Wie Crosthwaite folgt auch Matt Howden dem Fluss Greta bis zu den sogenannten singenden Steinen, deren Klänge er sammelte und in neun Kompositionen einarbeitete. Die Texte seines Vaters, entstanden als poetische Hommage an den Mount Skiddaw, bilden dazu das erzählerische Fundament. Herausgekommen ist ein stilles, zugleich vielschichtiges Werk zwischen Folk, zeitgenössischer Kammermusik und experimenteller Klangarchäologie und -Geologie. Die typischen, cinematisch anmutenden Streicherarrangements Howdens – bekannt vor allem durch sein in den vergangenen Jahren immer rockiger gewordenen Soloprojekt Sieben – treffen hier auf die eindringliche, erzählerische Stimme seines Vaters, die durchaus eine gewisse Familienähnlichkeit der Stimmen erkennen lässt. Musik und Sprache fügen sich zu einem szenischen Ganzen, das mitunter fast hörspielhaft wirkt: besinnlich, manchmal verspielt, getragen von einer feinen Balance aus Intimität und kleinen subtil dramatischen Gesten. “Language For Stone” wurde von Michael Lawrence (Bladud Flies) gemastert und erscheint bei Archaeological Records als LP, CD und zum Download.

Ganz basal gedacht hat sich die kompositorische Herangehensweise Siebens dabei allerdings gar nicht so stark verändert, denn auch heute basiert die Musik primär auf dem Einsatz einer Violine und Matts Stimme, zuzüglich Loops und anderen Effekten. Dass die Violine mittlerweile ein elektronisches Gerät ist, das unter dem Namen Kev so etwas wie ein zweites Mitglied darstellt, und dass die Musik mittlerweile noch mehr wie die einer vollen Band klingt, steht natürlich auf einem anderen Blatt

Auch das vor kurzem erschienene Album “Brand New Dark Age” führt die in den vergangenen Jahren vollzogene Richtung fort und passt auch mit seinen konfrontativ kritischen Texten in die aktuelle Schaffensphase – und, soviel vorweg, in unsere Zeit. Das Album startet rau mit fordernden gebrochenen Rhythmen und einer gequälten Rockstimme, die man aber sogleich als die Matt Howdens erkennt, und auch an den Geigensoli, die wie gewohnt an Gitarrensoli erinnern, erkennt man auch den typischen Violinstil des Projektes. “Fuzzageddon” zeichnet mit seinen verschiedenen Tempo- und Richtungswechseln, die bisweilen fast an Mathrock, gelegentlich aber auch an Noisiges erinnern, das Porträt einer Zeit, die schon vor Jahren in der Dystopie angekommen ist. Das fieberhafte “Feel the fever” kommt vordergründig leichtfüßiger daher mit seinem dribbelnden Takten und den gelegentlichen Pizzicati, doch raues Saitengeschrubbe und eine apokalyptisch anmutende Stimme durch einen Lautsprecher lassen den eingängigen Rocksong, der von einer erwärmten Erde kündet, nicht weniger fatal wirken.

Spannungsvoll vorantastend, dabei aber ohne jede Spur von Schüchternheit, zeichnet “My tribe” mit fast monströsem Sprechgesang ein Porträt eines auf Abwege geratenen Kollektivs, das Menschen aus vielen Ländern vertraut erscheinen dürfte. Wie ein solcher Song sich wohl im UK der vergangenen Monate angefühlt haben mag? In all den rauen Klängen und dem Lärm, der wie der in einen Strahl gebündelte Sound von Sirenen, berstendem Glas und tausend Schreien klingt, ist trotzdem über die Melodie eindeutig Sieben erkennbar. “There is a Zed” richtet seinen Blick nach Osten. In dem nach vorn preschenden Tempo und der zugleich gespenstisch langsamen Rezitation entsteht der Eindruck, dass es kaum Richtungen gibt, in denen noch eine Flucht lohnt, nur die zünftigen Rocksoli in der zweiten Hälfte lassen ein wenn auch zwiespältiges Gefühl von Vertrautheit aufkommen.

