Neben den acht Stücken des ursprünglichen Albums (“Money is Flesh”, “Fool”, “A Screw”, “Anything for You”, “Stupid Child”, Another You”) gibt es auch noch drei Remixe (“Vervet” Chris Liebing, “Capuchin” von Jlin, “Mandrill” von MoReVoX).

Zu sehen sind Solokonzerte des in Berlin lebenden Lapsteel-Virtuosen und Swans-Mitgliedes Kristof Hahn, der Sängerin und Musikerin Jarboe, des Lautenspielers Jozef van Wissem und des Swans-Masterminds Michael Gira. Die Veranstaltung ist Teil der Reihe Sonic Morgue, die der Geschichte des Aufführungsortes Rechnung trägt.

Donnerstag, 01.12.2022
Einlass 20 Uhr
Silent Green
Gerichtstrasse 35
13347 Berlin

@ Facebook mit weiteren informationen

Das Album, dessen Titel auf einen Ausspruch von Michael Giras Vater zu seinem Augenleiden zurückgeht, enthält Soundschnipsel, Live-Zitate und sogar einige Reworks aus mehreren zurückliegenden Phasen der Band, dazu Samples und Feldaufnahmen, die zum Teil ebenso weit zurückgehen, und thematisch greifen auch die Texte viel Vergangenes auf. Interessant ist, dass all dies aber in eine musikalische Form gebracht wurde, die dem Ganzen doch eine zusammenhängende Handschrift gibt, sodass unverkennbar ein Album vorlag.

Begriffe wie Samples und Feldaufnahmen lassen ahnen, dass „Soundtracks“ im Vergleich zu der handvoll zurückliegender Alben ein eher abstraktes, experimentelles Werk geworden ist, und in der Tat nehmen eingängige Songansätze, so dunkel und schwerverdaulich auch diese zuvor waren, einen vergleichsweise geringen Raum ein. Die popkulturelle Geschichtsschreibung hat das Werk längst zum Prototypen des Postrock verklärt, und die mal ambient-gleitenden, mal durch laute und leise Abschnitte mäandernden, aber immer auf einen Höhepunkt und Ausbruch zusteuernden Narrative zahlreicher Tracks gibt dem Recht. Innerhalb der zwei Stunden Musik nimmt das wie zu erwarten ganz unterschiedliche Formen an und kommt als monotones, brüchiges Summen und Dröhnen daher wie in „The Velvet Corridor“, als weltentrückte, zirkuläre Symphonie wie in „Helpless Child“, als zittrige Gitarrenwand, unter der sich allerlei Gepolter und ein bedrohlicher Bestienatem regt wie in „The Beautiful Days“ oder als schwülheiße Americana wie im minimal vor sich hinbimmelnden „Empathy“. Giras leidende, oft grummelige Gesangseinlagen, gelegentlich an der Grenze zu Spoken Words, fügen sich hier mehr denn je in das Gesamtbild ein, verwischen die Grenze zwischen Rampe und Kulisse und sind vielleicht schon deshalb noch etwas eindringlicher als sonst.

Während folkig angehauchte Interludien und kurze Streicherdrones das Ganze wie Kitt zusammenhalten, lehnen sich ein paar Stücke weiter aus dem Rahmen: z.B. „Red Velvet Wound“, ein gespenstischer Waltzer, zu dem Jarboe eine märchenhafte Melodie singt, oder „Hypnogirl“, ein feuriger Schrammelfolksong, der fast aus der japanischen Seite von Current 93s „Horsey“ gefallen sein könnte. Der Dancebeat in „Volcano“ ist eine Spur der nicht so schönen Seite der 90er, aber was ist all das schon gegen beklemmende Tracks wie „I was a Prisoner in your Skull“ und „How They Suffer“ mit Aufnahmen von Giras Vater, der vor flirrendem Dröhnen und ausuferndem Schlagwerkinferno von Schmerz und Verlorenheit spricht – emotionale Höhepunkte eines ohnehin kraftzehrenden Albums. Das flirrende Dröhnen, destilliert aus Streichern, verfremdeten Gitarren und obskuren Sounds, zähflüssig und von einem zwiespältigen, regressiven Opiumschlummer durchsetzt, ist m.E. die eigentliche Trademark dieses Albums, gleichwohl sie sich in milderer Form auch in anderen Arbeiten seit „Children of God“ findet.

