Martin Weinreichs Herangehensweise auf seinem Debütalbum „Points of Entry (1989-1995)“  ist dann auch eine andere: Unter dem Motto „Channeling confusion and fear 1989 – 1995 | This attempt to fix the trajectory was completed in 2020“ wird das Album verstanden als „ein elektroakustisches Tagebuch im Nachhinein – mit Einträgen über Entdeckungen, Verwirrung, vage Erwartungen und einige hartnäckige Geister, die sich bisher geweigert haben, zu gehen. “ Weinreich verweist im umfangreichen Booklet u.a. auf Mark Fisher, ordnet jedem Track ein Foto sowie Zitate (Auszüge aus Rezensionen etc.) zu, nennt Musiker, die er als „enablers“ versteht: von Cypress Hill zu Morbid Angel, Skinny Puppy zu Tricky, Public Enemy zu Throbbing Gristle, um daraus ein assoziativ-fragmentarisches Album zu konzipieren. Der Plural im Albumtitel weist vielleicht schon auf die zahlreichen, unterschiedlich(st)en Zugänge hin. Hier wird collagiert, werden Cut-Ups vorgenommen. Das ist (T.S. Eliot plagiierend) “a heap of broken images and sounds”.

Der erste Track „A Point Of Entry (13/03/1989) verweist auf einen Auftritt Front 242s: Man hört Beats und französiche Sprachsamples. „Two Instances Of British Funk“ spielt auf den „Grizzly, Essex funk“ von Nitzer Ebb an, „Chicago Trax (Deities/Rabies)“ evoziert Skinny Puppy, „Steady Diet (01/07/1992)“ ist mit Stimmenfragmenten ein atmosphärischer Dark Ambient-Track, auf „If You Want To Become“  ist Lungfish der Referenzpunkt. Es gibt das dissonante „Soul“, „Industrial Introduction“ thematisiert Videoaufnahmen von Throbbing Gristle. Auf 15 Stücken, die zwischen 30 Sekunden und sechs Minuten lang sind, bekommt der Hörer mehr Fragen als Antworten. Weinreich spricht von „processing, editing and composition“ und mit dieser Heransgehensweise erzeugt er etwas (im positiven Wortsinne) Rätselhaftes. Seine Methodologie spiegelt sich dann auch vielleicht in dem im Booklet zu findenden Zitat aus Thomas Ligottis Kurzgeschichte “The Troubles of Dr. Thoss” wider: „any cultural source of published material would do as long as its pictures spoke the language of dark lines and vacant spaces.“ (MG)

Label: Hauch Records 

Andere Projektnamen und Titel von Veröffentlichungen mit ihren Verweisen auf Ligotti, Lovecraft, Poe und Algernon Blackwood lassen auf Interesse an unheimlicher Literatur schließen. Das Projekt Tsalal (auf Poe respektive Thomas Ligotti anspielend) ist von der Besetzung eine Art Noise-Supergroup bestehend aus Ramirez-Matzus, Richard Ramirez, James Tallis, Scott Kindberg, Thomas Puopolo und Lexi C.M.K. Turner (die nach einer Zeit in Gothbands seit einiger Zeit Harsh Noise veröffentlicht). „Blessed be the seed that is planted forever in darkness“ steht auf der Bandcampseite als Motto und so lautet auch der Titel des 2011 veröffentlichten Debüttapes.

Oftmals ist es Dark Ambient, der sich dazu berufen fühlt, den Soundtrack zur Rückkehr der großen Alten etc. zu schaffen (siehe etwa hier). Auf “Nightmares Confront Them on Either Side of Sleep” bleiben die Beteiligten allerdings ihrem musikalsichen Hintergrund treu: Man hört eine gute halbe Stunde lang brutzelnden, sich wenig verändernden Harsh Noise. Inwiefern sich aus dieser Konfrontation mit Dissonanz, Brachialität und (scheinbarer) Strukturlosgkeit Beziehungen zum Titel des Tapes (der auf die Kurzgeschichte des inzwischen in Florida lebenden Autors verweist, die auch der Projektname zitiert) ziehen lassen, ist letztlich schwer auszumachen – was auch nicht unbedingt nötig ist. Schließen wir einfach mit ein paar Zeilen aus Ligottis “The Tsalal”: „They had attained the stripped bone of being, the last layer of existence without name or description, without nature or essence: the nothingness of the blackness no one had ever seen…or would ever see.“ (MG)

Label: The White Visitation

2015 war Slatskys erste Zusammenstellung Alectryomancer and Other Weird Tales veröffentlicht worden, der Nachfolger kommt nun bei dem kleinen Verlag Grimscribe Press heraus, der von Jon Padgett (Thomas Ligotti Online) geführt wird, der schon seinen eigenen Beitrag zur unheimlichen Literatur beigesteuert hat. Slatsky hat im Vorfeld der Veröffentlichung viel Lob bekommen und seine zweite Sammlung ist tatsächlich eine sehr starke Zuammenstellung, auf die die eingangs genannte Kritik erfreulicherweise überhaupt nicht zutrifft. Slatsky bewegt sich in The Immeasurable Corpse Of Nature souverän durch verschiedene Gattungen und verschiedene Zeiten („From a People of Strange Language“, in dem es um die Sprache der Toten geht, ist als Einakter angelegt, das im 19. Jahrhundert angesiedelte „Devils Gonna Catch You in the Corners“ besteht aus einer Reihe von Tagebucheinträgen; zudem finden sich nichtfiktionale Texte, u.a. über „The Numinous in God, Nature, and Horror“).

Die erste Kurzgeschichte „Phantom Airfields“ thematisiert den Verlust eines Kindes und die Trauer des Vaters und erinnert in der Darstellung des Schmerzes im Rahmen einer unheimlichen Geschichte an den viel zu früh verstorbenen Joel Lane. Der Protagonist kommt zu der Erkenntnis: „The world dilapidates. Everyone will vanish into nothingness. Children are taken away from bathroom rest stops.“ In „Engines of the Ocean“ bekommt die Protagonistin Cordelia einen vor Jahrzehnten an ihren inzwischen verstorbenen Vater adressierten Brief zurück, auf dem eine scheinbar echte Nachricht ihres Vaters zu sehen ist. Sie fährt an ihren Heimatort und findet diesen in einem seltsamen Limbus. Atmosphärisch erinnert das dargestellte Szenario an „Silent Hill“. „The Carcass of the Lion“ handelt von der Freundschaft zweier Frauen, Hazel und Sylvia, es geht um Krankheit und am Rande um häusliche Gewalt. Die Veränderungen an und in den Bienenstöcken, die man sicher als Analogie zur Krebserkrankung Hazels lesen kann, lassen an „The Colour Out of Space“ denken, wenn auch hier die Metamorphosen ambivalenter wahrgenommen werden, wenn Sylvia fast gnostisch feststellt: „The comb was a subversion of design from the undesigned, patterns boiling from the patternless, exhibiting glory in such beauty. She wept at God’s terrible inventions. If the world was intentional, it had been formed maliciously, the maker intent on antagonizing its handiwork.”

