comprehensive expression. Would you go a little more reductive on an upcoming album or would that be too much planned?

I’m afraid I can only be maximalist. Otherwise it would go faster.

Are the songs on “Into the Light that I have Known” still close to you, or is it more of a record from the past for you? We think it has great moments…

Thanks! As I said, I never listen to either release. For me it’s about doing what comes next, so it isn’t that important to me.

What do you think are the main differences between the two releases, including in terms of the creation processes?

With “Into the light that I have known” I wanted to do everything right. Not with “Care and Explosion”.

We’ve heard that you’re soon taking part in a tribute compilation to the work of Roky Erickson and the 13th Floor Elevators. What song did you choose and what can we expect from it?

I chose “Cold Night for Alligators.” My husband once made a compilation for car rides with this title and it also has the song on it. That’s why it’s close to my heart. He also sings great, and “Night of the Vampire” was already taken. I slowed the song down a lot and tried to make it more of a homage to Roky’s particular inner state than a cover. The piece is full of changes in perspective and breaks; I thought more in terms of film than music. But in the end, of course, it’s music.

Are there any other plans you have in the starting blocks? Of course we are curious when it will be time for a new album?

That would be nice. But in fact, in Germany it is practically impossible to be a parent, to work and to have artistic ambitions at the same time. At least I hardly know any parents of small children who can manage that. The opening times of our daycare center don’t even cover our working hours, so everyday work is an absurd juggling act between the daycare center, us as a couple and the grandparents. I was only able to do the Roky Erickson cover because I had accumulated so much overtime that I was able to take several weeks off. I can only answer this interview because I am sick at home. And I’m missing something crucial in life, and that’s boredom and being alone. That doesn’t mean I’m giving up. But the last album was already an incredible feat of strength for everyone involved, my husband, my parents, my best friend and, last but not least, our daughter, who had to do without a lot of me and us. And I also had to take a very long break afterwards.

I guess it’s needless to emphasize that the problem mainly affects mothers. While most fathers keep hobbies even after the children are born, mothers begin to organize their free time around the family. Free time is then making an Easter bush, sewing clothes for the children, all that sort of thing. I don’t do it as best as I can, at the price that there are no Easter decorations and the children don’t paint eggs at home. But the advantage is that I can pursue a fairly ambitious job and occasionally even manage to play the piano. The solution is political and social: Without more and better childcare places and without a social reassessment of motherhood and fatherhood, we will always reach the point where women, from the moment they have their first child, become increasingly invisible in everything except the fact that they are mothers.

Interview: U.S. und A. Kaudaht

Fotos © Frank Bale

Kristina Jung @ Bandcamp | Soundcloud | Facebook

In der weiten Welt alternative Folkklänge, die nach dem kurzlebigen Hype der Nullerjahre erst ihr wirkliches Potenzial jenseite nostalgischer Retrospektiven offenbaren konnte, ist die aus Neuengland stammende Allysen Callery kaum mehr wegzudenken, immerhin hat sie seit ihrem Debüt 2007 mehr als eine Handvoll Studioalbun geschaffen, kleinere Releases, Kollaborationen, Anthologien und Konzertaufnahmen kommen hinzu – auf all diesen lässt sie eine ganz eigene Handschrift erkennen, welche die Einflüsse des britischen Folk Revival, die sie ihrer elterlichen Plattensammlung verdankt, mit einem ganz eigenen Faible für verhuschte, geisterhafte Stimmungen zusammenbringt. Gerade letzteres, das sie neben der Anziehungskraft ihrer Musik für eines ihrer Stammlabel Gruselthon prädestiniert, ist das Substrat, auf dem ihre jüngste Zusammenarbeit gedeihen konnte: Auf “Witch’s Hand” lässt sie zusammen mit der Dortmunder Doom Stoner-Band Mother Bear eine ganze Reihe an untoten Gestalten aus ihren verwunschenen Gräbern kriechen und ganz nebenbei einen der besten Stilhybriden aus Folk und Metal entstehen. Über all diese Dinge sprachen wir im folgenden Interview.

English Version

Du hast gerade ein fantastisches neues Album in Zusammenarbeit mit dem deutschen Doom-Stoner-Trio Mother Bear veröffentlicht, das wie du an der “Universal Hammer”-Compilation beteiligt war. Die Musik ist ziemlich unkonventionell im Vergleich zu dem, was ihr beide bisher gemacht habt. Wie ist die Idee zu diesem Album entstanden?