Gerade ist „Soundtracks for the Blind“ erstmals auf LP erschienen, u.a. in einer limitierten Box mit allerlei zusätzlichem Material. Hier und auf der ebenfalls neu erschienenen CD-Version im Digi gibt es als Bonus die 1996er Compilation „Die Tür Ist Zu“, die z.T. deutschsprachige Alternativversionen früerer Stücke (auch von „Soundtracks of the Blind“) und damals Neues enthält. Besonders hervorheben muss man „Ligeti’s Breath / Hilflos Kind“, ein episodisches Auf und Ab aus lauten und leisen Gitarrenwänden, die sicher Stephen O’Malley und Greg Anderson inspiriert haben, sowie die akustische „Mother Father“-Version „M/F“, bei der Jarboe ihren Text zu beschwörendem Strumming quäkt, bis alles in heilloser „fucking destruction“ kulminiert. (U.S.)

Label: Mute

Mit seinem neuen Steckenpferd, von dem kurz vor dem Albumdebüt bereits eine Single erschienen ist, komponiert er eine zum Teil recht klassisch klingende Dronemusik, die gut in die Zeit vor Sunn O))) und ihre zahlreichen Nacheiferer gepasst hätte, in die Zeit von Troums “Tjukurrpa”-Reihe oder der dronigen One Track-Alben von Coil. Der symbolträchtige Name Cut Worms scheint Programm zu sein: Wie der abgetrennte Teil eines Wurmkörpers nicht stirbt, sondern sich sogleich als autonomer Organismus verselbständigt, lebt die Musik auf “Lumbar Fist” über weite Strecken vom Exzerpieren klanglicher Details, aus denen sich umgehend neue musikalische Erzählstränge herausbilden – eine Musik sozusagen, die sich immer wieder selbst neu generiert und deren Schlussgebung nur der Begrenzheit des Mediums geschuldet ist.

Wie zu erwarten gebärden sich die so entstandenen Tracks äußerst wandlungsfreudig, wenngleich die stetige Abfolge rauer, dunkler, dissonanter, dann aber auch wieder harmonischer und melodischer Soundflächen, die sich Schicht um Schicht überlagern und mit der Zeit ie die Wellen einer sanften Brandung ablösen, nur mit erhöhter Aufmerksamkeit in ihrer ganzen Konturiertheit auffällt. “Lumbar Fist” eignet nämlich ein äußert dezenter Charakter, der auch den subtil perkussiven Zug vieler Sound eher versteckt als exponiert.

Mit der Zeit wird immer deutlicher, wie viel sich unter der Oberfläche tut, und von Zeit zu Zeit könnte man ganz plötzlich von einzelnen Details in Anspruh genommen werden: Snaredrums, wummernde und knarrende Bässe, rückwärts gespielte Passagen, schwermütige Orgelspuren. Definitiv ein Album, das zum erforschen und entdecken einläd und bei mehrmaligem Hören nur gewinnt. (A. Kaudaht)

Label: Opa Loka Records

In seiner Mischung aus Monotonie und Wucht, seiner leichten Americana-Tönung und der Reminiszenz an einen etwas dunkleren Velvets-Sound gehört „The Great Annihilator“ in eine Kategorie mit „Lust for Life“ und „White Light from the Mouth of Infinity“, und gerade mit letzterem hat es, gleichwohl weniger weltmusikalisch eingefärbt, einiges gemeinsam. Das beginnt schon beim Intro, bei dem wieder ein Baby schreit, wenngleich hier wesentlich vergnügter. Nach dem fast noch anheimelnden Summen von Jarboe und Gira leitet „I am the Sun“ mit stimmlicher Unterkühltheit und treibender Monotonie eine ganze Reihe an kraftvollen Stücken ein. Nicht alle preschen direkt nach vorn, „She lives“ suhlt fast neofolkig in emotionalen Tiefen und wird nur durch gelegentliche perkussive Donnerschläge aufgepeitscht. „Celebrity Lifestyle“ ist ein Post Punk-Tanzhit nach Kopfhänger-Art und eine gewitzte Charakterstudie angstgesteuerter Dekadenz, bei der sogar ein berühmter Insasse der Pariser Bastille zu Wort kommt.