Die im frühen 20. Jahrhundert spielende Geschichte “The World is Waiting for the Sunrise” zeigt Spiritismus und wie versucht wird durch eine Séance den Tod des eigenen Kindes zu bewältigen. Erfährt man im Verlauf des Textes, wie man Ektoplasma vortäuschen kann und glaubt man, es mit Charlatanerie zu tun zu haben, wird plötzlich alles (scheinbar?) umgekehrt und die Geschichte endet todtraurig und mit einem wahrlich grauenhaften letzten Satz. In „Palladium at Night“ macht sich die Hauptfigur Irepani mit seinem Hund zu einem entlegenen Turm auf, dem Leman fire lookout tower, und wird dort mit den Auswirkungen eines fehlgeschlagenen “okkulten” Militärexperiments konfrontiert. Irepani wird Zeuge eines apokalyptischen Szenarios kosmischer Dimensionen, das an Hodgsons The House on the Borderland erinnert: „Galaxies decomposed, dead dwarf stars sputtered out […] What could no longer be called time passed nonetheless, replaced by a cold, lightless void with no activity save for perpetual dilapidation, existence dwindled into inert useless particles.“ Die alliterierende Geschichte „Professor Cognoscente’s Caliginous Charms Carnival“ ist ein Spiel mit Topoi unheimlicher Literatur, wie dem “verbotenen” Buch (Slatsky erschafft hier (das deutsch betitelte) Wirkungen der Leiche und verweist auf Autoren mit so unaussprechlichen Namen wie Ah Uincir Dz’acab). Auch hier findet sich eine Evokation kosmischen Horrrors: „The crowd stares into the carnival of the night sky, a vast region populated by bulbous objects tented by a smattering of stars. The spiral arms of galaxies pinwheel around dense, bloated masses, shadows cavort in space, pursuing voracious grinning things.“ In „The Anthroparian Integration Technique“ besucht die suizidale Hauptfigur Bian einen Arzt, der seine Praxis „at the end of a lonely strip mall, the last retail building on the outskirts of town“ hat. Das erinnert an Ligottis “degenerate little towns”. Bian unterzieht sich der titelgebenden Therapie des Dr. Silvert und kommt zu der Erkenntnis: “The World was brute force, elegant in its efficiency. Chaos blundered its way through space with wanton cruelty, tossing aside the toys of Creation.”

„The Figurine“ verbindet die Trauer eines Bruders, dessen jüngere Schwester bei einem der ubiquitären school shootings (auch wenn ein Geistlicher zu dem Protagonisten sagt: „School shootings are rare, statistically speaking.“) ums Leben gekommen ist, mit Folk Horror-Elementen und Missbrauch. In einem Genre, in dem unzuverlässige Erzähler (wie paradigmatisch in Poes „The Tell-Tale Heart“) nicht selten sind, bietet sich die Demenz als Thema geradezu an. Reggie Oliver hatte in „Flowers of the Sea“ die mentale und künstlerische Desintegration einer Malerin thematisiert. Slatskys „SPARAGMOS“ zeigt einen sich in Demenz verlierenden Protagonisten („Without memory, the world had no meaning.“), der sich mit einem vielleicht nicht nur metaphorischen Labyrinth konfrontiert sieht. Er entdeckt Menschen, die nur noch Hüllen sind: „The substance was papery, crackling slightly. It looked to have once been whole, but was now dismembered, torn into the flabby outline of a face with vacant eyeholes, a hollow arm, an impression where it once connected to a hip.” “Queer Woman Surgeon” verwendet Motive japanischer Horrofilme. Die Titelnovelle, die den Massensuizid eines antinatalistischen Kults zum Thema hat, ist (auch) eine Diskussion gegenwärtiger antinatalistischer Diskurse: „by condemming a mind that experiences suffering, by saying consciousness is terrible and unnatural, they appeal to a kind of nihilistic anthropocentrism. Anti-natalism is misanthropic and anthropocentric. […] Solipsistic epistemology.“ Es finden sich Verweise auf Mainländer und Cioran. Am Ende kommt die Protagonistin zu dem Schluss, dass das Universum nicht indifferent ist: “Nature blunders like a drunk groping a whore in an alley. […] She cares dearly. Nature saw to it that there are far more bacteria on Earth than stars in the universe. She dearly loves her fungi, viruses, prions, and the glorious symphony of decomposition.”

Slatskys Charaktere sind fast alle Versehrte und (Er-)Leidende und auch wenn er in seinen Themen und Motiven sicherlich von Thomas Ligotti beeinflusst ist, so ist er in der Art der Figurenzeichnung näher an Ramsey Campbell. Alle Texte verbindet das Leitmotiv von Verlust und Schmerz und die Bilder Käthe Kollwitz‘ mit ihren kauernden Figuren, die ursprünglich natürlich einem völlig anderen Kontext entstammen, sind eine durchaus angemessene Illustration dieser Texte, die zeigen, was unheimliche Literatur alles zu leisten vermag. (MG)

Verlag: Grimscribe Press

Anders als heute, nachdem man sich wieder mehr an häufige Stilwechsel gewöhnt hat, konnte “Soft Black Stars”, auch wenn die kurz zuvor erschienene EP “A Gothic Love Song” den Sound des Albums bereits in gebotener Kürze ankündigte, überraschen: Das Gros der Songs basierte auf einem minimalen Gerüst aus von Maja Elliott und Michael Cashmore eingespielten Klavierparts und Tibets Textvortrag, der oft nur ein leicht melodisch eingefärbter Sprechgesang war, der an Downtempo-Reduziertheit die ebenfalls stark rezitativen Stücke der “Of Ruin or Some Blazing Starre” noch um Längen übertraf: “Soft Black Stars” war eine Platte zum Runterkommen und strahlte vom ersten bis zum letzten Ton die Aura einer schwermütigen, aber auch deutlich friedvollen Besinnung aus.