Von Mother Bear stammt tatsächlich mein Lieblingssong auf der “Universal Hammer”-Compilation, und ich habe Black Sabbath schon immer sehr geliebt, eine meiner Lieblingsbands bis zum heutigen Tag. Ich habe mir einen Dokumentarfilm angesehen, in dem sie darüber sprachen, wie sie von Horrorfilmmusik inspiriert wurden, und da wurde mir klar, warum ich ihre Musik so sehr liebe. Der Gründer von Gruselthon ist auch ein Fan von Horrorfilmen, und wir tauschen ständig Empfehlungen aus.

Habt ihr neben dem gemeinsamen Interesse daran auch einen gemeinsamen musikalischen Code bemerkt, der unabhängig von Genres und Stilen war?

Occult-, Stoner- und Psychedelic-Musik sind alle in meiner Musiksammlung enthalten, und Hexenhorror hat einfach etwas, das Spaß macht, wenn man auf so etwas steht!!

Du intersesierst dich also schon länger für Metal und Stoner Rock…

Ja, als ich anfing, Auto zu fahren, gab mir ein Freund eine Kassette mit dem Album “Paranoid” von Black Sabbath, und es bringt mich immer wieder dazu, diese Songs zu hören. Vor kurzem habe ich sogar eine Coverversion von “Planet Caravan” aufgenommen, die auf meiner SoundCloud zu hören ist.

Was den lyrischen Inhalt angeht, der sowohl von dir als auch von der Band stammt, scheint das Album ziemlich einheitlich zu sein. Wie habt ihr euch auf die Themen und die Atmosphäre der erzählten Geschichten geeinigt? Ich kann mir gut vorstellen, dass vieles ganz spontan aus gemeinsamen Interessen heraus entstanden ist…

Wir haben uns einfach darauf geeinigt, dass wir an einem Horror-Album zusammenarbeiten. Es war für mich erstaunlich, wie leicht die Songs aus meiner Feder flossen… Es muss ein Ghostwriter gewesen sein, haha. Ich mag Mother Bears Interpretation meines Songs “Beautiful Teeth” sehr.

Die Geschichten, die in den Texten erzählt werden, haben etwas von einem Panorama klassischer Gruselgeschichten und der dazugehörigen Figuren. Hast du schon immer gerne solchen Geschichten zugehört und vielleicht auch erfunden?

Ich liebe Horror, mein Mann und ich sehen uns fast jeden Abend Horrorfilme an. Schon als Kind habe ich in der Bücherei immer nach den Horrorgeschichten gegriffen. Ich habe noch nie versucht, eine Horrorgeschichte zu schreiben? Abgesehen von meinen kleinen Liedern… Aber ich denke, mein Traum wäre, dass jemand diese Lieder nimmt und aus den Geschichten, die sie erzählen, einen Horrorfilm macht.

“Witch’s Hand” hat bei mir auch einige Assoziationen zum klassischen Horrorkino geweckt. Gibt es eine Ära von unheimlichen Filmen, mit der du besonders viel anfangen kannst?

Am meisten liebe ich Folk-Horror-Filme, Wicker Man, The Company of Wolves, The Witch, November usw. Nicht unbedingt eine bestimmte Epoche, aber ein bestimmter Stil. Übernatürlicher, okkulter Horror ist meine bevorzugte Art von Horror.

Du kommst aus Rhode Island, Neuengland, nicht weit von der Gegend, in der die Hexenprozesse von Salem stattfanden, und als Heimat von Autoren wie Hawthorne und Lovecraft wird die Region auch mit düsteren Stimmungen assoziiert. Wie viel von deiner Heimat findet sich deiner Meinung nach in deiner Musik wieder? Glaubst du, dass Neuengland sich wirklich für eine gruselige Atmosphäre eignet, oder denkst du, dass es eher ein Klischee ist?

Nun, ich wohne gegenüber von Wäldern, die als Land der Ureinwohner geschützt sind. Mein Mann und ich gehen dort auf Pilzsuche, und unser Haus ist mit den vielen Schädeln von Rehen und anderen Tieren geschmückt, die wir auf unseren Spaziergängen in der Natur gefunden haben. Wir verbringen viel Zeit draußen, und ich glaube, dass sich die Natur in meine Art zu schreiben und in die Art und Weise, wie ich meine menschlichen Erfahrungen erzähle, einschleicht.