Über Giras konfrontativen, schonungslosen Umgang mit den Charakteren seiner Texte und das zugleich obsessive Kreisen des lyrischen Ichs um sich selbst ist viel geschrieben worden, ebenso über seine Selbstinszenierung als miesepetrigen Tough Guy – ob man das ehrlich und charismatisch findet oder doch manchmal auch ein bisschen prätentiös, hängt vom Rezipienten und oft auch von der Tagesform ab. Oft heißt es, dass Jarboe eine versöhnliche Note einbringt, was auf Stücke wie den weltentrückten Folksong „Mother’s Milk“ zutrifft, doch im vitalen Antivitalismus von „Mother/Father“, in dem Geburt und Tod einen Kreislauf von „fucking destruction“ bilden, zeigt sie, dass sie auch ganz anders kann. Generell überwiegen in der zweiten Hälfte des Albums aber vergleichsweise getragene Nummern wie das verträumte „Blood Pressure“, das trotz des Textes smoothe „Killing for Companie“ oder das fast auf Zehenspitzen wandelnde „Warm“.

Kurz nach „The Great Annihilator“ veröffentlichte Gira, von dem es zehn Jahre zuvor schon eine Split mit Lydia Lunch gab, sein erstes Soloalbum „Drainland“, das damals zusammen mit Jarboes „Sacrificial Cake“ herauskam. Solo ist hier aber eher eine Frage persönlicher Intention, denn beinahe alle damaligen Swans-Mitglieder steuern Instrumentalparts bei, und da es sogar textliche Querverweise gibt, könnte man „Drainland“ fast als einen obskuren Wechselbalg des großen Auslöschers bezeichnen. Ein wesentlicher Unterschied ist, dass die „Drainland“-Songs in ihrer Gesamtheit weniger wie aus einem Guss wirken – noisige Tracks lärmen und poltern hier noch mehr, akustisches wirkt noch folkiger und die emotionalen Schwankungen erfolgen noch abrupter, alles wirkt eine Spur unverbundener, was dem Album den Reiz des Skizzenhaften verleiht.

Der Opener „You See Through Me“ könnte zerrissener nicht ausfallen: Zunächst aufwühlend in seiner Rhythmik mündet die Musik bald in pastorales Finger Picking und den Klang lieblicher Glöckchen, ein fragiles Idyll, über dem sich aber bald ein zermürbender Streit eines Musikerpaares über Alkoholexzesse und andere Schattenseiten der Zweisamkeit nebst Versuchen der Harmoniestiftung ausbreitet. Neben diesem „slice of life“ wirkt „Where does your Body begin?“ – ein Geschwistertrack von „Where does your Body end?“ auf „The Great Annihilator“ – fast verbummelt. Atmosphärisch beeindruckend ist das geisterhaft voranschleichende „Unreal“, das einen an der eigenen Existenz zweifeln lässt. Knüpft dieser Song eventuell an „Telepathy“ an, so ist „Fan Letter“ die Steigerung von „Celebrity Lifestyle“, erneut wird eine Rockstar-Persona ad absurdum geführt, diesmal nicht von einem allwissenden Beobachter aus dem Off, sondern von einem Fan, der dieser gottgleichen Person jedoch auffallend ähnelt. Musikalischer Höhepunkt ist m.E. „If you…“, vielleicht weil es die lieblichen und die harschen Seiten von Giras Musik in sich vereint.