Ähnlich wie die Songs untereinander, die durch wiederkehrende Motive und Stimmungsnuancen zu einer organischen Einheit verwoben schienen, wirkten auch Musik und Texte wie für einander geschaffen und schienen einem kohärenten Stimmungsbild zu entsprechen. Die koboldhafte Exaltiertheit, mit der Tibets Gesang immer mal die Grenzen des Bizarren überschritt, hatte hier keinen Platz, und jedes Drängen, jede Begierlichkeit, die in früheren Arbeiten den eschatologischen Grundtenor mitgeprägt hatten, waren aus den Lyrics und ihrer Darbietung verschwunden, die hier wie wehmütige Bekenntnisse eines Menschen klangen, der seinen Frieden gemacht hat: mit den angsterfüllten religiösen Ahnungen seines früheren Selbst (so in “Moonlight, or Other Dreams, or Other Fields”), mit der Substanzlosigkeit, die Zuneigung im Rahmen subkultureller Klischees annehmen kann (in “A Gothic Love Song”), v.a. aber mit dem immer noch nagenden Verlust nahestehender Menschen (in “Larkspur and Lazarus”, “Mockingbird”, The Signs in the Stars” und dem von besonderer Trauer durchdrungenen “It’s Time, Only Time”, bei dem für kurze Augenblicke die Violine Peter Vastls zu hören ist). Als eine Art Gegenstück zu diesen Bürden der Erinnerung mag man die (romantische) Utopie betrachten, die im Titelsong anklingt: im kindlich-vorsymbolischen Urzustand (“Deliver them from the book / And the letter / And the Word / And let them read the silence”) und in der Hoffnung auf einen Ort, an dem man sich wiedersieht, und an dem die sanften schwarzen Sterne scheinen.

All dies scheint eingetaucht in das Gefühl einer freundlichen Abgeklärtheit und etwas, das sich wie der Wunsch nach Neuerfindung anfühlt. “If I could have one wish / As in the fairy tales / I would unmake my past / And rise like Lazarus / And stand in sunlight / And banish all the dark” heist es in “Larkspur and Lazarus”, “And so I put away / All talk of death’s heads / And a little glimpse is a bloodblossomed force / And all talk of apocalypse” später in “Moonlight”, und auch wenn diese Stellen primär im Kontext der jeweiligen Songs Bedeutung haben, passen sie doch auch zu der Atmosphäre von Besinnung und selbstreflexiver Rückschau, die sich im Kleinen schon seit der “Tamlin”-EP ankündigte, aber hier erstmals zu einer zentralen Eigenschaft wurden. Dass Current 93 sich damals Current Ninety Three schrieben, mag all dies symbolisch unterstreichen, mehr noch, dass Tibet zwar nicht erstmals, aber erstmals im größeren Stil das Artwork mit eigenen Bildern schmückte. Und auch wenn man das als Trivia abtut: Current 93 wurden fortan überwiegend von denjenigen Dark Folk-Fans gehört, die wenig Interesse an einem verengten Szenedasein hatten, später dann vermehrt auch von Hörern mit den unterschiedlichsten Hintergründen.

Folkreferenzen gibt es durchaus, “Antichrist und Barcodes” und “Moonlight” basieren von der Melodie her auf dem Traditional “The Rolling of the Stones”, “Mockingbird” und “The Signs in the Stars” auf “O Willow Waly”, den man aus dem Film The Innocents (1961) kennt. Der Titelsong wiederum, der auch durch ein Antony and the Johnsons-Cover bekannt wurde, adaptiert den Renaissance-Klassiker “Une Jeune Fillette” von Jehan Chardavoine, und im in seiner Abgeklärtheit erschütternden Schlusstrack “Chewing on Shadows” tauchen dann einige traditionelle Instrumente aus dem dronigen Sirup auf.

Auf der im letzten Jahr von Michael Lawrence alias The Bricoleur klanglich aufgearbeiteten Neuauflage sind zwei in der Zwischenzeit entstandene Versionen dieses Songs angehängt, und man kann dieses Album, das Current 93 vielleicht von ihrer nachdenklichsten Seite und die rezitativen Vocals noch in voller Frische zeigt, immer noch jedem empfehlen, der die Band kennenlernen will. (U.S.)

Label: The Spheres

Schon seit längerem durch einen Teaser angekündigt, erscheint nun „The Light Is Leaving Us All“, das, soviel vorweg, vielleicht stärkste Album Current 93s seit „Black Ships Ate The Sky“. Das hängt sicher mit der Quaität der Songs zusammen. „Thunder Perfect Mind“, eines der Referenzwerke der Band, war natürlich ein Album, das deswegen eine unglaubliche Resonanz gefunden hat, weil es zwar sicher ein Füllhorn an Ideen war, aus denen andere Bands gleich mehrere Alben gemacht hätten, aber es enthielt eben auch einfach fantastische Stücke. Bei “The Light Is Leaving Us All” sehen das nicht alle genau so, aber meines Erachtens ist die Zahl der “Hits”, falls dieses Wort nicht fast schon zu profan im Zusammenhang mit Current 93 klingt, diesmal sehr hoch.

Thomas Ligotti, auf dem Myrninerestalbum als “Emperor Of the non-existent Knife of Night” apostrophiert, ist auf “The Birds Are Sweetly Singing”, dem weitgehend instrumentalen Opener, der aus Samples, field recordings, Theremin, Klavier und E-Gitarre besteht, kurz zu hören. Das dann folgende  “The Policeman Is Dead” wird von Alisdair Roberts gezupfter Gitarre durchzogen und knüpft wie einige andere Stücke auf “The Light Is Leaving Us All” durchaus an Current 93s Arbeiten aus den 90er Jahren an. Die vorab veröffentlichte Single “Bright Dead Star” ist vielleicht als Song noch eingängiger, ist ein wahrlich catchy tune. Seltsame Perkussion leitet „A Thousand Witches“ ein, das von der Art des Vortrags etwas an die letzten Stücke von „Of Ruine Or Some Blazing Starre“ erinnert. Das wunderschöne “Your Future Cartoon” mit dem Zusammenspiel von Gitarre und Klavier rührt zu Tränen und auch „The Bench and the Fetch“ mit Ben Chasny an der „doppelgänger“-Gitarre würde in einem anderen, besseren Universum an der Spitze der Charts stehen. Wem “Fair Weather” mit dem todtraurigen Geigenspiel von Aloma Ruiz Boada keine Schauer über den Rücken jagt, der ist vollends abgestumpft.

Neben diesen recht harmonischen Stücken gibt es das etwas sprödere „30 Red Houses“ mit dramatischem Gesang Tibets oder das leicht dissonante „The Postman is Singing“ mit monotoner Gitarre und dunkler Geige, die das Bedrohliche, das sich in Zeilen wie “The LORD is on the Storm/He is the Storm” oder “When you turn out your Light/How’s Baal in the BedRoom” manifestiert, besonders unterstreichen. Geige und Dudelsack hört man auf  “The Kettle’s On”, auf dem ein weiteres apokalyptisches Szenario entfaltet wird: “Cain moves our jaws/Cain is tongue in our mouth/Our hands stretch link/With Cain’s tendons [...] Dust storm and bone storm/TwiLit skies”. Daran knüpft das von Drehleier und Geige dominierte “The Milkmaid Sings”, mit dem das Album endet, an: “The lambs so sweet on grass/A thousand ded horsies/Hover over their skulls”.