Mit der Zeit und vor allem nach mehrmaligem Hören zeichnen sich immer deutlicher markante und originelle Schwerpunkte in den einzelnen Songs heraus, die das Album zwar nach wie vor wie aus einem Guss und doch keinesfalls eindimensional erscheinen lassen. Es gibt luftigere Stücke wie “Stay the Hand”, die vielleicht sogar noch etwas folkiges anklingen lassen und mit einem ohrwurmartigen Gesang brillieren, andere dagegen erinnern in ihrer Effektunterlegtheit fast an düstere Elektroniker kanadischer Prägung, so z.B. “Programme of Entertainment”, eines von mehreren Stücken, die sich mal tänzelnd, mal hechelnd, mal als kraftstrotzende Rockbretter, technischen und medialen Fragwürdigkeiten unsere Zeit annehmen.

Das Album, dessen Titel leitmotivisch durch mehrere Songs geistert, endet mit der Ratlosigkeit verzweifelter Fragen und unguter Prognosen – Worten, mit denen man morgens in den Tag starten sollte: “What do I know of anything? When rivers and kindness flow. Unmissable. Unsayable. This dawning Modern Age smacks hard, hacks better nature. Has dangerous drivers. I fear for us all, this can only end one way. I fear for our world, for what we can never replace”. (U.S.)

Label: Redroom

italienischen Regisseurs Lucio Fulci (1927-1996) gewidmet, der in den späten 50ern mit Kommödien begann, seinen Durchbruch in den Jahren um 1970 u.a. mit Giallofilmen (z.B. Don’t Torture a Duckling 1972) und anderen Thrillern (u.a. Una sull’altra 1969) hatte, später dann auch und v.a. mit Zombifilmen, zum Teil als Fernseh-Produktionen, international bekannt wurde. Zu den Künstlerinnen und Künstlern zählen einige, die wiederholt Thema auf unseren Seiten waren, allem voran Temple Music, The Gray Field Recordings und Black Lesbian Fishermen, ferner Ashtoreth, PAS Musique, Sieben, Naevus, Andrew King, David E. Williams im Duett mit Carlo Baja Guarienti, Vortex und Llovespell.

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Gut zwei Jahre später steht nun der Nachfolger in den Regalen, und dieser ist insgesamt noch kollaborativer ausgefallen. Und da die diesmal mitwirkenden Künstler aus allen möglichen Ecken alternativer Undergroundmusik kommen, ist – trotz des erneut postpunkigen Schwerpunktes – eine gewisse Heterogenität Programm.

Das Album startet gleich mit einem Song, der so ein bisschen dass Inanis Yoake-Minimum zusammenfasst. Was mit einem Ambientdrone und einem leicht verfremdeten Piano startet, steigert sich immer mehr in einen 80slastige Wavesong mit der entsprechend pulsierenden Monotonie zu Kopfhänger-Pathos – eine Szenerie, in die sich noch eine Akustikgitarre als Neofolk-Referenz mischt. Bei “Nowhere”, das noch opulentere Keyboard-Passagen aufweist, steigert sich die Goth-angehauchte Stimmung zu einem Ohrwurm, bei dem am meisten der ernste Gesang Roberto Confortis im Gedächtnis hängen bleibt. Es gibt im Verlauf des Albums einige potenzielle Clubhits dieser Art, zum Teil (“Niente Resta” und “Miraggio”, bei dem Risas entrücktes Piano wie so oft den roten Faden bildet) in spanisch gesungen, was Assoziationen zu dem kraftvollen Elektropop von Comando Suzie erlaubt. Nach einem Auftakt aus melodischen Gitarren und erwartungsvollem Beckenrauschen erscheint “The Edge of Your Street” der dezent in den Hintergrund gemischte Gesang Tony Wakefords auf dem Plan, der hier auch den Bass beisteuert.