Beide Alben wurden vor Kurzem von Mute Records im Rahmen ihrer Re-Release-Serie neu herausgebracht, wobei das lange Zeit rare „Drainland“ eher als Bonus fungiert, dem nur bei der Doppel-CD-Version eine eigene Scheibe gewidmet ist. Der LP liegt es nur als Download bei. Das ist schade, denn „Drainland“ steht „The Great Annihilator“, was die musikalische Substanz angeht, in nichts nach. Gerade die etwas sparsamer instrumentierten Stücke weisen m.E. noch mehr auf die bald folgende Angels of Light Phase voraus, und mit dem Artwork des „New Mother“-Albums bezieht man sich schon recht deutlich auf dieses Solo-Debüt. Dies sollte allerdings die Freude darüber nicht schmälern, dass die Alben überhaupt wieder zugänglich sind, und dies obendrein in einer neu gemasterten Form und somit in einem beeindruckenden Sound.

Label: Mute

Die beiden Alben „White Light from the Mouth of Infinity“ und „Love of Life“, die in Kürze in einer Vinyl- bzw. CD-Box wieder käuflich zu erwerben sind, erschienen zu Beginn der 90er und leiteten die letzte Phase vor der einige Jahr später vollzogenen – und letztlich vorübergehenden – Trennung der Band ein, eine Phase, die von der Hinwendung zu mehr Melodik und zu einem Mix aus rauen, atonalen Elementen mit einer Vielzahl an klassischen und traditionellen Instrumental-Beiträgen geprägt war, und die im monumentalen „Soundtracks for the Blind“ ihren Abschluss fand.

Natürlich erfolgte diese Hinwendung nicht über Nacht und hatte einen langen Vorlauf, und man würde die Geschichte der Band nicht derart periodisieren, wenn die Entwicklung linearer und gradueller verlaufen wäre. Schon auf Alben der späten 80er wie dem berühmten „Children of God“ gab es die melodischen, leicht folkig angehauchten Elemente, diesen Touch von Weltmusik und Americana sowie den abmildernden Gegenpart von Sängerin Jarboe zur Strenge Giras. Die Geschichte der Band wollte es jedoch, dass dazwischen das rückblickend gerne stiefmütterlich kommentierte „This Burning World“-Album erschienen ist, auf dem diese Elemente nicht nur weitergeführt, sondern in ein für die Verhältnisse besonders der damaligen Swans recht glattes Gewand gepackt wurden.

Will man fair sein, muss man eingestehen, dass dieses unter der Produzentenhand Bill Lasswells entstandene einzige Major-Release der Band kein ganz so katastrophaler Reinfall war, aus heutiger Sicht erscheint es wie eine von vielen Facetten der Band, die ein Stück Erfahrung bereit hielt und den Bandmitgliedern nicht zuletzt auch deshalb so enttäuschend erschien, weil die neuen Aspekte von außen oktroyiert waren. Was dieses Werk, dessen vom Label erhoffter Erfolg ausblieb, allerdings bewirkte, war die Motivation, in der Folge wieder kompromisslos das eigene Ding durchzuziehen, und diese Entschiedenheit ist in jeder Sekunde von „White Light from the Mouth of Infinity“ und „Love of Life“ zu spüren.

Was die stilistische Schwerpunktsetzung betrifft, so führt „White Light From The Mouth Of Infinity“ tatsächlich viele Elemente von „This Burning World“ weiter, was schon deshalb nicht Wunder nimmt, da sich das Line-up der Gastmusiker durchaus überschneidet. Doch die Mischung aus schleppenden Gitarren und sakral klingenden Mandolinen, aus markantem Sprechgesang und anrührenden „Jazz“-Balladen, aus düsterer Americana, hybrider Folkmusik und der zermalmenden Monotonie einer monumentalen Drumsection gestaltet sich hier um einiges rauer und sperriger.

