Musikalisch bewegt sich “Acéphale” zwischen rauen, fast shoegazigen Klangflächen, hellen Resonanzen und dunklen, rituellen Passagen. Dröhnende Passagen, bearbeitete Feldaufnahmen und archaisch wirkende Rhythmen v.a. im Titeltrack erzeugen, wie es vom Label heißt, eine Spannung zwischen Tod und Begehren, Ekstase und Auflösung. Marcus Stiglegger, Gründer von Vortex, Film- und Medienwissenschaftler und nicht zuletzt langjähriger Bataille-Forscher, übersetzt dessen Philosophie von Transgression und Immanenz in ein vielgestaltiges und bisweilen verstörendes klangliches Ritual. Unterstützt wird er dabei unter anderem von David S., dem Mastermind des Projektes Dawn + Dusk Entwined mit Rezitationen aus dem französischen Originaltext. “Acéphale” erscheint als limitierte CD-Edition im Digipak mit zwölfseitigem Booklet, das einen Text von Jack Sargeant enthält. Das Album ist außerdem zum Download erhältlich.

Zu den Überschneidungen zum letztjährigen Line-up zählt der Schwede Trepaneringsritualen, aus der Besetzung des Shibalba-Auftritts sind diesmal das deutsche Projekt Nam-Khar und der rumänische Act Alone In The Hollow Garden, deren Diskografien mittlerweile zahlreiche Überschneidungen aufweisen, zu sehen. Unter den weiteren Teilnehmern sind Schloss Tegal, Vortex, die Kolumbianer Emme Ya, Dodssang Temple, Black Vault, Schmerz und Erlösung und als besondere Überraschung die derzeit äußerst produktive italienische Okkult-Supergroup La Porta Ermetica mit von Ain Soph, Teatro Satanico, Macelleria Mobile di Mezzanotte und 3+Dead bekannten Musikern zu verzeichnen. Landgraaf liegt in der Provinz Limburg, deren Name auf Verbindungen zu der hessischen Kreisstadt zurückgeht.

15. und 16.11.2024
Beginn jeweils 19 Uhr
Oefenbunker
Heerlenseweg 162
6371 HX Landgraaf
Niederlande

@ Facebook mit Tickets und weiteren Informationen

italienischen Regisseurs Lucio Fulci (1927-1996) gewidmet, der in den späten 50ern mit Kommödien begann, seinen Durchbruch in den Jahren um 1970 u.a. mit Giallofilmen (z.B. Don’t Torture a Duckling 1972) und anderen Thrillern (u.a. Una sull’altra 1969) hatte, später dann auch und v.a. mit Zombifilmen, zum Teil als Fernseh-Produktionen, international bekannt wurde. Zu den Künstlerinnen und Künstlern zählen einige, die wiederholt Thema auf unseren Seiten waren, allem voran Temple Music, The Gray Field Recordings und Black Lesbian Fishermen, ferner Ashtoreth, PAS Musique, Sieben, Naevus, Andrew King, David E. Williams im Duett mit Carlo Baja Guarienti, Vortex und Llovespell.

@ Facebook | Home | Youtube

Das deutsche Einmannprojekt Vortex hat mit all seinen bisherigen Veröffentlichungen gezeigt, dass es gerne konzeptionell arbeitet; auf dem neuen Album wird schon durch den Titel und die Linernotes im Booklet explizit auf die aus der hinduistischen Tradition stammende Idee von verschiedenen Weltzeitaltern, die die Welt durchlebt, verwiesen, wobei das letzte der vier Zeitalter, das Kali Yuga – und damit wären wir wieder beim anfangs Thematisierten – das verderbteste ist. Dabei geht es allerdings – wie im Text betont wird – weniger um das Konzept an sich als um seinen metaphorischen Wert für die heutige Zeit und konsequenterweise wird gleich zu Beginn postuliert, dass unser gegenwärtiges Zeitalter von Gier und Ignoranz geprägt, verdorben und seiner Spiritualität beraubt sei. Dies hinterlässt ambivalente Gefühle: Zum einen meint man, es solle mal wieder die gern gespielte kulturpessimistische Saite zum Klingen gebracht werden, andererseits verspürt man aber durchaus eine gewisse Sympathie, kann man das Gesagte (zumindest temporär) nachvollziehen, wenn man an die von dem Motto „Geiz ist geil“ getriebenen, WhatsApp verschickenden und vor ihren Flachbildschirmen -Bradburys „parlor walls“ sind da nicht mehr weit- vegetierenden Zombies denkt.