Sollte ich besondere Wegmarken benennen, dann wären es die Songs mit weiblichen Guestvocals. Neben “Abandoned”, das mit dem Gesang von Vivienne Cure fast etwas an eine tiefere Version von Eyeless in Gaza erinnert, sind das vor allem “The Abyss in You” und “In the Heart of Nothing”: hier übernimmt die Schlagzeugerin und Theaterfrau Emiko Ota neben einer verspielten Perkussion, die gelegentlich in entfesseltes Freakout mündet, auch den feierlich entrückten Gesang, der v.a. im Zusammenspiel mit der Violine von Matt Howden zu den Höhepunkten des Albums zählt. (U.S.)

Label: Dark Vinyl

Man kann sagen, dass “2020 Vision” so gesehen an das vor rund zwei Jahren erschienene “Crumbs” anknüpft, einem furiosen Rundumschlag gegen den damals aktuellen Stand der Dinge im UK. Doch ebenso wie die Zeit im Vereinigten Königreich auch seitdem nicht stehen geblieben ist, hat sich Sieben ein weiteres Mal gehäutet und wartet mit einigen Überraschungen auf. Eine ist Kev, seine neue fünfsaitige Kevlar-Violine, die hier den Status eines vollwertigen Bandmitgliedes erhält und als solches auch mit Ansagen nicht geschont wird: “We’re all Fucked, Kev” lautet der kompromisslose Titel des ebenso kompromisslosen Openers, und zu punkigem Uptempo, rockigen Soli, schwülheißem Summen und alarmierenden Sirenenklängen erörtern Matt und Kev die Übel der Zeit und Howden bekommt – nicht persönlich, aber als Angehöriger der Spezies Mensch – einen veritablen Abgesang zu hören. “Aufgeschmissen seid ihr, nicht ich”, scheint Kevs Devise zu sein und das Ende des Anthropozän und den Untergang der Menschheit scheint ihn nicht sonderlich zu kümmern – nicht weil er nicht weiß, dass er dem Menschen seine Existenz verdankt und ihn braucht, um gespielt zu werden, sondern weil es ihm an Sehnsucht und Begehren, am Wunsch zu bestehen fehlt. Künstliche Intelligenz will nichts.

Dieses Batteling und all die Hintergedanken zum Album müssen sich irgendwann im letzten Jahr abgespielt haben, lange vor Corona und den immer deutlicher zutage tretenden Folgen unseres Wirtschaftens, die das mettigelförmige Virus erkennen lässt, und auch in dieser Hinsicht erweist sich der apokalyptische Grundtenor des Albums und der Texte über soziale und ökologische Verwerfungen als visionär. Wie es sich für kraftvollen Rock mit endzeitlicher Message geziemt, ist die Stimmung dekadent: Mit groovigem Hämmern auf den Saiten und dem geloopten Stimmengewirr ist das immer dichter werdende “Enzosonbenzos” ein stetig aufgepumpter Ballon, aus dem die Luft am Ende entweicht wie die Farbe aus einem allzu strahlenden Bild. In “Reckoning Beckoning” takten geschlagene und gestrichene Rhythmen gegeneinander an und demonstrieren erneut, dass Rock oder Postpunk mit Geige nicht auf Levellers oder New Model Army, deren Konzerte Howden bereits eröffnet hat, hinauslaufen muss, denn hier übernimmt das Gerät ein ganzes Rock-Instrumentarium. Entpannte Grooves im Downtempo (“Death Tape Updated For 2020″), klassischer Rock mit weiblichen Gastvocals (“Vision”), treibende Ohrwurmstücke (“Come And Ride in The Cult Of Light”) und dystopische Kracher (“The Darkness You have Drawn”) reichen sich die Klinke in die Hand, in elektronischer ausgerichteten Tracks wie “You, My Cult Of Blight” erkennt man die Handschrift des ebenfalls beteiligten Maciek Frett (Job Karma), und zwischen ekstatischen Beats und röhrenden Riffs klingt hin und wieder sogar eine vertraute Folknuance an, so in “Berylsinperil”, in dem die Violine mal ganz klassische Ornamente webt.