Das Baby zu Beginn des eröffnenden „Better Than You“ greint keineswegs auf enervierende Art, sondern lässt eine friendvolle Stimmung entstehen, die sich filmreif durch infernalische Trommelwirbel und die sägende Gitarren zermalmen lässt – willkommen in einer dunklen Welt, die stets durch ein undefinierbares Glühen erhellt wird, bei dem man sich fragt, ob es sich wirklich nur den klingelnden Mandolinen und Jarboes entrückten Backing vocals verdankt, oder doch das Resultat subtilerer Stimmungsmomente ist. Giras hallunterlegte Stimme nach 80er-Jahre-Art transportiert auch hier das unprätentiös Höhnische, das ihn so unerbittlich wirken lässt, und doch eine Kraft entfaltet, bei der ich dem Kollegen bei Allmusic nur zustimmen kann: „At once incredibly destructive and astoundingly life-affirming.“

In ähnlich gearteten Stücken wie „Power and Sacrifice“, „Love Will Safe You“, „Will We Survive?“ und „Failure“ entfalten sich apokalyptische, teilweise beinahe postindustirelle Szenarien, oder man findet sich mit galoppierendem Strumming und einer pittoresken Klapperschlange in einem nächtlichen Western-Setting wieder, gelegentlich weist die Mischung aus schleppender rhythmischer Monotonie und aufwühlender Melodik der Instrumente auf Giras Phase mit den Angels of Light und auf den Beginn der aktuellen Swans-Phase hin, und bisweilen wird jede Dynamik derart reduziert, dass man die Band förmlich durch eine Mondlanschat kriechen sieht. „Pushing the stone on the hill of failure“, wie es Gira, den Sisyphos spielend, ganz treffend ausdrückt.

Zu dem Mit- und bisweilen Gegeneinander von Jarboe und Gira wurde viel gesagt, und man muss die beiden sicher nicht zu Wiedergängern von Nancy und Lee oder Birkin und Gainsbourg stilisieren, doch es gibt Stücke wie „You Know Nothing“, in denen Jarboe einen aus der von Gira induzierten Wut herauszuholen versteht. Ein besonderer Torchsong ist dann das von Jarboe alleine gesungene „Song for Dead Time“, das mit betulichem Picking, collen Twangs und einem unnachahmlichen Tremolo in der Stimme die schwüle Stimmung eines ganzen schwarzen Films zu evozieren weiß.

Eines der auffälligsten Merkmale von „Love of Life“ ist die neue Hinwendung zu den abstrakteren Elementen, die nicht nur auf „This Burning World“, sondern auch auf „White Light“ wenig Raum hatten, was natürlich primär in den von Spoken Words, Instrumentensoli, Loops und Samples geprägten Interludien spürbar ist, die das Album in verschiedene Abschnitte unterteilen. Der songorientierte Hauptteil des Albums knüpft an den Vorgänger an und gibt sich vom Klang her meist fülliger, von der Struktur dagegen oft etwas reduzierter und primitivistischer. Nach dem Drumgefledder des Titeltracks bildet das mystisch angehauchte „The Golden Boy That Was Swallowed by the Sea“ den nächsten Höhepunkt, bei dem Gira in einem Tonfall, der müde und entschlosen zugleich anmutet, seinen Dämonen den Krieg ansagt.

Neben Stakkato-Nummern wie „Amnesia“, dem vor Sarkasmus nur so triefenden bitter politischen „God Loves America“ und einer Reihe an Songs, die an etwas feierlichere Wiedergänger alter Velvets-Stücke erinnern, gibt es auch hier wieder ein von Schrammeln und Bläserparts getragenes Duett in Gestalt des rauschhaften „The Other Side of the World“. Zu dem wellenartigen Dröhnen der Gitarren in „She Cries (for Spider)“ singt Jarboe wie traumversunken ihre eigenen Lyrics.