Musikalisch bedient man sich zwar durchaus einigen Stilmitteln des Dark Ambient (Dröhnen, Hall), ergänzt diese aber u.a. durch perkussive Momente, die einigen Stücken einen rituellen Charakter verleihen (sollen). Das das Album eröffnende „Kali Yuga Anthem“ ist vielversprechend, diese „Hymne“ arbeitet mit repetitiven Stimmen und lärmigen Passagen, die dieses dunkle Zeitalter vor dem Ohr des Zuhörers entstehen lassen. „Confusion“ dagegen kombiniert getragene Klangflächen mit treibender Perkussion. Von der Stimmung knüpft „Prayer for the Iron Age“ etwas daran an, ist durch den Einsatz von Flöten und weiblicher Stimme aber variantenreicher. „Kali Yuga Ritual“ klingt durch die anfängliche Fokussierung auf die Perkussion wesentlich archaischer und lässt an Zero Kama denken, bevor der Track getragen ausklingt. „Martial Destiny“ erinnert durch seine tribale Perkussion kurzzeitig an Hunting Lodge. Stücke wie „Dawn of the Iron Age“ oder „Techno Crisis“ lassen sich eher im Dark Ambient verorten, enthalten aber melodische Texturen, die sehr stimmig und stimmungsvoll sind. Auf „Gods of the Desert“ hört man -dem Titel entsprechend- orientalische Passagen. Passenderweise klingt das Album mit „Kalki the Destroyer“ aus, schließlich ist Kalki die finale Inkarnation Vishnus und kommt am Ende des Kali Yuga, um die Verderbten zu richten (etwas, das man in der einen oder anderen Subkultur spätestens seit Current 93s „Thunder Perfect Mind“ weiß). Was danach kommen wird, ein Satya Yuga, eine Besinnung auf weniger Materielles, wird sich zeigen – die Vorstellung des Autors dieser Zeilen ist aber tendenziell eher kupiert.

(J.M.)

Label: Cyclic Law

Das deutsche Einmannprojekt Vortex hat von Anfang an stark konzeptionell gearbeitet: Setzte man sich auf dem ersten Album „Phanopoeia“ mit Ezra Pound, il miglior fabbro, auseinander – der Name des Projekts verweist natürlich auf den von Pound so getauften Vortizismus -, untermalte die CD, die dem Band „Stille“ von Birthe Klementowski beilag, das Grauen der Massentötung psychisch Kranker in der Landesheilanstalt Hadamar während der Jahre 1941-45. Auf „Rockdrill“ geht es um die Anfang des 20. Jahrhunderts von Jacob Epstein (u..a bekannt für sein Grabmal für Oscar Wilde) geschaffene Skulptur gleichen Namens, die eine Art biomechanische Figur zeigt, die über einem überdimensionemalem Bohrer thront – eines der zentralen Werke der Vortizisten, das damals zu sehr polarisierenden Reaktionen führte:

Damit wird aber (auch) erneut der Bogen zu Pound geschlagen, auf den die Skulptur großen Einfluss hatte: Es gibt eine Sektion in Pounds Magnum Opus, den von ihm selbst als künstlerischer Fehlschlag bezeichneten Cantos, die „Rock-drill“ heißt. Für Pound war der Felsbohrer eine Metapher für den Künstler (W. Schmied) und zur Zeit der Entstehung der „Rock-Drill“-Cantos adressiert er Wyndham Lewis als „ole Rock-drillaHHHH…“. Soviel zum Kontext.

Vortex lassen sich sicher im weiteren Feld des Dark Ambient ansiedeln, auf „Rockdrill“ wird aber recht variantenreich vorgegangen und das Genre bzw. dessen Grenzen mehrfach gesprengt: Das Album wird von „Rockdrill I“ eröffnet. Auf düstere Soundflächen zu Beginn folgt rabiate Perkussion, die sicher an das Vitalistische des dem Futurismus nicht unverwandten Vortizismus anspielt. „Canto Spoleto“ ist dagegen völlig anders geartet: Eine Gitarre scheint gezupft zu werden, dazu lässt man den „besseren Schmied“ Canto CVI vortragen. Das Stück ist reflexiv, eine melancholische, von Schwermut geprägte Nummer. „Spiral“ wird von verhallten Geräuschen in unerforschten Tiefen dominiert und lässt an geologischen Dark Ambient denken. Der Track endet mit einem Geräusch, das an einen sich verlangsamenden Bohrer denken lässt. „Fatalism“ ist gerprägt von Sprachsamples, dunklen Drones, zu denen akustische Instrumente hinzukommen. „Iron Cage“ – wahrscheinlich an Pounds 25 Tage in einem hell beleuchteten Käfig nach seiner Festnahme anspielend – ist ein dramatischeres Stück aus Choralelmenten, tribaler Perkussion und kaum zu verstehende Sprachsamples von Pound. Bei einem Titel wie „Asylum“ muss man unweigerlich an Pounds Einweisung in die psychiatrische Abteilung des St. Elizabeth-Krankenhauses denken: Wasser tropft, Klänge im Hintergrund (ver)stören. Auf „Construction“ werden leicht dissonante Streicher eingesetzt, bevor „The Fall“ wieder vitalistisch-perkussiv ist.