“Times like this probably need an album with some positivity. Wish I’d known that before writing this one”, klagt Howden im Pressetext, aber ich denke, dass ihm hier die perfekte Gradwanderung gelungen ist, denn Endzeitstimmung funktionierte seit jeher am besten “with a grain of salt”, und wer derzeit ein Bedürfnis nach Eskapismus hat, ist bei Apocalypse Culture dieser Art ohnehin an der falschen Adresse. (U.S.)

Label: Redroom

Samstag, 27. April 2019
Eilass: 18 Uhr
Friedrichskeller-2017
Bölschestraße 68
12587 Berlin-Friedrichshagen

Event @ FB mit VVK-Adresse

Sieben @ African Paper

Moment mal, Sieben, Matt Howden – war das nicht der Geiger, den man immer mit anheimelndem Darkfolk in Verbindung brachte, der am laufenden Meter von herbstlicher Schwermut durchdrungene Songs produziert und, wie es sich für einen Spätromantiker gehört, Keats und Byron vertont hat? Jein, denn Folk war bei Sieben immer nur eine Komponente unter vielen, zwischen seinen schönen dunklen Popstücken fanden sich schon immer – v.a. auf “Desire Rites” – kämpferische Songs, und der Byron, den er porträtierte, war der sterbende Freiheitskämpfer im griechischen Missolonghi.

Zu “Crumbs” kann man sagen, dass es vom Stil her die Linie seit “The Old Magic” fortfährt, die einen deutlichen Bruch zur klassischen melodischen Phase, die von “Our Solitary Confinement” bis “Each Divine Spark” reichte, einleitet. Seitdem wurde der Sound trockener, grober, spröder, von den Melodien kann man ähnliches sagen, und der Druck, der über das angezogene Tempo in die nach wie vor repetitiven Songs kam, ist kaum zu überhören.

Ging es in “The Old Magic” und den vorausgegangenen EPs um Spuren des Primordialen im heutigen Nordeuropa, so ist “Crumbs” eine trocken disseitige Kampfansage an so manche Unart unserer Zeit, und wie es bei einem so druckvollen Album sein muss, zählen dazu einige Nachlässigkeiten, wie etwa die resignierte Zufriedenheit mit den Brosamen von den Tischen der Bonzen, die im Titelsong verhöhnt wird, aber auch die sich selbst als mutig feiernde, aber letztlich feige Untergangsstimmung der Dauerschwarzmaler, der im Opener “I will Ignore the Apocalypse” eine derbe und dreckige Absage erteilt wird. Und wer weiß, vielleicht steckt in dem Titel auch eine kleine Spitze gegenüber den Versuchen, Siebens seit jeher eigenwillige Musik in die Schublade “apokalyptischer” Musikgenres zu stecken.

Bei all dem wird keineswegs ein intellektueller Diskurs entfacht, sondern Wut, und wenn in “The Overlords are Back” ein Reset für unseren Planeten gefordert oder in “Here is the News” ein neuer kalter Krieg mit immer idiotischeren Machthabern an den zentralen Schaltstellen besungen wird, passt es ganz gut, dass es sich dabei um punkige Pogonummern handelt, bei denen die geloopte Violine verzerrt ertönt – wenn Howden sich in einem der textlastigeren Stücke als “Liberal Snowflake” präsentiert, wirkt das unter den Umständen fast ironisch, aber bei genauerem Hinhören wirkt auch dieses Bekenntnis zu sozialen Werten wie ein trotziger Akt. Zumal es inhaltlich sowieso passt.

Die Grundstimmung des Albums ist dynamisch und pulsierend, an einigen Stellen dreht Howden, verglichen mit früheren Aufnahmen, stark an der Geschwindigkeitsschraube – auch manchmal innerhalb der Songs, was für solide Verfremdung sorgt, und bei dem mit hypnotisch pochenden Beats, Rasseln und verfremdeter Stimme präsentierten “Is it dark enough?” erinnert Sieben fast ein wenig an den Techno mit Rockinstrumenten, wie ihn Bands wie Nisennenmondai spielen. Rock im engeren Sinne findet sich in den zwei Bonusstücken mit Bandbegleitung, aber auch in der Soloversion des herausragenden “Coldbloods”, bei dem die Violine, wenn ich denn nichts überhöre, Riffs, Rocksoli, Rauschen und coole Midtemporhythmen im Alleingang hevorbringt. Und auch hier wieder wundert man sich über das, was schon immer überraschend war – nämlich dass Howden es schafft, mit wenigen Mitteln eine derartige Opulenz zu erzeugen.