Der Begriff “Ghost Folk” – der sich auf den Titel eines deiner Alben bezieht – wurde zur Beschreibung deiner Musik verwendet, und Begriffe wie “Folk Horror” waren in den letzten Jahren häufig zu hören. Was ist deiner Meinung nach der Grund dafür, dass Folkmusik gerne mit dem Unheimlichen und Übernatürlichen in Verbindung gebracht wird?

Die Welt ist ein interessanter und verwirrender Ort. Jedenfalls denke ich, dass das Heidentum uns irgendwie mit der Erde und mit unseren Vorfahren verbindet. Ich bin keine wirklich praktizierende Hexe, aber ich mag es, eine Menge hexenartiger Dinge zu tun. Brotbacken, Handnähen, Kerzen anzünden, meine schwarzen Katzen streicheln und vieles mehr bringt mir den Frieden, den ich dann teilen kann.

Wann hast du Americana und andere traditionelle Musikgenres entdeckt? Warst du zu diesem Zeitpunkt bereits eine aktive Musikerin?

Ich schmachtete in meiner früheren Ehe vor mich hin, meine Gitarre lag unter dem Bett und ich hatte keine Unterstützung oder Ermutigung. Ich hörte zufällig, wie Gillian Welch “Dear Someone” im Fernsehen sang. Das war für mich noch vor dem Internet. Ich holte meine Gitarre unter dem Bett hervor und war sofort inspiriert, meine erste Platte zu schreiben, die “Hopey” hieß. Ich sehe mich selbst nicht als Americana-Künstlerin, obwohl Gillian Welch mich damals inspiriert hat. Die meiste Inspiration habe ich von britischen Künstlern wie Steeleye Span, Fairport Convention und natürlich The Incredible String Band, die Musik aus der Plattensammlung meiner Eltern, mit der ich aufgewachsen bin.

Gab es bestimmte Alben, die dich besonders inspiriert haben?

“The Hangman’s Beautiful Daughter”, “A Parcel of Rogues”, und “Leige & Leaf” sind einige meiner Favoriten. Auch Joni Mitchells “Blue” und “Ladies of the Canyon”.

Für mich ist “Ghost Folk” eines der faszinierendsten Dark-Folk-Alben der letzten Jahre, und eine seiner Hauptqualitäten ist die subtile Ruhe in der Atmosphäre der Songs. Hattest du beim Schreiben der Songs eine solche Absicht?

Ich bin, was ich erschaffe. Ich würde sagen, ich bin von Natur aus ziemlich subtil, dunkel und ruhig. Ich liebe es, dass sich die Menschen durch meine Musik mit mir verbinden können, und ich liebe es, dass sie für ausgewählte Menschen ist.

“Lost Children”, eine Zusammenstellung von teilweise fragmentarischen Homerecordings, vermittelt mir den Eindruck, dass du viel improvisierst und aufnimmst, wenn Ideen kommen. Gibt es bestimmte Umstände und Situationen, in denen du besonders empfänglich bist für die Musen?

Ich hatte einige Probleme mit Verlusten zu verarbeiten, und das ist ein roter Faden, der sich in meiner Musik widerspiegelt. Ich bin eine emsige Schreiberin und ich habe den Luxus, viel Zeit für mich zu haben, um zumindest kleine Dinge zu Hause aufzunehmen, wenn sie mir einfallen.

Was waren die Hauptgründe dafür, dass diese Stücke nicht auf eines deiner regulären Alben gepasst haben?

Einige der Songs, die ich auf “Lost Children” veröffentlicht habe, habe ich nur einmal geschrieben und gespielt, als ich sie aufnahm. Aber ich habe mir schon immer gerne Skizzenbücher von Künstlern angesehen, und ich dachte, es wäre etwas Besonderes, das ich mit meinen treuen Hörern teilen könnte. Es ist nur auf Bandcamp erhältlich und kann nirgendwo anders gestreamt werden, also müsst ihr wirklich suchen.

Hast du immer noch vor, zusammen mit Myles Baer Musik mit einem eher bandorientierten Sound aufzunehmen? Ich erinnere mich, dass du diese Idee in einem anderen Interview erwähnt und dabei euer früheres Land of Nod-Projekt erwähnt hast…

Ich liebe Lo-Fi und Homerecordings sehr, aber ich liebe es auch, wenn Myles sich bei der Produktion völlig austobt. Ich träume irgendwie davon, eine kleine Band mit ihm, meiner Tochter Ava Callery und Karen Zanes auf die Beine zu bringen. Wir werden sehen?!