Für den Rezensenten fällt „Love of Life“ immer ein wenig hinter „White Light“ zurück, was natürlich eine persönliche Wertung darstellt und eine Wertschätzung der stilistischen und stimmungsmäßigen Weite zum Ausruck bringt, die das frühere Album vom immer etwas monotoneren und eindimensionaleren Folgewerk unterschiedet. Die Band oder zumindest Gira hatten für die beiden Longplayer nicht immer gute Worte übrig, erschienen Teile davon doch schon einmal unter dem Titel „Various Failures“. Die bald bei Young Gods und Mute erscheinende Box mit zwei LPs, einer CD mit Outtakes sowie neuem Atwork, die auch als reine CD-Veröffentlichung erhältlich sein wird, scheint zu implizieren, dass man mittlerweile seinen Frieden mit den Erzeugnissen dieser Zeit gemacht hat.

Laut Gira soll im Frühjahr das letzte Studioalbum der „aktuellen Inkarnation der Swans“ erscheinen. Selbstredend darf man darauf ebenso gespannt sein wie auf die nächste Inkarnation, zu der es hoffentlich bald Gerüchte geben wird. (U.S.)

Label: Mute / Young Gods

Das Einmannprojekt Spettro Family hat auf seinen bisherigen Veröffentlichungen – einige Tapes, eine 7′ und die 10′ „La Famiglia Spettro” – gezeigt, dass es seinem Namen alle Ehre macht, seine Musik der perfekte Soundtrack für Filme ist, die den Einbruch des Unheimlichen thematisieren und vielleicht werden in einem Paralleluniversum gerade die Aufnahmen Spettro Familys als verschollener Soundtrack von Death Waltz Records veröffentlicht. Dabei verzichtet Stefano Iannone, der das kleine Label Vade Redo Records betreibt, auf Grelles, auf allzu billige Schockeffekte, setzt stattdessen auf Atmosphäre (und verweist damit recht leicht (fast) jede Witchhousecombo auf ihre Plätze).

„En Soledad Perfecta“ zeigt Nový Svět von ihrer dunklen Seite: an eine Orgel erinnernder Synth, dezenter, verhallter Rhythmus, dazu klingt Jürgen Weber, als singe er in einem Eispalast, zwischendurch wird die Stimme runtergepitcht. Ich habe vor Jahren mal geschrieben, dass sich der textliche Kosmos von Nový Svět zwischen den beiden Polen corazón und nada bewegt. Die (perfekte) Einsamkeit ließe dies dann vielleicht zu einer Trias des Schmerzes werden.

Spettro Family eröffnen „Hotel Del Salto “mit dem Geräusch gackernder Hühner, bevor eine Folkmmelodie einsetzt, bei der man den Eindruck hat, als habe sich Timothy Renner dazugesellt (der schließlich einmal vom „Schlafen mit Skeletten“ sang”),  bevor wie schon auf anderen Stücken des Projekts Pianomotive und Synthspuren hinzukommen, dazu kaum verständliche Stimmsamples, dann endet das Stück abrupt. Was nicht verwundert, schaut man sich den titelgebenden Ort einmal an.

Auf dem Cover der 7′ sind Jarboe und Jessica Way abgebildet, aufgenommen während des letztjährigen Stella Natura-Festivals und  – wie man erfährt – auf Ingmar Bergmans Persona verweisend;  ein Film, dessen Traumatmosphäre zu den beiden Stücken mehr als passt. Vor mehr als zwei Jahrzehnten hieß es in einer Rezension der „She is Dead and All Fall Down“-7′ von Current 93, dass eine Single natürlich nicht das ganze umfangreiche Wissen dieser Band zeigen könne – gleiches ließe sich uneingeschränkt für diese Veröffentlichung der beiden Projekte sagen.

M.G.