Abschließend noch ein Zitat Epsteins zu seinem Werk: Für ihn sollte es “the terrible Frankenstein’s monster we have made ourselves into” darstellen. 

(M.G.)

Label: Cyclic Law

]]> https://africanpaper.com/2012/07/07/vortex-rockdrill/feed/ 0 https://africanpaper.com/2011/09/09/v-a-thanateros-visions-of-love-death/ https://africanpaper.com/2011/09/09/v-a-thanateros-visions-of-love-death/#comments Fri, 09 Sep 2011 04:50:38 +0000 admin http://africanpaper.com/?p=365 Weiterlesen →]]> Jede Subkultur kennt sie: Familientreffen, bei denen sich alte Freunde die Hand schütteln, sich gegenseitig versichern, dass man noch immer zusammen gehört, auch wenn sich die Bande über die Jahre etwas gelockert haben. Familien dieser Art bilden sich häufig im Umfeld beliebter Bands oder im Dunstkreis einiger Kultlabels. Gelegentlich auch um Magazine.

In Form einer Doppel-CD veranstaltete jüngst auch das deutsche :Ikonen:-Magazin ein virtuelles Treffen alter Freunde. Das Ganze findet unter dem Motto “Liebe und Tod” statt und nennt sich “Thanateros”. Fast alle teilnehmenden Musiker waren über die Jahre Thema im Heft und prägten Image und Leserschaft. Die Ausrichtung von :Ikonen: war von Beginn an intermedial und stilistisch offen. Schwerpunkte sind neben einem grundsätzlichen Interesse am Transgressiven aber dennoch auszumachen. So bilden die Medien Musik und Film die beiden wichtigsten Themenblöcke, und auch wenn innerhalb dessen auf einen breiten Kanon gesetzt wird, ergibt sich, vermutlich aus dem Geschmack der Redakteure heraus, eine interessante Zweigleisigkeit: Ohne pauschalisieren zu wollen erscheint mir der Filmkanon des Magazins spielerischer, postmoderner und vor allem erotischer als die Musikauswahl, die mit Neofolk, Dark-Ambient und anderen Abkömmlingen des Industrial doch eher für eine kühle, beherrschte, klassisch-dandyeske Haltung steht. Der typische Ikonenfilm hat Nietzsche, Bataille und Artaud im Blut, die typische Ikonenplatte dagegen eher Schopenhauer, Cioran und Jünger.

Auch die Compilation huldigt nicht nur der Musik, sondern hat eine ebenso stark visuelle Seite. Cover und Booklet basieren auf Fotografien des SM-Künstlers Helmut Wolech, aufbereitet durch den Grafiker Joachim Lütke, der bisher eher konsumorientierte Düsternis marke Dimmu Borgir visuell unterstützte. Ob die Präsentation diverser Körperöffnungen sich vom Standard gängiger Schmerzlustschau unterscheidet, ob die zusammengeschnürten Körper auf Hans Bellmer verweisen, kann ich schlecht beurteilen – ich finde die Bildbeiträge jedenfalls nicht sehr ansprechend und kann auch keinen konkreten Bezug zur Musik des Samplers ausmachen. Und drei Schriftarten auf einem Cover? Nun ja. Relevanter finde ich da den soundtrackartigen Charakter mancher Songs, die vor dem inneren Auge des Hörers sicher das eine oder andere dystopische Szenario aufscheinen lassen.