Hast du und Mother Bear schon darüber nachgedacht, gemeinsam auf Tour zu gehen und “Witch’s Hand” live zu präsentieren? Ich bin sicher, dass es dafür ein Publikum gibt…

Wow, nein, darüber haben wir noch nicht gesprochen, aber wenn ich in einer Rauchwolke auf die Bühne treten könnte, um mit ihnen auf einem Festival zu singen, wäre das ein wahr gewordener Traum!
Sie sind eine fantastische Band und ich bin mir sicher, dass sie in Zukunft noch viele Auftritte haben werden.

Was steht bei dir für die nächste Zeit auf dem Plan?

Ich habe eine EP für das britische Label Future Grave aufgenommen, an der mein Produzent gerade arbeitet. Darauf freue ich mich schon sehr. Außerdem würde ich gerne eine Sammlung von Covers von den Britischen Inseln machen, da sie für mich als Kind so unglaublich wichtig waren.

Interview: U.S., Fotos: Ted Hayes

Allysen Callery @ Bandcamp | Soundcloud | Instagram

In the wide world of alternative folk sounds, which after the short-lived hype of the noughties was only able to reveal its real potential beyond nostalgic retrospectives, New England native Allysen Callery has become an integral part, after all she has created more than a handful of studio albums since her debut in 2007, smaller releases, collaborations, anthologies and concert recordings are added – on all of these she reveals her very own signature, which combines the influences of the British folk revival, which she owes her parents’ record collection, with her very own penchant for subtle, ghostly moods. Especially the latter, which, in addition to the appeal of her music, predestines her for one of her regular labels, Gruselthon, is the substrate on which her most recent collaboration was able to thrive: On “Witch’s Hand”, together with the Dortmund doom stoner band Mother Bear, she lets a whole gang of undead creatures crawl out of their enchanted graves and along the way create one of the best style hybrids of folk and metal. We talked about all these things in the following interview.

German Version

You’ve just released a fantastic new album in collaboration with German doom stoner trio Mother Bear, who like you participated in the “Universal Hammer” compilation. It’s music is quite unconventional in comparison with both your more typical styles. How did the idea of the album came up?

Mother Bear actually had my favorite track on the Universal Hammer compilation, and I’ve always had a great love for Black Sabbath, one of my favorite bands to this day. I was watching a documentary and they were talking about how horror music inspired them, and it all made perfect sense to me as to why I love their music so much. The founder of Gruselthon is also a fan of horror movies, and we’re always trading recommendations.

Did you, apart from a shared interest in certain horror motifs, both notice a common music code, which was independent from genres and styles?

Occult , stoner,  psych music all join hands in my music collection, and there’s just something about witchy horror that’s really fun , if you’re into that sort of thing!

Is metal and stoner rock something you’ve enjoyed before?

Yes, when I first started driving my friend gave me a cassette of Black Sabbath’s Paranoid album, it always brings me back listening to those songs.
I even recently recorded a cover of Planet Caravan which is on my SoundCloud.

In terms of lyrical content, which comes from both you and the band, the album seems pretty consistent. How did you agree on the subjects and the atmosphere of the stories told? I can only imagine that a lot of things resulted quite spontaneously out of common interests…

We just sort of agreed that we would collaborate on a horror record, it was astounding to me how easily the songs flowed from my pen… Must’ve been a ghost writer haha
I really love Mother Bear’s take on my song “Beautiful Teeth”.

The stories told in the lyrics have something of a panorama of classic horror stories and their corresponding characters. Have you always liked to listen to and probably also to invent such stories?

I love horror, my husband & I watch horror movies almost every night. Even when I was a kid going to the library, I always reached for the Horror stories. I’ve never tried writing a horror story? Other than my little songs… But I guess my dream might be that somebody takes those songs and makes a horror movie from the stories they tell.

“Witch’s Hand” also gave me quite some associations to classical horror cinema. Is there an era of uncanny movies that you’re particularly fond of?

I love Folk Horror movies the most , Wicker Man, The Company of Wolves, The Witch , November, etc. Not necessarily a time period , but a certain style. Supernatural, occult horror is my favorite kind of horror.

You’re from Rhode Island, New England, not that far from the area where the Salem witch trials took place, and also being home to authors like Hawthorne and Lovecraft, the region is associated with dark atmospheres. How much from your home area do you think you can find in your music? Do you think New England really lends itself to a spooky atmosphere, or do you think it’s more of a cliche thing?