Label: Black Horizons

Das in den letzten fünf Jahren entstandene „The Word As Power“ – das erste gänzlich neue Werk seit „[Other]“ aus dem Jahre 2008 – rückt die Stimme(n) dagegen ins klangliche Zentrum, auch wenn Wörter/Worte im herkömlichen Sinne – wie Keith Moliné im Wire anmerkte – nicht zu vernehmen sind. Stattdessen findet sich ein wortloses Intonieren. Der erste Track „Babel“ wird dominiert von Aina S. Olsens wortlosem Gesang, während entfernt im Hintergrund die bekannten tiefen Bässe brummen und (ver)hallen. Ihr Gesang verleiht dem Stück einen gewissen sakralen Charakter, und ihr Verzicht auf Worte mag der Sprachverwirrung entgegenwirken, mit der der Gott des Alten Testaments den Hochmut der Menschen strafte. Olsen ist noch auf drei weiteren Stücken zu hören: „Goetia“ beginnt reduzierter, in weiter Ferne brummen die Bässe, bevor ihr Gesang einsetzt, hier klingt er aber noch eher nach Beschwörung, nach Ritual. Fast unmerklich geht das Stück in das 17-minütige klanglich daran anknüpfende „Corazin“ über, dessen Titel ebenfalls auf eine Region verweist, in der drei große Weltreligionen entstanden. Olsen singt auch auf „Y-Gair“, dem Abschlusstrack des Albums, und all ihren Beiträgen ist gemein, dass sie den Stücken eine orientalische Note verleiht, was natürlich zu den durch die Titel geweckten Assoziaten passt. Dagegen ist das von Soriahs Kehlkopfgesang geprägte „Grogori“ wesentlich ritueller. Zum Teil hat man den Eindruck, dass der Gesang und die tiefen Bassfrequenzen eine Synthese eingehen. Klanglich ist das vielleicht das bedrohlichste Stück des Albums und kurzzeitig musste ich an die auf „Heresy“ erzeugten Stimmungem denken. Auf „Andras Sodom“ hört man Jarboe, deren tiefe Stimme weitaus weniger im Vordergrund steht also zuvor Olsens. Auch „Abaddon“ (mit James Maynard Keenan als Gastsänger) rückt die Stimme stärker in den Hintergrund, dafür musste ich in Passagen unweigerlich an gregorianische Choräle denken – hier natürlich aufgenommen in den tiefsten sich nur vorstellbaren Abgründen.

Verglichen mit „[Other]“, auf dem sich die erstmalig eingesetzten Gitarren meines Erachtens nur bedingt in den Lustmord’schen Klangkosmos einfügten, klingt „The Word As Power“ trotz der unterschiedlichen Sänger wesentlich homogener, allerdings führt der Einsatz von Gesang  dazu, dass man zumindest in Passagen meint, konventionelle(re) Filmmusik zu hören – ein Eindruck, den nicht nur ich habe. Die entmenschlichten Wüsten und Abgründe, die die besten Arbeiten Williams’ heraufbeschworen, sind hier einem manchmal etwas zu (be)greifbaren Klang gewichen.

M.G.

Label: Blackest Ever Black

Schon „Lunacy“, der Opener des neuen Doppelalbums “The Seer”,  verdeutlicht, dass man sich von dem Vorgänger entfernt, dabei scheinen die Texte bei den ausufernden Songs nur eine untergeordnete Rolle zu spielen und Gira hat schon mehrfach darauf hingewiesen, dass sich das oft von Slogans beeinflusste Texten für die Swans von der Herangehensweise bei den eher narrativen Angels of Light-Stücken unterscheidet. Auf sechs Minuten wird ein Klangwall erzeugt, bei dem es überrascht, dass Giras Gesang recht sanft ausfällt, auch dann, wenn er mit der Unterstützung der Low-Mitglieder Al und Mimi Zeilen wie „hide beneath / your monkey skin / feel his love / nurture him / kill the truth /or speak the name: Lunacy!“ intoniert. Das zehnminütige „Mother of the World“ wird von Singen und Stammeln und repetetiven Momenten bestimmt und die Wiederholung spielte schon immer eine zentrale Rolle im Werk Giras, was David Keenan vor einiger Zeit zu der Metapher der „paucity of architectural vision behind [Gira's] songwriting“ greifen ließ. Dass das aber sogar bei akustischen Stücken gelingen kann, beweist dieser Auftritt.