Auf der “Love”-betitelten CD sind vorwiegend akustische Songs zu hören – Tristesse und Wohlklang stehen auf dem Programm. Nach dem kurzen, atmosphärischen Golgatha-Intro „Broken Blossom“ liefert Tony Wakeford einen Auszug aus seinem letzten Soloalbum ab. Basierend auf einem Text der litauischen Dichterin Zuzanna Ginczanka entfaltet sich eine symphonische Tonfolge aus lieblichen Gitarrenloops und anrührenden Holzblasinstrumenten, atmosphärisch durchdrungen von einem verhaltenen Glühen, das Tonys trockenen Gesang umso markanter und ergreifender wirken lässt. Ginczanka starb während der Shoa, und ihr im letzten Lebensjahr geschriebenes Gedicht stellt sich in eindringlichen Bildern dem drohenden Tod. Es sind jedoch Bilder, die auch von Unsterblichkeit, vom Übertragen dichterischer Kraft auf den Leser zeugen. Befruchtung sozusagen – ein erotisches Gedicht? Das wäre zu viel gesagt, aber dennoch siegt in der Feier des Vitalen auch der Eros über den Tod. Nach diesem frühen Highlight wirken viele weitere Songs einfacher und poppiger. Der unermüdliche Matt Howden trägt mit “Floating” ein intensives und poppiges Sieben-Stück bei, wie immer nur mit Stimme, Violine und Looppedal. Naevus warten mit ihrem leider letzten, allerdings nicht mit ihrem besten Stück auf. Das Folkstrumming erinnert an frühe Tage der Band, die für mich immer so etwas wie eine mit den Stranglers aufgewachsene Alternative zu Interpol war, statt bloß eine weitere Neofolkkapelle. Als Joanne Owen und Lloyd James privat getrennte Wege gingen, war das auch das Aus der Band – wer sie ebenso schätzte wie ich, der sollte die Aktivitäten ihrer Mitglieder weiter verfolgen. Atmosphärisch folkig geht es außerdem bei den von Yeats inspirierten :Golgatha: zu, ferner bei Apatheia, Jera Nauthiz und Sub Luna, Neofolk der romantischen Art bietet der Beitrag von Sonne Hagal. Andrew King wartet mit knapp vier Minuten echter Englishness auf. Aetherna interpretieren auf eine kühle und aufgeräumte Art Bataille, was konträr zu meiner Behauptung weiter oben stehen mag. Ein interessantes, legitimes Spiel mit Kontrasten, aber für mich als Klischeedenker ist eher eine von Fülle und Verschwendung geprägte Musik wie etwa Death Metal und Freejazz affin zu Bataille. Stilistisch schlagen sie die Brücke zum Ambient, Stolen Flowers ergänzen diesen durch perkussive Elemente, für die man wohl die Vokabel “rituell” benutzt. Andere Vertreter integrieren indische Folklore (Werkraum mit Unterstützung von Nicholas Tesluk), wandeln auf den Spuren melancholischer Americana (While Angels Watch, Kentin Jivek) oder haben gar ihre neue Heimat im Elektropop gefunden (Dernière Volonté).

Lauter, finsterer, dystopischer die “Thanatos”-Seite. Vortex sorgen mit ihrem von bedrohlichem Donnergrollen begleiteten Ambientstück für ein recht klassisches Intro. Coph Nia geben sich doomig, der 90er-Crossover-Einschlag findet sich nur im Gesang, was mich angenehm überrascht. Ob die 90er generell eine Zeit des Thanatos waren, wage ich nicht zu sagen, der Begriff „Fin de Siecle 2000“ kursierte ja – jedenfalls scheinen viele der Acts auf Seite zwei dieser Ära verbunden (geblieben?) zu sein. Bei den Noisedistortions, die mal in Wellen (Isomer), dann als Sog ([bleed]), zuletzt rhythmisch (Kristoffer Nyströms Orkester) zu Wort kommen, scheinen die Uhren jedenfalls zur Milleniumszeit stehen geblieben zu sein. Letzterer leitet mit seinen Snaredrums und Sprachsamples zu ausgefeilten Soundscapes über, die in elektronischer (Dawn & Dusk Entwined, Negru Voda vs. Plague Machinery, Satori) oder orchestraler (Mink M. Ra mit schönen Oboen, The Trail, Arkane, bei denen es arg heavenly wird) Form für Düsternis sorgen. In unterschiedlicher Form “neo-klassisch” klingen die Projekte Verney 1826 und 53, erstere nach Gothic-Art, letztere in Form eines hintergründigen Cello-Drones. Zu den Ausnahmeformationen auf der zweiten Seite zählen noch Fuckhead. Wer so heißt ist gut, und folglich gehört ihre verspielte Kollage mit all ihrem absurden Chaos auch zu den schillerndsten Momenten der Sammlung.