Well, I  live across the street from woods that are protected Native American land.
My husband & I go mushroom hunting in there, & our house is decorated with the many skulls we have found from deer & other creatures we’ve found on our nature walks.
We spend a lot of time outside, and I think nature creeps in in the way that I write, and the way that I relate my human experience.

The term ghost folk – referring to your seminal album title – has come to describe your music, and terms like folk horror have been heard a lot in recent years. What do you think is the reason that folk music likes to connect with the uncanny and the supernatural?

The world is an interesting and confusing place. Anyway I think paganism kind of connects us with the Earth, and our ancestors. I’m not a real practicing witch , but I like to do a lot of witchy stuff.
Baking bread, hand sewing , lighting candles , petting my black cats, among other things , brings me peace which I then can share.

When did you discover Americana and other traditional music genres? Were you already an active musician at the time?

I was kind of languishing in my previous marriage, my guitar was under the bed and I didn’t have any support or encouragement. I heard by chance Gillian Welch singing “Dear Someone ” on TV. This was before the Internet for me. I pulled my guitar out from under the bed and was inspired to write my first record which was “Hopey”.
I don’t think of myself as an Americana artist, although Gillian Welch did inspire me at that time, most of my inspiration comes from British isles artists such as Steeleye span, Fairport convention and of course The Incredible String Band which was the music from my parent’s record collection I’d grown up listening to.

Were there certain classic folk albums that were particularly inspirational to you?

The Hangman’s Beautiful Daughter , A Parcel of Rogues, & Leige & Leaf are some of my favorites.
Joni Mitchell’s Blue & Ladies of the Canyon as well.

For me, “Ghost Folk” is one of the most intriguing dark folk albums of recent years, and one of its main qualities in the subtle quietness of the songs’ atmosphere. Did you intend something like this while writing the songs?

I am what I create . I’d say by nature I’m pretty subtle, dark & quiet .
I love that people can connect with me through my music, and I love that it’s for select people.

“Lost Children”, a compilation of partly fragmentary home recordings, lead me to the impression that you improvise and record a lot, when ideas come to you. Are there certain circumstances and situations when you’re especially receptive for the muses’ input?

I’ve  had some issues with loss to process, and that’s a common chord that shows up in my music for sure. I am a prolific writer, and I do have the luxury of a lot of alone time to be able to at least record little things at home as they come to me.

What were the main reasons that these pieces didn’t fit on one of your more regular albums?

Some of the songs I put on Lost Children were written & played only once as I recorded. But I’ve always enjoyed looking at artist’s  sketchbooks, & I thought it would be something special to share with my true listeners.
It’s only out on bandcamp , & not streaming anywhere else so you really have to look.

Do you still plan to record music with a more band oriented sound together with Myles Baer? I remember you mentioned this idea in another interview and referred to your former Land of Nod project…

I have a deep love for lo fi, home recordings, but I love when Myles goes totally wild with production too. I kind of dream about having a little band with him, my daughter Ava Callery and Karen Zanes. We’ll see?!

Did you and Mother Bear already think about touring together to present “Witch’s Hand” live? I’m sure there’ll be an audience for it..

Wow, no we haven’t discussed that but if I can step onstage in a cloud of smoke to sing with them at a festival that would be a dream come true!
They are a fantastic band & I am sure they will be playing many in the future.

What’s on your schedule for the nearer future?

I’ve recorded an EP for UK label Future Grave, which my producer is working on.
I’m excited for that one, and I’d also really like to do a collection of British Isles covers as they were so incredibly meaningful to me growing up.

Interview: U.S., Ted Hayes

Allysen Callery @ Bandcamp | Soundcloud | Instagram

So ein Fall ist auch “Witch’s Hand”, das erste gemeinsame Album (laut Eigenangabe eine EP, aber da sind die Grenzen ja fließend) der aus Dortmund stammenden Doom Stoner-Band Mother Bear und der amerikanischen Ghost Folk-Sängerin Allysen Callery. Ganz grundsätzlich kann dies vielleicht schon daran liegen, das Folk und Metal in ihren jeweils unterschiedlichen Ausprägungen, auch wenn man das auf den ersten Eindruck nicht gleich hören mag, verwandte Seelen haben, was sich u.a. immer wieder in den Folkprojekten verschiedener Metalmusiker zeigt. Worin diese Verwandtschaft liegt, ist gar nicht so leicht festzustellen, und wenn man es versucht, landet man schnell bei vermeintlichen Klischees, in denen es z.B. um eine ungekünstelte, erdig-bodenständige Naturverbundenheit geht, die sich in beiden Musikwelten finden kann und dort aber sehr unterschiedliche Gestalt annimmt. Wahrscheinlich ist da einiges dran.