Auf “The Light Is leaving Us All”  sind die einzelnen Stücke durch Textzeilen und immer wiederkehrende Motive miteinander verwoben. Gleichzeitig finden sich Verwiese auf frühere Arbeiten (“SeaHorses”, “Signs in the Stars”, “Horsies”, “Aleph” oder “Cain” tauchen auf). Hier wird eine gefallene Welt besungen: „And please read the First Book/And consider the fall“ („The Policeman is Dead“), es werden Apokalypsen kosmischen Ausmaßes beschrieben: „WatchTowers arise from sand/Bring in storms in and out/Then to death chariots arise/As bone of stars“ („Fair Weather“) und alle Vorbereitung ist letztlich Makulatur: “The farm is boarded/Against the storm/But in the spaces InBetween/Wood and Brick and wood/The squeak awaits”(“Your Future Cartoon”). Gleichzeitig sind der Titel des Albums und die bemalten Fotografien des Artworks sicher ambivalent. Tibets Art des Textens macht ein Dekodieren letztlich aber fast unmöglich. Hier verdichtet sich die Privatmythologie zu einem Universum aus Chiffren. (MG)

Label: The Spheres / House of Mythology (Tape)

In „The Bungalow House“ findet der Ich-Erzähler in der kleinen Kunstgalerie, die er während seiner Mittagspausen aufsucht, eines Tages auf Kassette – zum Zeitpunkt des Entstehens der Geschichte war das noch nicht das jüngste Hipstermedium – aufgenommene Traumdialoge, von denen der erste vom titelgebenden „Bungalow House“ handelt, einem Ort, an dem „the moonlight shone through the dusty blinds and revealed the bodies of insects and other vermin on the pale carpet. […] Some of them seemed to be deformed, their naturally revolting forms altered in ways I could not discern.“ Der Sprecher dieses Monologs fühlt “The infinite terror and dreariness of an infested bungalow house […] A bungalow universe” und empfindett eine “euphoric hopelessness”. In jeder Zeile verspürt man Ligottis “Aesthetics of decay” (Chris Brawley), die sich in den  “degenerate little towns” und den verfallenen Fabriken, in denen viele seiner Texte angesiedelt sind, widerspiegelt.

Der Erzähler hört später einen weiteren Traumdialog namens „The Derelict Factory with a Dirt Floor and Voices“ und wird immer besessener davon, den Künstler zu treffen, glaubt er doch hier eine verwandte Seele gefunden zu haben, jemanden, der seine Vorliebe für die „icy bleakness of things“ teilt. Er bittet Dalha, die Betreiberin der Galerie, darum, ein Treffen zu organisieren und hat dann auch schließlich in der Bibliothek eine Begegnung mit einer Figur, die sich ihm in die Dunkelheit entzieht, “as though he were floating.” Am Ende des Textes muss der Erzähler feststellen: “I suffer every minute of the day (and night), this killing sadness that feels as if it will never leave me no matter where I go or what I do or whom I may ever know.”

Die Geschichte ist polyvalent, Ligotti selbst weist in dem im umfangreichen Booklet abgedruckten Interview rückblickend darauf hin, dass sowohl eine übernatürliche als auch eine psychologische Lesart möglich sei, aber ob man den Erzähler nun in eine lange Tradition unzuverlässiger einreiht (“Is it not clear that I am not mad?”, heißt es in einem der berühmtesten Texte Poes) oder nicht, spielt letztlich keine Rolle, denn die Konsequenzen sind die gleichen: In dem die Veröffentlichung begleitenden Essay schreibt Matt Cardin: “In this story, there is no consolation, because there is no connection. Connection is in fact categorically impossible, because there is no other person with whom one can connect. Any sense of another person with whom one shares an affinity of sensibility and worldview is an illusion, and the knowledge of this kills even the pleasure one formerly felt in contemplating putatively consoling works of art. [...] There is no solace […] either in art or in life, not in this world or any other.”

Vorgetragen wird der Text von Jon Padgett, Betreiber von Thomas Ligotti Online, der vor einiger Zeit noch selbst als Autor uneimlicher Kurzgeschichten debütierte. Seine Stimme ist im Vordergrund, die von Chris Bozzone komponierte Musik changiert zwischen „ominous drones“ und leicht atonalen Passagen, die den Vortrag angemessen irritierend untermalen. Motive aus “The Bungalow House” wurden dann einige Jahre später in Ligottis Zusammenarbeit mit Current 93 auf “I Have A Special Plan For This World” wieder aufgegriffen: “This world is a mistake.”, hieß es dann dort. (MG)

Label: Cadabra Records

Das recht überraschend veröffentlichte „The Stars On Their Horsies“ soll ein „peek“ in das neue, im Oktober erscheinende reguläre Album sein und basiert auf zwei Alpträumen, die Tibet vor einiger Zeit hatte. Die Bezeichnung des One-Track-Albums als „SideShowPeek, or perhaps a GasStationCarnival“ gibt auf gewisse Weise schon einen Hinweis auf die thematisch-musikalische Ausrichtung. Thomas Ligottis Kurzgeschichte „Gas Station Carnival“, die in der (ursprünglich) von Durtro veröffentlichten Sammlung Teatro Grottesco zu finden ist, ist eine besonders gelungene Illustration des Verschwimmens von Realität(en), von Gewissheit(en) und das gesamte Werk des Amerikaners ist geprägt von Texten, in denen Figuren z.B. in “Alpträumen sterben” oder wie S.T. Joshi formuliert: “The focus of all Ligotti’s work is a systematic assault on the real world and the replacement of it with the unreal, the dream-like and the hallucinatory.” Träume bzw. Alpträume haben außerdem schon immer im Werk Tibets eine wichtige Rolle gespielt: Man denke etwa an das „In Menstrual Night“-Album oder aber an „The Dreammoves of the Sleeping King“, ein Stück, das konzipiert war als “soundtrack for a film that Steven Stapleton and I were thinking of making, based on the idea of the lands where dreams went when they died“. Auf „The Frolic“ hieß es: „I have such nightmares and you’re all in all of them.”

„The Stars On Their Horsies“, dieses „laterale“ Album, folgt in der musikalischen Umsetzung, durch seine Kollagierung verschiedener und nur scheinbar disparater Elemente einer (Alp-)Traumlogik – die schließlich auch häufig eher assoziativ-fragmentarischen Charakter hat, wo Motiv(komplex)e und Handlungsstränge plötzlich verschwinden oder in veränderter Form wiederkehren.

Das Album beginnt mit Chorälen, die entfernt an das Frühwerk Current 93s denken lassen, dann setzt Klavier ein, man hört Jahrmarktmusik, die schon auf „Aleph At Hallucinatory Mountain“ auf „As Real As Rainbows“ verwendet wurde, verfremdete Stimmen tauchen auf und man wird an den Beginn von „Imperium III“ erinnert. Inmitten des Stimmengewirrs tönen Glöckchen, so dass man meint The Venerable `Chimed Rig’dzin Lama Rinpoche geselle sich aus dem Jenseits hinzu. Zu dunklen Drones flüstert Tibet Worte, die sich (nur teilweise) erahnen lassen. Dann intoniert er wie ein Mantra die Zeilen „Thirty red horses upon a red hill/Now they stand, now they chant, now they stand still”.