Thanateros schafft einen guten Überblick über die Restbestände der ehemals blühenden Neofolk- und Postindustrial-Kultur, und gerade einige Stücke der „Eros“-Seite zeigen Wege aus der Endlosschleife, in der diese Genres in ihrer Reinform schon seit Jahren gefangen sind. Dass das nur auf einzelne Stücke zutrifft, ist nicht der einzige Kritikpunkt. Da wären die Länge der Zusammenstellung, die eben auch Längen mit sich bringt, und vor allem das etwas viel versprechende Konzept unter einem bedeutungsschweren Titel – denn wo in Kunst und Musik geht es bitteschön nicht „irgendwie“ um Liebe und Tod, wenn man die Themen nur weit genug fasst? Was hier zwischen Liebe und Tod gefeiert wird ist in erster Linie Gemeinschaft und Zusammengehörigkeit, und dafür sind subkulturelle Familientreffen ja schließlich da. (U.S.)

Label: :Ikonen: Media

Der Fotoband „Stille“, dem eine Audio-CD von VORTEX – dem Einmannprojekt des Herausgebers Marcus Stiglegger – beiliegt, soll eine Auseinandersetzung mit der Massentötung psychisch Kranker in der Landesheilanstalt Hadamar während der Jahre 1941-45 sein, der Ermordung einer Personengruppe also, die wie so viele andere von den Nazis als „lebensunwertes Leben“ bezeichnet wurden. Ein Thema, das wegen  eines kürzlich entdeckten Massengrabs bei einem Krankenhaus in Tirol mit über 200 Opfern des Euthanasieprogramms traurige Aktualität besitzt.

In den Gaskammern der hessischen Anstalt Hadamar wurden etwa 15,000 Menschen getötet. Eine Anstalt, in der sich das Gegenteil von Heilung abspielte, fanden sich in ihr doch neben den als Duschen getarnten Gaskammern noch ein Sektionsraum, in dem manchen Leichen Gehirne entnommen wurden und ein Krematorium, das dafür sorgte, dass die Leichenberge schnell und effizient abgetragen werden konnten. Eine Auseinandersetzung mit solchen Geschehnissen kann natürlich nur bedingt angemessen sein, man muss nicht einmal an das berühmte Diktum, nach Auschwitz sei keine Lyrik mehr möglich, denken, aber natürlich gibt es Herangehensweisen, die funktionieren (können). Und dieser Bildband versucht es mit Zurückhaltung (und nicht etwa mit Krawall, der dem “Werk” eines deutschen Vieldrehers innewohnt).

Klementowski nähert sich der Anstalt von außen, wobei die Schwarzweißfotografien des sonnenbestrahlten Gebäudes auch problemlos ein Lungensanatorium oder eine andere tatsächliche Heilanstalt, abbilden könnten. Allmählich gelangt man ins Innere, schaut eine dunkle Treppe hinab, gelangt in den Keller, schließlich in die Gaskammer, wobei das Foto der symmetrisch angeordneten Muster auf dem Boden eine perfide Illustration des industriell-systematischen Massenmords ist. Es folgt der Sezierraum, der Verbrennungsofen, schließlich verlässt man die Anstalt wieder, sieht sie nur noch von außen. Was die Bilder auf bedrückende Weise eindringlich macht, ist die völlige Leere, die Abwesenheit eines jedweden Menschen, die (vielleicht Titel gebende) völlige „Stille“. Hier gibt es keine Überreste, stattdessen kalte, kahle, klinische Böden und Wände. Einigen der Fotos werden Auszüge aus Ernst Klees „Euthanasie im NS-Staat“ gegenübergestellt, in denen sich die Täter von damals äußern und deren Worte in ihrer Nüchternheit die völlige Abwesenheit von Empathie  und in ihrer bürokratischen Sachlichkeit die „Banalität des Bösen“ bezeugen, etwa dann, wenn es heißt: „Je nach Zahl der Toten haben wir zwei bis acht Tote verbrannt. Der Ofen wurde mit Koks geheizt. Die Arbeit wurde, je nach Bedarf, Tag und nacht [sic] fortgeführt.“  An anderer Stelle sagt jemand: „Es kam hinzu, dass die meisten der verbrannten Personen verhältnismäßig mager waren. Die Verbrennungszeit für eine magere Leiche ist größer, [sic] als für eine wohlgenährte.“

Eine Audio-CD „Stille“ zu nennen, ist fast schon paradox: Man hört düstere Klangflächen, verhallte Klavierpassagen, Wassertropfen. Einzig der letzte Teil trägt mit „Requiem“ einen Untertitel, der einen Hinweis darauf gibt, wie dieser letzte mit verfremdeten Orgeldrones arbeitende Track gelesen werden sollte. Nach einer kurzen Pause flüstern gegen Ende Kinderstimmen. Der Rest ist Schweigen, Stille.

(M.G.)