In beiden Bereichen gibt es zudem zahlreiche Vertreter, deren Musik und Texte eine mystische Seite haben und ein starkes Interesse am Unheimlichen und Übernatürlichen offenbaren. An der Stelle sind wir dann bei Allysen Callery und Mother Bear angekommen, die sich zumindest virtuell erstmals auf dem von Gruselthon herausgegebenen “My Universal Hammer” begegnet sind, zu dem erstere eine poetische Akustikballade über die Dunkelheit beisteuerte, während das westfälische Trio einen schicksalsschweren und gleichsam rauschhaften Track zu Ehren Elisabeth Báthorys zum besten gab. Kurator Enko Landmann, der das Interesse der beiden Acts an schaurigen Geschichten, v.a. aber auch ihre Kunst, diese im eigenen Medium zu entwerfen kannte, glaubte wohl als erster an das Potential eines gemeinsamen Projektes und schlug es vor. Beide waren begeistert und mit “Witch’s Hand” ist dieses nun wahr geworden.

“Witch’s Hand” enthält sowohl separat eingespielte als auch gemeinsame Tracks und wirkt doch wie aus einem Guss. Den Auftakt macht ein verhuschtes, mit sanftem Gitarrenpicking beginnendes Solostück Callerys. In diesem Titelstück, in dem ein sanfter Regen fällt, geht es gleich um die Hexenhand, die aber die sanftesten Berührungen beherrscht und erst mit der Zeit offenbart, dass sie den Hörer mit einem subtilen Fluch belegt und mit ihm ein Katz und Maus-Spiel spielt, aus dem es kein Entkommen gibt. Auf gewisse Weise entwirft das folgende “Beautiful Teeth” ein ähnliches Szenario, gleichwohl Mother Bear hier zunächst im Alleingang mit kernigen Gitarrenriffs und rauen Bässen eine fatalistische Stimmung entstehen lassen, die durch den deprimierend nach hinten gemischten Gesang nur noch untermauert wird. Doch auch hier bekommt das Bild durch schöne Melodien und verspielte Becken eine trügerische Leichtigkeit, die der Schönheit der besungenen Fangzähne, die sich bei Vollmond einer weißen Kehle nähern, nur zuträglich ist.

Nach der Hexe kommt also der Werwolf, und auch in den folgenden Stücken kommt eine mehr oder weniger deutlich erkennbare Gestalt zu Wort. “I’m Not Scared Of The Dark”, das zunächst wieder von Allysen allein eingespielt wurde, ist die Stunde der Untoten, des Nachtgespenstes, das zu lieblichen Akkorden und schlafwandlerischem Gesang durch ein Schattenreich geistert und in der evokativen Repetition genau die Verführung hervorbringt, die im Text besungen wird – ein großartiges, ätherisches Stück Atticcore. Bei “Death Skull” und “Consuming Rite” kommt es dann endlich zur Vermählung beider Stile. Ersteres legt einiges an falschen Fährten, beginnt mit Allysens Stimmtupfern wie eine Rockballade, die bald einsetzende Gitattendröhnung ist aber zunächst nur eine Vorschau auf die dynamische Höllenfaht, auf die das lyrische Ich sich mit dem wandelnden Skelett begibt. Kein Song des Albums ist so sehr Rock’n'Roll. Räudig und schleppend dagegen gibt sich “Consuming Rite”, bei dem die Dortmunder im Zentrum des Geschehens stehen und eine merkwürdige Opferzeremonie entstehen lassen. In einem beängstigenden Monolog wird dem Opfer Unsterblichkeit im Tausch für sein Blut versprochen, und das fatale Brodeln und das wilde Freakout mit jaulenden Soli lässt einen unguten Ausgang vermuten.

Die finale Szene, in der wieder Allysen allein zu hören ist, ist kurz und unseren Freunden, den Ratten überlassen, die das Feld übernehmen, wenn alles Menschliche verfällt. Man meint ihr Trippeln im perkussiven Spiel der Akustikgitarre zu hören, und irgendwie im zerfledderten Klang ihrer locker gespannten Saiten auch das Auseinanderfallen. Weil alles gesagt ist, endet das Stück und die Platte auch ganz lakonisch und ohne jedes Pathos.

Label: Gruselthon