Diesem Album fehlt sicher – dem Sujet geschuldet – die Kohärenz, die zum Beispiel die Arbeiten „In A Foreign Land, In A Foreign Town“ oder „I Have A Special Place For This World“ charakterisierte, aber „The Stars On Their Horsies“ ist m. E. ein wesentlich stärkeres Album als „The Moons At Your Door“, dem Soundtrack zu Tibets Zusammenstellung unheimlicher Geschichten. Vielleicht ließe sich dieses Werk (etwas verkürzt) als „Faust at Bar Maldoror“ passend beschreiben. Dass nach genau 39.39 Minuten dieses somnambule Album endet, ist ein nettes Detail. (MG)

Label: The Spheres

Auf den letzten regulären Alben waren die Texte zu unglaublichen Konvoluten angeschwollen und als auf „I Am The Last Of All The Fields That Fell“ Antony „Mourned Winter Then“ vortrug und das Stück fast atemlos beendete, dann war das meines Erachtens zwar eine der beeindruckendsten Gesangsleistungen Antonys der letzten Jahre, zeigte aber gleichzeitig, dass diese Form der Texte/des Textens sich kaum noch für ein Songformat – wie aufgeweicht auch immer das bei Current 93 in den letzten Jahren (vor allem live) war- eignete.

Das neue Album „The Moons At Your Door“  soll die demnächst über Strange Attractor erscheinende von Tibet editierte Anthologie „seltsamer Geschichten“ gleichen Namens begleiten und entfernt sich von den auf die Stimme und (weitgehend) akustische Instrumente fixierten Arbeiten der letzten Jahre. Vielleicht wird der eine oder andere gar an die Ende der 90er/Anfang der 00er Jahre veröffentlichten „experimentelleren“ Alben denken (wenn man solch einen vagen Terminus verwenden will, der bei Current 93 vielleicht sowieso nur partiell greift): An die beiden Arbeiten mit Thomas Ligotti oder das auf Count Stenbocks „Faust“-Geschichte basierende Album.

Das Titelstück besteht aus Wellenrauschen, Möwenschreien, Schritten, die durch ein Kiesbett zu gehen scheinen, Klopfen, Donnergrollen, einer verzerrten Stimme, die u.a. „If you do not come to me, I will come to you“, „Look up there/The moon’s at your door“, „we are sent to choke you“ oder „choke yourself“ spricht, ein paar Effekte, nach 20 Minuten endet der Track. Mit Variationen des Tracktitels „There Is A Graveyard That Dwells In Man“ beginnt das zweite Stück, ganz im Hintergrund hört man  Drones, Stimmen (entfernt musste ich an das frühe Current 93-Stück „Christ’s First Howling“ denken), dann am Ende die letzten Minuten Störgeräusche und Fiepen. Die Feldaufnahmen wurden (von Tibet) in Hastings und (von Liles) in Venedig aufgenommen.

Wenn man demnächst das Buch gleichen Namens in den Händen hält, sich in die Geschichten von Thomas Ligotti, MR James, Arthur Machen oder aber Aleister Crowley (insgesamt finden sich 30 Kurzgeschichten) vertieft, dann kann man dieses Album sicherlich ganz gut als Soundtrack verwenden, der die Stimmung noch unbehaglicher macht, für sich allein funktioniert “The Moons At Your Door” nur bedingt. Dafür passiert (klanglich) etwas zu wenig und die einzelnen Elemente wirken manchmal etwas disparat. An die Ligottiarbeiten kommt „The Moons….“ also nicht heran. Viel eher sollte man das Album in die Gruppe kleinerer Arbeiten, wie z.B.  “Haunted Waves Moving Graves” oder “Who Is The Sufferer”  einordnen. (M.G.)

Label: The Spheres

Unter den Autoren, die in der jüngeren Vergangenheit originelle Beiträge zur unheimlichen Literatur beigesteuert haben, sticht der in Birmingham lebende Brite Joel Lane aus verschiedenen Gründen hervor. Sein Output ist weder auf ein Genre noch auf eine Gattung festgelegt: So lassen sich seine bisher veröffentlichten zwei Romane From Blue to Black und The Blue Mask tendenziell eher dem Mainstream zuordnen, seine vier Sammlungen mit Kurzgeschichten (The Earth Wire wurde 1994 mit dem British Fantasy Award ausgezeichnet) gehören dagegen zur unheimlichen Literatur; außerdem hat er noch mehrere Lyrikbände veröffentlicht. Im folgenden Interview sprach ich mit Joel Lane u.a. über Motive und Themen seiner Arbeiten und künftige Projekte. In all seinen Äußerungen zeigt sich Lane als ein äußerst belesener und reflektierter Autor.

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Du arbeitest als Journalist, und schreibst auch Lyrik, Kurzgeschichten und Romane. Ich habe mich gefragt, inwiefern der Schreibprozess sich in den jeweiligen Fällen unterscheidet. Die Geschichten in deiner jüngsten Sammlung  Where Furnaces Burn wurden über einen Zeitraum von 13 Jahren geschrieben und veröffentlicht. War es von Anfang an klar, dass du einen Zyklus von Geschichten schreiben würdest, die miteinander verknüpft waren  – sowohl thematisch als auch durch den Protagonisten?

Ja, wobei ich einige Jahre gebraucht habe, hauptsächlich Geschichten für diese Serie zu schreiben. Der Gedanke war, Elemente des Roman noir und des Subgenres des okkulten Detektivs zu verbinden. Dadurch hatte ich eine Grundlage, die komplex genug war, um eine ziemlich unterschiedliche Gruppe Geschichten zu schreiben: Es gibt sowohl Geister, mythische Geschöpfe, seltsame Kulte, heilige Relikte und monströse Kreaturen als auch Diebe, Gangster und Killer. Ich wollte Platz für viel thematische und stimmungsmäßige Abwechslung lassen, aber dass ein kumulativer Effekt da war. Es war nicht, als ob man einen Roman schreibt, da mir immer ein, zwei Ideen zur gleichen Zeit kamen und nicht in chronologischer Reihenfolge. Einige der Geschichten sind sehr dunkel, andere etwas bejahender.

Ich glaube, eine der ersten Geschichten, die ich von dir gelesen habe, war die Titelgeschichte von The Lost District. Gehe ich recht in der Annhame, dass ein wiederkehrendes Thema deiner Geschichten das des Verlusts und Verlierens ist? 