Im Gegensatz zu diesen vitalistischen Tracks gibt es aber auch so etwas wie den Eineinhalbminüter „The Wolf“, auf dem Giras Stimme nur von Rauschen im Hintergrund begleitet wird und dessen letzte Zeilen man fast unter das Erlebnis eines Swans-Auftritts setzen könnte: „I am bruised/but I am raised“. Das Titelstück ist eine Kakophonie, die fast gänzlich ohne verständliche Worte auskommt. Auf „The Seer Returns“ (mit Backing Vocals von Jarboe) vernimmt man ebenfalls Ekstase und Entgrenzung und den ruhigen, fast dämonischen Sprechgesang: „All the people are fucking: they’re just a pile of writhing, selfish bliss“. Man könnte fast glauben, der oftmals Cowboyhut tragende Gira habe „love“ und „hate“ auf die Knöchel seiner Hände tätowiert. Etwas ruhiger, aber nicht weniger verstörend, fällt die Wüstenharmonianummer „93 Ave. B Blues“ aus, die in einem Crescendo aus Schlagzeug und Gitarre untergeht, bevor die erste CD mit der reduzierten Akustiknummer „The Daughter Brings The Water“ ausklingt. Das von der Yeah Yeah Yeahs-Sängerin Karen O vorgetragene folkige „Song For a Warrior“, das das zweite Album eröffnet, wirkt – wie schon an anderer Stelle bemerkt wurde, trotz des brachialen Textes („use your sword, use your voice and destroy, and destroy, then begin again“) etwas deplatziert, was vielleicht (auch) daran liegen mag, dass die Swans in ihrer jetzigen Inkarnation eine extremst maskuline Band, die kein bisschen das ist, was von manchen Personen mit dem äußerst unschönen Wort “durchgegendert” bezeichnet wird. „Avatar“ dagegen ist ein weiterer von Phil Puleos und Thor Harris’ Perkussion geprägtes Stück; die beiden erzeugen eine wahre Klangmauer, in die Giras vergleichsweise milder Gesang einbricht. „A Piece Of The Sky“ beginnt mit unidentifizierbaren knisternden Klängen, bevor Jarboes Vokalfragmente und dann dichte Streicherdrones einsetzen. Nach etwa zehn Minuten Experiment beginnt dann ein Song, den man fast auf einem der Ende der 80er, Anfang der 90er Jahre verröffentlichten Alben verorten könnte, die die melodischste Phase der Bandgeschichte dokumentieren. Aber auch hier ist der Text weit von Entspannung entfernt: „in the blood of the swans as the sun fucks the dawn“. Abgeschlossen wird das Album von “The Apostate“, das nach einem mehrminütigen Vorspiel zu einer aus Perkussion und Gitarren bestehenden Klangwand wird und an dessen Ende Gira singt, stammelt und in Zungen spricht: „We’re on a ladder to god / we are blessed! We are blessed! Fuck! Bliss! Fuck! Bliss!“

Kürzlich meinte Gira: „the actual, human-generated sounds are what interest me. I don’t really like music that isn’t made physically by a human being. I like some electronic music, but I really like performers that, kind of… have to struggle. It’s like working on the road gang, or something.“  In diesem Zitat steckt vieles drin, was die Swans ausmacht(e): Die Betonung des „Ringens“ und das (sowohl für die Musiker als auch für die Zuschauer und Zuhörer) extrem Physische der Musik. Man könnte jetzt ein Riesenfass aufmachen und das Dionysische der Musik betonen, Georges Bataille aus dem Hut zaubern und das Erreichen von Ekstase und Transzendenz durch Entgrenzung und Überschreitung thematisieren, aber vielleicht führt das alles zu weit und es reicht zu sagen, dass „The Seer“ ein Album ist, das das besitzt, was gute Musik ausmachen sollte: Es ist aufregend! Und obwohl die Texte des Albums von einer Lichtmetaphorik durchzogen sind, sollte man bedenken, dass auf dem Cover von Coils “Love’s Secret Domain” zu lesen war:„out of light cometh darkness“. Nach dem Hören von „The Seer“ kann man das glauben. Falls Gira dann der “Seher” des Titels ist, ist er ein Haruspex.

(M.G.)

Label: Young God Records

Band: Facebook