Fest steht, dass The Mighty Sieben als satirischer Antiheld im Tweed-Suit in Bestform ist, und ich hoffe, dass das langsam mal eine etwas größeren Hörerschaft erreicht. (U.S.)

Label: Redroom

Ich beginne ganz bewusst mit der Musik, um neben denen, die ohnehin am guten Zweck dieser Veröffentlichung – Ania Mehring, die Frau des Zoharum-Chefs und eine enge Freundin der Kuratoren und vieler der vertretenen Musiker, in der Behandlung ihrer Krebserkrankung finanziell zu unterstützen – interessiert sind, auch die anzusprechen, die auf der Suche nach guter postindustrieller Musik sind. Die vom polnischen Santa Sangre-Magazin zusammengestellte Anthologie „When Words Fail, Music Speaks“ enthält knapp sieben Stunden davon, und ich bekenne gleich, das keiner von uns sie bisher komplett hören konnte. Insofern soll die Compilation hier auch mehr vorgestellt als bewertet werden.

Hier also ein kurzer Abriss unserer Favoriten, angefangen bei den eher ambienten Beiträgen: Troum, die selten so entrückt klangen wie hier; Tor Lundvall mit einem exklusiven Track, entschleunigt, kristallin und wie so oft eine perfekte musikalische Entsprechung seiner beeindruckenden Bilder; Celer, der gleich ein ganzes One Track-Album beisteuert; etwas derangierter S.E.T.I. mit mysteriösem Glockenspiel. Den Ritualbereich decken in erster Linie Phurpa ab mit einem urig klingenden Ritual der alttibetischen Bön-Religion; ebenfalls auf diesen Kulturkreis referiert die deutsche Ritual-Ambient-Band Nam-khar; weniger Rituelles aus dieser Region steuert Rapoon in Form eines Raga bei. Rauer und atonaler gibt sich diesmal Niedowierzanie, ferner der vertrackte rhythmische Vortex von Micromelancolié, die bedrohliche Samplekollage von Monopium und die kalten Soundwellen von Cindytalk. Völlig im Industrial verortet das düster grollende Stück von Nordvargr und der Horror Rhythm Noise von Darkrad. 7JK alias Matt Howden und Maciek Frett leiten über in den songorientierten Teil mit einer zerfledderteren Version ihres „Starseed“, ein interessanter Folk/Industrial-Mix kommt von der Kollaboration zwischen Deutsch Nepal und Varunna. While Angels Watch, Mars, Albireon, Andrew King mit einem urigen Live-Mitschnitt, Naevus mit einem akustischen Joy Division-Cover, Urgeistein Tony Wakeford mit einem anrührenden Duett – sie alles haben einen unterschiedlichen Dark Folk-Einschlag und zeigen, wie vielschichtig dieses vermeintliche Genre doch ist. Zwei besondere Perlen stammen von Sieben und Ô Paradis: Howden hat mit seinem Hauptprojekt vor einiger Zeit das rockige Geigen und Loop-Stück „Hillfort Mindset“ aufgenommen, das hier in leichter Modifikation als „Brexit Requiem“ erscheint, und in der Tat hatte der Text über einen zwiespältige Verrammelungfanatismus (Thomas Bernhard) etwas prophetisches. Der Katalane Demian Recio klingt mit „La Belleza Esclava“ um einiges sperriger und elektronischer als man es nach dem letzten Album erwartet hätte.

Allein diese kleine Auswahl bezeugt die musikalische Bandbreite der Compilation, die man hier erwerben kann, die genannten Namen sprechen für einen Qualitätsanspruch über dem gängingen Standard. Eine weitere Möglichkeit, Ania Mehrings Behandlung zu unterstützen, findet sich auf dieser Facebook-Seite. (J.G./U.S.)

Label: Santa Sangre