Wahrscheinlich schon. Da gehören zwei Aspekte zu: persönlicher Verlust und die Idee breiterer sozialer und kultureller Verluste. Der Titel von “The Lost District” ist ein Spiel mit den “verlorenen Städten” der Pulpliteratur. Insofern deutet er darauf hin, dass der Distrikt einer ist, wo seltsame Einflüsse am Werk sind. Persönlicher Verlust ist ein wichtiges literarisches Thema und eines, zu dem ich ziemlich häufig zurückkehre, aber es kann etwas monoton werden, wenn du das meinst. Die Herausforderung liegt darin, zu verstehen, wie Menschen weitermachen, wie sie überleben – emotional ebenso wie physisch. Das Leben ist ein Kampf und am Ende verliert man alles. Das steht fest und es macht keinen Sinn es nur zu sagen, man muss zeigen, was es aus den Menschen herausholt.

Am Ende deiner Geschichte “Stiff As Toys“ verwendest du das Wortspiel “Man’s laughter. Manslaughter“. Ist das für dich eine adäquate Zusammenfassung der menschlichen Natur und Verfassung?

Oh nein. Das ist speziell ein Kommentar zu männlicher Gewalt. Und es ist ein unmissverständlicher Kommentar, weil der Erzähler versucht hat auf dramatische Weise eine Aussage zu treffen. Du hast sicher bemerkt, dass er einen bitteren Zug hat. Aber es gibt Geschichten in Where Furnaces Burn, die eine weniger extreme Ansicht der menschlichen Natur zeigen, wie z.B. “Incry” und “Point of Departure”.Ein Teil des Reizes ein Buch aus Episoden zu schreiben, liegt darin, dass man zeigen kann, dass sich die Perspektive einer Person komplex ist und sich mit der Zeit ändern kann.

William Blake hat einst über London geschrieben, dass die Stadt “a Human awful wonder of God!” sei. Wenn man bedenkt, dass in vielen deiner Geschichten eine Stadt als Setting dient und dass die dort geschehenden Dinge oftmals weit davon entfernt sind, angenehm zu sein, würdest du sagen, dass du dem Stadtleben eine gewisse Ambivalenz entgegenbringst? Wie ist es “im Moloch aufzuwachen” (um den Titel einer deiner Geschichten zu zitieren)?

Überall, wo man lebt, gibt es Probleme, und ich nehme nicht an, dass das Leben in der Kleinstadt oder auf dem Dorf idylisch ist. Die Phrase “im Moloch aufwachen” stammt aus Allen Ginsbergs großem Gedicht “Howl” und Ginsberg benutzt Moloch als ein Symbol der Ausbeutung und des Maschinenzeitalers: “Moloch whose name is the Mind!” Deswegen ist es nicht nur ein Aufwachen in der Stadt, es ist ein Aufwachen in der Hässlichkeit, die der Kapitalismus und die Mechanisierung der Menschen sind. Man würde die gleiche Hässlichkeit auf dem Land finden, nur in einer anderen Form: industrielle Viehzucht usw. Ich bin ein ziemlicher Stadtmensch, aber versuche nicht die urbane Erfahrung zu idealisieren. Es gibt offensichtlich eine Kehrseite.

Auch wenn man vorsichtig damit sein sollte, Autor und Erzähler zu verwechseln und auch wenn man nichts über deinen politischen Aktivismus weiß, weisen die Geschichten in The Lost District oder Where Furnaces Burn mehr als deutlich darauf hin, dass die Tories bei den nächstem Wahlen deine Stimme sicher nicht bekommen werden. In deiner Gedichtsammlung The Autumn Myth gibt es eine Reihe Gedichte, die politisch sind, z.B. “Safe Passage“, um nur eines zu nennen. Du hast in einem Interview gesagt, dass es immer eine “Mischung aus äußeren und inneren Realitäten” gab. War es vom Anfang deiner Kariere klar, dass du dich (im weitesten Sinne) mit politischen Themen auseinandersetzen würdest? Denkst du, dass das politische Klima in den letzten paar Jahren schlechter geworden ist?

Ich bin mir nicht sicher, was du mit “Kariere” meinst, aber davon abgesehen ja. Frühe Geschichten wie “The Foggy, Foggy Dew” haben politische Themen angesprochen, wenn auch auf ziemlich idealistische Weise. Für mich hat Politik damit zu tun, in welcher Beziehung das Individuum mit der Gemeinschaft zusammenhängt, wie die Gesellschaft geordnet ist, wie die Machtverhältnisse sind und ist somit besonders für Horror- und spekulative Literatur geeignet. Was sich in den letzten Jahren geändert hat, ist, dass die eher linke und reformerische große Partei im Vereinigten Königreich sich einer rechten Agenda verschrieben hat, wodurch eine Riesenlücke in der politischen Führung entstanden ist. Das hat mich dazu gebracht, mich stärker bei der revolutionären Linken zu engagieren und das hat dazu geführt, dass mein Schreiben einen klareren politischen Schwerpunkt hat. Die Lektionen der gegenwärtigen Wirtschaftskrise sind klar: Das kapitalistische System liegt in Trümmern und, wie der Economist zugegen hat, hat Marx Recht bekommen – entweder arbeitet man damit und beginnt eine Alternative aufzubauen oder man gewühnt sich daran in den Trümmern einer Gesellschaft zu leben. Viel Zorn und Bitterkeit, die momentan verbreitet sind, kommen von Menschen, die erkennen, dass das System versagt hat, die aber nicht mit der Notwendigkeit von etwas anderem zurande kommen. Sie denken, es ist der “Sündenfall” und nicht der Zusammenbruch eines Wirtschaftssystems, das erst dreihundert Jahre alt ist. Oder sie denken, dass ein Haufen Technolgie die Gesellschaft umfassend ändern kann, wenn sich tatsächlich alles rückwärts entwickelt. Die Menschen verhungern in den Straßen, das kann man mit Twitter nicht ändern.

Ich denke, du hast mehr im Bereich der unheimlichen Literatur gelesen als ich, aber ich habe den Eindruck, dass man Autoren, die versuchen, sich mit sozialen Realitäten auseinanderzusetzen, mit der Lupe suchen muss. War das auch ein Grund dafür die Anthologie Never Again zu veröffentlichen? 

Eigentlich waren die Hälfte der Geschichten in Never Again Neudrucke – wir wollten einen Korpus zusammentragen, der schon existierte. Weil unheimliche Literatur mit Zeit und Gemeinschaften zu tun hat, ist soziale Realität darin tief verwurzelt und es gibt da ziemlich viel sozial ausgerichtete Arbeiten, ob man jetzt über Fritz Leiber, Shirley Jackson, Harlan Ellison, M. John Harrison, Ramsey Campbell, Lisa Tuttle, Dennis Etchison, Graham Joyce, Thomas Ligotti, Joe R. Lansdale ode einige der neueren Autoren, die wir in Never Again drinhatten, spricht. Man kann von unheimlicher Literatur keinen Sozialrealismus erwarten, aber man kann kühne Metaphern, Unbehagen und Ironie erwarten und ich habe den Eindruck, dass das Genre eine reiche Quelle sozialer Kommentare ist. Robert Aickman ist ein herausforderndes Beispiel, weil er brillant, aber auch ziemlich rechts ist und manchmal spendet man dem Schreiben Beifall, während man sich der Botschaft widersetzt. Bei  Never Again wollten wir neue und schon existierende Sachen kombinieren, um zu zeigen, wie die unheimlichen und spekulativen Genres sich mit wichtigen sozialen Themen auseinandersetzen. Zwangsläufig wurden wir dafür kritisiert, zu politisch oder nicht politisch genug zu sein – aber es war die literarische Agenda, mit der wir am meisten beschäftigt waren. Allyson Bird und ich waren uns absolut bewusst, dass ein Buch mit Geschichten nicht das gleiche macht, wie ein Stand auf der Straße oder eine Demonstration. Wir wollten, dass das Resultat ein starkes Buch ist.

In deiner Novelle The Witnesses Are Gone spielen Filme eine große Rolle. Bist du stark vom Kino beeinflusst worden und könntest du dir vortsellen eines Tages ein Drehbuch zu schreiben?

Im Allgemeinen gefallen mir Horrorfilme nicht so sehr, wie ich mir das wünschen würde. Sie scheinen meistens ziemlich offensichtlich, sogar infantil.  Diejenigen, die mir richtig gefallen haben, sind u.a.  Carnival of Souls, Der Mieter, The Brood, Wenn die Gondeln Trauer tragen, Bis das Blut gefriert, The Blair Witch Project… Einige kulturell sichere Filme  wie The Monster Club und Plague of the Zombies sind auch effektiv, aber die interessantesten Horrorfilme sind diejenigen, wo man wirklich nicht weiß, was geschieht und man nicht auf Genrekonventionen verlassen kann, die einem Hinweise geben könnten. Diese Art Kino wollte ich in der Novelle hervorrufen – und die Ähnlichkeit zwischen Kino- und Traumbildlichkeit. Ich habe eine recht visuelle Vorstellungskraft, und was die Figuren in meinen Geschichten sehen ist oft wichtiger als alles andere. Aber ich bin nicht sicher, ob das Kino dafür verantwortlich ist. Ich kann nicht ausschließen, dass ich unter den richtigen Bedingungen ein Drehbuch schreibe, aber momentan steht das nicht auf meiner Agenda.

Was kannst du uns zur Rezeption deiner Arbeit sagen? Sind diejenigen, die deine Lyrik lesen, mit deinen unheimlichen Geschichten vertraut? Unterscheiden sich die Reaktionen zu deinen Arbeiten sehr?

Es gibt ein paar Überschneidungen, aber hauptsächlich ist es so, dass meine Romane, Kurzgeschichten und Lyrik  ein unterschiedliches Publikum haben. Vielleicht habe ich mich dahingehend etwas überfordert. Ich habe jedoch in allen Bereichen nette und ermutigende Kommentare bekommen, insofern denke ich, dass mein Versuch mich zwischen Genre- und Mainstreamtexten zu bewegen, nicht komplett fehlgeleitet gewesen ist. Wenn es etwas gibt, das mich aufregt, dann, wenn meine Arbeit (und insbesondere meine Lyrik) als “wirklichkeitsnaher Realismus” beschrieben wird, wenn sie das einfach nicht ist. Manche Rezensionen vermitteln einem den Eindruck, dass wir alle in einer Welt von Dr Seuss voller malvenfarbiger Kissen und kleiner knuddliger Sachen leben, einer liebenswerten Welt, und dass jeder, der die Existenz von Hässlichekit und Schwierigkeit einräumt, offensichtlich gestört ist. Was Al Alvarez das “Prinzip der Vornehmheit” gennant hat, lebt in der englischen Lyrik fort.

Bislang haben sich deine Romane nicht mit dem Übernatürlichen beschäftigt. Denkst du wie Lovecraft und Ligotti, dass die kurze Form für unheimliche Geschichten angemessener ist? Wo ich das gefragt habe, wurde kürzlich erwähnt, dass du an einem “übernatürlichen Horrorroman, der in Black Country angesiedelt” ist. Kannst dazu ein paar Worte sagen?

Eigentlich hat sich mein erster Roman mit dem Übernatürlichen beschäftigt, es war nur nicht der Hauptfokus. Es gab ein Geistergeschichtenelement, aber man konnte da auch drüber weglesen und das würde das Buch nicht für einen verderben. Ich denke, im Bereich der unheimlichen Literatur gibt es mehr großartige Kurzgesdchichten und Novellen als Romane. Es ist ziemlich schwierig, einen wirklich effektiven übernatürlichen Horrorroman zu schreiben – einer, wo das Übernatürliche ein zentrales Thema ist und nicht nur ein Teil des Plots. Die Kurzgeschichte scheint die natürlichste Form für unheimliche Literatur zu sein, denn diesen Schritt in eine visionäre Landschaft kann man schwer aufrechterhalten. Die meisten Horroromane objektivieren das Übernatürliche auf wenig originelle Weise, damit es Teil der Ausstattung des Romanschreibens ist – es wird wie alles andere. Aber der Punkt ist eben, dass es ganz anders als alles andere ist. Was meinen geplanten übernatürlichen Roman anbelangt, so gab es da für eine Weile Pläne, aber ich habe nie richtig angefangen und ich habe die Kurzgeschichte “The Messenger” geschrieben. Ich muss einfach lernen nicht über Pläne als Arbeiten, die im Entstehen begriffen sind, zu reden. Aber ich hoffe, eines Tages einen übernatürlichen Horrorroman zu schreiben.

Du hast gerade etwas zu der Anthologie The Grimscribe’s Puppets beigesteuert. Du hast einmal gesagt: “In Hochform ist Ligotti ein echter Humanist.” Welchen Ansatz hast du gewählt, um Ligotti die Ehre zu erweisen?

Es ist besser, wenn ich nicht versuche meine Geschichte zu erklären, bevor die Leute sie sehen, aber sie handelt von jemandem, der mit einer chronischen Krankheit kämpft – das schien ein Ligotti-Thema. Was ich mit diesem Kommentar gemeint habe, ist dass Ligotti sich sowohl mit Verrat, Ausbeutung und Machtmissbrauch beschäftigt als auch mit menschlichem Leid angesichts von Krankheit und Wahnsinn. Es ist, was Marcuse als “negativen Humanismus” bezeichnet, die Identifizierung des Menschlichen in denen, die ihrer Macht und Anerkennung beraubt sind und nicht die Verherrlichung des menschlichen Ehrgeizes. Eine Sache, die ich an Ligotti bewundere, ist seine absolute Bescheidenheit, seine Weigerung vorzugeben, dass literarisches Talent ihn zu einem höheren Wesen macht. Er hat ein schwieriges Leben gehabt und das hat ihn intolerant gegenüber Arroganz gemacht.

Lovecraft hat Supernatural Horror in Literature geschrieben. Du hast erwähnt, dass du dich für einige Zeit vom Schreiben fiktionaler Texte zurückziehen wirst, um dich auf deine nicht-fiktionalen Arbeiten zu konzentrieren und um über unheimliche Literatur zu schreiben. Denkst du, dass ein großes Wissen hinsichtlich der Geschichte der unheimlichen Literatur zu haben und diese zu reflektieren und sich darauf zu stützen, das eigene Schreiben verbessern kann? 

Ich würde sicher nicht behaupten, dass ich ein großes Wissen über unheimliche Literatur habe, aber ich ich innerhalb der letzten 40 Jahre einiges gelesen. Und das kann das eigene Schreiben verbessern, und wenn es auch nur hilft zu sehen, wie untershciedlich und reich das Genre ist. Ich habe genug davon, wenn Autoren dafür gefeiert werden, das Rad neu zu erfinden. Es ist leichter etwas zu versuchen und originell zu sein, wenn man eine Vorstellung davon hat, was vorher losgewesen ist. Uns es hilft einem zu sehen, wovon das Genre wirklich handelt, was die wiederkehrenden Themen sind. Das Kino definiert nicht das Genre, das Schreiben tut es.

Vor einigen Jahren war angekündigt, dass du an einem dritten Roman, Midnight Blue, arbeiten würdest. Wird der Roman noch erscheinen? Gibt es noch etwas, das du hinzufügen magst? Zukunftspläne?

Der Roman ist vor mehr als zwei Jahren fertiggeworden, aber ich suche noch immer einen Verlag dafür. Es ist kein Genreroman, insofern versuche ich literarische Verlage davon zu überzeugen, ihn zu veröffentlichen und diese Welt hat sich in den vergangenen paar Jahren radikal verändert. Ich werde dich wissen lassen, was passiert. Was andere Projekte anbelangt, so arbeite ich an einem Buch mit Geistergeschichten, einem Buch mit “Slipstream”-Geschichten, einem Krimi über Alkoholismus, einem nichtfiktionalen Werk über Horrorliteratur und das 20. Jahrhundert und an einem Buch mit politischer Lyrik. Das sollte mich das nächste Jahrzehnt über beschäftigen. Ich habe auch vor Winterschlaf zu machen, aber die Gesetzeslage ist erschreckend komplex.

M.G.

Vielleicht braucht es eine gewisse Distanz, um Trauer künstlerisch fruchtbar zu machen. Unmittelbar nach dem Tod Balances hatte Tibet das Gedicht „Moonbird“ geschrieben, acht Jahre später folgt ein komplettes Album. Bei solch einem konzeptionell dichten Werk steht natürlich – letztlich wie bei den meisten Arbeiten der letzten Jahre – der Text im Vordergrund und seit einiger Zeit schon führen die Textkonvolute (natürlich) zu einer anderen Art des Vortrag(en)s. Eine konventionelle Vers-Chorus Struktur, die bei Current 93 sowieso selten eine Rolle spielte, fehlt völlig, stattdessen werden die sich aus einer immer komplexer und hermetischer werdenden Privatmythologie Tibets speisenden Texte (in denen die verstorbenen Katzen Tibets ebenso Platz finden wie Tiny Tim, Shirley Collins oder Thomas Ligotti; auf Kairo im Jahr 1904, als Aiwass Crowley das Buch des Gesetzes offenbarte, ebenso verwiesen wird wie auf Jerusalem; Logarithmen ebenso wie Keilschrift auftauchen) mehr rezitiert als gesungen. In einer kürzlich veröffentlichten Besprechung des Myrninerest-Auftritts auf dem von Antony kuratierten Meltdown Festival sprach der Rezensent von Tibets „surrealen“ Texten, wobei das ein Adjektiv ist, das Tibet selbst weit von sich weisen würde, denn „’Jhonn’, Uttered Babylon“ ist vielmehr der Entwurf einer individuell als kohärent erscheinenden Kosmologie jenseits einer Phantasmagorie. Exemplarisch für die (nur) scheinbar assoziative Aneinanderreihung von auf den ersten Blick disparaten Bildern seien folgende Zeilen aus „The Dog is Unwell“ (die Titel beziehen sich auf die CD-Version, auf der LP tragen alle Stücke andere Namen, dieses heißt dort „Meanwhile The Helocopter“) zitiert: „I heard the Time/Spill Drinks whilst/The BarMaid Bakes/At that specific Island/The Chiffre was marked/Not known by the Vulva who/Showered You with Armageddon/And Tetragrammaton/And lottery winners“. Wie auf den Alben der letzten Jahre steht hier erneut Heiliges neben Profanem und insofern ist es nicht nur ein Album über Balance und über Tibets Freundschaft zu ihm, sondern auch ein Album über Tibet selbst, wobei sich in den Texten natürlich immer wieder Anspielungen an Stücke von Coil finden: so ist u.a. die Rede von „limnal bats“, gegen Ende wird die Frage „WHERE ARE YOU“ gestellt, man gedenkt der von Blake entliehenen „Rose“ und nennt die „Time Machine”. Auch werden immer wieder die von Alkoholabusus geprägten letzten Lebensjahre des Freundes angesprochen: „There were no stars left/Towards the end“, „He stared too long into the /Abyss“; aber auch das eigene Werk wird verfremdet angesprochen: „Under the Rain and/Grit and Dogs/Under the Pain of/Keeping Hooded Eyes“ heißt es auf „CatNip Pastures“.

Das kontemplative „Chaos In His ChoirBoy“ gehört zu den zugänglicheren Stücken, am beeindruckendsten – wenn auch für diejenigen, die mit dem Ouevre Tibets nicht vertraut sind, irritierendsten – sind die Stücke, auf denen der Vortrag sich zur völligen Selbstoffenbarung steigert und Tibet kurz vor dem Zusammenbruch zu stehen scheint, so etwa auf „Roadworks For TinkerBell“, „The Green Sothis Bottles“,  „BadLuckClock“ (mit fast schon atemlosen Vortrag) oder besonders auf dem Abschlusstrack „Long Home Sick Tonight“.

Halluzinatorisch ist diese Reise tatsächlich, wieviele bereit sind, daran teilzunehmen, ist eine andere Frage, denn nach diesen zwölf Stücken und dieser Thematik kann es dem Hörer wie im letzten Stück beschrieben gehen: “Drowning/In Language and/Exhaustion”.

M.G.

Label:The Spheres/Coptic Cat

Myrninerest